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Weibliche Jomon Figur

Weibliche Jomon Figur

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Japanische Figur einer Frau, c. 1000 - 800 v. Chr., in der Sammlung des Minneapolis Institute of Art.

Von artsmia.org:
Im Laufe der Jahre haben Archäologen viele verschiedene Arten von Tonfiguren – Hunden – entdeckt, die aus der prähistorischen Jōmon-Zeit Japans (14.000–300 v. Chr.) stammen. Die unterschiedlichsten Formen wurden im Nordosten Japans ausgegraben, wo diese Figur einer Frau entdeckt wurde. Einige sitzen, andere stehen, einige haben herzförmige Köpfe, andere haben runde Köpfe und tragen Kopfbedeckungen, einige haben wenig oder keine Oberflächendekoration und andere, wie dieses Beispiel, bekannt als Shakōki oder „brillenäugiger“ Typ, haben ausgeprägte große Augen und sind mit Farbe und aufwendig geschnitzten Verzierungen geschmückt. Mehr Informationen zum Objekt hier: http://collections.artsmia.org/art/124688/figurine-of-a-female-unknown-japanese Hergestellt mit ein paar hundert 20-Megapixel-Fotos, erstellt in PhotoScan. Dies ist eine niedrigaufgelöste Version des Objekts; Kontaktieren Sie [email protected] für eine Datei mit höherer Auflösung.

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Die Ursprünge des Tätowierens in Japan – Jomon und Ainu.

Die Ureinwohner Nordjapans nennen sich “Ainu,”, was in ihrer Sprache “people” oder “humans” bedeutet. Jüngste DNA-Beweise deuten darauf hin, dass die Ainu etwa im 15. Jahrhundert aus dem Norden nach Hokkaido eingewandert sind. Es wird angenommen, dass sich einige Ainu-Populationen mit den bestehenden Jomon-Leuten vermischt haben, die bis zu 12.000 Jahre in Japan sesshaft waren. Es ist eine Grauzone, da es nicht viele konkrete Beweise für das Ausmaß von Migration und Vermischung gibt und es wird ständig untersucht, aber wie haben sich diese Kulturen gegenseitig beeinflusst und was sind die Ursprünge der japanischen Tätowierungen?

Die Jomon-Kultur basierte wie die der Ainu auf einer Jagd- und Sammlerwirtschaft. Durch die Nutzung natürlicher Ressourcen aus Fluss-, Land- und Meeresökosystemen erreichten die Jomon ihren Status durch aktives und kontinuierliches Engagement mit ihrer Umgebung. Archäologische Beweise in Form von Keramikskulpturen unterstützen diese Ansicht, legen aber auch nahe, dass bestimmte Tiere (Bären, Wale, Eulen) hoch verehrt und möglicherweise als Gottheiten verehrt wurden. Bei den Ainu wird angenommen, dass alle Naturphänomene (einschließlich Flora, Fauna und sogar unbelebte Objekte) eine spirituelle Essenz haben, und bestimmte Tiere (z. B. Braunbären, Schwertwale, gehörnte Eulen) werden weiterhin in Zeremonien und Ritualen geehrt "Geistgottheiten" genannt Kamuy.

Neben zoomorphen Skulpturen schufen die Handwerker von Jomon auch anthropomorphe Figuren, Hunde, die wahrscheinlich von einzelnen Familien zum Schutz vor Krankheiten, Unfruchtbarkeit und den mit der Geburt verbundenen Gefahren verwendet wurden. Markierungen auf den Gesichtern vieler dieser Hundeū weisen wahrscheinlich auf Körperbemalungen, Skarifikationen oder Tätowierungen hin, und ähnliche Figuren, die in jüngerer Zeit als Felskunst oder in Masken von indigenen Völkern des unteren Amur-Flussbeckens der russischen Meeresregion geschnitzt wurden, deuten auf eine alte und ungebrochene . hin Tradition des persönlichen Schmucks und der rituellen Praxis.

Bis vor kurzem (die letzte voll tätowierte Ainu-Frau starb 1998) behielten die Ainu-Frauen eine Tradition der Gesichtstätowierung bei, was das Argument stützt, dass die alten Jomon diesen Brauch in der fernen Vergangenheit verwendeten. Für die Ainu war das Tätowieren ausschließlich Frauen vorbehalten, ebenso wie der Beruf des Tätowierers. Nach mythologischen Berichten wurde die Tätowierung von der “Ahnenmutter” der Ainu Okikurumi Turesh Machi, der jüngeren Schwester des Schöpfergottes Okikurumi, auf die Erde gebracht.

Da das Tätowieren einen angestammten Brauch darstellte, der von einer gemeinsamen weiblichen Vorfahren abstammte, wurde es durch die Jahrhunderte in der mütterlichen Linie fortgesetzt. Betrachtet man Tattoo-Praktiken durch die Linse der Verwandtschaft, ist es nicht verwunderlich, dass die Position des Tätowierers normalerweise von Großmüttern oder Tanten mütterlicherseits ausgeübt wurde, die “Tattoo-Tanten” oder einfach “Tattoo-Frauen” genannt wurden.

Zu verschiedenen Zeiten in der Geschichte haben die japanischen Behörden die Verwendung von Tätowierungen durch die Ainu (und andere ethnische Völker unter ihrer Autorität, wie die indigenen Völker Taiwans) verboten, um sie von ihren traditionellen kulturellen Praktiken zu lösen und sie auf den nachfolgenden Prozess der Japanisierung vorzubereiten . Bereits 1799, während der Edo-Zeit, erließ das Ezo-Shogunat ein Tätowierungsverbot: “Bei den angeblichen Tätowierungen kann man den bereits gemachten nicht helfen, aber den noch Ungeborenen ist das tätowieren verboten”. Im Jahr 1871 verkündete die Entwicklungsmission von Hokkaido, “die nach diesem Tag Geborenen dürfen sich nicht tätowieren”, weil der Brauch “ zu grausam war”. Und laut einem westlichen Beobachter war die japanische Haltung gegenüber dem Tätowieren notwendigerweise missbilligend, da in ihrem eigenen kulturellen System “Tätowieren mit Verbrechen und Bestrafung in Verbindung gebracht wurde, während die Praxis selbst als eine Form der Körperverstümmelung angesehen wurde, die im Falle einer freiwilligen Zufügung, war den vorherrschenden Vorstellungen von konfuzianischem kindlichen Verhalten völlig abgeneigt.

Natürlich wichen die Ainu diesen Gesetzen vehement aus, denn Tätowierungen waren traditionell eine Voraussetzung für die Ehe und das Leben nach dem Tod. Ein Bericht aus den 1880er Jahren beschreibt, dass die Ainu über das Verbot des Tätowierens sehr betrübt und gequält wurden: “Sie sagen, dass die Götter wütend sein werden und dass die Frauen nicht heiraten können, wenn sie nicht tätowiert sind. Sie sind diesbezüglich weniger apathisch als bei jedem anderen Thema und wiederholen häufig, ‘Es ist Teil unserer Religion.” Eine Ainu-Frau sagte in den 1970er Jahren: “Ich war einundzwanzig Jahre alt, bevor ich das hatte kleines Tattoo auf meinen Lippen. Danach versteckte mich meine Mutter fünf Tage lang vor der japanischen Polizei. Ich wünschte, wir hätten zumindest diesen einen Brauch beibehalten können!”

Traditionelle Ainu-Tätowierinstrumente namens Makiri hatten eine messerähnliche Form, und manchmal waren die Scheiden und Griffe dieser Werkzeuge kunstvoll mit zoomorphen und apotropäischen Motiven geschnitzt. Vor dem Aufkommen von Makiri mit Stahlspitze wurden rasiermesserscharfe Obsidianspitzen verwendet, die mit Fasern umwickelt waren, so dass nur die Spitze der Spitze herausragte, um die Tiefe der Einschnitte zu kontrollieren. Als das Schneiden intensiver wurde, wurde das Blut mit einem Tuch abgewischt, das mit einem heißen Eschen- oder Spindelholzantiseptikum namens Nire getränkt war. Ruß, der mit den Fingern vom Boden eines Kessels genommen wurde, wurde in die Einschnitte gerieben, und die Tätowiererin sang dann einen Yukar oder einen Teil eines epischen Gedichts, in dem es hieß: “Auch ohne sie ist sie so schön. Das Tattoo um ihre Lippen, wie brillant es ist. Man kann sich nur darüber wundern.” Danach rezitierte der Tätowierer eine Art Zauberspruch oder Zauberformel, während mehr Pigment in die Haut eingebracht wurde: “pas ci-yay, roski, roski, pas ren-ren”, was bedeutet “Ruß eingeschlossen bleibt, Ruß sinkt ein, sinkt ein”.

Obwohl diese Anrufung auf den ersten Blick nicht wichtig erscheinen mag, war sie dennoch symbolisch bedeutsam. Jedes Ainu-Haus wurde nach Plan mit Bezug auf den zentralen Herd und ein heiliges Fenster mit Blick auf einen Bach gebaut. Im Herd wurde Feuer entzündet, und im Feuer war die Heimat einer wichtigen Gottheit, die als Mittler zwischen allen Ainu-Göttern diente – Fuchi. Die Feuergöttin Fuchi wurde vor allen Zeremonien angerufen, da die Kommunikation mit anderen Kamuy (Gottheiten und Geistern) ohne ihr göttliches Eingreifen unmöglich war. Fuchi wachte über Familien und unterstützte sie in Zeiten von Not und Krankheit oder bei Geburt und Tod. Insofern war der zentrale Herd ein lebendiger Mikrokosmos des mythologischen Universums der Ainu, denn als ritueller Raum reproduzierte er sich und bot die Möglichkeit, aktiv in den Kosmos einzugreifen. Es war jedoch auch ein Ort, an dem Ainu und die Götter einander misstrauisch wurden, besonders wenn das Feuer nicht ständig brannte.

Laut Romyn Hitchcock, einer Ethnologin der Smithsonian Institution im späten 19. Mund, dessen Stil je nach Ort variiert. Junge Mädchen von sechs oder sieben Jahren haben einen kleinen Fleck auf der Oberlippe. Mit zunehmendem Alter wird dieser nach und nach verlängert, bis ein mehr oder weniger breites Band den Mund umgibt und sich auf beiden Wangen zu den Ohren hin verjüngt.”

Natürlich ermutigte die Tätowiererin ihre Klientin, während der schmerzhaften Tortur still zu bleiben, da man glaubte, dass das Ritual das Mädchen auf die Geburt vorbereiten würde, sobald sie eine Braut geworden war. Wenn die Schmerzen zu groß waren, hielten eine oder mehrere Assistentinnen die Kundin fest, damit die Tätowiererin ihre Arbeit fortsetzen konnte.

Nach der Mundtätowierung würden sich die Lippen wie brennende Glut anfühlen. Die Klientin bekam Fieber und die Schmerzen und Schwellungen hielten sie davon ab, viel zu schlafen. Essen wurde zu einem Nebengedanken und wenn die Tattoo-Kundin durstig wurde, wurde ein Stück Wollgras in Wasser getaucht und an die Lippen gelegt, damit die Kundin daran lutschen konnte.

Die fertigen Lippentattoos von Frauen waren in Bezug auf die Wahrnehmung der Lebenserfahrung von Ainu von Bedeutung. Erstens glaubte man, dass diese Tätowierungen böse Geister davon abhalten, in den Körper (Mund) einzudringen und Krankheit oder Unglück zu verursachen. Zweitens zeigten die Lippentattoos, dass eine Frau erwachsen und bereit für die Ehe war. Und schließlich sicherten Lippentattoos der Frau ein Leben nach dem Tod anstelle ihrer verstorbenen Vorfahren.

Abgesehen von Lippentattoos trugen Ainu-Frauen jedoch mehrere andere Tattoo-Marken an Armen und Händen, die normalerweise aus krummlinigen und geometrischen Mustern bestanden. Diese bereits im fünften oder sechsten Lebensjahr begonnenen Motive sollten junge Mädchen vor bösen Geistern schützen. Ein Motiv, das Zopfmuster, bestehend aus zwei nebeneinander geflochtenen geradlinigen Streifen, die mit einem speziellen Motiv verbunden sind, stellt eine Art Band dar, das auch zum Anbinden von Toten für die Bestattung verwendet wird. Andere Markierungen wurden an verschiedenen Stellen des Körpers als Zaubermittel gegen Krankheiten wie schmerzhaftes Rheuma angebracht.

Wie bei den Bestattungsschnüren wurde die geflochtene Webstruktur der geflochtenen Gürtel der Frauen, Upsor-kut genannt, mit einer ähnlich mächtigen übernatürlichen “Magie” verkörpert, die nicht nur die Tugend der Frau, sondern auch ihre “Seelenstärke” . symbolisiert . Zuerst von dem westlichen Arzt Neil Gordon Munro diskutiert, der in den 1930er Jahren mit seiner japanischen Frau eine kostenlose Klinik in Hokkaido betrieb, waren upsor-kut (“Brustgürtel”) Gegenstände, die unter der Oberbekleidung der Frau (attush) getragen wurden und “secret” von Ainu-Männern gehalten. Sie wurden aus gewebtem Flachs oder einheimischem Hanf hergestellt, der sich in Länge und Breite sowie in der Anzahl der Stränge unterscheidet. Bestehend aus entweder drei, fünf oder sieben geflochtenen Schnüren (manchmal im Wechsel mit sich kreuzenden oder überlappenden Rauten oder Chevrons) ähneln sie stark den Tattoo-Motiven, die auf den Armen von Ainu-Frauen erscheinen.

Interessanterweise wurden Gürtel nach Abschluss der Lippentätowierung eines Mädchens kurz vor oder anlässlich der Heirat erhalten. Die Designspezifikationen des Gürtels wurden von der Mutter des Mädchens weitergegeben, die ihrer Tochter beibrachte, wie man den Gürtel herstellte, und warnte davor, dass sie und die Familie großes Unglück erleiden würden, wenn es jemals einem Mann ausgesetzt würde.

Dr. Munro zeichnete mindestens acht Arten von Upsor auf, wobei jede Form einer anderen matrilinearen Abstammungslinie zugeordnet und mit mehreren Tier- und Geistergottheiten (Kamuy) wie dem Schwertwal, Bären und Wolfswappen in Verbindung gebracht wurde. So trugen aristokratische Frauen, insbesondere die Töchter von Häuptlingen (kotan), stärker geladene Gürtel als gewöhnliche Frauen, weil ihre Abstammung sie enger mit den Kamuy verband. Munro beobachtete auch, dass die Töchter der Ainu-Häuptlinge vor allen anderen Frauen im Dorf auf die Arme tätowiert wurden, was darauf hindeutet, dass diese Arten von Tätowierungen dem Träger Prestige und sozialen Status verliehen. In diesem Sinne scheinen Tätowierungen und Gürtel funktionell verwandt zu sein.

Tätowierungen und Gürtel wurden jedoch auf einer anderen, metaphysischeren Ebene verbunden. Die Ainu glaubten, dass die Feuergöttin Fuchi die Ainu-Frauen mit den ursprünglichen Plänen zum Bau der heiligen Upsor-Gürtel versorgte. Wie bereits erwähnt, wurde Fuchi auch durch den Ruß symbolisiert, der in der Tätowierungspraxis verwendet wird, wodurch die Traditionen des Tätowierens und Gürtels mit dem mythologischen Denken der Ainu verbunden wurden. Und da jede Art von Gürtel mit einem bestimmten Kamuy in Verbindung gebracht wurde, kann vermutet werden, dass bestimmte Tätowierungen möglicherweise mit bestimmten Gottheiten verbunden waren: “Die Frauen der Gottheiten wurden auf ähnliche Weise tätowiert wie die Ainu-Frauen, so dass, wenn böse Dämonen Würden sie es sehen, würden sie die Frauen mit Gottheiten verwechseln und sich daher fernhalten&8221.

Aber die symbolische Befestigung des Körpers endete nicht mit Tätowierungen und Gürteln. Es erstreckte sich auch auf Kleidung. Zum Beispiel scheint die Ainu-Stickerei eine ähnliche funktionelle Wirksamkeit gehabt zu haben. Frauen bestickten einfache doppelsträngige, geflochtene Klammern um den Hals, die vorderen Öffnungen und die Ärmel der Kleidung. Ainu-Lachshaut und Ulmenrinde schützen Kleidungsstücke, um böse Geister davon abzuhalten, in die Körperöffnungen einzudringen. Die ursprünglichen Designs, die einem geflochtenen Seil ähneln, waren nichts anderes als eine einfarbige Farbe, normalerweise dunkelblau, ähnlich der Farbe von Tattoo-Pigmenten.

Bei den indigenen Völkern des unteren Amur-Flussbeckens (mit denen die Ainu Handel trieben) boten ähnliche Designkonventionen, die auf traditionelle Fischhautkleidung gestickt und aufgebracht wurden, dem Träger Schutz vor bösen Geistern. Designmotive wurden an den Rändern um jede Öffnung in traditionellen Gewändern (Hals, Arme, Beine, vorderer Verschluss und Saum) platziert und alle Ränder hatten symbolische Referenzen. Zum Beispiel repräsentierten die oberen Ränder die Oberwelt und die dort platzierten Muster boten Schutz in dieser Richtung, der Saum repräsentierte die Unterwelt oder Unterwasserwelt und die Mittelteile standen für die von Menschen bewohnte Welt. Auf einer alten indigenen Fischhautrobe der Nanai, die ich in Wladiwostok gesehen habe, repräsentieren Vogelmuster die Oberwelt, Fischmuster symbolisieren die unteren Reiche und ein chinesisch inspirierter Drache vervollständigte das Zentrum.

Verweise

Batchelor, John. (1901). Die Ainu und ihre Folklore. London: Die Religionsgemeinschaft.
(1907). Ainu Life and Lore: Echos einer aufbrechenden Rasse. Tokio: Kyobunkan.

Fitzhugh, William W. und Chisato O. Dubreuil (Hrsg.). (1999). Ainu: Geist eines nördlichen Volkes Washington: Smithsonian Institution Press.

Hitchcock, Romyn. (1891). “Die Ainos von Yezo, Japan.” Pp. 428-502 Zoll Bericht des U.S. National Museum für 1889-1890. Washington: Druckerei der US-Regierung.

Munro, Neil Gordon. (1963). Ainu Glaubensbekenntnis und Kult. New York: Columbia University Press.


Jomon-Figur

Trésor National « DOGU » (Jomon no Venus) Figurine en argile Vénus de Jomon Dieses bien culturel est ein exemple typique d'art formatif de la période Jomon. Il s'agit de la première relique de la période Jomon à tre désignée Trésor national du Japon. Une relique de la période Jomon Moyen (in einer Umgebung von 5 000 ans), trouvée sur le site de Tanabatake. 27 Centimètres de hauteur pour un. Ces figurines konstituierende les Premiers témoignages de la Sculpture japonaise. au cours du Jomon récent und final dans le nord du japon, non sans rapport avec ceux que l'on retrouve sur sures dogu contemporains dans cette région: de Ebisuda und de Kamegaoka. Au cours des périodes du Jōmon Récent et Final on constate une grande variabilité des types et a grand nombre de ces. Japanische Figurine einer Frau, 1000 - 800 v. Chr., in der Sammlung des Minneapolis Institute of Art. Von artsmia.org: Im Laufe der Jahre haben Archäologen viele verschiedene Arten von Tonfiguren – Hunden – entdeckt, die aus der prähistorischen Jōmon-Zeit Japans (14.000-300 v. Chr.) stammen. Die unterschiedlichsten Formen wurden im Nordosten Japans ausgegraben, wo diese Figur einer Frau entdeckt wurde

Creusez plus profond pour découvrir un autre - jomon

  • Eine Jomon-Steinfigur oder ein Gangu. Komukai, Nanbu-cho, Aomori, Japan. Jomon-Zeit, 1000-400 v. (Tokio Nationalmuseum
  • Figurine dite « Déesse masquée », Trésor national, 2000 av. J.-C. - 1000 av. J-C., Chino-shi (en dépôt au Togariishi Museum of Jomon Archaeology, Chino-shi, Nagano) Partenaires Organisatio
  • Einige der faszinierendsten Werke aus der Jomon-Zeit sind Tonfiguren, die Dogu (ausgesprochen Teig-Goo) genannt werden. Es gibt viele Theorien darüber, wofür sie verwendet wurden, wobei die wichtigste Übereinstimmung darin besteht, dass sie ein Talisman für eine gute Gesundheit oder eine sichere Geburt waren. Da viele in Fragmenten ausgegraben wurden, wird angenommen, dass der Dogu, nachdem der Wunsch erfüllt wurde oder nicht, zerbrochen und auf den Müllhaufen geworfen wurde.

Hund — Wikipédi

Les objets « précieux », les pots, apparaissent au Jomon Moyen, entre 1 et 14 %. Les dépôts funéraires sont bien plus abondants, sujets à Variation rapide, au cours des dernières Phasen : Ornamente, objets de bois laqué et objets cérémoniels (Pierres phalliques, Figuren, Plaquettes de terre cuite ou de pierinere) Musée Guimet (70608 3). Jōmon Venus, Nationalschatz Japans, Togariishi Jōmon Archäologisches Museum. Shakōki-Hund ū. Shakōki-dogū (遮光器土偶) (1000-400 v. Chr.), brillenäugige Figur. Nationalmuseum Tokio, Japan. Die Shakōki-Hundū (遮光器土偶) oder brillenäugige Hundeū wurden in der Jōmon-Ära geschaffen und sind so bekannt, dass sie bei den meisten Japanern bekannt sind. Jomon - Restaurant japanisches Authentique à Lille. Restaurant japonais Jomon Negishi - ouvert midi und soir du mardi au samedi ainsi que le dimanche midi - 4 rue de la Rapine 59000 LILLE - 03 28 36 84 46 - [email protected] [email protected] L'ART PRÉHISTORIQUE AU JAPON : LA PARURE PALÉOLITHIQUE, LA FIGURINE UND DIE POTERIE DER KULTUR JȎMON : Die Erscheinung der Töpfereien auf der Erde, die „Jômon Doki“ ist die wichtigste für die Chronologie der Préhistorique du Japan. La Culture Jômon n'est pas tout à fait celle du Néolithique. À la période Jômon, la Fabrication des poteries, la sédentarisation de.

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Jomon-Gefäß aus der mittleren Periode (3000-2000 v. Chr.). Sailko/Wikimedia Commons. Am bedeutendsten an der Jomon-Kultur sind ihre Dogu: menschen- oder tierähnliche Figuren, die bereits in der Anfangszeit, etwa 14.000 bis 4.000 v. Es wird von den meisten japanischen Kunstwerken geglaubt. Dogū (Tonfigur) 1000-300 v. Chr. Japan. Diese stilisierte, hohle Figur (dogū) einer Frau ist repräsentativ für den Typus, der in der Tōhoku-Region im Norden von Honshu gefunden wurde und während der späten und letzten Jōmon-Periode hergestellt wurde. Der auffallendste Aspekt dieser Figuren sind ihre großen halbierten kaffeebohnenförmigen Augen. Während die wahre Bedeutung dieser Konvention unbekannt bleibt, sind es die Augen oft.

Dogū, abstrakte Tonfiguren, meist von schwangeren Frauen, hergestellt in Japan während der Jōmon-Zeit (ca. 10.500 bis ca. 300 v. Chr.). Dogū erinnern an die starr frontalen Fruchtbarkeitsfiguren anderer prähistorischer Kulturen. Ihre genaue Funktion ist unbekannt, aber archäologische Beweise. Les Populations de Jômon consom

06.03.2016 - Dieser Pin wurde von Otto Woelke entdeckt. Entdecke (und spare!) deine eigenen Pins auf Pinteres Jomon Reflections: Forager Life and Culture in the Prehistoric Japanese Archipelago. Hrsg. Simon Kaner mit Oki Nakamura. Oxford, England: Oxbow-Bücher. (Haupttext 186 Seiten, alle auf Jomon) ISBN 978-1-84217-088-5 Koyama, Shuzo und David Hurst Thomas (Hrsg.). (1979). Wohlhabende Sammler: Pazifikküste im Osten und Westen. Senri Ethnologische Studien Nr. 9. Jomon-Periode. Die Jomon-Periode der japanischen Vorgeschichte dauerte von fast 14000 v. Chr. bis irgendwann nach 900 v. Die Periode ist in sechs Unterperioden unterteilt: beginnend, anfänglich, früh, mittel, spät, endgültig. Die Jomon waren Jäger und Sammler, die wilde Ressourcen als Nahrung ausbeuteten, aber auch in begrenztem Umfang Getreide wie Hirse und Bohnen anbauten. Dogu. Dogu sind gebrannte Tonfiguren. Früher Dogu von. Jomon-Tonfiguren der Kaminabe-Stätte, Kumamoto. Bulletin of the International Jomon Culture Conference 1: 71 - 77. Wass, P., Waldenstrom, U., Rossner, S. & Hellberg, D.. 1997. Eine androide Körperfettverteilung bei Frauen beeinträchtigt die Schwangerschaftsrate von in-vitro Befruchtung - Embryotransfer. Menschliche Fortpflanzung 12: 2057 -60. Watanabe, H. 1997. Jomon dogû to joshin shinkô: Minzokushiteki. Jomon-Zeit, Japan weibliche Figur Japanische Geschichte Asiatische Geschichte Japanische Kunst Alte Kunst Alte Geschichte Jomon-Zeit Alte Göttinnen Kunstpremiere Frühes Mittelalter Weitere Informationen.

Jomon Steinfigur (Illustration) - Alte Geschichte

Figur Hund. Jomon final (1000-400 avant notre ère) Terre cuite Hauteur : 22 cm Mission Charles Varat, 1888-1889 MG 25235. Vous êtes ici : Accueil / Collections / Japan / Figurine dogu. 26.10.2011 / dans japon / par Super User. Les grands yeux fendus horizontalement de cette statuette lui ont value le nom de « dogu à lunettes de neige », auto leur forme rappelle les protections que les. Jōmon ZeitraumThe Jōmon Periode ist die Zeit in der japanischen Vorgeschichte, die traditionell zwischen c. 14.000-400 v. Chr., während der Japan von einem Jäger bewohnt wurde. Achetez jomon Figurine (Steingut) (158885): Amazon.fr Livraison & retours gratuits possibles (voir Conditions) Choisir vos préférences en matière de cookies. Nous utilisons of cookies and the outils likes for faciliter vos achats, fournir nos services, for comprendre comment les Clients utilisent nos services afin de pouvoir apporter of the améliorations, and pour présenter des. 3 fevr. 2015 - Figur Dogu, Jomon final(?) Musée Guimet à Paris. http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Figurine_Dogu_Jomon_Mus%C3%A9e_Guimet_70608_2.jp

Vier Terrakotta-Figuren oder Dogū aus der mittleren oder späten Jomon-Zeit haben diese Bezeichnung erhalten, die neueste ist die sogenannte Maskierte Göttin von Ca. 2000 bis 1000 v. u. Z. (Abb. 1). Diese hohle.. Ce musée plus de 2 000 archäologischen Artefakte ausstellen, die découverts dans des Sites Jomon au pied du mont Yatsugatake. Ils comprennent des items provenant du site Togariishi, qui est un site historique spécial désigné au niveau national, du Trésor national Dogu Jomon no Venus (figurine d'argile d'une Vénus Jomon) et du Trésor national Dogu Kamen no Megami (figurine d' argile d'une Jomon - la carte Restaurant japonais Jomon Negishi - 4 rue de la Rapine 59000 LILLE - 03 28 36 84 46 - [email protected] Apparues dés le proto-Jômon, auf der Site von Kayumi-Ijiri , à l'est de l'île de Honshû, et particulièrement nombreuses du Jômon moyen à final, les Dogû design des petites figurines en argile, évoquant le plus souvent der formes feminines. elles affichent des style différents selon la période et les régions de.

Figurine dite «Déesse masquée», datant du Jômon récent, en Provenance du département de Nagano. Chino City, Nagano (en dépôt au Chino City Togariishi Museum of Jomon Archaeology Illustration à propos Figurine de Jomon Dogu au-dessus de drapeau japonais. Illustration du dogu, jomon, figurine - 7894120 Profitez dès maintenant du Prix bas Solvital + CD Entspannungsangebot + Livraison gratuite.Expédition rapide le jour même pour toute commande passée avant 11H00 & Hotline Gratuite

Jômon - Agenda - Maison de la Culture du Japon à Pari

  • Figurine de sanglier Bien culturel Important Jômon récent (-2000 - -1000) Site de Tokoshinai n° 2, Hirosaki, département d'Aomori Terre cuite Hauteur 9,6 cm / Länge 18,2 cm Hirosaki City Museum, Aomori. Jusqu'au 8 décembre, das Maison de la Culture du Japan in Paris präsentiert die Keramik der japanischen Kultur. la faveur d'un réchauffement climatique qui fait.
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  • Jomon Steinfigur. Eine Jomon-Steinfigur oder ein Gangu. Komukai, Nanbu-cho, Aomori, Japan. Bild. Jomon Flame Pot von Dodaira Flammentöpfe wie diese sind nur eine Art langer Keramik. Bild. Jomon Bowl (Detail) Ein Detail der Lippe einer tiefen Jomon Bowl. Ubayama-Muschelhügel. Bild . Jomon Vase. Eine Jomon-Vase, Japan. Jomon-Zeit, 4000-3000 v. (Tokio National. 1 2 3 Nächste > Letzte.
  • Einige der faszinierendsten Keramiken, die jemals in Japan hergestellt wurden, stammen aus der Jomon-Zeit (10.000 v. Chr. bis 300 v. Chr.). Einer der bedeutendsten Aspekte der Jomon-Kultur sind ihre Dogu: reich verzierte humanoide und aus Ton geformte Tierfiguren, die bereits in der Anfangszeit, etwa 14.000 bis 4.000 v
  • Dogu-Figuren blühten auf, von denen viele durch charakteristische Jomon-Seilschnurmuster gekennzeichnet waren, während andere mit Schutzbrillen geschnitzt waren, andere mit arabeskenartigen Motiven. Final Jomon (1000-100 v. Chr.) Als sich das Klima weiter abkühlte, wurden die Lebensmittel knapper und die Bevölkerung ging merklich zurück
  • Figurine dite Déesse masquée , Trésor national, 2000 av. J.-C. - 1000 av. J-C., Chino-shi (en dépôt au Togariishi Museum of Jomon Archaeology, Chino-shi, Nagano) Jômon Naissance de l'art dans le Japon préhistoriqu
  • Eine weitere interessante Tatsache ist, dass die Dogu-Figuren ausschließlich aus der Jōmon-Periode stammen und in der nächsten historischen Periode, der Yayoi-Periode, verschwunden sind. In Bezug auf die Jomon-Keramik haben die Dogu je nach Gebiet und Art der damit verbundenen Exhumierung verschiedene Stile. Nach Angaben des Nationalmuseums für japanische Geschichte.

Japanische Keramik - Tonfiguren aus dem Jomon Perio

  1. Hundefigur, Jomon. Musée Guimet (70608 3). Jōmon Venus, Nationalschatz Japans, Togariishi Jōmon Archäologisches Museum. Shakōki-Hundū. Shakōki-dogū (遮光器土偶) (1000-400 v. Chr.), brillenäugige Figur. Nationalmuseum Tokio, Japan. Die Shakōki-Hundū (遮光器土偶) oder brillenäugige Hundeū wurden in der Jōmon-Ära geschaffen und sind so bekannt, dass sie bei den meisten Japanern bekannt sind.
  2. g Das Klima erreichte in dieser Zeit einen Temperaturhöchststand, was zu einer Abwanderung von Gemeinden in die Bergregionen führte. Müllhaufen deuten darauf hin, dass die Menschen längere Zeit sesshaft waren und in größeren Gemeinschaften lebten, sie fischten, jagten Tiere wie Hirsche, Bären.
  3. Figurine dite «Vénus Jômon», Trésor national, Jômon moyen (-3000 - -2000), Site de Tanabatake, Chino, département de Nagano, Terre cuite, Hauteur 27,0 cm, Chino City, Nagano (en dépôt au Chino City Togariishi Museum of Jomon Archaeology) Figurine de sanglier, Bien culturel Important, Jômon récent (-2000.
  4. Fayence Figur und Schüssel. Hundefigur. Lapita-Fragment und Gravur. Rotfiguriges Schiff. Moche Maske und Mumie. Hohle Keramikfiguren. Kopf Bildnis Topf. Ibaloi-Mumie. Mumie aus der Eisenzeit. Tarim.
  5. JOMON_ L'ART DU JAPON DES_ ORIGINES : Maison de la Culture du Japon in Paris 101 bis, Quai Branly (75015). CE TEXTE A ETE ECRIT EN 1998, DANS L'ENTHOUSIASME DE LA VISITE. Merci aux organisateurs de l'exposition qui avaient alors mis à ma disposition leur service de presse et leur beau catalog

Ich habe vor einiger Zeit über die alten Jomon-Keramikvasen geschrieben, deren Oberflächendekoration mit einem gedrehten Seil hergestellt wurde. Viel interessanter sind jedoch die Dogū-Figuren aus der gleichen Zeit, und die mit humanoiden Formen sind faszinierend! Ich hatte die Gelegenheit, einige davon im Tokyo National Museum zu sehen .facebook.com/vladimir.kudin ----- Vintage.

Période Jōmon — Wikipédi

  1. Figurine dite « Déesse masquée », Jômon récent (2000 av. J.-C - 1000 av. J-C.). Trésor national provenant du site de Nakappara, Chino City, Département de Nagano. / Togariishi-Museum von.
  2. ine caractérisées par une étonnante hybridation en l.
  3. 11. August 2015 - Entdecken Sie die Dogu-Figuren von D2 Studios Inc., gefolgt von 124 Personen auf Pinterest. Weitere Ideen zu Antike, Jomon-zeit, Antike kunst
  4. Obwohl die Jomon-Figuren nun eine allgemeine Tendenz zeigen, die weiblichen Züge zu schematisieren und zu symbolisieren, wodurch sie allmählich die ausgeprägte Sexualität der paläolithischen Venus verlieren?, offenbaren sie dennoch in einigen Fällen die Relevanz der steatopygischen Formen (10). Ein weiteres bemerkenswertes morphologisches Merkmal ist die Perduration markierter zoomorpher Formen über einen bestimmten Zeitraum. (11.
  5. Elles illustrent notamment, après les phase archéologiques de Jômon (vases et figurines de terre cuite), Yayoi et Kôfun (haniwa MA 1338 provenant d'un échange avec le Musée National de Tokyo), les développements essentiels de l'art l'art l'ad'dhique dans Archipel. Ein Ensemble von Skulpturen und Peintures sur soie, außergewöhnlich für Kohärenz und Qualität, permet de saisir les.
  6. 01.06.2014 - WELTUM zeigt das Bild Figurine Dogu Jomon, Musée Guimet, Paris

Les céramiques jomon étaient produites au colombin, sans tour de potier, et decorées par pastillage, incisions et, faisant sa specialité, par des impressions de cordes sur la pâte encore fraîche. Les plus impressionnantes, les poteries à motive flammés Kaen-shiki, apparaissent au jōmon moyen (3000 - 2000) Das Kunstwerk, das ich ausgewählt habe, ist Dogu (Tonfigur). Es wurde während der letzten Periode von Jomon (ca. 1000-300 v. Chr.), Japan, hergestellt. Die Jomon-Leute verwendeten die Steingut-Keramik-Technik, um es herzustellen. Normalerweise stellten Tonfiguren Menschen oder Tiere dar. Dieser Dogu besteht in der Regel aus stark stilisierten Weibchen mit verlängertem Busen Auch die Jomon entwickelten ihre Töpferarbeit noch weiter: Sie begannen, Figuren zu fertigen. Es ist nicht klar, was sie sind, Tier oder Mensch, aber sie sind die erste japanische Bildhauerkunst. Mittlerer Jomon. Im Mittleren Jomon, von 2.500-1.500 v. Chr., wanderten Menschen aus der Jomon-Kultur aus der Kanto-Ebene in die umliegenden Berghänge ein Jomon Artefakte sind voller Symbolik, mit Bildern von Feuer, Wasser, Fruchtbarkeit und Tieren, die in kunstvoll verzierten Töpfen, Krügen und anderem Ton dargestellt sind Figuren. Und obwohl es keine bekannten physischen Beweise für eine Tätowierkultur gibt, haben Forscher vorgeschlagen, dass es wahrscheinlich ist, dass die Menschen von Jomon wurden eingefärbt Par exemple, la figurine dite « à lunettes de neige » reifen son nom de la forme de ses yeux, très grands et globuleux rappelant les lunettes Inuits pour se protéger de la réverbération de la.

Die Jomon-Leute wurden nach ihrem Tod in Grubengräbern begraben. Gräber für Erwachsene, in Reihen angeordnet, wurden in der frühen bis mittleren Jomon-Zeit in den Dörfern angelegt, als sich eine sesshafte Lebensweise etablierte. Es gibt auch Beispiele für Gräber, die während der späten Jomon-Zeit en bloc im Dorfzentrum gebaut wurden, und Gräber, die im Finale unabhängig von Wohngebieten errichtet wurden. 10. Februar. 2015 - Figur Dogu, Jomon final(?) Musée Guimet à Paris. http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Figurine_Dogu_Jomon_Mus%C3%A9e_Guimet_70608_2.jp Dogû / Figurine à lunettes de neige Bien culturel Important du Japon Jômon final (-1000 à -400) Kizukuri Kamegaoka Tsugaru-shi, d .d 'Aomori Terre cuite Musée national de Tokyo Beachten Sie das Objekt der Basis der Données e-Museum der nationalen Trésors und Biens Culturels. Tresor national. En 1989, la Vénus de Jōmon acquiert le statut officiel de bien culturel Important par la « Déesse masquée » [6], un autre dogū découvert en 2000 sur le archéologique voisin de Nakappara à Chino [7] Viele Jomon-Figuren werden als kleine Fragmente ausgegraben, die selten wieder in ihre ursprüngliche Form zusammengesetzt werden. Um zu argumentieren, dass dies auf ungewöhnliche Brüche zurückzuführen ist, müssen wir die Figuren mit den Ausgrabungskontexten anderer Artefakte aus derselben Zeit vergleichen. Als ersten Schritt dieser Studie versuchte ich einen quantitativen Vergleich von Figurenfragmenten und entwickelte eine Bruchrate.

Hundū - Wikipedia

Neue Dogu Jomon Keramik Tonstatue Earthen Maskierte Göttin Figur Puppe Replik Japan 005. Größe : Schattierung Tonfigur ca. 11,5 cm Maskierte Göttin ca. 12 cm Jomon Venus ca. 12 cm. Zahlung. Ich akzeptiere nur PayPal. Bitte zahlen Sie innerhalb von 5 Tagen nach Auktionsende. Versand. Versand . Fedex: Asien: USA, Kanada, Australien: Europa. Rücknahmegarantie. Geld-zurück-Garantie innerhalb von 60 Tagen, wenn. Figurine dite Vénus Jômon, Jômon moyen (-3000 bis -2000). Poterie entourée d'un cordon d'argile avec de petits trous et ornée d'un personnage, Jômon moyen (-3000 bis -2000). Et toi, que verras-tu dans ces poteries ? Stellen Sie sich auf der Expo auf, n'hésite pas à revenir ensuite nous en parler dans la section commentaires ! Tu peux Besucher l'expo Jômon à la Maison de. Datei:Dogu (Tonfigur) mit herzförmigem Gesicht, Jomon-Periode, 2000-1000 v das Kofû-Becken, Japanese Journal of Religion Studies, 1992, 19/2-3. Société d'étude sociale du Japon de la période du Quaternaire (Nihon Daiyonki Gakkai), Ono Akira, Harunari Hideji, Oda Shizuo, Les traces de la présence humaine au Japon (mit Illustrationen). (図解・日本の人類遺跡 日本第四紀学会. Dogu, Jomon, Figurine. sur, drapeau japonais, figurine, jomon, dogu. Sauvegarder une Maquette. Tarification Aidez Moi à Choisir. Taille du Fichier. Pixels Pouces cm. EUR JPEG - Petite Taille: 600x800 px - 72 dpi 8,3 x 11,1 @ 72 dpi 21,2 x 28,2 cm @ 72 dpi: 2,75 €: JPEG - Taille Moyenne: 1200x1600 px - 300 dpi 4,0 x 5,3 @ 300 dpi 10,2 x 13,5 cm @ 300 dpi: 6,75 €: JPEG - Grande Taille.

Die Jōmon-Periode (縄文 時代, Jōmon jidai) ist die Zeit in der japanischen Vorgeschichte, die traditionell zwischen c. 14.000-300 v. Der Name Cord-marked wurde erstmals von dem amerikanischen Zoologen und Orientalisten Edward verwendet. Cet automne, ce sera le grand retour de l'époque Jômon (11 000 ans av. J.-C - 400 ans av. J.-C.) à Paris depuis l'exposition Jômon, l'art du Japon de the garden Stockfotos und Bilder des Wakasa Mikata Jomon Museums - Dogu-Figur. Kopf einer Figur. Endgültige Jomon-Periode oder später. Japan. Steingut mit eingeschnittenen und kordelmarkierten Designs. H. 2 1/2 Zoll. . B. 2 3/4 Zoll. . D. 2 1/2 in.. Dogu-Figur, Zahlreiche Figuren dieses Typs wurden in den letzten Stadien der Jomon-Kultur hergestellt. Japan. Japanisch. 350 250 v. Chr. das. Enregistrée depuis Heritageofjapan.files.wordpress.com. Vorgeschichte. Fragment Dogu-Figur 10, 800 v. Chr., Akit

Jomon Negish

3/ Figurine dite « Déesse masquée ». Trésor national, Jômon récent (-2000 - -1000). Site de Nakappara, Chino, Departement de Nagano. Terre süss. Hauteur 34,0 cm. Chino City (en dépôt au Chino City Togariishi Museum of Jomon Archaeology) 17-Mai-2017 - Creepy Sexting Veggie descrubrió este Pin. Descubre (y guarda) tus propios Pines en Pinterest

Ausstellungen Du 17 octobre au 8 décembre 2018 Jômon - Naissance de l'art dans le Japon préhistorique. L'époque Jômon s'étend sur plus de 10 000 ans. La civilisation qui s'est développée anhänger cette période révèle une sensibilité, une esthétique plastique et une vie spirituelle très riches, qui continuent à inspirer au XXIe siècle Au Jomon final, quand les Habitats se pro baies maritime techniken jour, la terre rougeâtre primitive est remplacée par une argile fine dont les couleurs varient du gris au noir par une cuisson en réduction avec enfumage, les poteries recouvertes d'ocre rouge opferalors aux delés delées delées. Shu nuri Tsubo - Topfpeint.

Junko Habu illustriert die jüngsten Entwicklungen in der Archäologie der Jomon-Zeit (ca. 14.500-300 v. Chr.) Japans und präsentiert neue Analysen. Im Gegensatz zu den meisten prähistorischen Keramikvölkern gelten die Jomon als Jäger und Sammler. Es gibt Hinweise auf den Pflanzenanbau, aber keines der aus den Jomon-Standorten gewonnenen Kultigene scheint als Grundnahrungsmittel verwendet worden zu sein Noté /5. Retrouvez Unearthed: A Comparative Study of Jomon Dogu und neolithische Figuren et des millions de livres en stock sur Amazon.fr. Achetez neuf ou d'occasio Deutsch: Flache Tonfigur, Jomon Museum in Sannai Maruyama. Datum: Travail-Personal: Quelle: Travail-Personal: Autor: Wmpearl: Conditions d'utilisation. Entspannt mit einem Autor, der ein veröffentlichtes uvre sous la suivante : Diese Lizenz ist frei von Lizenzbedingungen Creative Commons CC0 ist eine allgemeine Domain. La personne qui a associé une. Sehen Sie sich his.docx von SOCIAL SCI 2603 am Oklahoma City Community College an.Die Fragen 1-2 basieren auf den folgenden Bildern. Die Venus von Willendorf / Österreich/25.000 Jahre Jomon Figur / Japan Die Figur wurde 1975 auf einem Feld in Chobonaino, Osatsube Minamikayabe Distrikt (früher bekannt als Minamikayabe Town) entdeckt. Die zweite Hälfte der späten Jomon-Zeit (vor ca. 3.500 Jahren) Höhe: 41,5 cm Breite: 20,1 cm Gewicht: 1.745 g Da die Figur innen hohl ist, wird sie als hohle Tonfigur eingestuft

23. Februar. 2017 - Explorez le tableau « JAPON - ART JOMON » von Pierre Rastoul, auquel 451 utilisateurs de Pinterest sont abonnés. Voir plus d'idées sur le thème ceramique, poterie, japon Tokyo National Museum, Tokyo, Kanto, Japa Dieses Kapitel zeigt den Wandel der anthropomorphen Tonfiguren aus der Jomon-Zeit im japanischen Archipel. Die frühesten Exemplare verkörperten eher die Wahrnehmung des Körpers und weibliche Körpererfahrungen, als den Körper selbst genau darzustellen. Der Schwerpunkt verlagerte sich allmählich von der materiellen Verkörperung der unmittelbaren Körperwahrnehmung und -erfahrung auf die visuelle Repräsentation. Jomon wird als kordelbedruckt übersetzt. Die am häufigsten verwendete Methode zum Dekorieren von Keramik während der gesamten Zeit bestand darin, gedrehte Kordeln und mit Kordeln umwickelte Stöcke in den nassen Ton zu pressen und zu rollen, und der Name der Zeit leitet sich von seiner Allgegenwart ab. Die schraffierten Markierungen auf der Oberfläche dieser Figur einer stehenden Frau wurden mit einer Schnur oder einem Seil gemacht. Solche Figuren sind eine der zwei am meisten. Ainsi, les 18.000 Dogus, aktuelle Mises au jour, sont d'étranges figurines, dont la plus célèbre provient du site de Tanabatake, près de Nagano. Un art ancien, qui toutefois n'est probablement pas à l'origine de l'art japonais Année : 2018. Dauer: 29 Minuten. Produktion : Frankreich Kultur. Partenaire(s) Podcast. Installer und iTunes. Voir le RSS. Carbone 14. Missionen de.

Mittlere Jomon-Figur von der Stätte Tanabatake, Präfektur Nagano. Höhe: 27cm. Höhe: 27cm. Prozentsatz der Figuren mit Darstellungen von Brüsten und geschwollenen Bäuchen Eine Jomon-Ton-Figur Andere Kunstformen. Neben Architektur und Tonhandwerk schufen die Jomon auch geflochtene Körbe, Schmuck, der hauptsächlich aus Bernstein und Jade besteht, Holzbögen und Harpunen. Taillen-Hüft-Verhältnis von Jomon-Figuren Ein weiterer Jomon-Enthusiast war der mit dem Nobelpreis ausgezeichnete Autor Yasunari Kawabata, der einen Dogu auf seinem Schreibtisch hatte. Es ist eine düstere Figur mit einem herzförmigen Gesicht, und Kawabata beschrieb in einem Aufsatz wie.

L'Art Préhistorique Au Japon : Parure Paléolithique

  • Jomon ist der Name der Jäger und Sammler aus der frühen Holozänzeit in Japan, die um 14.000 v. u. Z. begannen. und endet um 1000 v. u. Z. im Südwesten Japans und 500 u. Z. im Nordosten Japans. Die Jomon stellten bereits vor 15.500 Jahren Stein- und Knochenwerkzeuge sowie Töpferwaren her, die an einigen Stellen begannen
  • Figuren, kreisförmige Siedlungen und Jomon-Weltbilder. / Matsumoto, Naoko. In: Structured Worlds: The Archaeology of Hunter-Gatherer Thought and Action, herausgegeben von Aubrey Cannon, Equinox, Sheffield and Oakville., 2011, p. 168-182. Forschungsergebnis: Beitrag zur Zeitschrift › Artikel
  • Figur Dogu Jomon. Veröffentlicht am 21. Februar 2018 21. Februar 2018 Autor Terres d'Asie Hinterlasse einen Kommentar. Domaine öffentlich. Navigation de l'article ← Zurück Vorheriger Beitrag: « Irezumi » : histoire du tatouage au Japon. Laisser un commentaire Annuler la réponse. Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Kommentar. Nom. Adresse de messagerie. Website-Webseite. Teheran (+4:30) Neu-Delhi.
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  • 22. August 2013 - Knochenfigur. Jomon-Ära. 2.500 v. Chr. - 1.200 v. Chr.. Hokkaido Japan
  • Gebrauchte Dogu Jomon Keramik Tonstatue Irdene Eulenfigur Puppenreplik Japan Produktzustand: Kratzer und Schmutz vorhanden. Größe : Sockelbreite ca. 19,5 cm Sockeltiefe ca. 12,5 cm Sockelhöhe ca. 8 cm Die Höhe des Tonfigurenkörpers beträgt ca. 19 cm. Zahlung. Ich akzeptiere nur PayPal. Bitte zahlen Sie innerhalb von 5 Tagen nach Auktionsende. Versand. Versand.

Uralte Hundefiguren mit großen Brillenaugen trotzen

  • Vous tes à la recherche d'un exposition dépaysante ? Museum a trouvé ce qu'il vous faut ! La Maison de la Culture et du Japon in Paris vous schlägt decouvrir des œuvres aussi atypische qu'impressionnantes de la période Jômon (11 000 Av. Notre ère à 400 Av. Notre ère) vor. Grâce à l'exposition « JÔMON - Naissance de [
  • ine caractérisées par une étonnante hybridation en l.
  • Jomon, was mit einer Schnur markiert bedeutet, bezieht sich auf die Eindrücke, die das Rollen von gedrehten Seilen über die Oberfläche von feuchtem Ton hinterlassen hat. Der Zweck der Jomon-Figuren ist nicht bekannt, aber sie wurden möglicherweise als Schutzzauber oder Fruchtbarkeitssymbol verwendet. Die meisten wurden in Grubenhäusern, Grabstätten oder einfachen Schreinen ausgegraben. Die Figuren zeigen eine Vielzahl von abstrakten, humanoiden Formen, die hoch sind.

Dogū (Tonfigur) Japan Letzte Jōmon-Periode (ca

  1. 23. März 2014 - Dieser Pin wurde von Marcel Ouellet entdeckt. Entdecke (und speichere!) deine eigenen Pins auf Pinterest
  2. 251 Stimmen und 19 Kommentare bisher auf Reddi
  3. Jomon-Tonfiguren, Dogu (irdene Idole) genannt, erschienen um 1500 v. Als Vertreter von Menschen, meist weiblich, und Tieren haben sie mit den Töpfergefäßen den charakteristischen Kordeldekor auf Körper und Gesicht gemeinsam und wurden möglicherweise als Schutzzauber oder Fruchtbarkeitssymbol verwendet. Die meisten wurden in Grubenwohnungen, Grabstätten oder rituellen Schreinen gefunden

Hundū Japanische Figur Britannic

  1. Figurine dite « Vénus Jômon », Trésor national Jômon moyen (-3000 - -2000), Site de Tanabatake, Chino, département de Nagano, Terre cuite, Hauteur 27,0 cm / Largeur 12,0 cm / Profondeur 9, 2 cm. Chino City, Nagano (en Dépôt au Chino City Togariishi Museum für Jomon-Archäologie) Vingt und Après, das Maison de la Culture du Japon réitère son exposition dédiée à l'ère.
  2. Des Figuren Auréolées de Mystère. Les vestiges de céramique les plus anciens retrouvés au Japon datent de la préhistoire et plus précisément de la période dite Jômon (11 000 av. J.-C.
  3. in einem Ausstellungsraum im Jomon Culture Center aufbewahrt
  4. Figuren, kreisförmige Siedlungen und Jomon-Weltbilder. / Matsumoto, Naoko. Strukturierte Welten: Die Archäologie des Denkens und Handelns von Jägern und Sammlern. Taylor und Francis, 2014. p. 168-182
  5. Dogu figurine-MG 25235-IMG 9050-white.jpg 4.000 × 4.000 2,35 MB Figurine Dogu Jomon Musée Guimet 70608 2.jpg 1.271 × 1.701 1,34 MB Periodo jomon finale, dogu, 1000-300 ac..JPG 1.112 × 1.704 134 K
  6. Schauen Sie sich Jomon-Werkzeuge, Schmuck, Doki-Töpfe und Dogu-Tonfiguren an. Versuchen Sie, einige dieser Jomon-Objekte in einer Werkstatt herzustellen. Aomori-Kunstmuseum. Der Architekt Jun Aoki hat sich für dieses erstklassige Museum für zeitgenössische Kunst viel von der benachbarten Stätte Sannai Maruyama inspirieren lassen. Er entwarf es so, dass es schmale Kanäle hat, die den Ausgrabungsgräben ähneln, mit erdbraunen Wänden, die kontrastieren.

La période Jômon : la culture et la société japonaises à l

  • Anknüpfend an die archäologischen Phasen der Kulturen Jomon (Terrakottavasen und -figuren), Yayoi und Kofun (haniwa MA 1338, erworben im Austausch mit dem Tokyo National Museum) veranschaulichen die Sammlungen insbesondere wesentliche Entwicklungen der japanischen buddhistischen Kunst, die stilistische und ikonographische Entwicklung, die vom 8. bis zum 15. Jahrhundert n. Chr. verfolgt wird durch a.
  • Jomon Jomon Gefäße Figuren Typologie Flammenware Goggle-eyed Def: Wachstumsmuster Jomon-Zeit 11000 v zum Kontinent Gefäße und Figuren Alles aus Ton Gefäße Gefäße Pfannen Vasen Figuren Anthropomorph.
  • 14. Dezember 2014 - Jomon Keramikfigur DOGU. 2.500 v. Chr. - 1.200 v. Chr.. Diese Figur wurde auf Nakappara Nagano Japan ausgegraben.
  • La Maison de la Culture du Japon bietet eine Ausstellung autour de l'art de l'époque Jômon (11 000 ans avant J.C. - 400 avant J.C.), dans le cadre de la saison Japonismes 2018, du 17.

Figuren repräsentativ des femmes enceintes. Jômon postérieur (-1500 à -1000): Généralisation de la pratique du luster Diversification des poteries Individualisation des objets. Jômon final (-1000 à -300) : Herstellung und Verbreitung handwerklicher Töpferwaren Figuren aus yeux énormes fendus horizontalement Dekorativer Fundus für Carrées im Zentrum, une grande pierre. Dogu, Figurine, Japonaise (Steingut, Japonaise, Figur), Période, Figurine, Jomon, Dogu. Sauvegarder une Maquette. Tarifierung Aidez Moi à Choisir. Taille du Fichier. Pixel Beutel cm. EUR JPEG - Petite Taille: 600x800 px - 72 dpi 21,2 x 28,2 cm @ 72 dpi 8,3 x 11,1 @ 72 dpi: €2,75: JPEG - Taille Moyenne : 1200x1600 px - 300 dpi 10,2 x 13,5 cm @ 300 dpi 4,0 x 5,3 @ 300 dpi: 6,75 €. . Kultur: Japan. Abmessungen: H.6 1/8 in. (15,6 cm) W. 7 1/4 in. (18,4 cm) D. 2 3/4 in. (7 cm). Wie die meisten Figuren, die an Jomon-Standorten gefunden wurden, ist diese an der Taille gebrochen, vielleicht absichtlich. Archäologen vermuten, dass solche Figuren in alten Praktiken verwendet wurden, um die Fruchtbarkeit zu gewährleisten.

Jomon-Zeit, japanische weibliche Figur Antike Kunst, Göttin

Masayuki Harada ist Ausstellungskommissär Jômon, am 8. Dezember im Maison de la Culture du Japan in Paris. Il est [ Jomon dogu figurine - gg88746799 Mit GoGraph Stock Photography, Illustrationen und Clip Art finden Sie schnell die richtige Grafik. Mit über 42.000.000 Stock-Fotos, Vektor-ClipArt-Bildern, Clipart-Bildern, Hintergrundgrafiken und Clipart-Grafiken Au Jomon final, quand les Habitats se concentrent autour des baies maritimes, des progrès Techniques voient le jour, la terre rougeâtre primitive est remplacée par une argile fein nicht les couleurs varient du gris au noir par une cuisson en réduction avec enfumage, les poteries recouvertes d'ocre rouge opferalors aux dekors de spirales entremêlées . Shu nuri Tsubo - Pot peint en. Jomon Pottery gehört zu den ältesten Töpferwaren der Welt. Entdecken Sie, wie das alte Steingut die japanische Kunst und Kultur geprägt hat. viele Gefäße ähnelten Lampen oder Räuchergefäßen, die Löcher als Teil der Dekoration und Figuren haben. Japan blieb für einen Großteil der Jōmon-Periode vom Rest der asiatischen Kultur isoliert, so dass Kultur, Gesellschaft und Technologie ursprünglicher blieben. On y retrouve des figurine humaines, appelées dogu, des masques et de nombreux récipients. Les poteries Jômon ont une fonction, celle de cuire et de conserver les aliments, ce dont témoignent parfois de laissées par le feu à leur base. Sur le plan stylistique, Jômon bedeutet Motiv de Cordes, en référence à la Technik utilisée pour orner les poteries. Une ou Plusieurs.

. Seit einiger Zeit herrscht Unsicherheit über die Zuordnung von Daten zur Jōmon-Periode, insbesondere zu ihrem Beginn. Das früheste angegebene Datum ist etwa 10,50 Dieses Stockbild herunterladen: Jomon Female Clay Figurine Dogu from the Hachinohe Korekawa Jomon Center Museum - D81MRK aus der Alamy-Bibliothek mit Millionen von Stockfotos, Illustrationen und Vektorgrafiken in hoher Auflösung argile ont été excavées que d'autres archéologiques, et elles sont appelées figurines d'argile minces car elles sont aussi minces que des plaques. Ceci est très différent des figure d'argile qui représentent les Parties du Corps en trois Dimensions au cours des périodes Jomon ultérieures et ultérieures

1974 begann ich ein langfristiges Forschungsprogramm in japanischer Archäologie. Mein Ziel war es, die subsistenzökologischen Grundlagen der erfolgreichen und langlebigen Jomon-Kultur im Nordosten Japans zu erforschen. Meine Datenbank bestand aus Pflanzenresten, die ich von einer Reihe von Fundorten gefunden habe, hauptsächlich vom frühen und mittleren Jomon, aber ich habe auch Material von den anfänglichen und späten Jomon-Sites sowie Jomon gesammelt. Änderungen Letzte Version imprimable Ausgabe: La période Jōmon ou l'ère Jōmon (縄文時代 jōmon jidai), est l'une des quatorze subdivisions traditionnelles de l'histoire du Japon, elle couvre la période du Xe millénaire av. J.-C., fin de la période précéramique paléolithique, au IIIe siècle av. J.-C., où beginnen la période Yayoi. Le Japon est peuplé, alors, par des. Cette céramique cordée de style Jomon fut fabriquée au Japon Anhänger plus de 10000 ans (Kultur Jomon). Les petites figurines en argile, die die deuxième forme d'art des Jomons bilden, les premières sont apparues vers -7000 avant JC. Ces figurines sont de formes humaines (souvent de femmes) et animales et sont appelées Dogu. Elles konstituieren les Premiers témoignages de la sculpture. Portail de l'Académie de Paris. La Villette - Grande Halle MANGA - TOKYO. Ausstellung vom 29. November bis 30. Dezember 2018 Eine wahre Reise nach Tokio zur Grande Halle de la Villett.


Weibliche Jomon Figur - Geschichte

Einige der faszinierendsten Keramiken, die jemals in Japan hergestellt wurden, stammen aus der Jomon-Zeit (10.000 v. Chr. bis 300 v. Chr.). Die im Tagebau befeuerten großen Gefäße hatten die erstaunlichsten dekorativen Merkmale und inspirieren auch heute noch Töpfer, insbesondere den verstorbenen Okabe Mineo, Mashikos Shimaoka Tatsuzo und Bizens "Ofengott" Mori Togaku.

Im Jahr 1990 veranstaltete das Shigaraki Ceramic Park Museum eine Ausstellung mit dem Titel Primitivism in Contemporary Ceramics, die viele Jomon-Werke und ihre Beziehung zu dem, was jetzt passiert, hervorhebt. Die großen fließenden Traditionen der japanischen Keramikkunst gedeihen heute aufgrund der lebendigen Präsenz und Inspiration, die vergangene Werke vermitteln. Es gibt kein Jetzt ohne Vergangenheit und keine Zukunft ohne Jetzt.

Einige der faszinierendsten Werke aus der Jomon-Zeit sind Tonfiguren, die Dogu (ausgesprochen Teig-Goo) genannt werden. Es gibt viele Theorien darüber, wofür sie verwendet wurden, wobei die wichtigste Übereinstimmung darin besteht, dass sie ein Talisman für eine gute Gesundheit oder eine sichere Geburt waren. Da viele in Fragmenten ausgegraben wurden, wird angenommen, dass der Dogu, nachdem der Wunsch erfüllt wurde oder nicht, zerbrochen und auf den Müllhaufen geworfen wurde, wo viele gefunden wurden. Eine andere Theorie besagt, dass dies Göttinnen waren, zu denen die Jomon-Leute um Nahrung und Gesundheit beteten. Andere Erklärungen sind Spielzeug für Kinder, Grabbeigaben oder Gegenstände, die in einem unbekannten Ritual verwendet werden. Und natürlich gibt es diejenigen, die glauben, Außerirdische aus dem Weltraum zu sein. Wenn man sich jedoch ähnliche primitive Artefakte aus der ganzen Welt ansieht (z. B. die Valdivia-Kultur in Ecuador), gibt es eine gewisse Ähnlichkeit, die nicht logisch erklärt werden kann. Es könnte aber Teil des kollektiven Bewusstseins der Zeit gewesen sein, oder hatte die Erde tatsächlich weltraumtaugliche Besucher aus einer fernen Galaxie? Dieser Dogu scheint sicher zum Spiel zu passen!

Dogu wurden in ganz Japan gefunden, wobei Nordjapan, die Tohoku-Region, die größte Vielfalt lieferte. Dogu erschien zum ersten Mal im frühen Jomon, begann aber im mittleren Jomon bis zum späten Jomon zu blühen. (Für eine Zeitleiste, die die Entwicklung der japanischen Töpferei skizziert, klicken Sie bitte hier. ) Viele von ihnen haben die charakteristischen Jomon-Seil-Kordel-Muster, während andere aufwendig mit Arabesken-ähnlichen Mustern geschnitzt wurden. Einige im Weltraumgewand sind als "Schutzbrillen-Typ" bekannt und für diese Benennung ist keine Erklärung erforderlich. Was auch immer die Markierungen sind, sie sind alle unheimlich bewegend und können nicht anders, als die Fantasie anzuregen, sich über das Leben vor so vielen tausend Jahren und das Wunder, das es heute ist, zu wundern.

Wie Joseph Campbell einmal schrieb: "Nimm zum Beispiel einen Bleistift, einen Aschenbecher oder irgendetwas und halte es mit beiden Händen vor dir (in diesem Fall mit Blick auf Dogu), betrachte es eine Weile. Wenn Sie seinen Namen und seine Verwendung vergessen, ihn aber weiterhin betrachten, fragen Sie sich ernsthaft: Was ist das? Seine Dimension des Staunens öffnet sich, denn das Geheimnis des Seins dieses Dings ist identisch mit dem Geheimnis des Seins des Universums und mit dir selbst."

Fotos oben mit freundlicher Genehmigung des Suntory Museum, Sonderausstellung 1969
Letztes Foto oben von Nihon Toji Zenshu Vol. 3, Chuokoron-sha


Japanische Kunst (ca. 14.500 v. Chr. - 1900) Leitfaden für das Kunsthandwerk Japans

Hier ist eine kurze Einführung in die Ursprünge, Einflüsse und historische Entwicklung von fünf wichtigen Arten der bildenden Kunst aus Japan.

Für den Einfluss japanischer Ukiyo-e-Drucke und anderer dekorativer Kunst auf europäische Künstler siehe: Japonismus (c.1854-1900).


Dogu Tonfigur aus dem
Späte Jomon-Zeit.

OSTASISCHE KÜNSTE
Für weitere Informationen über
Kunst aus Fernost, siehe:
Kalligraphie
Chinesische Maler
Chinesisches Porzellan

Jomon Keramikkeramik

"Jomon" ist die Bezeichnung für antike Keramik, die in Japan während der Epoche der prähistorischen Kunst hergestellt wurde: das sind alle Tontöpfe, Gefäße und dekorativen Keramikfiguren, die von 14.500 v. Chr. bis etwa 100 v. Chr. hergestellt wurden. Die Jomon-Kultur beginnt somit während der Zeit der paläolithischen Kunst und setzt sich während der gesamten Zeit der neolithischen Kunst (10.000-2.000 v. Chr.) fort. Tatsächlich wird der Begriff "Jomon" heute verwendet, um sich auf die gesamte Periode der japanischen Steinzeitkunst zu beziehen. Um zu sehen, wie sich Jomon-Keramik in die Chronologie der Töpferei auf der ganzen Welt einfügt, siehe: Pottery Timeline (26.000 v. Chr. - 1900).

Jomon-Gefäße wurden mit ziemlicher Sicherheit von chinesischer Keramik beeinflusst, die seit der Xianrendong Cave Pottery (18.000 v. Chr.) und der Yuchanyan Cave Pottery (16.000 v. Chr.) kontinuierlich hergestellt wurde. Um 14.500 v. Chr. verbreiteten sich chinesische Techniken über die Grenze nach Sibirien, wie der Beginn der Keramik des Amur-Flussbeckens aus dem Jahr 14.300 v. Chr. zeigt, und überquerten wahrscheinlich auch das Japanische Meer nach Honshu. Auf jeden Fall wissen wir, dass zu dieser Zeit auch die japanische Töpferei begann, wie aus den Radiokarbondaten der ältesten Jomon-Stätten ersichtlich ist, nämlich: Odaiyamamoto I (Tohoku) (14.540 v. Chr.) Fukui-Höhle (Kyushu) (14.000 v. Chr.) und Kamino (Kanto) (13.500 v. Chr.).

Jomon-Keramik entwickelte sich über sechs Perioden: Beginnendes Jomon 14500-8000 v. Chr. Anfängliches Jomon 8000-5000 v. Chr. Frühes Jomon 5000-2500 v. Chr. Mittleres Jomon 2500� v. Um zu sehen, wie sich die japanische antike Kunst in die Entwicklung des Kunsthandwerks auf der ganzen Welt einfügt, siehe: Zeitleiste der prähistorischen Kunst (ab 2,5 Millionen v. Chr.).

Frühe Jomon-Keramikkunst wurde aus unraffiniertem Ton hergestellt, der in Lagerfeuern im Freien niedrig gebrannt wurde. Gefäßformen beschränkten sich auf einfache Schalen und Krüge mit spitzem oder rundem Boden, während sich die Dekoration auf Seilmarkierungen auf Außenflächen beschränkte. Mit der Entwicklung des Neolithikums wurde die Töpferei jedoch verfeinert. (Siehe auch: Neolithische Kunst in China: 7500-2000 v. Chr.) Auf diese Weise wurden die Gefäße vielfältiger und enthielten flache Böden und kunstvollere Dekorationsarten.Die Brenntechniken wurden verbessert und primitive Brennöfen wurden eingeführt, während soziale Veränderungen zu einer größeren Nachfrage nach neuen Keramikserien führten. Zu gegebener Zeit wurden neue Arten von Gefäßen für den Einsatz in religiösen oder rituellen Zeremonien geschaffen. Die mittleren und späten Jomon erlebten die Verbreitung von "dogu" Tonfiguren - eine Reihe von anthropomorphen Figuren, einschließlich seltsamer "brillenaugen" Formen (siehe Bild links).

Kunst der buddhistischen Tempel

Japan ist eine Schatzkammer einiger der größten Skulpturen der Welt, praktisch alle buddhistisch, und zunächst stark abhängig von Prototypen der chinesischen Kunst. Die mittelalterliche buddhistische Kunst ist in Japan jedoch oft viel besser erhalten als in China oder Korea, und mangels entsprechender Beispiele ist es oft schwierig zu entscheiden, ob eine bestimmte religiöse Kunst importiert oder von einem einheimischen Japaner stammt , oder von einem Einwanderer.

Die japanische Geschichte vor der Einführung des Buddhismus ist in drei Hauptepochen unterteilt, die Jomon (ungefähr 7500-200 v. Chr.), die Yayoi (200 v. Chr. - 200 n. Chr.) und die Tumulus (200-600 n. Chr.), Aus dieser Zeit sind meist kleinformatige Keramikskulpturen erhalten. Die Jungsteinzeit Jomon Die Figuren sind aus grauem und rotem Steingut, ihre Körpermerkmale sind durch Grate und flache Einschnitte definiert, große runde Augen verleihen dem abstrahierten Bild Leben Tumulus Diese Zeit hat ihren Namen von den großen Grabhügeln, die von ihren Herrschern errichtet wurden, um die herum Mengen von Haniva gefunden wurden - Keramikzylinder, die von Gefolgsleuten, Frauen, Tieren und Häusern gekrönt sind. Nach einem alten Text, Haniva waren Ersatz für die lebenden Menschen und reale Gegenstände, die einst die Großen ins Grab begleitet hatten - obwohl die Archäologie dies nicht bestätigt hat.

Die erste Welle des buddhistischen Einflusses kam aus dem Königreich Paekche in Korea nach Japan. Es wird berichtet, dass der koreanische König dem Kaiser von Japan 538 ein vergoldetes Bronzebild des Buddha schickte. Der Kaiser zeigte sich tief bewegt von der tiefgründigen buddhistischen Lehre , aber weil die Pest im Gefolge kam, wurde das Geschenk in einen Kanal geworfen. Es folgten jedoch weitere Bilder und dann Künstler (darunter ein bekannter Meister, Tachito, aus China - siehe Chinesische buddhistische Skulptur), und am Ende des 6. Jahrhunderts begrüßte Prinz Shotoku, Regent von Japan, den Buddhismus offen. Damals wurde unter anderem das berühmte Kloster Horyu in der Region Nara gegründet und es wurden Bilder in großer Zahl produziert. Zunächst beschränkte sich die buddhistische Skulptur nur auf wenige Themen - Shaka (der historische Buddha), Yakushi (der heilende Buddha), Miroku (oder Maitreya, der Buddha der Zukunft), Kwannon oder Kannon (der Bodhisattva des Mitgefühls) und die Wächterkönige des Nordens, Ostens, Südens und Westens. Zwei buddhistische Dreieinigkeiten (der Buddha flankiert von zwei Bodhisattvas) in Bronze sind von der Hand von Tori, dem Enkel des eingewanderten Tachito, aufgezeichnet, der für sie mit einem höheren sozialen Status belohnt wurde. Der Stil dieser frühen japanischen Skulptur ist eindeutig von chinesischen Vorbildern abgeleitet (vergleiche z Künstler. Die Formen sind etwas steif und langgestreckt, zu sanft abgestuften Flächen geglättet, die mit einer Kalligraphie aus herabhängenden Falten und anmutigen Faltenenden versehen sind. (Hinweis: Um zu sehen, wie sich Kunst und Kunsthandwerk im chinesischen Stil in Ostasien verbreitete, siehe: Koreanische Kunst.)

Einzelheiten zur frühen chinesischen buddhistischen Kunst finden Sie unter: Arts of the Six Dynasties Period (220-589) und Sui Dynasty Art (589-618).

Im 7. und 8. Jahrhundert wurde Holz zu einem bevorzugten Medium japanischer Bildhauer. Es wurde in sanft gewellte Volumen geschnitzt und poliert, geformt von sanften Konturen, mehr oder weniger belebt von linearen Mustern. (Siehe auch: Jadeschnitzen.) Eines der schönsten Beispiele dieser Zeit ist jedoch in Bronze, die kolossale freistehende buddhistische Dreifaltigkeit im Yakushi-Tempel in Nara, wahrscheinlich aus dem frühen 8. Jahrhundert. Die Draperienlinien winden sich frei um den prächtigen und massiven Yakushi, auch die Bodhisattvas sind prall und verkörpern Eleganz. Solche riesigen Bilder, wahrscheinlich direkt von chinesischen Tang-Prototypen abgeleitet, die heute verloren gegangen sind, wurden häufig während der Nara Periode (710-84) aus jeder Provinz, um das Ende einer Pest, die Thronbesteigung usw Wachsausschmelzverfahren. Eine Anleitung zu den ästhetischen Prinzipien der orientalischen Kunst, wie sie durch Malerei, Bildhauerei und zahlreiches Kunsthandwerk in China veranschaulicht wird, finden Sie unter: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale.

Eine andere Art der Skulptur aus ungebranntem Ton zeigt sich in den frei modellierten kleinen Figuren trauernder Jünger im Tableau von Der Tod des Buddha (711) im Kloster Horyu. Jeder Schüler wird als eigenständiges Individuum wahrgenommen. Einen ähnlichen Realismus prägt das prachtvolle Trockenlackporträt des chinesischen Mönchs Ganjin, Gründer des Klosters Toshodai und in Japan weithin als eine Art Heiliger verehrt. Aus China scheint er Künstler und eine neue Einflusswelle mitgebracht zu haben. Das riesige Kannon im Toshadai-Tempel, 5,5 Meter hoch, mit seinen tausend Armen (tatsächlich 953), die um das ruhige Gesicht eine fantastische Aureole bilden, ist ebenfalls aus Trockenlack. Während der Ganjin eine neue und kraftvolle Tradition der Porträtskulptur einleitet, die sicherlich mit dem Trend in China verbunden ist, der in den individualistischen Figuren von Luohans gipfelte, offenbart der Kannon einen neuen schwerfälligen und statischen Stil mit Drapierung aus schweren geschwungenen Falten.

In dem Heian Periode (784-1185) eine esoterische Sekte, die Shingon-Buddhisten, begannen zu blühen, ihre langwierigen Rituale erforderten eine große Anzahl von Bildern, die ein verzweigtes Pantheon spiritueller Kräfte verkörpern, jedes mit unterschiedlichen, oft fantastisch ausgearbeiteten Attributen. Im elften Jahrhundert griffen die Bildhauer zur Technik (yosegi) das Zusammenfügen von geschnitzten Holzteilen, um immer komplexere Figurationen zu erzeugen. Die aufwendigen Rituale, die während der Kamakura-Shogunat (1185-1392) standen nicht mehr unter staatlicher Schirmherrschaft, obwohl weiterhin viele große und hochwertige Skulpturen mit zunehmend dynamischer Erfindung und mit beharrlichem Realismus für sie hergestellt wurden. Zwei große Holzschnitzer des dreizehnten Jahrhunderts, Unkei und Kaikei, waren berühmt, ihre Statuen von Schutzgottheiten sind großartig bedrohlich.

Die buddhistischen Tempel waren nicht nur mit Skulpturen ausgestattet, sondern auch mit Wandmalereien, bestickten Bannern, figurierten Seidenstoffen, illustrierten Manuskripten, Zeichnungen und Blockdruckrollen. Privatpersonen besaßen sowohl Miniaturversionen der Bilder in den Tempeln als auch kleine tragbare Schreine, die manchmal aus kostbaren Materialien geschnitzt waren.

"Zen" ist die japanische Aussprache des Chinesischen "Chan" - die kraftvolle, fundamentalistische buddhistische Sekte, die in China während der Kunst der Tang-Dynastie (618-906) zum ersten Mal blühte. Es stand für die Ablehnung der aufwendigen Riten und Pflichten des traditionellen Buddhismus, der in den großen Klöstern mit ihrem immensen Zeremonialapparat, ihren Schätzen an Gemälden und Skulpturen praktiziert wurde mitten im normalen Alltagsgeschehen zu erreichen.

Während der Kamakura-Shogunat (1185-1332) Der Zen-Buddhismus wurde von einem Großteil der Kriegerklasse übernommen. Die Shogunaten waren Militärdiktaturen, die Japan im Namen eines Marionettenkaisers regierten und vom Shogunat zusammen mit seinen Höflingen als kraftlos, frivol, zeremoniell gefesselt angesehen wurden. Die Shogunaten förderten im Gegensatz dazu den Zen-Buddhismus und die Kaste und den Kodex der Samurai ("Krieger"), deren Ethik und Können auf den Regeln des Zen beruhten. In ihren Kampfkünsten Schwert, Bogen und Speer spielte die Zen-Disziplin, das Training, durch das Erleuchtung erlangt werden konnte, eine bedeutende Rolle. Die Schläge des Samurai mussten spontan und unmittelbar sein, ohne dass irgendwelche fremden Gedanken zwischen Bedürfnis und Handlung lagen. Eine ähnliche Qualität wurde in der Tuschemalerei gepflegt.

Im vierzehnten Jahrhundert, in der Muromachi (1333-1573) dominierte die Tuschemalerei - insbesondere wie sie von Zen-Priestermalern praktiziert wurde - die Künste in Japan, da sie die asiatische Kunst auf dem chinesischen Festland dominierte. Es wurde auf der Tusche-und-Wasch-Malerei von Song China gegründet: reine schwarze chinesische Tinte (suzboku) war das Hauptmedium, und auch seine Sujets entstammten dem chinesischen Repertoire - vor allem Landschaften und Jahreszeiten, aber auch Porträts. Seine Ästhetik verlangte Direktheit des Sehens, spontane Reflexion der Sensibilität für die Natur - sie orientierte sich stark an chinesischen Kanonen, wurde aber durch die Zen-Meditationstechniken erreicht. Eine Reihe von Malern hatte diesen chinesischen Stil nach und nach in Japan etabliert – darunter auch Shubun (aktiv 14. Jahrhundert) und Bunsei (aktiv 15. Jahrhundert) der Größte von ihnen war Sesshu (1420-1506), der vielleicht der größte typisch japanische Tuschemaler war, obwohl auch er, wie seine Vorgänger, noch stark von den großen Malern der Zeit der Song-Dynastie (906-1279) beeinflusst wurde, einschließlich der Zen-Mönch Muqi, sondern auch vom Ming-Maler Dai Jin. Von Sesshu wird berichtet, dass er während seines Studiums in China (1467-68) als der größte lebende Tuschemaler dort galt. Tatsächlich war Sesshus Pinselstrich härter und kantiger als der der Song-Maler, drückte seine Naturerfahrung mit größerer Freiheit und stärkerer Persönlichkeit aus und überlagerte die akademische Harmonie von Form und Geist, nach der die chinesischen Meister damals strebten. Spätere Generationen japanischer Künstler sollten immer wieder auf sein Vorbild zurückgreifen - nicht zuletzt die Maler der Kano Familie Schule.

Der Überlieferung nach war der Gründer der Kano-Schule Kano Masanobu (1434-1530), der mit der Malerei im sanften Stil seines Meisters Shubun begann und dann in bemerkenswert klaren und ausgewogenen Kompositionen einen dekorativeren Ausdruck entwickelte, insbesondere in einer riesigen, meist verlorenen Serie von Wand- und Siebbildern für Zen-Klöster . Sein Sohn Kano Motonobu (1476-1559) festigte den Kano-Stil in starken und lyrischen Umrissen, die seine Bewunderung für Sesshu, aber auch für die Stile der großen Meister von Song China widerspiegelten. Wie sein Vater arbeitete er für Zen-Klöster und trug viel dazu bei, der Kano-Schule ihren offiziellen Status beim Shogunat zu verschaffen.

Die großen Burgen auf hoch aufragenden Steinsockeln, die von den Adligen während der Herrschaft der Momoyama-Shogune (1568-1615) boten als Reaktion auf den Import von Kanonen riesige Flächen zum Bemalen an - eine Gelegenheit, auf die die Kano-Künstler mit Energie und Fantasie reagierten. Das große Genie war Kano Eitoku (1543-90), Enkel von Motonobu. Er injizierte in die gedämpfte Tuschemalerei die reiche Farbe und das Blattgold, die für die säkularen dekorativen Traditionen von Yamato-e charakteristisch sind, und in seinen Bildschirmen setzte er riesige Bäume oder Felsen, die in großen geschwungenen Linien gezeichnet waren, gegen ein goldenes, verschwommenes, immaterielles Hintergrund. leider hat nur wenig von seiner Hand die Zerstörung der Schlösser und Burgen, in denen er arbeitete, überlebt. Es gibt auch dekorative Paravents, atmosphärisch, asymmetrisch gestaltet, von seinem Zeitgenossen Hasegawa Tohaku (1539-1610), der jedoch vor allem für seine monochrome Malerei und die Subtilität seiner scheinbar beiläufigen Pinselführung bekannt ist. Die Kano-Schule blühte bis ins 18. Jahrhundert hinein und verlor allmählich die Inspiration.

Der strenge Zen-Malstil wurde in der Edo Periode (1615-1867), in der Einfachheit und Direktheit durch Niten (1584-1645), Tuschemaler und Samurai-Schwertkämpfer, dessen Pinselführung entsprechend schnell und summarisch wirkt. Nitens lebendige monochrome Pinselführung wurde von der seiner Zeitgenossen erreicht Sotatsu (gest.1643) und Kötsu (1558-1637), die nicht nur Tuschemaler (wenn auch nicht im Zen-Stil), sondern auch Dekorationskünstler waren, die maßgeblich an der Wiederbelebung von yamato-e beteiligt waren. Die Vorstellung von Zen war zu dieser Zeit nicht mehr so ​​streng, die ursprünglich von Mönchen als kontemplatives Ritual praktizierte Teezeremonie wurde mehr als ästhetische denn als religiöse Aktivität kultiviert und stammt aus der Momoyama und früh Edo Zeiten, in denen die feinsten, subtil lässig dekorierten Gefäße, die damit verbunden sind, überdauern. Die Erneuerung des Zen stimulierte auch die Entwicklung der anspielenden, epigrammatischen 17-silbigen Versform des Haiku und seines bildlichen Gegenstücks, der haiga, perfektioniert vom Dichter-Maler Yosa Buson (1716-83). Eine sehr ähnliche Ästhetik prägte die Malerei, die von Zen-Mönchen praktiziert wurde, um ihre intuitive Einsicht zu testen - eine extreme, "minimale" Version des Prinzips, das die japanische Tuschemalerei immer dazu geführt hat, das Meiste durch das Geringste auszudrücken.

Für wichtige Daten in der Entwicklung der ostasiatischen Kultur siehe: Zeitleiste der chinesischen Kunst (18.000 v. Chr. – heute).

Die im Wesentlichen säkulare Malweise der Japaner yamato-e, "Japanische Malerei", entstand ursprünglich aus Stilen der chinesischen Tang-Dynastie, die Japan durchdrang und im frühen Mittelalter assimiliert wurde. Es war zunächst ein höfischer Stil, der sich deutlich von der Malerei abhob und direkt von späteren chinesischen Beispielen inspiriert war, die die Kunst während der Kamakura und Muromachi-Shogunaten (1185-1573). Ihre formalere, dekorativere, farbenfrohere Ästhetik war der Spontaneität, Intuition und dem persönlichen Ausdruck - meist in Monochrom - der Zen-Tintenmaler völlig entgegengesetzt, obwohl, wie wir bereits gesehen haben, die beiden Modi in gewissem Maße zusammenwirkten.

Merkmale von Yamato-e sind in den berühmten Porträts von Hofwürdenträgern von Fujiwara Takanobu (1141-1204) und spiegelt die äußerst strengen Konventionen wider, die den Verkehr des mittelalterlichen japanischen Adels regeln. Die Gesichter wirken nun stark stilisiert, wobei der Schwerpunkt auf schlichtem, grafischem Design mit dekorativen Details liegt. Zu ihrer Zeit verursachte ihr Realismus jedoch einen Skandal.

Die wichtigsten Beispiele für Yamato-e sind bemalte Schriftrollen. Während der Heian Periode (784-1185) inspirierten wahrscheinlich aus China importierte Tang-buddhistische Schriftrollen die Entwicklung langer Erzählrollen, emakimono, die die anspruchsvollen und kultivierten Genüsse des kaiserlichen Hofes widerspiegeln. Eine Gruppe der frühesten und schönsten von ihnen illustriert den berühmten Roman über das höfische Leben der Dame aus dem 11. Murasaki, "The Tale of Genji", wobei sich die Szenen mit Textpassagen abwechseln. Die mit schwarzer Tinte umrandeten Figuren sind nach einer Formel gezeichnet, nicht die auf leere Ovale reduzierten Gesichter mit Nasen durch kleine Häkchen, Augen durch winzige schwarze Häkchen, die ihre Identität und ihren Status definieren, sind ihre modischen Gewänder. Gebäude sind meist dachlos und in einer Projektion, die den Blick auf Innenszenen ermöglicht.

Andere Erzählrollen unterschiedlichen Typs, aber verwandten Stils waren dem Leben der buddhistischen Heiligen Japans oder der oft grausamen Geschichte Japans gewidmet, manchmal satirisch, manchmal sehr dramatisch. Das zwölfte Jahrhundert Ban Dainagon Schriftrollen sind vielleicht die dramatischsten. Bemerkenswert ist, dass aufeinanderfolgende Episoden in eine fortlaufende Darstellung integriert sind, die in unzähligen plastisch gezeichneten, animierten Figuren, kaum Millimeter hoch, fortgeführt wird, während die lange Rolle von rechts nach links abgerollt wurde. Alle Bevölkerungsschichten, vom Adligen bis zum Bauern, werden in einer Reihe hektischer Gestiken dargestellt, die heftige Emotionen ausdrücken.

Die Fähigkeit, lebendige Genres mit strichlierten Linien und dekorativen Farben darzustellen, sollte von diesen frühen Vorbildern in einer langen Reihe von Erzählrollen bis in die Neuzeit energisch geübt und weiterentwickelt werden. Die Tradition wurde von der Tosa Familienschule, gegründet im konservativen und zeremoniellen Umfeld des heiligen kaiserlichen Hofes von Kyoto. Die frühen Tosa-Künstler kultivierten raffinierte Techniken der Oberflächendekoration, mit reichen Farben und viel Blattgold während der frühen Shogunaten die Schule verfiel, aber ihre dekorative Pracht trat im 16. und 17. Jahrhundert wieder in den Mainstream der japanischen Malerei ein, nachdem sie von . wiederbelebt wurde Tosa Mitsunobu (1434-1525). Am Beispiel der Tosa-Schule die Künstler Kötsu und Sotatsu (berühmt auch für ihre Experimente in der Tuschemalerei, siehe oben) entwickelte im frühen 17. Jahrhundert in Kyoto einen farbenfrohen Stil, der von Ogata Korin (1658-1716), ein glühender Verehrer von Sotatsu. Korins hochelegante Leinwände und Schriftrollen kombinierten Elemente aus der traditionellen Bildsprache der chinesischen Malerei mit japanischer Folklore, präsentiert in dramatischen Designs und mit einem außergewöhnlichen Gefühl für Farbe und Textur. Auch malte er, im Gegensatz zur formalen Pracht seiner rein dekorativen Werke, lebhafte naturalistische Studien.

Die letzte und herausragende Periode von Yamato-e datiert von der Entfernung des Shogunats von Kyoto bis Edo, modernes Tokio, im Jahr 1615. Kunst war für die Bürger von Edo, eine urbane Klasse neuen Wohlstands, weder eine Sache des gesellschaftlichen Zeremoniells noch des religiösen Ausdrucks, sondern diente ausschließlich dem Vergnügen. Zu ihrer Freude wurde der wiederbelebte Yamato-e-Stil auf Genrebilder wie die des Matsuura Bildschirme, bevölkert mit Damen in wunderschönen zeitgenössischen Kleidern. Dies wäre das Thema des Ukiyo-e und das Hauptmedium der Ukiyo-e-Künstler, die Holzblockdruck, wurde im siebzehnten Jahrhundert in Edo entwickelt, insbesondere von Moronobu (c.1618-94), der als einer der ersten das Verfahren zur Buchillustration einsetzte. Moronobu sah sich als Anhänger der Yamato-e-Tradition und unterzeichnete sich entsprechend. Erotische Kunst wurde von allen Edo-Künstlern praktiziert Sigimura Jihei (tätig Ende des 17. Jahrhunderts) fertigte prächtige Drucke erotischer Tänze an, die sehr beliebt waren.

Hinweis: Ein weiteres japanisches Handwerk, das während der Edo-Zeit erfunden wurde, ist Origami, die Kunst des Papierfaltens.

Das Ausdrucksspektrum von yamato-e erstreckte sich von seiner frühen anspruchsvollen Formalität bis hin zu den sentimentalen, sehr opulenten und manchmal kruden Edo-Stilen, nicht zuletzt die Kunst der Lackmalerei. Mehrere berühmte Maler hatten mit Lackarbeiten experimentiert, darunter Kötsu und Korin im siebzehnten Jahrhundert wurden chinesische Lackwaren seit der Antike hergestellt und wurden während der Ära der Ming-Dynastie (1368-1644) sehr beliebt. Während der Edo-Zeit entwickelten die Japaner eine ganz außergewöhnliche Fähigkeit, kleine Lacktassen und -schalen zu bemalen, und insbesondere die unterteilten Medizinkästen, die als . bekannt sind inro. Diese wurden an der Schärpe des Trägers durch eine Schnur befestigt, die mit einem netsuke, eine kleine Schnitzerei aus Holz, Elfenbein oder einem Halbedelstein. Ob als Relief oder rund, in einem bemerkenswert kleinen Miniatur-Kompass konnten japanische Handwerker erstaunliche, phantastische Effekte zaubern.

Das Thema von ukiyo-e, "Bilder der schwebenden Welt", erschienen zuerst in Bildschirmen und hängenden Schriftrollen, wurden aber im späten 17. Jahrhundert von Holzschnittdruckern aufgegriffen. Ukiyo-e-Holzschnitte, die sowohl als Illustrationen zu Romanen als auch als eigenständige Bilder veröffentlicht wurden, wurden in den Geschäften spezialisierter Druckgrafiker nach Künstlerentwürfen hergestellt und ihr typisch kalligraphischer Stil wurde bereits in den handkolorierten Drucken von Kaigetsudo Ando (aktiv 1700-14) und seine Mitarbeiter. In Kaigetsudo Andos einfigurigen Bildern berühmter Schönheiten der Yoshiwara, dem Bordellviertel von Edo (heute Tokio), lag der Schwerpunkt auf den prachtvollen Designs der Kimonos, dargestellt mit drahtigen Rundungen und starken, weiten Winkeln in einer kühn zweidimensionalen Komposition. (Siehe auch: Holzschnitte.)

Um 1720 erschienen Lackdrucke, bei denen bestimmte Teile des Musters, wie die Schärpe eines Kimonos, mit glänzender Tinte bemalt wurden, während andere Teile mit Leim bedeckt und mit Metallpulver bestäubt wurden - eine Technik, die später im Jahrhundert von Sharaku. Die Erfindung des Mehrblock-Farbdrucks von Suzuki Harunobu (1724-70) kam im Jahr 1765. Harunobus Bildsprache drehte sich um einen zerbrechlichen Frauentyp, fast kindisch, der die Straße entlangstolperte oder zu Hause beim Faulenzen oder im Gespräch oder beim Liebesspiel dargestellt wurde: Harunobu war es, der die vorherrschende Stimmung von Ukiyo . begründete -e in der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts, als eine Vision der alltäglichen Realität, die mit einem eleganten Glamour ausgestattet ist.

Unter einer Vielzahl bedeutender Künstler, die während der ersten Reife des Edo-Drucks am Werk waren, befanden sich drei Giganten, Koryusai, Kiyonaga und Utamaro. Zuerst der Stil von Koryusai (tätig 1765-84) stand seinem Meister Harunobu sehr nahe, aber nach Harunobus Tod begann er in den 1770er Jahren, ein neues, größeres Format zu entwerfen (das bald Standard für andere Künstler wurde) und begann eine lange Serie von Kurtisanenbildern - Schönheiten der Yoshiwara, allein oder mit Begleitern stehend oder spazierend - deren Bilder er in prächtigen Kompositionen präsentierte, wobei er Linienbündel verwendet, um Kaskaden von Drapierungen und geschwungenen Falten zu definieren. Er war auch in Vogel- und Pflanzenkompositionen herausragend und fertigte wie fast alle anderen Edo-Künstler Drucke an, die Liebe in Aktion zeigen. Kiyonaga (1752-1815) spezialisierte sich auf ausgedehnte Kompositionen von Figuren in architektonischen oder landschaftlichen Umgebungen, wobei sich die Landschaften durch eine bemerkenswert subtile Luftperspektive auszeichneten. Seine Entwürfe waren häufig über eine Reihe von Blättern – zwei oder drei oder mehr – fortlaufend und brachten erweiterte Erzählungen in Reichweite des Drucks.

Utamaro (1735-1806) wird oft als der größte der Ukiyo-e-Drucker angesehen. Er entwickelte eine neue Art weiblicher Schönheit, großbäuchig, weich, aber stark, in weit geschlungenen Linien evoziert – und verwendete diese Art auch in seinen Illustrationen japanischer Legenden und Folklore. Er war fruchtbar in technischen Geräten, führte Effekte ein, die die Transparenz von Stoffen vermittelten, und schnitt die Figuren an den Rändern der Komposition ab - ein Trick, der von Impressionisten bewundert und nachgeahmt werden sollte.

Diese Künstler wurden Ende des 18. Jahrhunderts von einer jüngeren Generation, einschließlich der mysteriösen Sharaku (aktiv 1794-95). Es wird angenommen, dass er von Beruf Schauspieler in der traditionellen Noha Theater wandte er sich 1794-95 zehn Monate lang der Druckgrafik zu und produzierte mindestens 136 bemerkenswerte Porträts von Kabuki-Schauspielern. Seine energische und forschende Zeichenkunst wird heute genossen, aber seine harten Charakterisierungen scheinen damals dem Publikum nicht gefallen zu haben.

Hokusai (1760-1849) hatte dagegen eine immens lange Karriere: In seinen späteren Jahren unterschrieb er selbst Der alte zeichnerische Mann, und er war in der Tat ein experimenteller Künstler, voller Humor und Wertschätzung für die Kuriositäten des Lebens und der Kunst. Bis etwa 1823 produzierte er vergleichsweise konventionelle Schauspiel- und Kurtisanendrucke und 1798 eine winzige Serie von Ansichten von Edo, seine ersten Landschaften. Dann wurde er zwischen 1823 und 1829 mit seinen 36 Ansichten des Berges Fuji (später entstanden bis zu 46 Drucke): Kein früherer Ukiyo-e-Künstler hatte sich so direkt für das Drama der Landschaft interessiert, das in einem so witzigen und kühnen Design getragen wurde. Er war äußerst produktiv, nicht nur in Druckgrafiken, sondern auch in Vogel- und Blumenbildern, illustrierten Grußkarten und in Zeichnungen (seine Manga) ab 1814 in 13 Bänden gesammelt. Siehe seine Fuji bei klarem Wetter (um 1829) im British Museum, London.

Hokusai war ein bedeutender Künstler, aber auch eine Übergangsfigur, die das 18. Jahrhundert mit dem 19. Jahrhundert verband. Unter dem Druck der Zensur änderte sich das Thema der Drucke. Es war Hiroshige (1797-1858), der zum größten Landschaftsmaler wurde. Seine Ansichten, obwohl sicherlich von Hokusais Stil beeinflusst, gaben seine Bravour auf und waren voller poetischer Atmosphäre, mit einer mitfühlenden Beobachtung des einfachen Volkes über ihre täglichen Geschäfte. Kuniyoshi (1797-1861) entwickelten einen ganz anderen Modus, Japans reiches Legendenrepertoire, die Kriegsführung der Samurai. In Sets von Großdrucken, darunter auch im Triptychon-Format, illustrierte er Helden, die gegen scheußliche Widrigkeiten und Monster kämpfen. Aber die Arbeit von Kuniyoshi und Hiroshige ist variabel westlicher Einfluss und sinkende Standards der technischen Errungenschaften untergruben die Qualität japanischer Drucke, während westliche Maler eifrig begannen, sie zu sammeln und ihre kühnen Designs und hervorragend dekorativen Farben zu integrieren in die eigene Arbeit.

Mehr über Kunst in Asien

Weitere Informationen über das in Asien praktizierte Kunsthandwerk finden Sie unter:

• Indische Skulptur (3300 v. Chr. - 1850)
Säulen von Ashoka, Ajanta-Höhlen, Chola-Bronzen und mehr.
• Klassische indische Malerei (bis 1150 n. Chr.)
Pali illuminierte Manuskripte, spätklassische buddhistische Kunst und mehr.
• Postklassische indische Malerei (14.-16. Jahrhundert)
Vijayanagar-Malerei, Gujarat-Beleuchtung und mehr.
• Mogul-Malerei (16.-19. Jahrhundert)
Babur-, Akbar-, Jahangir-Schulen und mehr.
• Rajput-Malerei (16.-19. Jahrhundert)
Rajastan-Maler sowie die Upper Punjab-Schulen und mehr.

Quelle: Wir danken für die Verwendung von Material im obigen Artikel aus David Pipers herausragendem Buch "The Illustrated History of Art".


Die Projekt des Jomon-Stammes taucht mit a . in das prähistorische Geheimnis Japans ein atemberaubende neue Fotoausstellung.

In der TAV Gallery in Tokio findet derzeit eine atemberaubende Fotoausstellung mit dem Titel “Jomon Tribe” statt, die einige der prähistorischsten Markierungen Japans mit Tattoo-Designs des 21. Jahrhunderts verbindet. Das kollaborative Kunstprojekt zwischen dem Underground-Kulturfotografen Ryoichi “Keroppy” Maeda und dem Tätowierer Taku Oshima, der jahrelang die Welt bereist hat, um Stammespraktiken und -designs zu erforschen, erforscht das Geheimnis der Stammesmuster, die auf Tonfiguren aus Japans Jomon . gefunden wurden Periode (14.000 – 300 v. Chr.), die einige Forscher als Beweis für die Tattoo-Kultur ansehen. Obwohl es keine schlüssigen Ergebnisse gab, um die Theorie zu widerlegen oder zu bestätigen, ist es ein faszinierendes Konzept, das im Mittelpunkt der neuen Fotosammlung steht.

Die Fotografien zeigen markante Spiralen und schnurartige Muster aus der Jomon-Zeit (14.000 – 300 v. Chr.), die auf echte Körper gemalt wurden, um den „primitiven Geist der Menschheit“ zu zeigen.

Die Inschrift dieser Ahnenmuster auf zeitgenössischen Körpern folgt der Praxis der “modernen Primitiven”, um zu zeigen, wie der primitive Geist der Menschheit zu einer neuen Identität wird, um das postmoderne Leben des 21. Jahrhunderts zu überleben.”

▼ Bilder von der Facebook-Seite der Galerie zeigen eine große Vielfalt schöner Körperkunst.

Wir haben viele Fotos von Stammes-Tattoos von anderen Inselstaaten und Japans eigenen Eingeborenen Ainu gesehen, die angeblich von Jomon-Stämmen abstammen, aber dies ist das erste Mal, dass wir Jomon-Markierungen auf dem menschlichen Körper sehen.

Die Idee der Jomon-Tattoos ist eine faszinierende Idee, die mehr Fragen aufwirft als sie beantwortet und uns dazu inspiriert, mehr über die mysteriöse Kultur der prähistorischen Menschen Japans zu erfahren. Wenn Sie sich die zum Nachdenken anregende Ausstellung ansehen möchten, ist sie bis zum 27. September in der TAV Gallery in Tokios Suginammi Ward zu sehen.


Prähistorische Figur zeigt die Wertschätzung unserer Vorfahren für die weibliche Form

Dralle Schönheiten mit rubenesken Figuren waren Gegenstand von Künstlern im Laufe der Geschichte und, wie es scheint, sogar in der Vorgeschichte. Die außergewöhnlich seltene Tonfigur, die in der Nähe von Higashiomi in der japanischen Präfektur Shiga gefunden wurde, ist erst die zweite ihrer Art, die im Land gefunden wurde - eine weitere weibliche Figur wurde 1996 von Forschern in der Nähe der Stadt Matsusaka in der Präfektur Mie gefunden.

Genehmigungen für archäologische Ausgrabungen sind in Japan schwer zu bekommen, da viele der bekannten Stätten Kaisergräber aus der frühen Yayoi-Zeit sind, als die Vorfahren der heutigen Japaner erstmals eine historisch dokumentierte Gesellschaft gründeten.

Vor dem Aufkommen der Yayoi-Kultur war Japan jedoch von Mitgliedern der Jomon-Kultur (14.000 v. Chr. bis 300 v. Chr.) bevölkert. Die Jomon waren eine neolithische Gesellschaft, die nur sehr wenig Stein- oder Metallwerkzeuge oder -strukturen hinterließ. Sie stellten Töpferwaren her - einige der ersten, die auf der ganzen Welt bekannt sind - und die in Shiga gefundene Tonfigur ist daher ein sehr bemerkenswerter Fund, da sie offensichtlich nicht zweckdienlich ist.


Die Figur, eigentlich der bessere Teil eines Torsos mit einem Loch oben am Hals, ist nur 3,1 cm (1,25 Zoll) groß und wiegt nur 14,6 Gramm.

Nach Angaben der Shiga Prefectural Association for Cultural Heritage, deren Mitglieder die Figur in der archäologischen Stätte Aidanikumahara entdeckten, ist der kurvige und sehr offensichtlich weibliche Torso etwa 13.000 Jahre alt und trägt die Merkmale der Jomon-Keramikkultur. Sie gesellt sich zu der 25.000 Jahre alten, in Mitteleuropa gefundenen Steinskulptur "Venus von Willendorf" (oben) als eine der wenigen nicht zweckdienlichen Skulpturen unserer vorzivilisierten Vorfahren. (über Asahi Shimbun und Iabrno)


Inked and Exiled: Eine Geschichte des Tätowierens in Japan

Japanisches Tätowieren, oder irezumi (入れ墨), soll in der Jomon-Zeit (10.000 v. Chr.-300 n. Chr.) entstanden sein. Moderne Tätowierstile, die heute zu sehen sind, stammen aus der Edo-Zeit (1603-1868), als das Tätowieren in Japan illegal wurde (3). Das Tätowieren in Japan war größtenteils schon immer umstritten, mit Verbindungen zu kriminellen Aktivitäten und kindlicher Frömmigkeit (2). Viele Einrichtungen, wie öffentliche Schwimmbäder und heiße Quellen, oder onsens (温泉), verbiete äußerlich diejenigen mit sichtbaren Tätowierungen, egal wie klein sie auch sein mögen. Mit der wachsenden Zahl westlicher Besucher, die nach Japan strömen, werden die geltenden Gesetze und gesellschaftlichen Stigmata rund um Tätowierungen nicht nur verwirrend, sondern auch schädlich für diese japanische Kunstform, da immer mehr Regierungsbeamte daran arbeiten, Tätowierungen für Einheimische zu verbieten, aber respektvoll gegenüber eingefärbten Besuchern zu sein (2).

  1. Geschichte des japanischen Tätowierens
    • Kulturelle Bedeutungen und Traditionen
    • Verbindungen zu Verbrechen und kindlicher Frömmigkeit
  2. Öffentliche Kontroverse
    • Gesetze, die Tätowierungen verbieten
    • Japanische Ansichten von Tattoos
  3. Zusammenfassung
  4. Andere Ressourcen

1.1 Kulturelle Bedeutungen und Traditionen

Viele Historiker führen das Tätowieren bis in die Jomon-Zeit (10.000 v. Chr.-300 v. Chr.) zurück. Tonfiguren genannt dogu zeigten tätowierte Markierungen auf ihren Gesichtern und Körpern, bei den ältesten Dogus wurde 1977 in der Nähe von Osaka gefunden. Beweise für alte japanische Tätowierungen finden sich in Gishiwajinden, der chinesische Geschichtstext aus dem 3. Jahrhundert, der die älteste Erwähnung Japans enthält (6). Männer aus Wa, dem damaligen Japan, schmückten ihre Gesichter und Körper mit Mustern wie Fischen und Muscheln. Die Tätowierungen wurden als Schutzsymbole oder Ziermuster verwendet, die je nach Rang zwischen Stämmen und Individuen variierten. Andere historische Texte weisen auf die Bedeutung von Tätowierungen für Samurai im 16. Jahrhundert als Identifikationsform hin. Bestimmte Gebiete markierten Soldaten, um sie nach dem Tod auf dem Schlachtfeld besser identifizieren zu können, da Aasfresser oft Leichen ihrer Habseligkeiten plünderten (6).

Die Ainu, ein indigener Stamm aus der Region Hokkaido, haben eine lange Geschichte mit Tätowierungen. Ainu-Tattoos wurden erstmals 1612 von Girolamo de Angelis aufgezeichnet und sind am häufigsten um die Motte, Wangen, Stirn und Augenbrauen herum zu finden. Diese Tätowierungen wurden zu kosmetischen und Stammeszwecken sowie als Symbol für Religion und sexuelle Reife verwendet. Mädchen wurden erstmals im Alter von 10 bis 13 Jahren tätowiert, einige viel jünger, und tätowierten weiter, bis sie ein heiratsfähiges Alter erreichten. (6). Die japanische Regierung versuchte 1799 mit wenig Glück, das Tätowieren von Ainu zu verbieten, ließ jedoch 1871 mit der Ankunft von Westlern stärkere Kampfmittel durch. Obwohl das Tätowieren verboten war, tätowierten viele weiterhin heimlich (5).

Moderne japanische Tätowierungen stiegen in der Edo-Zeit (1600-1867) in Städten wie Edo (dem heutigen Tokio) und Osaka auf. Die Entwicklung des Holzschnitts, ukiyo-e, im 18. Jahrhundert half, die Kunst des Tätowierens weiterzuentwickeln, da immer mehr Menschen tätowierten Helden in veröffentlichten Illustrationen und Romanen ausgesetzt waren. Mit der zunehmenden Popularität des Tätowierens verbot die Regierung die Kunst mit der Begründung, sie sei „schädlich für die öffentliche Moral“ (6). Selbst mit Gesetzen, die Tätowierungen verbieten, tätowierten weiterhin gemeine Leute wie Feuerwehrleute und Arbeiter. Diese Zeit brachte auch den Zustrom von Tätowierungen unter den Yakuza oder Gangs. Die Yakuza suchten nach Tätowierungen, weil sie eine schmerzhafte Art waren, Mut zu beweisen, und weil sie von Dauer waren. Da Tätowierungen illegal waren, wurden sie für immer geächtet. Heutzutage entscheiden sich viele Yukuza dafür, Tätowierungen zu vermeiden, um sich zurückzuhalten (6).

Mit der Ankunft westlicher Truppen im 19. Jahrhundert gingen japanische Beamte hart gegen das Tätowieren vor, um ein zivilisiertes und sauberes Image aufrechtzuerhalten. Japan arbeitete daran, eine Besetzung zu vermeiden, nachdem es über 200 Jahre lang isoliert war, und arbeitete schnell daran, sich zu modernisieren, und arbeitete schnell daran, den westlichen Gesellschaften zu zeigen, dass das japanische Volk gut kontrolliert wurde (5). Offizielle Verbote wurden erst 1948 aufgehoben, aber viele befürchten, dass die Japaner ihre Tätowiergeschichte vergessen haben. Viele Künstler arbeiten immer noch daran, die Tradition am Leben zu erhalten, auch wenn Tätowierungen noch weitgehend außer Sichtweite gehalten werden.

Tattoos in Japan werden hauptsächlich aufgrund von Verbindungen zu den Yukuza oder Banden und kindlicher Frömmigkeit stigmatisiert. Im Laufe der Geschichte wurden Tätowierungen verwendet, um Personen zu symbolisieren, die Verbrechen begangen haben, wobei die früheste Aufzeichnung im Jahr 710 n. Chr. gefunden wurde. Während der Kofun-Zeit (300 n. Chr.-600 n. Chr.) verloren Tätowierungen ihre gesellschaftliche Akzeptanz. Tätowierungen wurden als eine Form der Bestrafung angesehen, die eine Person für das Leben brandmarkte, und es existierten eine Vielzahl verschiedener Symbole (6). Verschiedene Präfekturen hatten unterschiedliche Tätowierungen, wobei viele die Stirn oder die Arme tätowierten (wie in den Bildern unten zu sehen). Präfekturen wie Hiroshima tätowierten das Kanji für inu (犬) oder Hund, auf der Stirn einer Person, während andere wie Chikuzen, jetzt Fukuoka und Takanoyama, jetzt Wakayama, tätowierte Linien oder Punkte haben. Vor allem Hiroshima tätowierte die Linien in Stücken, um sie zu Kanji für Hund zu vervollständigen, wobei jede Linie ein anderes Verbrechen darstellte. Andere fügten Linien auf dem Unterarm für die Anzahl der begangenen Verbrechen hinzu (4).

Menschen, die tätowiert wurden, wurden oft von ihren Freunden und ihrer Familie geächtet und ihnen wurde jede Teilnahme am Gemeinschaftsleben verweigert. Gegen Ende des 17. Jahrhunderts wurde das strafrechtliche Tätowieren aufgrund des Aufkommens von dekorativen Tätowierungen durch andere Formen der Bestrafung ersetzt. Mit der Verfügbarkeit von dekorativen Vertuschungen konnten Kriminelle frühere Tätowierungen verbergen, die aufgrund von Straftaten gegeben wurden. Daraus entstand die Assoziation mit dem Tätowieren und der organisierten Kriminalität, insbesondere den Yakuza (1). Mit dem Aufkommen der Yakuza-Filme kam die öffentliche Angst vor Tätowierungen. Als eines ihrer größten Markenzeichen sind Tätowierungen ein Zeichen von Stärke, da ein traditionelles japanisches Tattoo eine ganze Weile dauert, bis es fertig ist. Tattoos symbolisierten Stärke, Mut, Zähigkeit, Männlichkeit und ein Gefühl der Solidarität mit anderen Gangmitgliedern (6). Mit dem Anstieg der Yakuza-Bevölkerung und der kriminellen Aktivität entstand aufgrund des langjährigen Glaubens an Tätowierungen und Kriminelle eine negative Assoziation zwischen den beiden. Heute beginnt die Zahl der Yakuza mit Tätowierungen zu sinken, da die Strafverfolgungsbehörden begonnen haben, hart gegen Mitglieder vorzugehen. In dem Bemühen, unter dem Radar zu verschwinden, entscheiden sich viele dafür, Ganzkörper-Tattoos zu schmieden, um sich besser in die größere Gesellschaft zu integrieren (6).

1614 verbot Shogun Tokugawa Ieyasu das Christentum und erklärte Japan zum Land der Götter. Ieyasu zitierte Konfuzius-Doktrinen und vertrat die Ansicht, dass „Körper, Haare und Haut, die wir von unserem Vater und unserer Mutter erhalten haben, um sie nicht zu verletzen, der Beginn der kindlichen Frömmigkeit ist. Den eigenen Körper zu bewahren heißt, Gott zu reservieren“ (6). Die kindliche Frömmigkeit ist eines der wichtigen Elemente des Konfuzianismus und besteht aus kindlichen Pflichten gegenüber den Eltern, wie Gehorsam, Verantwortung und Loyalität (6). Sich selbst zu markieren ist eine Beleidigung nicht nur für Gott, sondern auch für ihre Mutter und ihren Vater. Diese Lehre wird bis heute weitergeführt, da der Aspekt des Gehorsams und der Verantwortung in der Kritik am Tätowieren liegt.

2.1 Gesetze, die Tätowierungen verbieten

Während der Meiji-Ära (1868-1912) begann Japan, seine Grenzen für westliche Länder zu öffnen, was Handel, Mode und Modernisierungsbedarf mit sich brachte. Tätowierungen, sogar von bestimmten Stämmen wie den Ainu, wurden 1872 verboten, um dem Rest der Welt zivilisiert und raffiniert zu erscheinen (6). Der Zustrom von Ausländern in das Land war von den traditionellen japanischen Designs begeistert und strömte zu Tätowierern, obwohl das Tätowieren für japanische Eingeborene illegal war. Royals wie der Duke of Clarence, der Duke of York und der Czarevitch of Russia erhielten Tätowierungen, wenn sie die Insel besuchten, was dazu beitrug, die Kunst in Übersee zu sein (6). Aufgrund dieser Gesetze begann sich das Tätowieren in den Untergrund zu verlagern, da mehr Studios durchsucht und Tätowierer verhaftet wurden. Das Tätowieren wurde 1948 wieder legal, aber das Stigma um die Kunst ist bis heute geblieben (5).

Im Jahr 2015 durchsuchten Beamte in Osaka das Studio des Tätowierers Taiki Masuda und beschuldigten ihn, drei Personen tätowiert zu haben. Während es legal ist, sich tätowieren zu lassen, ist es illegal, es zu geben, was Künstlern hohe Geldstrafen oder Gefängnisstrafen aussetzt. Masuda wurde für schuldig befunden, gegen das Medical Practitioner's Act von 1948 verstoßen zu haben, das besagt, dass nur ein Arzt ärztliche Tätigkeit ausüben darf (8).Die Kontroverse über die Definition des Tätowierens als medizinisches Verfahren begann im Jahr 2001, als kosmetische Tätowierungen an Popularität gewannen. Um die ständig wachsende Industrie zu kontrollieren, hat das Ministerium für Gesundheit, Arbeit und Soziales jede Maßnahme des „Aufbringens von Pigmenten auf eine Nadelspitze und Einbringen von Tinte in die Haut“ als medizinische Praxis angesehen, die nur von jemandem mit ärztlicher Lizenz (8). Aufgrund der ständig wachsenden Beschränkungen und Schließungen japanischer Tattoo-Shops legen viele Künstler zurück und arbeiten nur nach Terminvereinbarung (3). In Masudas Fall, wie auch bei vielen anderen Tätowierern in ganz Japan, ist ihr Handwerk und ihre Lebensgrundlage ständig in Gefahr.

2.2 Japanische Ansichten von Tattoos

Aufgrund der jahrhundertelangen Stigmatisierung von Tätowierungen in Japan scheinen sich moderne Ansichten über Tätowierungen und Tätowierungen auf Kriminalität und Abweichung sowie auf Respekt zu konzentrieren. Yakuza-Filme, die in den 1970er Jahren populär wurden, trugen dazu bei, das Image eines tätowierten Gangmitglieds als Bedrohung für die Gesellschaft zu festigen (3). Obwohl die Yakuza daran arbeiten, Tätowierungen als Zeichen der Gangmitgliedschaft zu vermeiden, bleibt das stereotype Bild bestehen. Tätowierungen, wie sie in Vorstellungen von kindlicher Frömmigkeit umrissen werden, werden auch als Respektlosigkeit gegenüber dem eigenen Körper angesehen, der ihnen von ihren Eltern geschenkt wurde (5). Japan hat eine lange Geschichte des Respekts und der Etikette, die sich in einer Vielzahl von alltäglichen Handlungen und Sprachen zeigt. Die Japaner haben viele soziale Regeln in Bezug auf Verbeugung, Essen, Konversation und Höflichkeit, die ihren Alltag mitgestalten (9). Indem man den Körper mit Tätowierungen nicht respektiert, bricht man soziale Codes von Respekt und Gehorsam. Viele werden auch heute noch als modisches Statement eingefärbt und verschieben langsam die sozialen Barrieren für zukünftige Generationen.

Traditionelle japanische heiße Quelle

Diejenigen, die sich in Japan tätowieren lassen, sogar Ausländer, sehen sich einer Vielzahl von Problemen gegenüber, wenn sie versuchen, an der Öffentlichkeit teilzunehmen. Tattoos sind oft eine private Sache, die unter der Kleidung versteckt oder bedeckt sind. Beim Betreten öffentlicher Räume, wie beispielsweise heißen Quellen oder öffentlichen Schwimmbädern, ist es nahezu unmöglich, Tätowierungen zu verstecken (2). Viele dieser Badehäuser und Pools verbieten tätowierte Gäste, egal ob sie Einheimische sind oder nicht. In der Vergangenheit war es für Unternehmen einfacher, tätowierte Einheimische abzulehnen, aber mit dem Zustrom von tätowierten Ausländern und Einheimischen wird es viel schwieriger, öffentliche Gegenreaktionen zu vermeiden (2). Sogar diejenigen mit traditionellen Stammes-Tattoos, wie die Ainu und Maori, wurden von öffentlichen heißen Quellen abgewiesen, was die Japan Tourism Agency veranlasst hat, tätowierten Ausländern den Zutritt zu solchen öffentlichen Räumen zu ermöglichen (2). Dies wirft jedoch Probleme auf, da Einheimische immer noch traditionelle heiße Quellen besuchen und sich möglicherweise nicht wohl fühlen, tätowierte Gäste zu sehen. Viele große Arbeitgeber verbieten ihren Mitarbeitern immer noch das Tätowieren, auch wenn sie nicht sichtbar sind (2).

Im Jahr 2012 führte der Bürgermeister von Osaka, Toru Hashimoto, eine freiwillige Umfrage für Stadtbeamte durch, um festzustellen, wie viele tätowiert waren, wo und was sie hatten. Hashimoto plädierte dafür, dass alle städtischen Beamten, von Lehrern bis hin zu Mitarbeitern der Abfallwirtschaft, keine Tätowierungen tragen sollten (7). Die Umfrage, die von vielen als Verletzung der Privatsphäre empfunden wurde, wurde mit der Begründung vor Gericht gebracht, die Untersuchung sei illegal und verstoße gegen Antidiskriminierungsrechte (7). Die Gerichte entschieden zugunsten des Bürgermeisters und sagten, die Untersuchung habe „im Gegensatz zu Fällen, in denen die Vorstrafen oder die Rasse offengelegt werden, keine Diskriminierung verursacht“. (7) Diese Tattoo-Checks finden noch heute statt, da neue Rekruten innerhalb der Regierung auf sichtbare Tattoos überprüft werden.

Das Tätowieren in Japan hat eine lange und komplizierte Geschichte, die von sozialer Kontrolle und Macht angetrieben wird. Viele Traditionen und Ansichten über das Tätowieren wurden im Laufe der Jahrhunderte weitergegeben, um die Ansichten der Menschen heute direkt zu beeinflussen. Während viele westliche Länder das Tätowieren akzeptieren, zwingt Japan immer noch negative Stereotype und Traditionen nicht nur seinen Menschen, sondern auch ausländischen Besuchern auf. Die neue Generation von Künstlern und Aktivisten wird hart arbeiten müssen, um sich nicht nur von der japanischen Regierung, die das Tätowieren strenger einschränkt, sondern auch von den Menschen selbst, die solche negativen Einstellungen täglich verstärken, durchzusetzen.

(1) Anon. n.d. „Geschichte von Tattoos und Tätowieren in Japan.“ Tattoo-Geschichte . (http://www.vanishingtattoo.com/tattoo_museum/chinese_japanese_tattoos.html).

(2) Ashcraft, Brian. 2016. „Japans Problem mit Tattoos.“ Kotaku. (https://kotaku.com/japans-problem-with-tattoos-1767685623).

(3) DeHart, Jonathan. 2016. "Verbotene Tinte: Japans umstrittenes Tattoo-Erbe." Der Diplomat. (https://thediplomat.com/2016/10/forbidden-ink-japans-contentious-tattoo-heritage/).

(4) Kurihara, Juju. 2013. "Geschichte der japanischen Tätowierung." IroMegane. (http://www.iromegane.com/japan/culture/history-of-japanese-tattoo/).

(5) Mitchell, Jon. 2014. „Japan eingefärbt: Sollte das Land seine Tattoo-Kultur zurückfordern?“ Die Japan Times. (https://www.japantimes.co.jp/life/2014/05/03/lifestyle/japan-inked-country-reclaim-tattoo-culture/).

(6) Yamada, Mieko. n.d. "Japanisches Tätowieren von der Vergangenheit bis zur Gegenwart." Tattoos.com. (http://tattoos.com/japanese-tattooing/).

(7) Anon. 2016. „Der Oberste Gerichtshof bestätigt die Tätowierungsprüfung der Stadt Osaka bei Arbeitern als legal.“ Die Japan Times. (https://www.japantimes.co.jp/news/2016/11/14/national/crime-legal/supreme-court-upholds-osaka-citys-tattoo-check-workers-legal/).

(8) Crabbe, Stephen. 2017. "Hinter dem japanischen Gerichtsurteil, dass Tätowierer qualifizierte Ärzte sein müssen." Die Unterhaltung. (https://theconversation.com/behind-the-japanese-court-ruling-that-tattoo-artists-need-to-be-qualified-doctors-84639).

(9) Yasuka, Autor. 2017. "Richtiges Verhalten und zu beachtende Manieren in Japan." KCP International. (https://www.kcpinternational.com/2017/10/behavior-and-maners/).

Angel Kearns ist Doktorand im Studiengang Angewandte Soziologie an der Old Dominion University. Als aktuelle Koordinatorin des M-Power Peer Education Network, einem Peer-Education-Programm des ODU Women’s Center, widmet sie sich der Aufklärung anderer zu Themen im Zusammenhang mit zwischenmenschlicher Gewalt, Geschlechterrollen, Diversität und Diskriminierung sowie der Entwicklung von Führungskräften. Sie genießt Katzen, Kaffee und Netflix-Marathons.


Thema

Jomon ist eine Periode der japanischen Vorgeschichte, die über zehntausend Jahre dauerte und der europäischen Steinzeit entspricht. Heute ist das Jomon ein Teil der zeitgenössischen Kultur. Obwohl die Jomon-Kultur und -Landschaft aus der fernen Vergangenheit geerbt wurde, ist sie in vielerlei Hinsicht eine Inspiration für die Menschen und schafft neue Kultur und Landschaften in Japan.

Jomon-Artefakte

Jomon-Artefakte sehen ganz anders aus als die heutigen Alltagsgegenstände. Tatsächlich wurden sie von den Menschen geschaffen, die sich vor Jahrtausenden auf dem japanischen Archipel niedergelassen haben. Unter den Jomon-Artefakten sind Töpfergefäße und Tonfiguren die repräsentativsten. Tonscherben, die auf dem japanischen Archipel gefunden wurden, gehören zu den frühesten Töpfergefäßen der Welt. Nach der Erfindung der Töpferei entwickelte die Bevölkerung des Archipels, die Jomon, ihre Techniken als Töpfer und Künstler. Im Vergleich zu anderen prähistorischen Kulturen schufen die Jomon eine große Vielfalt an Töpfergefäßen. Die Keramik spiegelt die Vielfalt der regionalen Kulturen und Lebensweisen der Jomon im japanischen Archipel mit seiner reichhaltigen natürlichen Umgebung wider. Einige Jomon-Keramikgefäße symbolisieren ihre Weltanschauungen, andere sind mit extrem abstraktem Ausdruck hergestellt. Die Jomon-Leute wendeten ihre künstlerische Technik an, um Tonfiguren (Dogu) herzustellen. Die meisten sollen der Form von Frauen nachempfunden sein und mit prähistorischen Fruchtbarkeitsriten in Verbindung gebracht werden. Sowohl Keramikgefäße als auch Tonfiguren wurden in das tägliche Leben der Jomon-Leute eingebettet.

Die Jomon-Zeit entspricht der Steinzeit. Die steinernen Werkzeuge des Jomon-Volkes zeigen ihre Anpassung an die Umwelt sowie ihre Tausch- und Handelsaktivitäten. Die Jomon-Steinwerkzeugkiste enthält Jagdwerkzeuge wie Pfeilspitzen und Speere sowie Werkzeuge zur Lebensmittelverarbeitung wie Steinmörser. Neben diesen Werkzeugen wurde eine große Anzahl von Steinwerkzeugen mit scharfen Kanten für die Herstellung anderer Waren verwendet: wie Angelwerkzeuge aus Knochen und Geweih, Holzwerkzeuge und andere Kunsthandwerke aus Holz, Rinde, Textil, Knochen, Urushi-Lack und Lederhandwerk. Solche organischen Artefakte werden selten an archäologischen Stätten gefunden, da der saure Boden des japanischen Archipels die Konservierung organischer Materialien nicht zulässt. Steine ​​spiegelten auch prähistorische symbolische Gedanken wider. Die Jomon-Leute schufen verschiedene Steinartefakte, wie Steinstäbe und Zierperlen. Steinwerkzeuge und Kunsthandwerk wurden aus verschiedenen Rohstoffen hergestellt, insbesondere aus Obsidian, Jade und Bernstein. Diese Produktionsstätten sind sehr begrenzt, was das Wachstum breiter Austausch- und Handelsnetzwerke unter den Jomon-Leuten stimulierte. Jüngste Entwicklungen in den archäologischen Wissenschaften haben Langstreckentransporte dieser Steinmaterialien offenbart.

Die Siedlungslandschaften der Jomon wurden durch die Produktion dieser Güter geprägt. Sie wählten bestimmte Länder aus, arbeiteten auf der Erde und machten ihre Lebensbedingungen und symbolischen Landschaften. Wir können diese Spuren und Überreste in Form von Fundorten, Grubenwohnungen, Grubenhaufen, die Säulenarchitekturen widerspiegeln könnten, sowie steinernen Denkmälern, die ihr symbolisches Weltbild anzeigen, erahnen. Diese Siedlungen wurden durch eine große Anzahl von Ausgrabungsprojekten in der gesamten Region freigelegt. Lokaler Enthusiasmus, das Engagement von Kulturerbe-Managern und unsere archäologische Vorstellungskraft haben dazu beigetragen, eine Vielzahl von wiederaufgebauten Kulturerbeparks zu schaffen.

Die oben vorgestellten Jomon-Artefakte umfassen wesentliche Elemente einer Lebensweise, die zehntausend Jahre andauerte. Sie wecken nicht nur unsere Neugier auf eine abgelegene, exotische und verlorene Welt, sondern auch eine Affinität zwischen der Jomon-Zeit als einer fernen Vergangenheit und den heutigen uns, die zwischen Universalität und Besonderheit beim Reisen um die Welt driften.

Archäologisches Jomon

In der Archäologie bezieht sich Jomon auf die prähistorische Kultur, die sich von 14.000 bis 400 v. Chr. Auf den Hauptinseln des japanischen Archipels befand. Der Begriff „Jomon“ selbst wurde jedoch durch den internationalen Austausch mit dem Westen geboren. Der amerikanische Biologe Edward Morse (1838–1925) gilt als Vater der Jomon-Archäologie. Morse war einer von vielen ausländischen Spezialisten (oyatoi gaikokujin), die in der Meiji-Ära (1968-1912) nach Japan gebracht wurden, um zur Modernisierung Japans beizutragen. Er entdeckte den Omori-Muschelhaufen in Tokio, als er während seiner Fahrt zur Tokyo Imperial University nach einem Zug Ausschau hielt. Mit seinen Schülern grub er 1877 den Granathaufen aus und veröffentlichte kurz darauf die Ergebnisse. Bei der Untersuchung von Tonscherben aus dem Muschelhaufen nannte er sie „cordmarked“ in Anlehnung an ähnliche Prägemuster, die auf prähistorischer Keramik in den Vereinigten Staaten gefunden wurden. Die japanische Übersetzung von Schnur markiert ist der Begriff Jomon.

Artefakte aus der Jomon-Zeit wie Keramik, Tonfiguren, Steinwerkzeuge und Lackwaren haben einen rätselhaften und ästhetischen Zauber. Die vielfältige Auswahl an Jomon-Artefakten hat Forscher dazu inspiriert, eine Vielzahl von Ideen darüber zu entwickeln, wer diese Leute waren. Einer der ersten war Tsuboi Shogoro (1863-1913), der Begründer der Anthropologie an der Tokyo Imperial University, der die Hypothese aufstellte, dass die Steinzeit (Jomon) in Japan die Koropokkur (kleine mythische Figuren aus den Volksgeschichten der indigenen Ainu Personen). Tsuboi und andere frühe Gelehrte gingen davon aus, dass die Jomon der zeitgenössischen japanischen Bevölkerung „fremd“ waren.

Nachfolgende Forschungen analysierten die Jomon im Vergleich zu anderen archäologischen und heutigen Kulturen: einige neuere Beispiele, darunter Indianerstämme an der Nordwestküste, australische Aborigine und die Ainu von Japan. Sie bezeichnen die Jomon als „wohlhabende“ oder „komplexe“ Jäger-Sammler-Fischer in Bezug auf die kulturelle Vielfalt, die in ihren Artefakten, Siedlungssystemen und Ressourcenproduktionsmustern zu finden ist. Heute würde niemand glauben, dass die Jomon Charaktere aus der Mythologie sind, und für die meisten werden die Jomon als enge genetische und kulturelle Vorfahren des japanischen Volkes angesehen.

Heute können Sie die vielen Jomon-Artefakte, Stätten und Landschaften betrachten und erleben, indem Sie die Jomon im zentralen Hochland Japans, einem ausgewiesenen japanischen Kulturerbe, bereisen. Sie können sich auch die Kultur des Jomon-Volkes frei vorstellen, indem Sie sich mit den rätselhaften und ästhetischen Jomon-Artefakten, ihren vielfältigen archäologischen Interpretationen und den von ihnen inspirierten wiederaufgebauten zeitgenössischen Landschaften beschäftigen.

Die Kultur der Jomon-Zeit wird allgemein als eine Jäger-Sammler-Fischer-Gesellschaft anerkannt, die sich nicht mit Ackerbau beschäftigte. Daher identifizieren Archäologen den Beginn der Jomon-Zeit mit dem Aufkommen der Töpferei und ihr Ende mit der Einführung des Reisfeldbaus. Jomon-Keramik wird nicht nur wegen ihrer ästhetischen Qualitäten geschätzt, da die typologische Analyse der verschiedenen Formen und Muster einen wissenschaftlichen Einblick in Veränderungen im Laufe der Zeit und Unterschiede zwischen regionalen Kulturen ermöglicht hat. Heute ist die Jomon-Periode in sechs Phasen (Anfang, Anfang, Früh, Mitte, Spät und Ende) mit den folgenden Daten unterteilt:
Beginnender Jomon: c. 14.000–10.000 v. Chr.
Anfänglicher Jomon: c. 10.000–5.000 v. Chr.
Früher Jomon: c. 5.000–3.500 v. Chr.
Mittlerer Jomon: c. 3.500–2.500 v. Chr.
Später Jomon: c. 2.500–1.700 v. Chr.
Letzter Jomon: c. 1.700–400 v. Chr.

Zeitgenössischer Jomon

Die Jomon-Zeit lag in ferner Vergangenheit. Infolgedessen sind die Artefakte der Jomon entweder untergegangen oder schliefen seit Jahrtausenden unter der Erde. Diese Artefakte werden geweckt, wenn sie durch archäologische Ausgrabungen freigelegt werden. Manchmal findet das Erwachen von Artefakten lange nach ihrer ersten Entdeckung statt: durch das Licht wissenschaftlicher Analysen oder durch die ästhetische Würdigung durch das Publikum. Vom Moment des Erwachens an werden diese Artefakte, die einst den Jomon gehörten, Teil der zeitgenössischen Kultur und Landschaft.

Museen und Ausstellungseinrichtungen finden Sie in fast jeder Gemeinde Japans, unabhängig von ihrer Größe. Die Sammlungen kombinieren in der Regel einzigartige archäologische Entdeckungen mit dem unverwechselbaren Charakter und der Geschichte der Gemeinden, in denen sie sich befinden. Auf Ihrer Reise durch das Jomon im zentralen Hochland Japans können Sie eine Reihe von Museen besuchen, die von großen Institutionen der Präfektur bis hin zu lokalen Folkloresammlungen reichen. In vielen dieser Museen spielen Artefakte aus der Jomon-Zeit eine wichtige Rolle.

Die Keramikgefäße, Tonfiguren (Dogu) und andere Überreste sind für ihre wünschenswerten Qualitäten bekannt, die weit über ihren Wert als Daten für Archäologen hinausgehen. Ihr Wert wird durch die Ausweisung einiger Artefakte als wichtige nationale Kulturgüter oder nationale Schätze erhöht. Einige Museen des Jomon im zentralen Hochland Japans besitzen nationale Schätze, wichtige nationale Kulturgüter und städtische Kulturgüter. Um Nationalschätze zu halten und auszustellen, müssen Museen hochwertige Lager- und Ausstellungsräume bereitstellen. Auf diese Weise arbeiten die Jomon-Artefakte von vor Jahrtausenden daran, die Kulturlandschaft und Infrastruktur des heutigen Japans zu verbessern.

Neben Museumssammlungen haben archäologische Ausgrabungen zur Erhaltung und Rekonstruktion vieler Jomon-Stätten im ganzen Land geführt. Archäologische Ausgrabungen finden aus vielen Gründen statt: akademische Forschung, gemeindenahe Bewegungen und den Bau von Häusern, Straßen, landwirtschaftlichen Verbesserungen und Eisenbahninfrastruktur. Der Verlust vieler Stätten während des Wirtschaftswachstums der Nachkriegszeit führte zu einer starken Basisbewegung zur Erhaltung archäologischer Stätten. Ein solcher Enthusiasmus hat sich in das gut komponierte Rettungsarchäologie- und Nachgrabungsforschungssystem Japans weiterentwickelt. Der staatliche Sektor führt archäologische Bergungsforschung auf der Grundlage eines „Verursacherlohnsystems“ durch, das im Kulturgüterschutzgesetz von 1950 beschrieben ist. Gemäß dem Verursacherlohnsystem sind die Entwickler verpflichtet, die Kosten für die archäologische Bergungsforschung zu decken. Die meisten archäologischen Ausstellungen in städtischen Museen haben von diesem System profitiert.

Obwohl der Verlust archäologischer Stätten aus verschiedenen Gründen unvermeidlich ist, erhalten einige archäologische Stätten ein neues Leben als historische Parks, wenn sie bemerkenswerte Überreste enthalten. Die lokale Begeisterung für die Funde an diesen Fundstellen gibt den Ansporn, sie vor der Zerstörung zu bewahren. Während Ihrer Reisen rund um den Jomon im zentralen Hochland Japans können Sie viele historische Parks besuchen, die Überreste aus der Jomon-Zeit enthalten. Die Parks des Jomon-Geländes bieten einen großen öffentlichen Raum, Orte für soziale Bildung und rekonstruierte Gebäude und Umgebungen aus der Jomon-Zeit. Diese Entdeckungen und neu gebauten Landschaften haben Umweltphilosophien inspiriert, die aus dem Leben der Jomon stammen und heute viele Menschen inspirieren.


Japans neuestes Weltkulturerbe

Die "Jomon Archaeological Sites in Hokkaido and Northern Tohoku" werden voraussichtlich im Juli als Japans 20. UNESCO-Weltkulturerbe hinzugefügt und sind eine Sammlung von Stätten im Norden Japans, die mit der Jomon-Zeit in Verbindung stehen. Diese prähistorische Periode der japanischen Geschichte begann um das Ende der letzten Eiszeit vor etwa 15.000 Jahren und dauerte bis zum Jahr 300, bevor die vom Festland importierte Reiskultur vollständig auf dem japanischen Archipel Fuß fasste.

Die Menschen der Jomon-Zeit waren hauptsächlich Sammler, Fischer und Jäger, gründeten aber auch Siedlungen von beträchtlicher Größe. Die Epoche ist nach den Mustern der zeitgenössischen Keramik benannt, die durch Aufdrücken einer Schnur auf das Gefäß hergestellt wurde.

Die vorgeschlagene Liste des Welterbes umfasst 17 verschiedene Stätten, die über das südliche Hokkaido und die Präfekturen Aomori, Akita und Iwate in der nördlichen Region Tohoku verteilt sind. Dazu gehören die Stätten ehemaliger Siedlungen, oft mit rekonstruierten Wohnhäusern und anderen Strukturen, Steinkreise, Friedhofsgelände, Muschelhaufen und andere Deponien. Viele der Stätten haben ein angrenzendes Museum, das örtlich ausgegrabene Fundstücke wie Keramik, Figuren, Pfeilspitzen, Schmuck und Lackwaren ausstellt.

Die 17 Stätten variieren von attraktiven Parks mit ausgezeichneten Museen bis hin zu weniger erschlossenen Ausgrabungsstätten, die von Nicht-Archäologen schwer zu schätzen sind. Im Folgenden listen wir die Websites auf, von denen wir glauben, dass sie für normale Touristen am interessantesten sind:


Weibliche Jomon Figur - Geschichte

Wir unterteilen den Jomon in sechs verschiedene Epochen – zehntausend Jahre sind schließlich eine lange Zeit und selbst vorgebildete Kulturen verändern sich im Laufe der Zeit dramatisch. Diese Epochen sind die beginnende, anfängliche, frühe, mittlere, späte und letzte Jomon-Periode.

Die Beginnender Jomon, die auf etwa 10.500 v. Chr. datiert wird. bis 8.000 v. hat uns nur Tonscherben hinterlassen.Diese Keramikfragmente wurden von einem Volk angefertigt, das in der Kanto-Ebene auf der Ostseite von Honshu lebt, der Ebene, auf der Tokio liegt. Wir haben keine Ahnung, wie diese Fragmente aussahen, als sie tatsächlich in einem Stück waren, aber wir glauben, dass es sich um sehr kleine, abgerundete Töpfe handelte. Die beginnenden Jomon-Töpfe stellen eine große Herausforderung für das Verständnis menschlicher Kulturen dar, da sie die allererste Keramik der Menschheitsgeschichte darstellen, die über zweitausend Jahre älter als die mesopotamische Keramik ist. Die anthropologische Standardlinie zur Entwicklung der menschlichen Künste behauptet, dass sich die Töpferei nach der Landwirtschaft entwickelte und für eine eher sesshafte Kultur charakteristisch ist. Die beginnenden Jomon waren jedoch Jäger und Sammler, die in nomadischen Kleingruppen lebten. Dennoch entwickelten sie die Töpferkunst, lange bevor die Landwirtschaft in Japan eingeführt wurde Tatsächlich erfand der beginnende Jomon die Töpferei lange zuvor irgendein Mensch wurde in die Landwirtschaft eingeführt. Die beginnenden Jomon zeigen also, dass die Töpferei eine menschliche Technologie ist, die unabhängig und von der Landwirtschaft verschieden ist.

Die Erste Jomon, die von 8.000 v. bis 5.000 v. zeichnet sich dadurch aus, dass wir ziemlich komplette Töpfe haben (ist die Archäologie nicht spannend?), die zum Kochen von Speisen verwendet wurden. Wie die Fragmente aus dem Initial Jomon sind dies nicht nur schlichte alte Töpfe, sondern sind in der für Jomon charakteristischen "schnurartigen" Struktur aufwendig verziert.

Die Früher Jomon, von 5000 bis 2500 v. , entspricht dem interessantesten Paar tausend Jahre in der Menschheitsgeschichte. Am Ende der letzten Eiszeit vor rund 14.500 Jahren begann sich die Welt langsam zu erwärmen. Zwischen 5000 und 2500 v. , erreichte die Welt in den Jahrtausenden nach der Eiszeit ihre wärmste Temperatur während dieser Zeit war die globale Durchschnittstemperatur etwa vier bis sechs Grad höher als heute. Nie wieder würde die Welt so warm sein wie in diesen zwei Jahrhunderten. Das Spannende daran: Der stetigen Erwärmung der Erde entsprach die Entwicklung der Landwirtschaft, der wichtigsten technischen Einzelerfindung des Menschen. Der wärmsten Periode seit der letzten Eiszeit entsprachen gewaltige Neuerungen in der menschlichen Besiedlung. In dieser Zeit begannen die Menschen auf der ganzen Welt, sesshafter zu leben – zu Beginn dieser Zeit begannen die Menschen, in beträchtlich großen Dörfern zu leben, gegen Ende dieser Zeit tauchten die ersten menschlichen Städte auf . Die Jomon waren keine Ausnahme von diesem weltweiten Phänomen. Völlig abgeschnitten von allen anderen Menschen begannen die Jomon auch in großen Dörfern in einem sesshaften Lebensstil zu leben. Diese Dörfer bestanden aus großen Grubenhäusern, deren Böden etwa einen Fuß unter dem Boden liegen. Es scheint, dass sie in Großfamiliengruppen lebten. Die Jomon entwickelten auch ihre Töpferarbeit weiter: Sie begannen, Figuren zu fertigen. Es ist nicht klar, was sie sind, Tier oder Mensch, aber sie sind die erste japanische Bildhauerkunst.

In dem Mittlerer Jomon, von 2500-1500 v. , wanderten die Jomon aus der Kanto-Ebene in die umliegenden Berghänge ein. Während die Ägypter des Alten Reiches Pyramiden bauten, die Könige des Gelben Flusses die ersten zentralisierten Staaten in China bauten und die Sumerer die allerersten städtischen Zentren bauten, begannen die Jomon, die sich der Menschen außerhalb ihrer Insel nicht bewusst waren, in sehr großen Dörfer und entwickelte eine sehr einfache Landwirtschaft oder Proto-Landwirtschaft. Sie waren keine Jäger und Sammler mehr, sondern ein geschicktes und sesshaftes Volk, das immer raffiniertere Kunstwerke mit prächtigen Dekorationen entwickelte. Ihre Figuren unterscheiden jetzt zwischen Tieren und Menschen, und ihre menschlichen Figuren haben verlockende, aber verwirrende Gesten, deren Bedeutung uns jetzt verloren geht.

Die Yayoi brachten die Landwirtschaft, die Verarbeitung von Bronze und Eisen und eine neue Religion mit sich, die sich schließlich zum Shinto entwickeln sollte (der diesen Namen erst viel, viel später erhielt). Obwohl wir nicht wissen, was diese Einwanderungen mit den indigenen Völkern gemacht haben, gibt es mehrere Möglichkeiten. Einer in Japan weithin akzeptierten Theorie zufolge waren die Einwanderungswellen der Yayoi sehr klein. Sie brachten zwar neue Technologien mit, wurden aber dennoch in die einheimische Jomon-Kultur assimiliert. Aus diesem Grund ist die japanische Kultur, insbesondere da sie durch die Shinto-Religion repräsentiert wird, ein sehr altes und indigenes Japan. Einige Japaner glauben, dass die Jomon ein gesprochen haben Austronesisch Sprache, das heißt, dass die Jomon enger mit den südpazifischen Inselbewohnern verwandt waren und dass Japanisch immer noch weitgehend eine pazifische Inselsprache ist. Im Westen glauben Historiker, dass die Yayoi die indigenen Jomon verdrängten und damit ihre Kultur endgültig beendeten. Die Yayoi verdrängten die indigene Sprache, soziale Muster und Religion der Ureinwohner. Aus dieser Sicht ist die japanische Kultur ein ausländischer Import, der letztendlich aus dem Norden Chinas und dem alten Korea stammt, eine Sichtweise, die bei den modernen Japanern nicht beliebt ist.

Was auch immer die Ursprünge der japanischen Kultur sind, es ist klar, dass die japanische Sprache, soziale Struktur und Religion in Japan nicht weiter zurückdatiert werden können als die Einwanderer der Yayoi. Für alle praktischen Zwecke sind die Yayoi also ein Neuanfang in der japanischen Kultur. Der Übergang war dramatisch und übertraf sogar den durch die industrielle Revolution repräsentierten Übergang bei weitem. Die japanische Kultur veränderte sich über Nacht mit diesen neuen Einwanderern 8000 Jahre kultureller Ruhe wurden dramatisch in das Zeitalter der Landwirtschaft gehoben.

Die Yayoi lebten in Clans namens uji . Die Clans wurden von einer einzigen patriarchalischen Figur angeführt, die sowohl als Kriegshäuptling als auch als Priester diente. Jeder Clan war mit einem einzigen Gott verbunden, dessen Oberhaupt für alle Zeremonien verantwortlich war, die mit diesem Gott verbunden waren, die vom Oberhaupt des Clans geleitet oder durchgeführt wurden. Diese Götter, genannt kami , repräsentierten Naturgewalten oder irgendeinen anderen wundersamen Aspekt der Welt, die Yayoi, so glauben wir, hatten auch Berichte über die Erschaffung der Welt durch Götter. Wenn einer uji einen anderen besiegte, nahm es seinen Gott in seine eigenen religiösen Praktiken auf. Auf diese Weise entwickelten die Yayoi langsam ein komplexes Pantheon von kami die in ihrer Hierarchie die Hierarchie der uji .

Die Yayoi lebten primitiv. Sie hatten kein Schreib- oder Geldsystem, sie kleideten sich hauptsächlich in Kleider aus Hanf oder Rinde. Ehen waren häufig polygam, aber Frauen hatten einen ziemlich prominenten Platz in der Gesellschaft der uji . Es ist wahrscheinlich, dass Frauen sogar als Clanoberhäupter oder Priester dienten.

Die Beziehungen zwischen den uji langsam komplex wurden, erzeugten Territorialkonflikte nach und nach, was Kleinstaaten nahe kam. Der erste japanische Staat sollte jedoch auf der Halbinsel Yamato errichtet werden, dem Gebiet, in das der chinesische Einfluss im Jahr 200 n. Chr. einzufließen begann.


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