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Griechische Vasen verstehen: Ein Leitfaden zu Begriffen, Stilen und Techniken (Blick auf Serien)

Griechische Vasen verstehen: Ein Leitfaden zu Begriffen, Stilen und Techniken (Blick auf Serien)

Wenn Sie ein Buch über griechische Vasen kaufen möchten, dann ist dies die richtige Wahl. Günstig im Preis, aber von hoher Qualität, ist dies ein reich illustrierter Band, der durch sein einfach zu verwendendes A-Z-Format alle grundlegenden Fragen beantwortet, die man über griechische Keramik haben könnte. Besonders gut daran, was es für verschiedene Gefäßtypen gab und wofür sie tatsächlich verwendet wurden, es gibt fast immer ein hilfreiches Foto zur Erklärung des Textes. Zu beachten ist, dass der Schwerpunkt dieses Buches auf Keramikformen, Herstellungsmethoden und Dekorationsarten liegt und nicht auf einer Analyse des Themas und der Bildsprache der Dekoration (versuchen Sie dazu J. Boardmans World of Art-Reihe).

Das Buch beginnt mit einem historischen Überblick über die Entwicklung der griechischen Keramik, gefolgt von einem Abschnitt von A bis Z über die einflussreichsten Maler und dann dem Hauptabschnitt mit einem allgemeinen A bis Z. Es gibt auch einen ziemlich schönen Überblick Doppelseite über alle verschiedenen Tonformen, eine ausgewählte Bibliographie und ein kurzes Stichwortverzeichnis. Ein perfekter Begleiter für jeden Museumsbesuch, der griechische Keramik umfasst.

Über den Rezensenten

Mark ist ein in Italien lebender Geschichtsschreiber. Sein besonderes Interesse gilt Keramik, Architektur, Weltmythologie und der Entdeckung der Ideen, die alle Zivilisationen gemeinsam haben. Er hat einen MA in Politischer Philosophie und ist Verlagsleiter der WHE.


Griechische Vasen lesen

Dieser schön illustrierte Band ist der zweite in einer Reihe von Veröffentlichungen, die einem breiten Publikum einen tieferen Einblick in die umfangreichen Sammlungen des Metropolitan Museum of Art geben sollen. Das Museum ist berühmt für seine griechischen Vasen. Joan R. Mertens, Kuratorin in der Abteilung für griechische und römische Kunst des Metropolitan, hat fünfunddreißig bemerkenswerte Beispiele ausgewählt. Sie offenbaren die Vielfalt und Lebendigkeit der raffinierten Formen und meisterhaft wiedergegebenen Szenen, die diese Werke charakterisieren. Und sie demonstrieren die Wechselbeziehung von Funktion, Form, Technik und Thema, die der Schlüssel zum Verständnis der reichen Sprache der griechischen Vasen ist. Die Einführung liefert wertvolle Hintergrundinformationen, und die Einträge gehen auf die Besonderheiten jeder Vase ein und enthalten brillante Farbabbildungen mit vielen fesselnden Details.

Griechische Vasen erfüllten spezifische Gebrauchsfunktionen und boten herausragenden Künstlern, von denen einige ihre Werke signierten, ein Medium, um sowohl Details des täglichen Lebens als auch Aspekte ihrer Götter, Göttinnen und Helden darzustellen. Wir sehen die Gewänder, Geräte, sportlichen Wettkämpfe sowie Hochzeits- und Begräbnisrituale der Griechen, die vom 7. bis 4. Jahrhundert v. Chr. lebten. Wir sehen ihren Speer und Schild und den großen Helden Herakles, von seiner ersten Heldentat als Baby bis zu seiner Erhebung als Unsterblicher am Ende seines irdischen Lebens.

Die in diesem Band versammelte außergewöhnliche Werkgruppe vermittelt, inwieweit die Kultur des antiken Griechenlands heute noch sichtbar ist. Von griechischen Vorbildern inspirierte Urnen und Krüge sind ein Grundnahrungsmittel in allen Arten von öffentlichen und privaten Räumen. Die Mäandermuster, Palmetten und andere Blumenmuster, die antike Vasen schmücken, finden sich in allen Arten moderner Objekte wieder. Und das Konzept des Helden oder Übermenschen, das erstmals im antiken Griechenland formuliert und visuell in Form gebracht wurde, ist integraler Bestandteil der westlichen Kultur.

Dieser schön illustrierte Band ist der zweite in einer Reihe von Veröffentlichungen, die einem breiten Publikum einen tieferen Einblick in die umfangreichen Sammlungen des Metropolitan Museum of Art geben sollen. Das Museum ist berühmt für seine griechischen Vasen. Joan R. Mertens, Kuratorin in der Abteilung für griechische und römische Kunst des Metropolitan, hat fünfunddreißig bemerkenswerte Beispiele ausgewählt. Sie offenbaren die Vielfalt und Lebendigkeit der raffinierten Formen und meisterhaft wiedergegebenen Szenen, die diese Werke charakterisieren. Und sie demonstrieren die Wechselbeziehung von Funktion, Form, Technik und Thema, die der Schlüssel zum Verständnis der reichen Sprache der griechischen Vasen ist. Die Einführung liefert wertvolle Hintergrundinformationen, und die Einträge gehen auf die Besonderheiten jeder Vase ein und setzen brillante Farben ein. Mehr sehen

  • Herausgeber: The Metropolitan Museum of Art
  • Autor: Joan R. Mertens
  • Seiten: 176
  • Illustrationen: 214 in Farbe, davon 4 Karten
  • Format: Taschenbuch
  • Abmessungen: 8'' x 10 1/2''
  • ISBN: 9780300155235

„Mertens baut eine Beziehung zum Leser auf … ausgezeichnete Farbabbildungen“
Times Literaturbeilage

„…ausgezeichneter Einführungsteil…“
„Das Buch zieht Vergleiche mit anderen Medien und Kontexten, um unser Verständnis dessen, was wir betrachten, zu erweitern.“
Die Welt der Innenräume

„…fein bebildert…nützliche Einführung…“
Die anglo-hellenische Rezension

„Dieses wunderschön produzierte und elegant geschriebene Buch bietet eine hervorragende Einführung in die Wertschätzung griechischer Vasen durch einen der führenden Experten auf diesem Gebiet … der Schwerpunkt der Diskussionen ist ein persönlicher und die Erzählung sollte als eine Art erweiterte Galerie betrachtet werden reden … man hat das Gefühl, einer Reihe komplizierter Gedichte näher gekommen zu sein als einer Gruppe wissenschaftlicher Essays.“
Amerikanisches Journal für Archäologie

„Das Lesen griechischer Vasen wird nicht nur den Besuchern der Met helfen, sondern allen, die diesen wichtigen Aspekt der griechischen Kunst und Kultur kennenlernen möchten.“
Bryn Mawr Klassische Rezension

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Griechische Vasenmalerei, eine Einführung

Keramik ist praktisch unverwüstlich. Obwohl es in kleinere Stücke zerbrechen kann (sogenannte Scherben), müssten diese manuell zu Staub zermahlen werden, um aus den archäologischen Aufzeichnungen entfernt zu werden. Als solches gibt es eine Fülle von Studienmaterial, und dies ist für moderne Gelehrte außerordentlich nützlich. Keramik ist nicht nur ein hervorragendes Werkzeug für die Datierung, sondern ermöglicht es den Forschern, antike Stätten zu lokalisieren, die Natur einer Stätte zu rekonstruieren und auf Beweise für den Handel zwischen Personengruppen hinzuweisen. Darüber hinaus können einzelne Töpfe und deren Bemalung im Detail studiert werden, um Fragen zu Religion, Alltag und Gesellschaft zu beantworten.

Formen und Themen

Diagramm griechischer Topfformen (British Museum)

Aus Terrakotta (gebrannter Ton) hergestellt, wurden antike griechische Töpfe und Tassen, oder "Vasen", wie sie normalerweise genannt werden, in einer Vielzahl von Formen und Größen hergestellt (siehe oben), und sehr oft korreliert die Form eines Gefäßes mit seiner beabsichtigten Funktion. Zum Beispiel die Krater wurde verwendet, um Wasser und Wein während eines Griechen zu mischen Symposion (eine rein männliche Trinkparty). Es ermöglicht einer Person, Flüssigkeiten in seine weite Öffnung zu gießen, den Inhalt in seiner tiefen Schüssel umzurühren und mit einer separaten Schöpfkelle oder einem kleinen Krug leicht auf die Mischung zuzugreifen. Oder die Vase, die als a . bekannt ist hydria wurde zum Sammeln, Tragen und Gießen von Wasser verwendet. Es verfügt über einen bauchigen Korpus, einen gequetschten Ausguss und drei Griffe (zwei seitlich zum Halten und einer entlang der Rückseite zum Kippen und Ausgießen).

Um die unterschiedlichen Zonen von Gefäßen zu diskutieren, haben Spezialisten Begriffe übernommen, die sich auf die Körperteile beziehen. Die Öffnung des Topfes wird als Mündung bezeichnet, der Stiel wird als Hals bezeichnet, die Neigung vom Hals zum Korpus wird als Schulter bezeichnet und der Boden wird als Fuß bezeichnet).

Von außen zeigen griechische Vasen gemalte Kompositionen, die oft den Stil einer bestimmten Zeit widerspiegeln. Zum Beispiel weisen die Gefäße, die während der geometrischen Periode (ca. 900-700 v Prozessionen und nahöstliche Motive, wie auf dieser frühen korinthischen Amphore (The British Museum) zu sehen ist.

Später, während der archaischen und klassischen Zeit (ca. 600-323 v. u. Z.), zeigen Vasenbilder hauptsächlich menschliche und mythologische Aktivitäten. Diese figuralen Szenen können sehr unterschiedlich sein, von alltäglichen Ereignissen (z. B. Wasserholen am Brunnenhaus) bis hin zu Heldentaten und homerischen Erzählungen (z. B. Theseus und der Stier, Odysseus und Zeus entführt Ganymed) zu Theateraufführungen und sportlichen Wettkämpfen (zum Beispiel Oresteia, Wagenrennen). Es ist wichtig zu betonen, dass solche gemalten Szenen nicht als Fotografien betrachtet werden sollten, die die Realität dokumentieren, sie können jedoch dennoch dazu beitragen, das Leben und den Glauben der alten Griechen zu rekonstruieren.

Dipylon-Amphore, c. 750 v. u. Z., Keramik, 160 cm (Nationales Archäologisches Museum, Athen)

Techniken, Maler und Inschriften

Um die charakteristischen roten und schwarzen Farben der Vasen zu erzeugen, verwendeten griechische Handwerker flüssigen Ton als Farbe (genannt “slip”) und perfektionierten einen komplizierten dreistufigen Brennprozess. Die Töpfe mussten nicht nur auf eine bestimmte Weise im Ofen gestapelt werden, sondern auch die Bedingungen im Inneren mussten genau sein. Zuerst wurde die Temperatur auf etwa 800°C erhöht und Belüftungsöffnungen für eine oxidierende Umgebung ermöglicht. An diesem Punkt verfärbte sich die gesamte Vase rot. Als nächstes wurden die Lüftungsöffnungen verschlossen und die Temperatur auf etwa 900-950 °C erhöht, alles wurde schwarz und die mit dem Schlicker bemalten Bereiche wurden verglast (in eine glasige Substanz umgewandelt). Schließlich wurden in der letzten Phase die Entlüftungsöffnungen wieder geöffnet und die oxidierenden Bedingungen im Inneren des Ofens wiederhergestellt. An diesem Punkt wurden die unlackierten Zonen des Gefäßes wieder rot, während der verglaste Schlicker (die lackierten Bereiche) einen glänzenden schwarzen Farbton beibehielt. Durch die Zufuhr und Abfuhr von Sauerstoff im Ofen und gleichzeitige Temperaturerhöhung und -abnahme wandelte sich der Schlicker in eine glänzend schwarze Farbe um.

Kurz gesagt, antike griechische Vasen zeigen verschiedene Maltechniken, und diese sind oft zeitspezifisch. Während der geometrischen und orientalisierenden Zeit (900-600 v.

Fries mit Trauerfiguren (Ausschnitt), Dipylon-Amphoren, C. 750 v. u. Z., Keramik, 160 cm (Nationales Archäologisches Museum, Athen)

Um 625-600 v. u. Z. übernahm Athen die schwarzfigurige Technik (d. h. dunkle Figuren auf hellem Hintergrund mit eingeritzten Details). In Korinth fast ein Jahrhundert zuvor entstanden, verwendet die Schwarzfigur die Silhouettenweise in Verbindung mit zusätzlichen Farben und Einschnitten. Inzision beinhaltet das Entfernen von Schlupf mit einem scharfen Instrument, und seine vielleicht meisterhafteste Anwendung findet sich auf einer Amphore von Exekias (unten). Die sitzenden Krieger, die oft als Achilles und Ajax beim Spiel beschrieben werden, neigen sich zur Mitte der Szene und sind in Gewänder mit komplizierten, eingeschnittenen Mustern gekleidet. Neben der Darstellung realistischer definierter Figuren achteten die Schwarzfigurenmaler darauf, das Geschlecht mit der Farbe zu unterscheiden: Frauen wurden mit Weiß bemalt, Männer blieben schwarz.

Exekias (Töpfer und Maler), attische schwarzfigurige Amphore (Detail zeigt Ajax und Achilles beim Spiel), um 1830. 540-530 v. u. Z., 61,1 cm hoch, gefunden Vulci (Gregorisches Etruskisches Museum, Vatikanstadt)

Die rotfigurige Technik wurde um 525-520 v. Chr. in Athen erfunden und ist die Umkehrung der schwarzfigurigen (unten). Hier stehen helle Figuren vor einem dunklen Hintergrund. Rotfigurenmaler verwässern oder verdicken den Schlicker, um verschiedene Effekte zu erzielen, indem sie zusätzliche Farbe und einen Pinsel verwenden, um Details zu malen.

Verwässerter Slip oder “verdünnte Glasur” hat das Aussehen einer Waschung und wurde für Haare, Fell und Anatomie verwendet, wie das skizzenhafte Fell des Hasen und die jugendliche Muskulatur auf der Innenseite dieser Tasse von Gorgos veranschaulicht (unter). Beim Verdicken wurde der Schlicker verwendet, um sogenannte “relieflinien” oder hervorstehende Linien zu bilden, die oft verwendet wurden, um Formen zu umreißen. Überraschend ähnlich der rotfigurigen Technik ist die weißgrundige Technik.

Gorgos, attische rotfigurige Kylix (innen), c. 500 v. u. Z. (Agora-Museum, Athen)

Obwohl mit seinen polychromen Figuren auf einem weiß getünchten Hintergrund visuell ganz anders, erfordert Weißgrund, dass der Handwerker die Details der Formen genau wie rotfigurig malt, anstatt sie einzuschneiden (siehe Kylix unten).

Neben Figuren und Gegenständen findet man manchmal auch Inschriften. Diese identifizieren mythologische Figuren, schöne Männer oder Frauen gleichzeitig mit dem Maler (“kalos” / &8220kale” Inschriften) und sogar den Maler oder Töpfer selbst (“egrapsen” / &8220epoiesen”). Beschriftungen sind jedoch nicht immer hilfreich. Die “unsinnigen Inschriften” imitieren den Anschein von bedeutungsvollem Text und täuschen den Analphabeten, indem sie die griechischen Buchstaben in einer zusammenhangslosen Weise anordnen.

Dem Maler der Villa Giulia zugeschrieben, attisch weißgrundige Kylix (Trinkbecher), c. 470 v. u. Z., Terrakotta, rotfigurig, weißgrundig, 6,2 x 16,2 cm (The Metropolitan Museum of Art)

Vasen und Rezeption

Die insgesamt attraktive Qualität griechischer Vasen, ihre relativ geringe Größe und – zu einem bestimmten Zeitpunkt – ihre leichte Erreichbarkeit machten sie im 18. und 19. Jahrhundert zu begehrten Sammlerstücken. Seit der späten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde das Studium der Vasen jedoch zu einer wissenschaftlichen Aufgabe, und ihre Dekoration war die Besessenheit von Kennern, die mit der Fähigkeit begabt waren, die Hände einzelner Maler zu erkennen und zuzuordnen.

Der bekannteste Vasenkenner des 20. Jahrhunderts, ein Forscher, der sich mit Zuschreibung, Typologie und Chronologie beschäftigte, war Sir John Davidson Beazley. Beazley war an athenischen Schwarz-, Rotfigur- und Weißgrundtechniken interessiert und bevorzugte keine schön gemalten Exemplare, er war unparteiisch und studierte Stücke unterschiedlicher Qualität mit gleicher Aufmerksamkeit. Aus seinen mühsamen und erschöpfenden Recherchen hat er weit über 1000 Maler und Gruppen zusammengetragen und über 30.000 Vasen zugeschrieben. Obwohl einige Forscher seit Beazleys Tod weiterhin den Stil bestimmter Maler oder Gruppen zuschreiben und untersuchen, hinterfragen Vasenforscher heute auch die technische Herstellung von Gefäßen, ihren archäologischen Kontext, ihre lokale und ausländische Verbreitung und ihre Ikonographie.


Getty-Publikationen



Bücher, die das Auge erfreuen und den Geist nähren

Getty Publications produziert preisgekrönte Bücher in den Bereichen Kunstgeschichte, Architektur, Fotografie, Archäologie, Konservierung und Geisteswissenschaften. Das mehr als vier Jahrzehnte umfassende Verlagsprogramm von Getty stützt sich auf die Arbeit des J. Paul Getty Museums, des Getty Conservation Institute und des Getty Research Institute.


Griechische Vasen: Eine Einführung. Klassische Weltserie

Moignards Buch ist als Lehrbuch für Anfänger der griechischen Vasen gedacht. Ihre Herangehensweise ist von Bedeutung für ihre frische Herangehensweise an Fragen der Interpretation, Datierung, verborgene Aspekte von Wert, Stil und den Impuls, der hinter der Wahl griechischer Vasen des Sammlers steckt.

Einleitend weist der Autor auf das generelle Fehlen von antiken Quellen, kritischen Kommentaren oder Biographien über die Hersteller griechischer Vasen hin. Im Vorwort fasst Moignard Probleme im Zusammenhang mit dem Verständnis griechischer Vasen zusammen, darunter Interpretation, Provenienz, Künstler und Kunstwert sowie den Wert griechischer Vasen als Museumssammlungen. Moignard bietet auch eine kurze Chronologie zur stilistischen Datierung der griechischen Keramik.

In Kapitel 1 diskutiert Moignard die Bedeutung neuer Ansätze für das Studium griechischer Vasen und hebt die Bedeutung des archäologischen Kontexts, der Produktionsgeschichte, des Handels, der Frauen, der Bestattungsbräuche und -rituale sowie der Erzählungen des sozialen Lebens hervor. Sie hebt auch hervor, wie verschiedene Disziplinen je nach Interessensgebiet (Archäologen, Filmemacher, Designer usw.) Wege gefunden haben, von griechischen Vasen zu profitieren.

Moignard weist darauf hin, dass das Bild die Gesellschaft widerspiegelt, von der und für die es produziert wurde, und weist auf die Bedeutung von Vasen als archäologische Fundstücke für die Chronologie archäologischer Stätten hin. Sie beschreibt auch, dass ein Keramikobjekt sowohl chronologisch als auch stilistisch eine historische Quelle ist.

Moignard stellt fest, dass die Töpfer den Traditionen ihrer Zeit folgen. Sie fasst die Kommunikation von Ideen durch Handel und andere Mittel zusammen, wie sich Designentscheidungen durch griechische Interaktion mit anderen Kulturen (Nahost, Ägypter, Etrusker) entwickelten und wie Designs und figurale Entscheidungen und Techniken bestimmter Hersteller (z. B. in Athen, Korinth) definieren Chronologie. Ihre Beschreibungen der Stile bekannter Gefäße und der Stile von Malern weisen eine gewisse Redundanz auf.

In Kapitel 2 fasst Moignard die frühen Leistungen von Beazley und Trendall bei der Klassifizierung griechischer Vasen durch die Identifizierung charakteristischer Details in einer Zeichnung eines Malers zusammen, mit Kommentaren zu Beazleys Vermächtnis, Annahmen und Methoden. Anschließend präsentiert sie eine Studie von fünf Malern, um einen neuen Ansatz für das Verständnis dieser Handwerker und der von ihnen hergestellten Gefäße zu schaffen. Zum Beispiel bei der Diskussion über die Platzierung von Bildern oder Mustern in bestimmten Feldern, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen (z. B. die Dipylon-Vase).

CH. 3 beschäftigt sich mit Form und Funktion bekannter griechischer Gefäßtypen. Dann berührt Moignard die athenische Interaktion mit anderen Kulturen (z. B. Etrusker), was zur Annahme neuer Formen führt, die von Metallprototypen abgeleitet sind. Die Verwendung bestimmter Gefäße während Symposien und ihre selbstreferenzielle Bildsprache werden ausführlich beschrieben, obwohl sich einige Informationen zur ikonografischen Auswahl wiederholen. Moignard fährt mit der Diskussion über die Aufmerksamkeit des Betrachters für die Wahl fort, die soziale und politische Zwecke widerspiegelt. Anschließend präsentiert sie griechische Vasen, die nach Italien exportiert wurden, von denen die meisten Themen des Jenseits, Elemente aus dem Leben des Bestatteten sowie heroische und mythologische Bilder darstellen. Beschrieben wird auch die typische Grabanlage mit Tassen, Ölflaschen, Weingefäßen.

CH. 4 diskutiert die Bildsprache auf Vasen und die Entwicklung von Erzählmethoden, insbesondere Alltagsbilder und die Schwierigkeiten ihrer Interpretation. Moignard präsentiert literarische Beweise für Arten von generischen Frauenaktivitäten auf Vasen und verweist auf Bilder als Quelle für das Verständnis von Kleidung und Accessoires, die von Frauen zu bestimmten Anlässen verwendet werden.Sie macht den Leser darauf aufmerksam, wie Szenen des Weinbaus, der Haushaltsindustrie, religiöser Rituale, Prozessionen (Hochzeit oder Beerdigung), sportlicher Wettkämpfe und Schlachtszenen, einschließlich einer Seeschlacht, das Alltagsleben auf eine Weise zusammenfassen, die von archäologischen und literarischer Beweis. Anschließend fasst der Autor bevorzugte Themen für die Darstellung von Mythos und Erzählung (z. B. Trojanischer Krieg, dionysische Szenen, Taten des Herakles) und neue Elemente zusammen, die in griechischer Kunst verschmelzen (nahöstliche Motive).

Moignard verwendet ausgezeichnete Beispiele, um die Entwicklung bestimmter Szenen, den Mangel an zeitgenössischen Textquellen zu erklären und wie Beschreibungen der Ikonographie durch spätere Autoren (Pausanias) das Verständnis der Erzählung erschweren (z ). Anschließend diskutiert sie die Entscheidung der Künstlerin, bedeutungsvolle Objekte in Darstellungen einzubeziehen, um sowohl dem antiken als auch dem modernen Betrachter zu helfen, die Lücke zu schließen, die durch das Fehlen einer Textquelle hinterlassen wurde.

Sie lenkt unsere Aufmerksamkeit auf das gesamte Setting, die Details der Szene und die Entscheidungen, die von verschiedenen Künstlern bei der Darstellung von Standardszenen getroffen wurden. Als Beispiel verwendet sie einen korinthischen Krater aus dem frühen 6. Jahrhundert v. Darstellung einer seltenen Szene der Abfahrt von Amphiaraos, um die Wahl der Künstlerin für eine Fahrzeugabfahrtsszene in einer architektonischen Umgebung zu zeigen, die Platzierung von Eriphyle am äußersten Rand der Haushaltsanhänger, die die Bedeutung ihrer Rolle durch die Darstellung unterstreicht sie hält das Schlüsselobjekt (Halskette) für die Erzählung.

Moignard betont, wie wichtig es ist, auf Details zu achten, und zitiert die Amphore von Exekias, die die Heimkehr / Abreise von Kastor und Polydeukes als Beispiel für ein detailreiches Bild darstellt. Moignard weist auch auf einen attischen rotfigurigen Skyphos von Brygos hin, der eine Szene darstellt, die direkt von Ilias Buch 24, als Künstlerzusammenfassung der Geschichte für den Betrachter des 6.

Moignard erklärt, dass aus der Tatsache, dass sie in vielen wiederholten Beispielen auftauchen, Standardversionen einer Geschichte angenommen werden können. Sie betont, wie wichtig es ist, bekannte Geschichten zu präsentieren (z. B. Perseus-Medusa), wie Elemente einer solchen Geschichte weggelassen werden können (z. B. das Brunnenhaus in Achilles-Troilos-Szenen) und wie emotionale Inhalte oder Beziehungen als Teil dargestellt werden der Erzählung (das Tondo des Sosias-Malers von Achilles, der Patroklos bandagiert). Sie fügt hinzu, dass jedes Bild eine Geschichte erzählen kann, aber nicht jede Erzählkunst muss identifizierbare Personen beinhalten oder einen bekannten Mythos darstellen.

Moignard bemerkt, dass mythische Szenen, die für Symposien auf Gefäßen dargestellt wurden, später für Bestattungszwecke angepasst wurden. Als Beispiel liefert sie eine Amphore des Berliner Malers von 500 v. das zeigt Athena mit einer Hydria und Herakles auf der anderen Seite mit einer Tasse. Aus Moignards Sicht präsentiert der Künstler Herakles als den Tod besiegend und in den Himmel kommend. Die Szenen des täglichen Lebens und der Szenen mit Frauen werden im späten fünften und vierten Jahrhundert v. Chr. gebräuchlicher. zu einer Zeit, in der die Männer im Peloponnesischen Krieg kämpfen. In Ch. 5 Moignard fasst die Geschichte des Sammelns und die Fachwissenschaft zu griechischen Vasen, ihren Fundstellen, den Anstoß zum Sammeln, dem Markt in Etrurien vom 7. Moignard spricht über die Veröffentlichung der Sammlungen von Sir William Hamilton aus dem 18. Jahrhundert und den Verkauf seiner Sammlungen an das britische Parlament, das 1772 als öffentliche Galerie diente USA sowie in öffentlichen und privaten Sammlungen.

Sie bemerkt Eduard Gerhards Klassifizierung der Gefäße nach Stil, die der Anerkennung der Unterschiede zwischen attischen und süditalienischen Stoffen folgte. Die Gelehrten des späten 19. Jahrhunderts konzentrierten sich auf die Provenienz dieser Gefäße und auf Handelsbeziehungen und dann auf die stilistische Entwicklung, die zu einer etablierten Chronologie für jede Gruppe führte. Signaturen auf den Töpfen ermöglichten die Identifizierung von Töpfern und Malern. W. Klein veröffentlichte eine Monographie über Euphronios (1879), gefolgt von A. Furtwängler’s Griechische Vasenmalerei 1902, mit großformatigen Zeichnungen von K. Reichhold.

Moignard präsentiert die Bedeutung von Beazleys frühesten Veröffentlichungen (1908-1911) und seinen Beiträgen zur Wissenschaft bis zu seinem Tod im Jahr 1970 sowie neuere wissenschaftliche Arbeiten, die Fragen zu seinen Zielen und Methodik, seinem Attributionssystem und der Schaffung hierarchischer Werte aufwerfen .

Moignard fasst die heutigen Ansichten zu griechischen Vasen und Sammlungen zusammen. Sie beginnt mit dem British Museum und weist auf dessen Ziel hin, seine Sammlungen zu erweitern (1960er Jahre) und sie, wie es früher Brauch war, ohne Kontext oder erklärende Beschriftungen auszustellen. Sie erwähnt, dass die meisten Museen mit wenigen Ausnahmen inzwischen mehr Informationen über den Kontext der ausgestellten Gefäße bieten.

Moignard kommentiert die Materialmenge von Ausgrabungsstätten und den Versuch von Großgrabungen, Typologien (Athenische Agora) zu erstellen und Keramik in einen chronologischen, sozialen und historischen Kontext zu stellen. Sie betont die Bedeutung von Lehrbüchern, die über einen traditionellen kunsthistorischen Ansatz hinausgehen und eine lokalisierte Produktion und Verwendung berücksichtigen.

Moignard zitiert Themse und Hudson Welt der Kunst als gutes Lehrbuch mit guten Illustrationen und informativen Kommentaren und mit Informationen zu technischen Aspekten der Produktion sowie zum historischen und gesellschaftlichen Kontext. Dann kommentiert sie Bücher mit großformatigen Bildern wie Arias, Hirmer und Shefton’s Geschichte der griechischen Vasenmalerei, die chronologisch geordnet ist, mit mehr Aufmerksamkeit auf einige der bedeutendsten Maler und hauptsächlich kunsthistorischen Ansatz. Auf der anderen Seite enthalten die Katalogbände von Beazley und Trendall große Listen von Zuschreibungen nach Malern, Werkstätten und Gruppen innerhalb athenischer und süditalienischer Stoffe. Sie fasst die Bedeutung dieser Werke für die zeitgenössische Erforschung der Vasen in ihrem antiken Kontext zusammen.

Der Autor diskutiert die international geförderten objektbasierten Kataloge der Corpus Vasorum Antiquorum (CVA) sowie Einzelmaler-Monographien aus den Beazley-Trendall-Listen, darunter die Kerameus Serie, die die Veröffentlichung von Töpfen als Einzelstücke ermöglicht.

Moignard bemerkt zwei bedeutende Trends in der Veröffentlichung. Einige Gelehrte akzeptieren griechische Töpfe nicht als bedeutende Kunstgegenstände und verstehen die athenische Keramikproduktion als eine Industrie, die Prototypen in viel selteneren Materialien kopiert. Ihre Arbeit hat zu einem neuen Forschungsprogramm zu einer Hierarchie von Materialien in der Antike geführt. Andere Gelehrte haben Ziele, die denen des zeitgenössischen kritischen Biographen näher kommen, und hinterfragen das Verfahren, mit dem die biographische Person erfunden wird, und den Literalismus, den die standardmäßige, chronologisch kontrollierte Weise bei der Rezeption des Themas durch den Leser hervorruft. Moignard behauptet, dass es Spaß macht, neue Trends im Publikationsformat zu lesen, aber das Standard-Publikationsformat könnte für die spezialisierte akademische Welt nützlicher sein (S.102).


Sophilos: eine neue Richtung in der griechischen Keramik

Links: Sockelkrater, C. 800-770 v. u. Z., 55,5 cm hoch, Griechisch, Geometrische Periode, Rhodos. Rechts: Kanne mit Greifenkopf-Ausguss, C. 675-650 v. u. Z., 41,5 cm, griechisch, orientalisierende Zeit beide: © Trustees of the British Museum

Nach dem Zusammenbruch der mykenischen Palastgesellschaft und einer Zeit relativer Armut und Isolation erlebte Griechenland eine kulturelle und politische Renaissance. Ab dem 8. Jahrhundert v. u. Z. Von da an hatten erneute Kontakte mit dem Nahen Osten, Anatolien, Phönizien, Ägypten und anderen Völkern rund um das Mittelmeer einen tiefgreifenden Einfluss auf die griechische Kultur.

Der lineare geometrische Stil der Keramik (Bild oben, links) wich “orientalisierenden”-Motiven wie Tieren und Blumen (Bild oben, rechts). Homer komponierte seine epischen Gedichte und eine neue politische Einheit, der Stadtstaat (polis), entstand.

Sophilos (Maler), Schwarzfigurige Schale (Dinos) und Ständer, C. 580 v. u. Z., 71 cm hoch, Athen © Trustees of the British Museum

Griechische Keramik: eine neue Richtung

Die Figurenszene, die in der oberen Schale das höchste Register einnimmt, zeigt die neue Richtung, in die sich die athenische Vasenmalerei bewegte. Es zeigt Götter, Göttinnen, Nymphen und andere, die zum Haus des Helden Peleus aufbrechen, um seine Hochzeit mit der schönen Meeresnymphe Thetis zu feiern.

Die Meeresnymphe Thetis wurde sowohl von Zeus, dem König der Götter, als auch von Poseidon, dem Gott des Meeres, geliebt. Ihre Begeisterung wurde jedoch abgekühlt, als sie erfuhren, dass Thetis’-Sohn dazu bestimmt war, größer zu sein als sein Vater.

Peleus begrüßt seine Gäste (Ausschnitt), Sophilos (Maler), Schwarzfigurige Schale (Dinos) und Ständer, C. 580 v. u. Z., 71 cm hoch, Athen © Trustees of the British Museum

Die Götter beschlossen, dass Thetis gezwungen werden sollte, einen Sterblichen zu heiraten, damit ihr Sohn, wie mächtig er auch sein mag, für die Götter keine Bedrohung darstellen sollte. Sie wählten Peleus und um Thetis mit dieser minderwertigen Allianz zu versöhnen, gaben sie dem Paar eine prächtige Hochzeit, die auf dieser Vase abgebildet ist. Peleus steht rechts vor der Tür seines Hauses, um seine Gäste zu begrüßen, die entweder zu Fuß oder mit Wagen ankommen.

Dionysos und andere kommen zur Hochzeit von Peleus und Thetis (Detail), Sophilos (Maler), Schwarzfigurige Schale (Dinos) und Ständer, C. 580 v. u. Z., 71 cm hoch, Athen © Trustees of the British Museum

Zu den ersten gehört der Weingott Dionysos, der einen mit Trauben beladenen Weinstock trägt (oben, dritte Figur von rechts), der den Wein symbolisiert, der beim Hochzeitsfest getrunken wird, vielleicht in einer Schale dieser Form gemischt. Der Zentaur Cheiron, halb Mensch und halb Pferd, erscheint auch, er wurde später der Erzieher des Sohnes von Peleus und Thetis, dem mächtigen Achilles. Thetis ist innen anständig verborgen. Die Namen der Gäste sind ordentlich daneben geschrieben.

Thetis Großvater, der Fischschwanz-Meeresgott Okeanos, bei der Hochzeit von Peleus und Thetis (Detail), Sophilos (Maler), Schwarzfigurige Schale (Dinos) und Ständer, C. 580 v. u. Z., 71 cm hoch, Athen © Trustees of the British Museum

Der erste Wagen der Prozession trägt Zeus und Hera, der zweite Poseidon und Amphitrite, der dritte Hermes und Apollo und der vierte Ares und Aphrodite. Zwischen den Streitwagen laufen Gruppen von Schicksalen, Grazien und Musen, von denen einer die Flöte spielt. Athena und Artemis fahren im letzten Wagen, gefolgt von Thetis’-Großvater, dem Fischschwanz-Meeresgott Okeanos, seiner Frau Tethys und Eileithyia, der Göttin der Geburt. Hephaistos bildet den hinteren, sitzenden Seitensattel auf einem Maultier.

Zwischen den Säulen des Hauses hat Sophilos die Vase signiert: „Sophilos hat mich gemalt“. Sophilos ist der erste griechische Vasenmaler, dessen Namen wir kennen.

Erhaltung

Sophilos (Maler), Schwarzfigurige Schale (Dinos) und Ständer, C. 580 v. u. Z., 71 cm hoch, Athen © Trustees of the British Museum

Als diese schwarzfigurige Vase 1971 vom British Museum erworben wurde, befand sie sich in einem restaurierten Zustand mit nur wenigen Verluststellen. Seitdem ist es dreimal in die Konservierungsabteilung des Museums gekommen. Beim ersten Besuch hat ein Restaurator Fragmente mit der Signatur des Künstlers, Sophilos, neu positioniert, damit sie besser lesbar waren. Einige Jahre später erwarb das Museum fünf Fragmente, die ursprünglich zur Vase gehört hatten. Restauratoren entfernten Bereiche mit Lückenfüllungen, damit diese Fragmente wieder vereint werden können. Kein Job war einfach. Die alte Restauration war hart und schwer zu entfernen.

Restauratoren konnten die alte Restaurierung bei der Begutachtung der Vase bei der Galeriesanierung 1983 neu beurteilen. Der alte Kleber und die Fugenfüller wurden als Polyesterharz identifiziert, das ausgehärtet und spröde geworden war, es gab Risse im Ständer, die evtl direktes Ergebnis. Heutzutage wird diese Art von Harz für die Verwendung bei Keramikartefakten nicht als geeignet erachtet. Es wurde entschieden, dass die Vase vom Zerlegen und Zusammenbauen unter Verwendung stabilerer und reversibler Konservierungsmaterialien profitieren würde. Das Abtragen der alten Fugen und Füllungen und das manuelle Entfernen des Polyesterharzes von Fragmenten war ein langer Prozess. Die Fragmente wurden mit einem reversiblen Kleber wieder zusammengefügt und die Fehlstellen mit Gips gefüllt und bemalt.

Empfohlene Lektüre:

L. brennen, Das British Museum-Buch der griechischen und römischen Kunst (London, The British Museum Press, 1991).

D. Williams, “Sophilos im British Museum” in griechischen Vasen im J.Paul Getty Museum (Malibu, 1983).

D. Williams, Griechische Vasen (London, The British Museum Press, 1999).


Rot- und schwarzfigurige Keramik

Die schwarzfigurige Technik ist die älteste der beiden Malstile. Es wurde in Korinth um 700 v. Chr. erfunden, obwohl die korinthische Vasenmalerei dieser frühen Zeit normalerweise nicht als „schwarze Figur“ bezeichnet wird. Im späteren 7. Jahrhundert v. Chr. übernahmen athenische Vasenmaler die Technik und wandten sie auf größere Gefäßtypen an, die bald populärer werden sollten als die im Allgemeinen kleineren korinthischen Töpfe. Die athenische Schwarzfigur wurde schließlich dominant und verdrängte die korinthische Keramik im frühen 6. Jahrhundert v.

Vor dem Lackieren wurde die Oberfläche des Topfes brüniert und poliert, bevor sie vollständig aushärtete. Der Maler skizzierte die Umrisse der Szenen, die er (oder sie) malen wollte. Diese wurden dann mit einem feinen Tonschlicker eingefärbt, der eine andere Konsistenz und Zusammensetzung hatte als der Ton, der für den Topf selbst verwendet wurde. Der bemalte Schlicker wurde dann trocknen gelassen.

Nachdem der Schlicker getrocknet war, fügte der Künstler durch Einschneiden mit einem scharfen Werkzeug Details wie Falten in Kleidung und Augen hinzu, wodurch die Farbe des darunter liegenden Topfes sichtbar wurde. Andere Farben könnten dann über den dunkleren Schlicker gestrichen werden, wie zum Beispiel rot, gelb oder weiß. Weiß wurde aus feinem weißem Ton hergestellt. Der weiße Ton könnte mit gelbem Ocker gemischt werden, um eine gelbe Farbe zu erzeugen. Rot wurde aus rotem Eisenoxid hergestellt.

/>Zwei Seiten einer zweisprachigen Amphore, die Ajax und Achilles in einem Spiel zeigt. Links die schwarzfigurige Seite der Vase, rechts die rotfigurige Version derselben Szene. Höhe: 55,5 & 160 cm. Museum der Schönen Künste, Boston.

Die rotfigurige Vasenmalerei wurde erstmals in Athen (oder irgendwo in der von Athen kontrollierten Region, d.h. Attika) um ca. 530 v. Rotfigur ist im Wesentlichen die Rückseite von Schwarzfigur: Der Hintergrund ist mit einem feinen Schlicker ausgefüllt und hat nach dem Brennen eine schwarze Farbe, während die Figuren reserviert sind. Details werden mit feinen Pinseln anstelle von Einschnitten hinzugefügt, sodass die Künstler ihrer Kunst einen höheren Detaillierungsgrad verleihen können.

Rotfigurig existierte eine Zeit lang Seite an Seite mit Schwarzfiguriger, wobei einige Künstler sogar sogenannte “bilingual” Vasen herstellten, bei denen eine Seite in rotfiguriger und die andere in schwarzfigurig ausgeführt wurde. Die beiden gegensätzlichen Szenen auf einzelnen zweisprachigen Vasen sind oft ähnlich. Rotfigurig blieb bis weit in das dritte Jahrhundert v. Chr. In Gebrauch.


Griechische Kunst (ca. 650-27 v. Chr.) Geschichte, Eigenschaften


Tempel des Hephaistos (449) Athen.
Die intakten Säulen im dorischen Stil und
Giebel sind noch gut sichtbar,
aber die Friese und andere Dekorationen
wurden verloren.


Diskuswerfer (Discobolus)
Römische Kopie des Originals
Bronze von Myron (425 v. Chr.)
Nationalmuseum, Rom.

Die ägäische Kunst der klassischen Antike geht auf die minoische Kultur des dritten Jahrtausends v. Chr. zurück, als die Einwohner Kretas, die nach ihrem König Minos als Minoer bekannt waren, um 2100 v. Chr. Beeinflusst von sumerischer Kunst und anderen Bereichen der mesopotamischen Kunst, bauten sie eine Reihe von Palästen in Knossos, Phaestus und Akrotiri sowie die Schaffung einer breiten Palette von Fresken, Steinschnitzereien, alter Keramik und anderen Artefakten. Im 15. Jahrhundert v. Chr. wurde Kreta nach einem katastrophalen Erdbeben, das die meisten ihrer Paläste zerstörte, von kriegerischen mykenischen Stämmen vom griechischen Festland überrannt. Die mykenische Kultur wurde zur dominierenden Kraft im östlichen Mittelmeerraum. Dann, nicht lange nach Beginn des Trojanischen Krieges (c.1194�), wurde die Stadt Mykene zusammen mit ihrer Architektur und ihren kulturellen Besitztümern von einer neuen Gruppe von Maurern, den Doriern, zerstört. Zu diesem Zeitpunkt kam die Produktion antiker Kunst für etwa 400 Jahre (1200-800) zum Erliegen, als die Region in eine Ära kriegerischer Königreiche und Chaos absank, die als "griechisches Mittelalter" (oder das geometrische oder homerische Zeitalter) bekannt ist. .

Historischer Hintergrund

Die eigentliche antike griechische Kunst "fusionierte" im 8. Jahrhundert v. Chr. (700-800), als sich die Dinge um die Ägäis beruhigten. (Siehe auch etruskische Kunst) Ungefähr zu dieser Zeit wurde Eisen zu Waffen/Werkzeugen verarbeitet, die Menschen begannen, ein Alphabet zu verwenden, die ersten Olympischen Spiele fanden (776) statt, eine komplexe Religion entstand und ein loses Gefühl der kulturellen Identität entstand um die Idee von "Hellas" (Griechenland). Um etwa 700 wurden Königreiche durch Oligarchien und Stadtstaaten ersetzt. Frühe Formen der griechischen Kunst waren jedoch weitgehend auf Keramik beschränkt, da die Region unter anhaltenden Störungen durch weit verbreitete Hungersnöte, erzwungene Auswanderung (viele Griechen verließen das Festland, um Städte in Kleinasien und Italien zu kolonisieren) und soziale Unruhen litt. Dies schränkte die Entwicklung der Architektur und der meisten anderen Kunstarten ein. Erst um 650, als die Seehandelsverbindungen zwischen Griechenland und Ägypten sowie Anatolien wiederhergestellt wurden, kehrte der griechische Wohlstand endgültig zurück und ermöglichte einen Aufschwung der griechischen Kultur.


Doryphorus (440) von Polykleitos.
Museo Archeologico Nazionale,
Neapel. Zu den größten Werken
Skulpturen aus dem antiken Griechenland.
Siehe die Kontrapost-Haltung
das schafft angespannt und
entspannte Körperteile.


Venus von Milo (ca. 100 v. Chr.)
(Aphrodite von Melos)
Louvre, Paris. Ein Symbol
der hellenistischen Skulptur.

FARBE PIGMENTE
Für Details zu Farben und
Pigmente, die von Malern verwendet werden
im antiken Griechenland siehe:
Klassische Farbpalette.

Chronologie der griechischen Kunst

Die Praxis der bildenden Kunst im antiken Griechenland entwickelte sich in drei grundlegenden Phasen oder Perioden:

Archaische Zeit (ca. 650-480 v. Chr.)
Klassik (ca. 480-323 v. Chr.)
Hellenistische Zeit (ca. 323-27 v. Chr.).

Die Archaisch Ära war eine Zeit des allmählichen Experimentierens. Die Klassik Die Ära erlebte dann die Blütezeit der griechischen Macht und künstlerischen Vorherrschaft auf dem Festland. Die hellenistisch Die Periode, die mit dem Tod Alexanders des Großen begann, war Zeuge der Entstehung von "Kunst im griechischen Stil" in der gesamten Region, da immer mehr Zentren / Kolonien griechischer Kultur in von Griechenland kontrollierten Ländern gegründet wurden.Die Periode sah auch den Niedergang und Fall Griechenlands und den Aufstieg Roms: Tatsächlich endet sie mit der vollständigen römischen Eroberung des gesamten Mittelmeerraums.

ANMERKUNG: Es ist wichtig, von vornherein darauf hinzuweisen, dass, abgesehen von der Keramik, fast alle Originalkunstwerke der griechischen Antike - also Skulpturen, Wand- und Tafelbilder, Mosaike, dekorative Kunst - verloren gegangen sind und uns fast vollständig auf Kopien von Römische Künstler und einige schriftliche Berichte. Daher ist unser Wissen über Chronologie, Entwicklung und Umfang der griechischen visuellen Kultur sehr lückenhaft und sollte nicht zu ernst genommen werden. Die Wahrheit ist, dass wir mit wenigen Ausnahmen sehr wenig über die Identität griechischer Künstler wissen, was sie gemalt oder geformt haben und wann sie es taten. Für spätere Künstler, die von der klassischen Skulptur und Architektur des antiken Griechenlands inspiriert wurden, siehe: Klassizismus in der Kunst (ab 800).

Archaische Periode (ca. 650-480 v. Chr.)

Archaische griechische Keramik

Die am weitesten entwickelte Kunstform der vorarchaischen Zeit (ca. 900-650) war zweifellos die griechische Keramik. Es handelte sich oft um große Vasen und andere Gefäße und war ursprünglich mit linearen Mustern verziert (proto-geometrischer Stil), dann aufwendigere Muster (geometrischer Stil) von Dreiecken, Zickzack und anderen ähnlichen Formen. Geometrische Keramik umfasst einige der schönsten griechischen Kunstwerke, wobei Vasen typischerweise nach einem strengen Proportionssystem hergestellt werden. Ab etwa 700 führten erneute Kontakte mit Anatolien, dem Schwarzmeerbecken und dem Nahen Osten zu einem spürbaren östlichen Einfluss (Orientalischer Stil), die von Korinther Keramikern gemeistert wurde. Das neue Idiom enthielt ein breiteres Repertoire an Motiven, wie krummlinige Designs, sowie eine Vielzahl von zusammengesetzten Kreaturen wie Sphinxen, Greifen und Chimären. Während der archaischen Zeit selbst wurde die Dekoration immer figurativer, da mehr Tiere, Zoomorphe und dann menschliche Figuren selbst aufgenommen wurden. Diese Keramikfigurenmalerei war das erste Zeichen der anhaltenden griechischen Faszination für den menschlichen Körper als das edelste Thema für einen Maler oder Bildhauer: eine Faszination, die in der Hochrenaissance-Malerei von Michelangelo und anderen wieder aufflammte. Ein weiterer von Corinth eingeführter Keramikstil war schwarzfigurige Keramik: Figuren wurden zuerst in schwarzer Silhouette gezeichnet, dann mit Ritzdetails markiert. Zusätzliche Akzente wurden in Lila oder Weiß hinzugefügt. Zu den beliebtesten Themen für schwarzfigurige Bilder gehörten: die Schwelgereien des Dionysos und die Arbeiten des Herkules. Im Laufe der Zeit dominierte Athen die Keramik im schwarzfigurigen Stil mit seiner Perfektion eines reichhaltigeren schwarzen Pigments und einem neuen orange-roten Pigment, das zu rotfigurig Keramik - ein Idiom, das 530-480 blühte. Zu den berühmten Keramikkünstlern der griechischen Archaik gehörten das Genie Exekias sowie Kleitias (Schöpfer des berühmten François Vase), Andokides, Euthymides, Ergotimos, Lydos, Nearchos und Sophilos. Weitere Informationen und Termine finden Sie unter: Keramik-Zeitleiste.

Archaische griechische Architektur

Im 6. und 7. Jahrhundert wurde Stein für griechische öffentliche Gebäude (Versteinerung) verwendet, insbesondere für Tempel. Die griechische Architektur stützte sich auf einfache Pfosten-Riegel-Bautechniken: Bögen wurden erst in der Römerzeit verwendet. Der typische rechteckige Bau war an allen vier Seiten (siehe z. B. Parthenon) oder seltener nur vorne und hinten (Tempel der Athena Nike) von einer Säulenreihe umgeben. Die Dächer wurden mit Holzbalken konstruiert, die mit Terrakotta-Fliesen überzogen waren. Giebel (die dreieckige Form an jedem Giebelende) waren mit Reliefskulpturen oder Friesen verziert, ebenso wie die Reihe von Stürzen zwischen dem Dach und den Spitzen der Säulen. Griechische Architekten waren die ersten, die ihren architektonischen Entwurf auf den Maßstab der Verhältnismäßigkeit stützten. Dazu stellten sie ihr "Klassische Orden" - eine Reihe von Gestaltungsregeln, die auf Proportionen zwischen einzelnen Teilen basieren, wie zum Beispiel das Verhältnis zwischen Breite und Höhe einer Spalte. In der frühen griechischen Architektur gab es drei solcher Ordnungen: Doric, ionisch und Korinthisch. Der dorische Stil wurde im griechischen Festland und später in griechischen Siedlungen in Italien verwendet. Die ionische Ordnung wurde in Gebäuden entlang der Westküste der Türkei und anderer ägäischer Inseln verwendet. Berühmte Gebäude des antiken Griechenlands, die während der archaischen Zeit gebaut oder begonnen wurden, sind: der Tempel der Hera (600), der Tempel der Athena auf der Akropolis (550) und die Tempel von Paestum (ab 550). Siehe auch: Ägyptische Architektur (ca. 3000 v. Chr.) und die Bedeutung ägyptischer Architekten wie Imhotep und andere.

Die griechische Architektur hatte weiterhin großen Einfluss auf spätere Stile, einschließlich der Renaissance sowie der neoklassizistischen Architektur und sogar der amerikanischen Architektur des 19. und 20. Jahrhunderts.

Die Kunstgeschichte zeigt, dass Bauprogramme ausnahmslos die Entwicklung anderer Formen der bildenden Kunst wie Skulptur und Malerei sowie der dekorativen Kunst stimulierten, und die archaische griechische Architektur war keine Ausnahme. Die neuen Tempel und andere öffentliche Gebäude brauchten alle viele dekorative Skulpturen, darunter Statuen, Reliefs und Friese sowie Wandmalerei und Mosaikkunst.

Archaische griechische Skulptur

Die archaische griechische Skulptur war in dieser Zeit noch stark von der ägyptischen Skulptur sowie von syrischen Techniken beeinflusst. Griechische Bildhauer schufen Steinfriese und Reliefs sowie Statuen (aus Stein, Terrakotta und Bronze) und Miniaturen (aus Elfenbein und Knochen). Der frühe Stil der freistehenden daedalischen Skulptur (650-600) - am Beispiel der Werke von Daedalus, Dipoinos und Skyllis - wurde von zwei menschlichen Stereotypen dominiert: dem stehenden nackten Jüngling (kouros) und das stehende drapierte Mädchen (kore). Von diesen wurden die männlichen Akte als wichtiger angesehen. Sowohl der Kouros als auch der Kore waren zunächst in einem ziemlich starren, "frontalen" ägyptischen Stil geformt, mit breiten Schultern, schmalen Taillen, hängenden Armen, geballten Fäusten, beiden Füßen auf dem Boden und einem festen "archaischen Lächeln": siehe , zum Beispiel, Dame von Auxerre (630, Louvre) und Kleobis und Biton (610-580, Archäologisches Museum von Delphi). Im Laufe der Zeit wurde die Darstellung dieser formelhaften Statuen weniger starr und realistischer. Später beinhalten fortgeschrittenere, archaische Versionen von Kouroi und Korai das "Peplos Kore" (um 530, Akropolismuseum, Athen) und die "Kritios Junge“ (Akropolismuseum, Athen). Andere berühmte Werke sind: die Strangford Apollo (600-580, British Museum) die Dipylon Kouros (um 600, Athen, Kerameikos Museum) die Anavysos Kouros (um 525, Nationales Archäologisches Museum von Athen) und der faszinierende Fries der Siphnische Schatzkammer, Delphi (c.525).

Archaische griechische Malerei

Da die meisten Vasen und Skulpturen bemalt waren, führte das Wachstum von Keramik und Bildhauerei im 7. Jahrhundert automatisch zu mehr Arbeit für griechische Maler. Darüber hinaus wurden die Wände vieler Tempel, Gemeindegebäude und Gräber mit Freskenmalereien verziert, während ihre Marmor- oder Holzskulpturen mit Tempera- oder Enkaustikfarbe gefärbt wurden. Encaustic hatte etwas von dem Glanz der Ölmalerei, ein den Griechen unbekanntes Medium, und wurde im sechsten Jahrhundert zu einer beliebten Malmethode für Steinstatuen und architektonische Reliefs. Die archaische griechische Malerei weist nur sehr wenige bemalte Tafeln auf: Die einzigen Beispiele, die wir haben, sind die Pitsa-Tafeln, die mit Stuck verziert sind, der mit mineralischen Pigmenten gefärbt ist. Leider sind aufgrund von Erosion, Vandalismus und Zerstörung nur wenige original griechische Gemälde aus dieser Zeit erhalten. Alles, was übrig geblieben ist, sind ein paar bemalte Terrakottaplatten (die Terrakottametopen aus dem Apollontempel von Thermon in Aitolia um 630), einige Holztafeln (die vier Pitsatafeln, die in einer Höhle im nördlichen Peloponnes gefunden wurden) und Wandmalereien (wie z als Schlachtszenen aus dem 7. Abgesehen von bestimmten Personen, wie zum Beispiel Kimon von Kleonae, sind uns die Namen archaischer griechischer Maler im Allgemeinen unbekannt. Die am weitesten verbreitete Kunstform, um die antike griechische Malerei zu beleuchten, ist die Töpferei, die uns zumindest eine grobe Vorstellung von archaischer Ästhetik und Techniken gibt. Beachten Sie jedoch, dass die Vasenmalerei als eine niedrige Kunstform angesehen wurde und in der klassischen Literatur selten erwähnt wird.

Klassische Periode (ca. 480-323 v. Chr.)

Der Sieg über die Perser 490 v. Chr. und 479 v. Chr. begründete Athen als den stärksten der griechischen Stadtstaaten. Trotz äußerer Bedrohungen würde es seine führende kulturelle Rolle für die nächsten Jahrhunderte behalten. Tatsächlich erlebte Athen im 5. Jahrhundert v. Chr. einen kreativen Aufschwung, der nicht nur die zukünftige römische Kunst dominieren würde, sondern, wenn er 2000 Jahre später von der Renaissance in Europa wiederentdeckt wurde, für weitere vier Jahrhunderte einen absoluten künstlerischen Standard darstellen würde. All dies trotz der Tatsache, dass die meisten griechischen Gemälde und Skulpturen zerstört wurden.

Der Hauptbeitrag des griechischen Klassizismus zur bildenden Kunst war zweifellos seine Skulptur: insbesondere der "Kanon der Proportionen" mit seiner Verwirklichung des "idealen menschlichen Körpers" - ein Konzept, das tausend Jahre später so stark in der Kunst der Hochrenaissance anklang.

Klassische griechische Keramik

In dieser Zeit erlebte die Keramikkunst und damit die Vasenmalerei einen fortschreitenden Niedergang. Warum, wissen wir nicht genau, aber gemessen an den fehlenden Innovationen und der zunehmenden Sentimentalität der Designs scheint sich das Genre abgenutzt zu haben. Die letzte kreative Entwicklung war die Weißer Boden Technik, die um 500 eingeführt wurde. Im Gegensatz zu den schwarzfigurigen und rotfigurigen Stilen, die sich auf Tonschlicker stützten, um Bilder zu erstellen, verwendete die Weißgrund-Technik Farbe und Vergoldung auf weißem Tongrund und wird am besten durch die Bestattung veranschaulicht lekythoi des späten 5. Jahrhunderts. Abgesehen von dieser einzigen Neuerung verlor die klassische griechische Keramik sowohl an Qualität als auch an künstlerischem Wert erheblich und wurde schließlich von lokalen hellenistischen Schulen abhängig.

Klassische griechische Architektur

Wie die meisten griechischen bildenden Kunst erreichte das Gebäudedesign seinen Höhepunkt während der Klassik, als die beiden Hauptstile (oder "Ordnungen") der griechischen Architektur, die dorische und die ionische, einen zeitlosen, harmonischen und universellen Standard architektonischer Schönheit definierten. Der dorische Stil war der formellere und strengere Stil - ein Stil, der im 4. (Anmerkung: Der Ionische Orden führte später zum kunstvolleren korinthischen Stil.)

Der Höhepunkt der antiken griechischen Architektur war wohl die Akropolis, der abgeflachte, heilige Hügel am Stadtrand von Athen. Die ersten Tempel, die hier während der archaischen Zeit errichtet wurden, wurden 480 von den Persern zerstört, aber als der Stadtstaat in sein goldenes Zeitalter eintrat (ca. 460-430), wurde sein Herrscher Perikles ernannte den Bildhauer Phidias den Bau eines neuen Komplexes zu beaufsichtigen. Die meisten neuen Gebäude (der Parthenon, die Propyläen) wurden nach dorischen Proportionen entworfen, einige enthielten jedoch ionische Elemente (Tempel der Athena Nike, das Erechtheum). Die Akropolis wurde während der hellenistischen und römischen Zeit mehrmals hinzugefügt. Die Parthenon (447-432) bleibt das herausragende Beispiel der klassischen griechischen religiösen Kunst. Zu seiner Zeit wäre es mit zahlreichen Wandmalereien und Skulpturen geschmückt gewesen, doch selbst relativ schmucklos steht es als unverkennbares Denkmal griechischer Kultur. Der größte Tempel auf dem Akropolis-Hügel wurde von entworfen Iktinus und Kallikrates, und der Göttin Athena gewidmet. Es beherbergte ursprünglich eine kolossale mehrfarbige Statue mit dem Titel Athena die Jungfrau (Athena Parthenos), deren Haut von Phidias aus Elfenbein geformt wurde und deren Kleidung aus goldenem Stoff gefertigt wurde. Wie alle Tempel war der Parthenon durchgehend mit architektonischen Skulpturen wie Reliefs und Friesen sowie freistehenden Statuen aus Marmor, Bronze und Chryselephantin verziert. 1801 verschiffte der Kunstsammler und Antiquar Lord Elgin (1766-1841) kontrovers eine große Menge der Marmorskulptur des Parthenon (die "Elgin Murmeln") im British Museum in London.

Andere berühmte Beispiele der klassischen griechischen Architektur sind: der Tempel des Zeus in Olympia (468-456), der Tempel des Hephaistos (ca. 449 v. Chr.), der Tempel in Bassae, Arcadia (ca. 430), der die erste korinthische Hauptstadt enthielt , das Theater in Delphi (um 400), der Tholos-Tempel der Athena Pronaia (380-360), das Mausoleum in Harnikarnassos, Bodrum (353), das Lysikrates-Denkmal in Athen (335) und der Apollon-Tempel in Delphi ( 330).

Klassische griechische Skulptur

In der Geschichte der Bildhauerei war keine Periode produktiver als die 150 Jahre zwischen 480 und 330 v. Was die plastische Kunst anbelangt, kann man sie unterteilen in: frühklassische griechische Skulptur (480-450), hochklassische griechische Skulptur (450-400) und spätklassische griechische Skulptur (400-323).

Während der gesamten Ära gab es eine enorme Verbesserung der technischen Fähigkeiten griechischer Bildhauer, den menschlichen Körper in einer naturalistischen statt in einer starren Haltung darzustellen. Die Anatomie wurde genauer und dadurch sahen die Statuen viel naturgetreuer aus. Außerdem wurde Bronze aufgrund seiner Formbeständigkeit zum Hauptmedium für freistehende Werke, was die Modellierung noch natürlicher wirkender Posen ermöglichte. Die Themen wurden erweitert, um die gesamte Palette der Götter und Göttinnen zusammen mit kleineren Gottheiten, einer umfangreichen Palette mythologischer Erzählungen und einer vielfältigen Auswahl an Sportlern einzuschließen. Weitere spezifische Entwicklungen waren: die Einführung eines platonischen "Kanons der Proportionen", um eine idealisierte menschliche Figur zu schaffen, und die Erfindung von Kontrapost. Während der Spätklassik erschienen die ersten respektablen weiblichen Akte.

Zu den bekanntesten Bildhauern dieser Zeit gehörten: Myron (fl.480-444), Polykletos (fl.450-430), Kallimachus (fl.432-408), Skopas (fl.395-350), Lysippos (c.395-305), Praxiteles (fl.375-335), und Leochares (fl.340-320). Diese Künstler arbeiteten hauptsächlich in Marmor, Bronze, gelegentlich Holz, Knochen und Elfenbein. Die Steinskulptur wurde mit Metallwerkzeugen von Hand aus einem Marmorblock oder einem hochwertigen Kalkstein geschnitzt. Diese Skulpturen können freistehende Statuen oder Reliefs / Friese sein - dh nur teilweise aus einem Block geschnitzt. Bronzeskulpturen galten nicht zuletzt wegen der Mehrkosten für Bronze als überlegen und wurden typischerweise im Wachsausschmelzverfahren gegossen. Noch teurer war die Chryselephantin-Skulptur, die großen Kultstatuen vorbehalten war. Die Elfenbeinschnitzerei war ein weiteres Spezialgenre für kleine, persönliche Werke, ebenso wie die Holzschnitzerei.

Wie bereits erwähnt, war der Parthenon ein typisches Beispiel dafür, wie die Griechen Skulpturen zur Dekoration und Aufwertung ihrer religiösen Gebäude verwendeten. Ursprünglich fielen die Skulpturen des Parthenon in drei Gruppen. (1) An den dreieckigen Giebeln an beiden Enden befanden sich große freistehende Gruppen mit zahlreichen Götterfiguren und mythologischen Szenen. (2) Auf beiden Seiten befanden sich fast 100 Reliefs von kämpfenden Figuren, darunter Götter, Menschen, Zentauren und andere. (3) Um das gesamte Gebäude herum verlief ein weiteres Relief von etwa 150 Metern Länge, das die Große Panathenia darstellte - ein religiöses, vierjährliches Fest zum Lob der Athena. Trotz schwerer Beschädigung zeigen die Parthenon-Skulpturen das höchste künstlerische Können ihrer Schöpfer. Vor allem zeigen sie – wie viele andere klassische griechische Skulpturen – ein erstaunliches Bewegungsgefühl sowie einen ausgeprägten Realismus des menschlichen Körpers.

Zu den größten Skulpturen der Klassik gehören: Leonidas, König von Sparta (ca. 480), Der Wagenlenker von Delphi (c.475) Discobolus (ca. 450) von Myron Der Farnese Herakles (5. Jahrhundert) Athena Parthenos (c.447-5) von Phidias Doryphorus (440) von Polykletos Jugend von Antikythera (4. Jahrhundert) Aphrodite von Knidos (350-40) von Praxiteles und Apollo Belvedere (c.330) von Leochares.

Klassische griechische Malerei

Die klassische griechische Malerei offenbart ein Verständnis linearer Perspektive und naturalistischer Darstellung, das bis zur italienischen Hochrenaissance unübertroffen bleiben sollte. Außer der Vasenmalerei blühten während der Klassik alle Arten der Malerei auf. Nach Autoren wie Plinius (23-79 n. Chr.) oder Pausanias (aktiv 143-176 n. Chr.) war die höchste Form der Tafelmalerei in Enkaustik oder Tempera. Zu den Themen gehörten figurative Szenen, Porträts und Stillleben, und Ausstellungen - etwa in Athen und Delphi - waren relativ häufig. Leider ist aufgrund der Verderblichkeit dieser Tafeln zusammen mit jahrhundertelanger Plünderung und Vandalismus kein einziges griechisch-klassisches Tafelbild von irgendeiner Qualität erhalten geblieben, noch eine römische Kopie.

Freskenmalerei war eine gängige Methode der Wanddekoration in Tempeln, öffentlichen Gebäuden, Häusern und Gräbern, aber diese größeren Kunstwerke hatten im Allgemeinen einen geringeren Ruf als Tafelbilder. Das berühmteste erhaltene Beispiel griechischer Wandmalerei ist das berühmte Grab des Tauchers in Paestum (um 480), eine von vielen solchen Grabdekorationen in den griechischen Kolonien in Italien. Ein weiteres berühmtes Werk entstand für die Großes Grab bei Verfina (ca. 326 v. Chr.), dessen Fassade mit einem großen Wandgemälde einer königlichen Löwenjagd geschmückt war. Der Hintergrund wurde weiß belassen, wobei die Landschaft durch einen einzelnen Baum und die Grundlinie gekennzeichnet war. Neben dem Stil des Hintergrunds und der Motive zeichnet sich das Wandbild durch seine subtilen Darstellungen von Licht und Schatten sowie durch die Verwendung einer Technik namens . aus Optische Fusion (das Nebeneinander von Linien unterschiedlicher Farbe) - ein ziemlich merkwürdiger Vorläufer von Seurats Pointillismus des 19. Jahrhunderts.

Das Bemalen von Stein-, Terrakotta- und Holzskulpturen war eine weitere Spezialtechnik, die von griechischen Künstlern beherrscht wurde. Steinskulpturen wurden normalerweise in kräftigen Farben bemalt, obwohl normalerweise nur die Teile der Statue, die Kleidung oder Haare darstellten, gefärbt waren, während die Haut in der Natursteinfarbe belassen wurde, aber gelegentlich wurde die gesamte Skulptur bemalt. Die Skulpturmalerei wurde als eigenständige Kunst angesehen - eine frühe Art von Mischtechnik - und nicht nur als skulpturale Erweiterung. Neben Farbe kann die Statue auch mit kostbaren Materialien verziert werden.

Zu den berühmtesten klassischen griechischen Malern des 5. Jahrhunderts gehörten: Apollodorus (bemerkt für seine Skiagraphie - eine primitive Art von Hell-Dunkel) sein Schüler, der Große Zeuxis von Heraclea (bekannt für seine Staffelei-Malereien und Trompe-l'oeil) sowie Agatharchos (der erste, der die grafische Perspektive in großem Maßstab verwendet hat) Parrhasius (am besten bekannt für seine Zeichnung und sein Bild von Theseus im Kapitol in Rom) und Timarete (eine der größten griechischen Malerinnen, bekannt für ein Tafelbild der Göttin Diana in Ephesus).

Während der späten Klassik (400-323 v. Chr.), in der das Makedonische Reich unter Philipp II. und seinem Sohn Alexander dem Großen aufblühte, war Athen weiterhin das dominierende kulturelle Zentrum des griechischen Festlandes. Dies war der Höhepunkt der antiken griechischen Malerei mit Künstlern wie den talentierten und einflussreichen Apelles von Kos - offizieller Maler Philipps II. Andere berühmte Künstler des 4. Jahrhunderts waren die Rivalen von Apelles Antiphilus (ein Spezialist für Licht und Schatten, Genremalerei und Karikatur) und Protogene (bekannt für seine sorgfältige Verarbeitung) Euphranor von Korinth (der einzige klassische Künstler, der sich sowohl in Malerei als auch in Skulptur auszeichnet) Eupomp (Gründer der Sicyon-Schule) und der Historienmaler Androkydes von Kyzikos (bekannt für sein umstrittenes Historiengemälde, das die Schlacht von Platäa darstellt).

Die Periode der hellenistischen Kunst beginnt mit dem Tod von Alexander der Große (356-323) und die Eingliederung des Persischen Reiches in die griechische Welt. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich der Hellenismus in der ganzen zivilisierten Welt ausgebreitet, und Zentren griechischer Kunst und Kultur umfassten Städte wie Alexandria, Antiochia, Pergamon, Milet sowie Städte und andere Siedlungen in Kleinasien, Anatolien, Ägypten, Italien, Kreta, Zypern , Rhodos und die anderen Inseln der Ägäis. Die griechische Kultur war also völlig dominant. Aber der plötzliche Tod Alexanders löste einen schnellen Niedergang der griechischen imperialen Macht aus, da sein riesiges Reich auf drei seiner Generäle aufgeteilt wurde - Antigonus I die Griechenland und Mazedonien erhielten Seleukus I die die Kontrolle über Anatolien, Mesopotamien und Persien übernahmen und Ptolemaios I der Ägypten regierte. Paradoxerweise ist diese Periode daher von einem massiven griechischen kulturellen Einfluss geprägt, der jedoch die griechische Macht schwächt. Bis 27 v. Chr. würden Griechenland und sein Reich vom antiken Rom aus regiert, aber selbst dann würden die Römer die griechische Kunst jahrhundertelang verehren und nachahmen.

Hellenistische Architektur

Die Aufteilung des griechischen Reiches in separate Einheiten mit jeweils eigenem Herrscher und eigener Dynastie schuf riesige neue Möglichkeiten der Selbstverherrlichung. In Kleinasien wurde in Pergamon (Pergamon) eine neue Hauptstadt gebaut, in Persien von den Attaliden, in Ägypten entwickelten die Seleukiden eine Form barocker Baukunst, die ptolemäische Dynastie baute den Leuchtturm und die Bibliothek in Alexandria. Die Palastarchitektur wurde revitalisiert und zahlreiche städtische Strukturen errichtet, um den Einfluss der lokalen Herrscher zu stärken.

Die Tempelarchitektur erlebte jedoch einen großen Einbruch. Ab 300 v auf dem griechischen Festland und in den nahegelegenen griechischen Kolonien. Selbst monumentale Projekte wie das Artemision in Sardes und der Apollontempel in Didyma bei Milet kamen kaum voran. All dies änderte sich im zweiten Jahrhundert, als der Tempelbau eine gewisse Wiederbelebung erfuhr, teils durch gestiegenen Wohlstand, teils durch Verbesserungen des ionischen Baustils durch den Architekten Hermogenes von Priene und teils durch den Kulturpropagandakrieg (für zunehmende Einfluss) zwischen den verschiedenen hellenistischen Königreichen und zwischen ihnen und Rom. Dabei wurde die Tempelarchitektur wiederbelebt und eine große Anzahl griechischer Tempel - sowie kleinteiliger Strukturen (Pseudoperipteros) und Schreine (naiskoi) - wurden im südlichen Kleinasien, Ägypten und Nordafrika errichtet. Stilistisch war der zurückhaltende dorische Stil der Tempelarchitektur völlig aus der Mode gekommen, da der Hellenismus die extravaganteren Formen des ionischen und korinthischen Ordens forderte. Von dem römischen Architekten Vitruv (ca. 78-10 v. Chr.) bewundert, sind berühmte Beispiele hellenistischer Architektur: das Große Theater von Ephesus (3.-1. Jahrhundert), die Stoa des Attalus (159-138) und das Uhrenhaus Turm der Winde bei Athen.

Hellenistische Skulptur

Die hellenistische griechische Skulptur setzte den klassischen Trend zu einem immer größeren Naturalismus fort. Tiere sowie gewöhnliche Menschen jeden Alters wurden zu akzeptablen Objekten für die Bildhauerei, die häufig von wohlhabenden Einzelpersonen oder Familien in Auftrag gegeben wurde, um ihre Häuser und Gärten zu schmücken. Bildhauer sahen sich nicht mehr verpflichtet, Männer und Frauen als Schönheitsideale darzustellen. Tatsächlich wich die idealisierte klassische Gelassenheit des fünften und vierten Jahrhunderts einer größeren Emotionalität, einem intensiven Realismus und einer fast barocken Dramatisierung der Thematik. Für einen typischen Stil dieser Form der plastischen Kunst siehe Pergamene School of Hellenistic Sculpture (241-133 v. Chr.).

Infolge der Verbreitung der griechischen Kultur (Hellenisierung) gab es auch von den neu gegründeten griechischen Kulturzentren in Übersee in Ägypten, Syrien und der Türkei eine viel größere Nachfrage nach Statuen und Reliefs griechischer Götter, Göttinnen und Heldenfiguren für ihre Tempel und öffentliche Gebiete. So entwickelte sich ein großer Markt für die Produktion und den Export griechischer Skulpturen, was zu einem Rückgang der Handwerkskunst und Kreativität führte. Außerdem griffen griechische Bildhauer auf ihrer Suche nach einem größeren Expressionismus zu monumentaleren Werken, eine Praxis, die ihren endgültigen Ausdruck in der Koloss von Rhodos (ca. 220 v. Chr.).

Zu den berühmten griechischen Skulpturen dieser Zeit gehören: "Der Farnese-Bulle" (2. Jahrhundert) die "Sterbendes Gallien" (232) von Epigonus dem "Geflügelter Sieg von Samothrake" (ca. 1./2. Jahrhundert v. Chr.) Der Pergamonaltar (ca. 180-150) "Die Medici-Venus" (150-100) Die drei Grazien (2. Jahrhundert) Venus von Milo (um 100) von Andros von Antiochia Laokoon und seine Söhne (ca. 42-20 v. Chr.) von Hagesander, Athenodoros und Polydorus. Weitere Informationen finden Sie unter: Hellenistische Statuen und Reliefs.

Einen allgemeinen Vergleich finden Sie unter: Römische Skulptur. Für ein bestimmtes Genre siehe: Römische Reliefskulptur. Ein hervorragendes Beispiel hellenistischer römischer Kunst der Jahrtausendwende finden Sie in den außergewöhnlichen Marmorreliefskulpturen der Ara Pacis Augustae (ca. 13-9 v. Chr.).

Zur Wirkung der griechischen Skulptur auf spätere Stile siehe: Renaissance-Skulptur (ca. 1400-1530) und auch Neoklassizistische Skulptur (1750-1850).

Die gestiegene Nachfrage nach Skulpturen im griechischen Stil spiegelte sich in einer ähnlichen Zunahme der Popularität der hellenistischen griechischen Malerei wider, die in einer Reihe von separaten Schulen sowohl auf dem Festland als auch auf den Inseln gelehrt und verbreitet wurde. Thematisch wurden klassische Favoriten wie Mythologie und zeitgenössische Ereignisse von Genrebildern, Tierstudien, Stillleben, Landschaften und anderen ähnlichen Themen abgelöst, weitgehend im Einklang mit den in Herculaneum und Pompeji entdeckten dekorativen Stilen (1. Jahrhundert v. Chr. und später). , von denen viele als Kopien griechischer Originale gelten.

Der vielleicht größte Beitrag hellenistischer Maler war die Porträtkunst, insbesondere die Fayum Mumienporträts, aus dem 1. Jahrhundert v. Diese wunderschön erhaltenen Tafelbilder aus der koptischen Zeit - insgesamt etwa 900 Werke - sind die einzigen bedeutenden Kunstwerke, die aus der griechischen Antike intakt überlebt haben. Diese realistischen Gesichtsporträts, die hauptsächlich im Fayum-Becken (Faiyum) in Ägypten gefunden wurden, wurden auf dem Bestattungstuch selbst angebracht, um die Gesichter der mumifizierten Körper zu bedecken. Künstlerisch gesehen gehören die Bilder eher dem griechischen Porträtstil als irgendeiner ägyptischen Tradition an. Siehe auch Vermächtnis der griechischen Wand- und Tafelmalerei.

Die wahre Tragödie der griechischen Kunst ist die Tatsache, dass so vieles davon verschwunden ist. Nur eine sehr kleine Anzahl von Tempeln - wie der Parthenon und der Tempel des Hephaistos - haben überlebt. Griechenland baute fünf Weltwunder (die Koloss von Rhodos, das Artemis-Tempel in Ephesus, das Zeus-Statue in Olympia, das Mausoleum von Halikarnassos und der Leuchtturm von Alexandria), aber nur zerstörte Fragmente sind erhalten. Ebenso wurde die überwiegende Mehrheit aller Skulpturen zerstört. Griechische Bronzen und andere griechische Metallarbeiten wurden meist eingeschmolzen und zu Werkzeugen oder Waffen verarbeitet, während Steinstatuen geplündert oder als Baumaterial abgebaut wurden. Auch rund 99 Prozent aller griechischen Gemälde sind verschwunden.

Griechische Künstler haben Traditionen am Leben erhalten

Aber auch wenn dieser Teil unseres Erbes verschwunden ist, leben die Traditionen, die ihn hervorgebracht haben, weiter. Hier ist der Grund. Als Griechenland im 1. Jahrhundert v. Chr. von Rom abgelöst wurde, arbeiteten bereits viele talentierte griechische Bildhauer und Maler in Italien, angezogen von der Menge lukrativer Aufträge. Diese Künstler und ihre künstlerischen Nachkommen blühten fünf Jahrhunderte lang in Rom auf, bevor sie die Stadt flohen, kurz bevor die Barbaren sie im fünften Jahrhundert n. Chr. plünderten, um in Konstantinopel, der Hauptstadt des östlichen Christentums, neue Kunstformen zu schaffen. Sie gediehen hier, am Hauptsitz der byzantinischen Kunst, fast tausend Jahre lang, bevor sie die Stadt (die bald von den Türken erobert werden sollte) nach Venedig verließen, um die italienische Renaissance zu beginnen. Während dieser gesamten Zeit behielten diese wandernden griechischen Künstler ihre Traditionen (wenn auch im Laufe der Zeit angepasst), die sie der Renaissance, dem Barock, dem Neoklassizismus und der Moderne vermachten. Siehe zum Beispiel die klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (um 1900-30). Im 18. Jahrhundert war die griechische Architektur ein wichtiger Anziehungspunkt für unerschrockene Reisende auf der Grand Tour, die von Neapel aus das Ionische Meer überquerte. Zusammenfassend: Griechische Kunstwerke mögen verschwunden sein, aber die griechische Kunst ist in den Traditionen unserer Akademien und den Werken unserer größten Künstler immer noch sehr lebendig.

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Keramik in der griechischen Archaik

Die archaische schwarz- und rotfigurige Malerei begann, naturalistischere Körper darzustellen, indem sie Form und Bewegung vermittelte.

Lernziele

Beschreiben Sie die Ähnlichkeiten und Unterschiede zwischen schwarz- und rotfiguriger Malerei während der griechischen Archaik

Die zentralen Thesen

Wichtige Punkte

  • Schwarzfigurige Malerei wurde während der gesamten archaischen Zeit verwendet, bevor sie unter der Popularität der rotfigurigen Malerei nachließ.
  • Exekias gilt als einer der talentiertesten und einflussreichsten schwarzfigurigen Maler aufgrund seiner Fähigkeit, Emotionen zu vermitteln, komplizierte Linien zu verwenden und Szenen zu schaffen, die dem Betrachter vertrauten, die Szene zu verstehen.
  • Die rotfigurige Malerei wurde 530 v. Chr. vom Andokides-Maler entwickelt, ein Stil, der durch die Verwendung eines Pinsels mehr Naturalismus im Körper ermöglicht.
  • Die ersten rotfigurigen Malereien entstanden auf zweisprachigen Vasen und zeigten auf jeder Seite eine Szene, eine schwarzfigurig und die andere rotfigurig.
  • Die Maler Euthyides und Euphronios waren zwei der talentiertesten archaischen rotfigurigen Maler, deren Gefäße Raum, Bewegung und Naturalismus darstellen.

Schlüsselbegriffe

  • Stichel: Ein Meißel mit einer scharfen Spitze, der zum Gravieren eines Graveurs verwendet wird.
  • Unterhose: Eine dünne, rutschige Mischung aus Ton und Wasser.
  • rotfigurig: Einer der wichtigsten Stile der figürlichen griechischen Vasenmalerei, basierend auf den figürlichen Darstellungen in roter Farbe auf schwarzem Hintergrund.
  • schwarzfigurig: Ein Stil der griechischen Vasenmalerei, der sich durch scherenschnittartige Figuren auf rotem Grund auszeichnet.

Übersicht über Keramikdekoration

In der archaischen Zeit kam es zu einer Verschiebung der Stile der Keramikdekoration, von den sich wiederholenden Mustern der geometrischen Periode über den orientalisierenden Stil mit orientalischem Einfluss bis hin zu den naturalistischeren schwarz- und rotfigurigen Techniken. Während dieser Zeit wurden Figuren dynamischer und durch organischere – im Gegensatz zu geometrischen – Elementen definiert.

Schwarzfigurige Malerei

Die schwarzfigurige Malerei, die ihren Namen von den auf rotem Grund gemalten schwarzen Figuren ableitet, wurde von den Korinthern im 7. Als Maler sicherer mit dem Medium arbeiteten, begannen menschliche Figuren auf Vasen zu erscheinen und Maler und Töpfer begannen, ihre Kreationen zu signieren.

Die François-Vase

Einer der berühmtesten frühathenischen schwarzfigurigen Töpfe ist ein großer Volutenkrater des Töpfers Ergotimos und des Malers Kleitias, bekannt als François Vase. Der Krater, benannt nach dem Mann, der ihn im 19. Jahrhundert entdeckte, zeigt 270 Figuren auf den sechs Registern, die sich um den Krater winden.

Im Gegensatz zu den monumentalen Vasen der geometrischen Zeit ist dieser Krater 66 cm hoch. Die Oberfläche zeigt verschiedene mythologische Szenen mit vielen namentlich beschrifteten Figuren. Auf einer Seite des Kraters Hals sind Szenen aus der Calydonian Wildschweinjagd, bei der mehrere Männer und eine mächtige Frau namens Atalanta ein monströses Wildschwein jagten und töteten, das von Artemis geschickt wurde, um die Region Calydon zu terrorisieren, nachdem der König sie beleidigt hatte.

Die andere Seite zeigt Theseus, der den Minotaurus tötete, mit athenischen Jugendlichen und seiner Frau Ariadne. Andere Register zeigen Szenen des Trojanischen Krieges und Peleus mit seinem Sohn Achilles. Die Details und das Können zeigen neue Stile der archaischen Vasenmalerei, die sich von den Tiermotiven und geometrischen Mustern der vergangenen Jahrhunderte wegbewegt.

Anstatt Negativräume mit Mustern und geometrischen Mustern zu füllen, lässt Kleitias Bereiche leer. Menschen und Pferde werden anders dargestellt als orientalische und geometrische Vorbilder. Körper werden genauer gerendert und sind weniger von geometrischen Formen abhängig, obwohl Profilansichten dominieren und scharfe Linien Textur für Muskulatur und Kleidung bieten. Während viele Figuren noch plattfuß stehen, zeigen die Glieder von Menschen, Pferden und Zentauren Bewegung und sind dramatische Kompositionen innerhalb der Grenzen des Stils.

François Vase: Hergestellt von Kleitias und Ergotimos. Die François Vase ist ein athenischer schwarzfiguriger Volutenkrater, c. 570 v. Chr., Chiusi, Italien.

Exekias

Exekias, der als der bedeutendste schwarzfigurige Maler seiner Zeit gilt, arbeitete zwischen 545 und 530 v. Chr. in Athen. In der Kunsthistorikerschaft gilt er als künstlerischer Visionär, dessen meisterhafte Schnittführung und psychologisch sensible Kompositionen ihn als einen der größten aller attischen Vasenmaler auszeichnen. Seine Gefäße zeigen Liebe zum Detail und präzise, ​​komplizierte Linien.

Exekias ist auch dafür bekannt, Mythologien neu zu interpretieren. Anstatt die gesamte Geschichte zu liefern, wie es Kleitias bei der François-Vase getan hat, malt er einzelne Szenen und verlässt sich darauf, dass der Betrachter die Erzählung interpretiert und versteht.

Ein Beispiel ist eine Amphore, die die griechischen Krieger Achilles und Ajax beim Würfelspiel darstellt. Beide Männer sind mit feinen Ritzdetails verziert, die aufwendige Textilmuster und fast jedes Haar an Ort und Stelle zeigen. Während sie auf die nächste Schlacht mit den Trojanern warten, lässt ihr Spiel ihr Schicksal ahnen. Der eingeschriebene Text lässt die beiden Figuren sprechen: “Achilles hat eine Vier gewürfelt, während Ajax eine Drei gewürfelt hat.” Beide Männer werden während des Trojanischen Krieges sterben, aber Achilles stirbt als Held, während Ajax letztendlich als der zweitbeste gilt Selbstmord.

Achilles und Ajax: Von Exekias, Achilles und Ajax spielen ein Würfelspiel. Athenische schwarzfigurige Amphore, c. 540–530 v. Chr. Vulci, Italien.

Rotfigurige Malerei

Die rotfigurige Malerei entwickelte sich 530 v. Chr. in Athen und blieb bis in die Klassik populär. Die Technik ähnelt der schwarzfigurigen Malerei, jedoch mit wesentlichen Unterschieden.

Anstatt eine Figur mit schwarzem Schlicker zu bemalen und den Schlicker mit einem Stichel abzukratzen, um Details zu schaffen, hat die rotfigurige Malerei den Hintergrund schwarz gemalt und die Figuren belassen die rote Farbe der Terrakotta. Schwarzer Slip wurde mit einem Pinsel bemalt, um Details hinzuzufügen.

Pinsel konnten flüssigere Linien erzielen als ein Stichel, sodass Details besser wiedergegeben wurden und Figuren lebendiger wurden als die schwarzfigurigen Silhouetten. Der schwarze Slip könnte auch mit Wasser verdünnt werden, um Schattierungen zum Modellieren von Körpern oder Kleidung zu erzeugen. Insgesamt ermöglichte die Technik den Vasenmalern, Kompositionen zu schaffen, die den Körper natürlicher machten.

Zweisprachige Malerei

Mit dem Aufkommen der rotfigurigen Malerei wurde die zweisprachige Vasenmalerei populär. Zweisprachige Vasen wurden mit einer einzigen Szene auf jeder Seite des Gefäßes bemalt, normalerweise dieselbe Szene zweimal gerendert. Eine Seite zeigt die Szene schwarzfigurig und die andere Seite zeigt die Szene rotfigurig.

Der Andokides-Maler gilt als Erfinder des rotfigurigen Stils und seiner frühen Produktion auf zweisprachigen Vasen. Mehrere seiner zweisprachigen Amphoren imitieren einige der berühmtesten Sujets von Exekias, wie Achilles und Ajax beim Würfelspiel. Diese Ähnlichkeiten führen viele Gelehrte zu dem Schluss, dass er der Schüler von Exekias war.

Eine Partitur von Vasen mit schwarzen Figuren, deren Zuschreibung von einigen Forschern umstritten ist, zeigen, dass der Andokides-Maler allmählich zu mehr Kontrolle und Virtuosität in der Technik gelangte. Frühere Beispiele wirken etwas steif. Später nutzt der Künstler die Vorteile der Technik und verwendet eine Farbpalette von Rot bis Dunkelbraun.

Der Andokides-Maler markierte die Ankunft des rotfigurigen Stils, der später von vielen Künstlern verwendet wurde. Das beliebteste Motiv des Malers war eine breite Palette mythologischer Szenen, die die Götter und Helden darstellten. Herakles war seine Lieblingsfigur.

Herakles und Athena: Herakles und Athena. Rotfigurige Seite einer zweisprachigen Amphore, c. 520–510 v. Chr., Vulci, Italien.

Herakles und Athena: Herakles und Athena. Schwarzfigurige Seite einer zweisprachigen Amphore, c. 520–510 v. Chr., Vulci, Italien.

Zusätzliche rotfigurige Maler

Weitere rotfigurige Malerei ist bei den Rivalen Euthymides und Euphronios zu sehen. Euthymides gilt als Pionier der rotfigurigen Malerei.

Seine Gefäße zeigen Menschen in Bewegung und er versuchte die Perspektive, indem er Figuren mit verkürzten Gliedmaßen zeigte. Die Revelers Vase ist eine Amphore, auf der drei betrunkene Männer tanzen. Während sich die Figuren nicht überschneiden, sind die Körper im Profil, in Dreiviertelansicht und von hinten dargestellt.

Die Nachtschwärmer brechen die traditionelle Starrheit zeitgenössischer archaischer Statuen und Gemälde und befinden sich in dynamischen Haltungen. Die beiden äußeren Figuren stehen in aktiver Haltung, mit ihren Beinen und Händen in Bewegung. Die mittlere Figur ist verdreht, mit dem Rücken zum Betrachter und dem Kopf über die linke Schulter blickend. Die Verwendung von Verkürzungen, obwohl rudimentär, verleiht der gesamten Komposition ein natürlicheres und glaubwürdigeres Gefühl. Es ist vielleicht die Anwendung dieser relativ unerprobten Technik, die Euthymides dazu veranlasste, auf seine Vase zu schreiben: „Wie nie Euphronios [könnte!]“, um seinen Zeitgenossen und Rivalen zu verspotten.

Euthymide. Nachtschwärmer Vase: Rotfigurige Amphore, c. 510 v.

Der Maler Euphronios ist auch für seine dramatischen und komplexen Kompositionen bekannt. Mit verdünntem Tonschlicker schuf er eine Reihe von Farbtönen, um seine Figuren zu kolorieren, die sie im dreidimensionalen Raum energetisch und präsent erscheinen lassen.

Eine Szene des Ringens zwischen Herakles und Antaios vermittelt die Körper der beiden Männer mit bisher ungesehenem Naturalismus. Die Körper der Männer biegen und verdrehen sich und ihre Gliedmaßen überlappen, verschwinden und erscheinen wieder, was sowohl zu Naturalismus als auch zu einem Gefühl von Raum beiträgt.

Herakles und Antaios: Euphronios. Herakles Wrestling Antaios. Athenischer rotfiguriger Kelchkrater. (C. 510 v. Chr.. Cervetri, Italien. )


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