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Wie Frank Capras „It’s A Wonderful Life“ zum Weihnachtsklassiker wurde

Wie Frank Capras „It’s A Wonderful Life“ zum Weihnachtsklassiker wurde

Weihnachten wäre einfach kein Weihnachten ohne Es ist ein wunderschönes Leben im Fernsehen. Am 20. Dezember 1946 erhielt der Film eine Wohltätigkeitsvorschau im Globe Theatre in New York, einen Tag vor seiner offiziellen Premiere.

Gemischte Bewertungen

Wenn man bedenkt, wie gern das Publikum den Film heute hat, ist es schwer vorstellbar, dass die ersten Kritiken ausgesprochen gemischt waren. Die New York Times beschrieb es als „wunderliche und einnehmende moderne Parabel“, kam aber zu dem Schluss:

„…die Schwäche dieses Bildes… ist seine Sentimentalität – seine illusorische Lebensauffassung. Die netten Leute von Herrn Capra sind charmant, seine Stadt ist ein ziemlich betörender Ort … Aber irgendwie ähneln sie alle eher theatralischen Einstellungen als durchschnittlichen Realitäten.“

Auch das Publikum war nicht so begeistert. Zumindest nicht scharf genug, um den Film in die Gewinnzone zu bringen und ihn mit einem Fehlbetrag von 525.000 US-Dollar zu landen.

"Ich bin wie ein Elternteil, dessen Kind zum Präsidenten heranwächst."

Frank Capra

Handlung und Produktion

Die Geschichte des Films ist bekannt. Jimmy Stewart spielt George Bailey, einen Geschäftsmann, der vor dem finanziellen Ruin steht. An Heiligabend versucht George, sich umzubringen, wird aber von einem Schutzengel, Clarence, gerettet, der versucht, sich seine Flügel zu verdienen. Clarence enthüllt George den positiven Einfluss, den er auf das Leben der Menschen in der Stadt Bedford Falls hatte.

Mit neuem Optimismus kehrt George nach Hause zu seiner Familie zurück und entdeckt, dass seine Nachbarn Geld gespendet haben, um sein Geschäft zu retten.

Dan Snow trifft Calder Walton für einen Martini und einen Überblick über die russische Einmischung in ausländische Wahlen.

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Der Film begann als Kurzgeschichte namens Das beste Geschenk, von Philip Van Doren. Doren kämpfte um die Veröffentlichung der Geschichte und beschloss, sie in Form einer Weihnachtskarte an seine Freunde und Familie zu verteilen.

Ein Produzent von RKO Pictures stieß auf die Geschichte und kaufte die Filmrechte. RKO plante, Cary Grant und Gary Cooper in den Hauptrollen zu besetzen.

1945 gingen die Rechte an Frank Capra über. Frustriert von den großen Studios gründete Capra 1945 in Zusammenarbeit mit einer kleinen Anzahl anderer Filmemacher seine eigene unabhängige Firma namens Liberty Films. Capra stellte Jimmy Stewart für die Rolle des George Bailey auf.

Donna Reed (Mary Bailey) und James Stewart (George Bailey).

Er erhielt eine Finanzierung für den Film in Höhe von 1,54 Millionen US-Dollar, obwohl die Endkosten 3,78 Millionen US-Dollar erreichten, was ihn zum teuersten Film machte, den Capra je gedreht hat.

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Das Set für Bedford Falls, die Stadt, in der die Geschichte spielt, erstreckte sich auf vier Hektar des RKO-Grundstücks. Es umfasste über siebzig Gebäude und einen Park mit zwanzig ausgewachsenen Eichen.

Aber Capra hörte nicht vor einem atemberaubenden Set auf. Er wollte, dass der Schnee für seinen Weihnachtsfilm – gedreht während einer drückenden Hitzewelle in Kalifornien – so realistisch wie möglich aussieht (und klingt!).

22. November 1963, Schüsse auf Dealey Plaza, Dallas. In Wochenschauen und im Archiv erzählt, bietet dieser Film eine Momentaufnahme der Trauer und des Schocks, die die Welt nach der Ermordung von JFK erfassten.

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Die übliche Methode zur Herstellung von Schnee auf Film war die Verwendung von weißen Cornflakes. Aber sie neigten dazu, ein sehr lautes Knirschen zu erzeugen, wenn Schauspieler darauf gingen, was manchmal in die Dialoge einbrach! Stattdessen arbeitete Capra mit seinem Spezialisten für Spezialeffekte Russell Sherman zusammen, um einen innovativen neuen Kunstschnee zu entwickeln.

Sherman mischte Schaumit (verwendet in Feuerlöschern) mit Zucker und Wasser und verteilte mit einer Windmaschine 6.000 Gallonen Schnee über das Set. Für seine Bemühungen gewann er einen Oscar.

Das Erbe der Freiheit

Der Film spielte an den Kinokassen 3,3 Millionen Dollar ein. Das Versäumnis, das Budget von 3,78 US-Dollar zurückzubekommen, brachte Liberty Films in eine Notlage und Capra war gezwungen, das Unternehmen an Paramount Pictures zu verkaufen.

Liberty Films produzierte nur zwei abendfüllende Spielfilme: „It’s a Wonderful Life“ (1946) und „State of Union“ (1948).

Es war ein Verfall des Urheberrechts des Films in den 1970er Jahren, der seinen Aufstieg zum ikonischen Status brachte. Ohne zu zahlende Lizenzgebühren zeigten die Fernsehsender es während der Weihnachtszeit immer wieder. Im Laufe der Jahrzehnte wurde es zu einem festlichen Grundnahrungsmittel und eroberte sich einen Platz in den Herzen des Publikums.

Frank Capra war von dem neu gewonnenen Erfolg überrascht und sagte: "Ich bin wie ein Elternteil, dessen Kind zum Präsidenten heranwächst." Die Rechte kehrten 1993 an die Studiokontrolle zurück, aber es bleibt ein fester Bestandteil des Weihnachtsfernsehprogramms.


Gegen Capras Kritiker: Zur Verteidigung von Es ist ein wunderbares Leben

Der vielleicht beliebteste Weihnachtsfilm, Frank Capras Schlafklassiker Es ist ein wundervolles Leben ist unweigerlich zum Ziel saisonaler, ikonoklastischer Kultur-Kriegstreiberei geworden. Wenn Weihnachten naht, tauchen in den Medien Essays auf, die das moralische Universum des Films kahl umkehren, George Bailey und die Kleinstadt Bedford Falls zerreißen und sogar den schurkischen Mr. Potter und die albtraumhafte alternative Realität von Pottersville rehabilitieren.

“Pottersville Felsen!” verkündet Gary Kamiya in einem Essay von 2001 auf Salon.com. Darüber hinaus feiert Kyle Smith in einem Essay von 2007 auf NYPost.com Mr. Potter als „den unbesungenen Helden von“ Es ist ein wunderbares Leben, der schlaue Geschäftsmann, der versuchte (und leider scheiterte), das langweilige, unterdrückte Bedford Falls – eine Stadt voller Betrunkener, Kindertreiber, Vandalen und rassistischer und sexueller Belästiger – in einen aufregenden neuen Nachtclub namens Pottersville zu verwandeln. ”

Was den Film selbst betrifft, Wendell Jamieson in einem 2008 New York Times Essay, versichert uns, dass — weit entfernt von der “fröhlichen Urlaubsmärchen” es ist, ’ zu sein — Es ist ein wunderbares Leben ist eigentlich “ eine erschreckende, erstickende Geschichte über das Erwachsenwerden und das Aufgeben seiner Träume, …, gefangen zu sein, Kompromisse einzugehen, zu beobachten, wie andere vor- und weggehen, von Wut so erfüllt zu werden, dass man seine Kinder, ihren Lehrer und deine bedrückend perfekte Frau.”

Wie die meisten guten Lügen sind diese Behauptungen halb wahr. Capras Film ist viel dunkler als sein populäres Image und die Dunkelheit ist bei weitem nicht auf die rücksichtslosen Mr. Potter und Pottersville beschränkt. George Bailey ist ein zutiefst fehlerhafter Held, und obwohl der Fall gegen Bedford Falls etwas übertrieben sein mag, liegt George nicht falsch, den Staub seiner “klumpigen kleinen Stadt” von seinen Füßen schütteln zu wollen.

Aber die Debunker hören hier nicht auf. Kamiyas Verteidigung von Pottersville führt zu solchen Dummheiten wie diesen: “Dime-a-Dance-Gelenke fördern Bonhomie. Preiskämpfe und Stripclubs bieten müden Bürgern die dringend benötigte Katharsis. Und ein Pfandhaus ermöglicht es denjenigen, die vorübergehend knapp bei Kasse sind, an allen Aktivitäten der Gemeinde teilzunehmen.”

Smith’s Schimpfwort ist am transparentesten. Welche Probleme auch immer Bedford Falls mit “Betrunkenen, Kinderschändern, Vandalen und rassistischen und sexuellen Belästigern hat”, würde es geben weniger von all dem in Pottersville, oder mehr? Smith wird in Bezug auf geringfügigen Vandalismus (George und Mary werfen Steine ​​auf das alte Granville-Platz) puritanisch-moralisch .” (Smith behauptet tatsächlich, dass Potter keine Gesetze bricht.)

Jamieson hebt zu Recht alles hervor, was George aufgibt: Weltreisen, Hochschulbildung, Großstadttechnik. Dennoch beschönigt er die zentrale Behauptung des Films, dass “ seine Träume aufzugeben” für George (trotz Enttäuschungen und Misserfolgen) ein wesentlicher Bestandteil von . war ein gut gelebtes Leben. George stellt andere heroisch an die erste Stelle und hat viel von bleibendem Wert erreicht, von seiner liebevollen Frau und Familie bis hin zu der blühenden Gemeinschaft von Hausbesitzern in Bailey Park, die nicht mehr in den Slums von Potter’s Field mieten. (Zu Jamiesons Charakterisierung von Georges Frau als „bedrückend perfekt“ kann ich nur sagen, dass ein Mann, der es schafft, von Donna Reeds strahlender Mary Hatch Bailey „unterdrückt“ zu werden, niemals Gelegenheiten haben wird für “Unterdrückung” im Leben.)

Es ist ein destruktives Leben?

Mindestens ein Jahrzehnt lang eine ganz andere revisionistische Kritik an Es ist ein wunderbares Leben wurde von Patrick J. Deneen, zuletzt bei FirstThings.com, vorangetrieben.

In einem willkommenen Gegensatz zu anderen revisionistischen Kritikern verabscheut Deneen Pottersville und feiert Bedford Falls. Sein Auftrag gegen George Bailey ist nicht, dass er spart Bedford Falls, aber genau, dass er es “zerstört”. In Georges Feindseligkeit gegenüber seiner “klumpigen kleinen Stadt” und seinen jugendlichen Träumen, Flugplätze, Wolkenkratzer und Brücken zu bauen, sieht Deneen die modernistische “Vision des Amerikas der Nachkriegszeit”—und, während die Umstände dies begünstigen ihn von seinen Träumen abhalten, in Deneen’s Lesung kanalisiert George seine modernistische Vision in die Transformation seiner Heimatstadt.

Deneens Ziel ist nicht Bedford Falls, sondern Bailey Park: eine "moderne Unterteilung von Einfamilienhäusern" Bailey Park, argumentiert Deneen, ist ein “Experiment in progressivem Leben”, das einen “einen fundamentalen Bruch mit der Lebensweise in Bedford Falls darstellt”, der die Zukunft der Beziehungen und der Gemeinschaft gefährdet, die George letztendlich vor dem Ruin retten.

Während ich mit den städtebaulichen Bedenken, die Deneen anführt, sympathisiere, ist es leicht, die Besonderheiten seines Falles zu verstehen: Im Bailey Park sind sowohl große als auch kleine Bäume zu sehen, und auch Veranden. Was Bürgersteige angeht, sind Landschaftsgestaltung und dergleichen eindeutig im Gange, und ich sehe keinen Grund zu der Annahme, dass sie nicht kommen werden.

Selbst wenn man die allgemeine Anwendbarkeit von Deneens Kritik an Bailey Parks beginnender Zersiedelung in den Vorstädten anerkennt, was sollen wir von dem Vorwurf halten, dass George die Bedford Falls „zerstört“ hat? Offensichtlich macht George die fußgängerfreundliche Innenstadt von Bedford Falls nicht buchstäblich dem Erdboden gleich, um seine automobilfreundliche Unterteilung zu bauen. Der Bau des Bailey Park erfordert vermutlich das Abholzen vieler Bäume, aber die von Deneen gesäumten Alleen erleiden keinen größeren Schaden als einen schlimmen Schnitt an einem Baum bei einem Autounfall.

Deneen bietet keinen Grund zu der Annahme, dass die malerische Innenstadt von Bedford Falls durch die architektonische Moderne des Bailey Park katastrophalen Schaden erleiden wird. Tatsächlich ist die einzige klare Auswirkung von Georges Aktionen auf die Innenstadt von Bedford Falls: verhindern, dass es Pottersville wird. Insofern hat George die Bedford Falls eindeutig nicht “zerstört”, aber Gerettet es.

Deneens Hauptpunkt scheint zu sein, dass die Innenstadt von Bedford Falls gemeinschaftliche Tugenden hat, die im Bailey Park fehlen. Aber das ist ein etwas irreführender Vergleich. Bailey Park wurde nicht für ehemalige Bewohner der Innenstadt von Bedford Falls gebaut, sondern für ehemalige Mieter der Slums von Potter’s Field.

Seltsamerweise spielen diese Slums keine Rolle in Deneens Betrachtung der sozialen Vitalität von Bedford Falls ohne Georges Aktionen. Das wirkliche Dilemma sind nicht Bedford Falls mit oder ohne Bailey Park, sondern Bedford Falls mit a) mehr Menschen, die “ wie Schweine leben̵ die schönsten kleinen Häuser, die Sie je gesehen haben” in Bailey Park. George argumentiert in einem der berühmtesten Monologe des Films für letzteren. Deneen vertritt dieses Argument nicht.

Zu Beginn macht Deneen die Erosion kleiner Städte wie Bedford Falls auf eine größere Gruppe von Verdächtigen zurückzuführen: Woolworth, Kmart und Walmart, die Autoviertel, Autobahnen und Vororte. Das ist eine beeindruckende Liste soziologischer Faktoren, die es zu beschönigen gilt, um die Schuld einem Mann zuzuschieben.

Deneens schockierendste Behauptung beinhaltet eine bizarre Fehlinterpretation der Höhepunktszene, in der George auf der Suche nach Bailey Park in der alternativen Welt von Pottersville auf den alten Friedhof stößt, auf dem in dieser Welt der neunjährige Harry Bailey begraben wurde. Aus dieser Szene springt Deneen zu einem atemberaubenden Schluss: “Bailey Park wurde auf dem alten Friedhof gebaut. George fällt nicht nur die Bäume, sondern begeht auch einen Sakrileg. Er löscht ein heiliges Symbol der Verbindung von Bedford Fall mit der Vergangenheit aus, die Grabsteine ​​der Vorfahren der Stadt

Nichts in dem Film rechtfertigt eine Schlussfolgerung, die den Filmemachern und jedem in Georges Welt, einschließlich George selbst, offensichtlich zuwider wäre. Selbst wenn der Film die geographische Beziehung zwischen Bailey Park und dem alten Friedhof nicht mehr als von Deneen angeführt bietet, wäre jede andere plausible Erklärung vernünftiger (z statt Bailey Park oder dass der Friedhof, wie es manchmal vorkommt, an einen anderen Ort verlegt wurde).

Tatsächlich bietet der Film zusätzliche Informationen über die geographische Beziehung von Bailey Park und dem Friedhof in einer früheren Szene mit Mr. Potters Mieteintreiber Reineman, die zwei Karten vergleicht, die das Wachstum von Bailey Park über fünfzehn Jahre zeigen. Aus dem, was wir auf den Karten und den von Reineman angegebenen Gebieten sehen, scheint klar, dass der Neubau in einiger Entfernung vom Friedhof liegt.

Vielleicht haben Deneens wirkliche Bedenken weniger mit dem Inhalt des Films zu tun als mit den soziologischen und architektonischen Kontrasten zwischen kleinen Städten wie Bedford Falls und modernen Stadtteilen wie Bailey Park.

Vielleicht, wenn er schlussfolgert: “Es ist [Georges] Welt, die wir heute bewohnen, und unsere Sehnsucht nach dem Film sollte uns nicht darüber hinwegtäuschen, dass wir nicht besser für seine Taten sind,” Deneen es wirklich ernst meinen die Taten von Männern mit modernistischen Impulsen beschuldigen, die denen von George ähneln (und denen oft seine heroischen Tugenden fehlen).

Lesen Sie als kritischen Kommentar zu Es ist ein wundervolles LebenAllerdings stehen Deneens Kommentare einer echten Bewertung der Bedeutung und Tugenden des Films ebenso entgegen wie der giftige Bildersturm von anderen Revisionisten.

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Es ist ein wunderbares Leben (1946)

Die Wahrheit ist das Es ist ein wunderbares Leben ist sowohl düsterer als auch subversiver als sein populärer Ruf, wie es der fröhliche Feiertag &ldquoCapra-Mais&rdquo vermuten lässt, und robuster hoffnungsvoll, als Zyniker und Hipster-Dekonstruktionisten es sich wünschten.


Inhalt

Capra wurde als Francesco Rosario Capra in Bisacquino, einem Dorf in der Nähe von Palermo, Sizilien, Italien, geboren. Er war das jüngste von sieben Kindern von Salvatore Capra, einem Obstbauer, und der ehemaligen Rosaria "Serah" Nicolosi. Capras Familie war römisch-katholisch. Der Name "Capra", bemerkt Capras Biograph Joseph McBride, repräsentiert die Nähe seiner Familie zum Land und bedeutet "Ziege". [5] Er stellt fest, dass das englische Wort "launisch" davon abgeleitet ist und "das nervöse Temperament des Tieres hervorruft", und fügt hinzu, dass "der Name zwei Aspekte von Frank Capras Persönlichkeit ordentlich ausdrückt: Emotionalität und Eigensinn." [5]

Im Jahr 1903, als er fünf Jahre alt war, wanderte Capras Familie in die Vereinigten Staaten aus und reiste in einem Zwischendeck des Dampfschiffs Germania,-- der billigste Weg, um die Passage zu machen. Für Capra blieb die 13-tägige Reise eines der schlimmsten Erlebnisse seines Lebens:

Sie sind alle zusammen – Sie haben keine Privatsphäre. Sie haben ein Kinderbett. Nur sehr wenige Leute haben Koffer oder etwas, das Platz wegnimmt. Sie haben in der Hand oder in einer Tasche, was sie tragen können. Niemand zieht sich aus. Es gibt keine Belüftung und es stinkt wie die Hölle. Sie sind alle unglücklich. Es ist der entwürdigendste Ort, den Sie jemals sein könnten. [6]

Capra erinnert sich an die Ankunft des Schiffes im Hafen von New York, wo er "eine Statue einer großen Dame, höher als ein Kirchturm, eine Fackel über dem Land sah, das wir betreten wollten". Er erinnert sich an den Ausruf seines Vaters bei diesem Anblick:

Ciccio, schau! Sieh dir das an! Das ist das größte Licht seit dem Stern von Bethlehem! Das ist das Licht der Freiheit! Erinnere dich daran

Die Familie ließ sich in der East Side von Los Angeles (heute Chinatown) nieder, die Capra in seiner Autobiografie als italienisches „Ghetto“ bezeichnete. [8] Capras Vater arbeitete als Obstpflücker und der junge Capra verkaufte nach der Schule 10 Jahre lang Zeitungen, bis er die High School abschloss. Anstatt nach dem Studium zu arbeiten, wie es seine Eltern wollten, schrieb er sich am College ein. Er arbeitete während des Colleges am California Institute of Technology, spielte Banjo in Nachtclubs und nahm Gelegenheitsjobs an, wie zum Beispiel in der Wäscherei auf dem Campus, an Wartetischen und beim Reinigen von Motoren in einem örtlichen Kraftwerk. Er studierte Chemieingenieurwesen und schloss sein Studium im Frühjahr 1918 ab. [9] Capra schrieb später, dass seine College-Ausbildung "seine ganze Sicht auf das Leben vom Standpunkt einer Gassenratte zu einem kultivierten Menschen verändert hat". [10]

Kurz nach seinem College-Abschluss wurde Capra als Leutnant in die US-Armee einberufen, nachdem er den Campus ROTC abgeschlossen hatte. In der Armee lehrte er Artilleristen in Fort Point, San Francisco, Mathematik. Sein Vater starb während des Krieges bei einem Unfall (1916). In der Armee erkrankte Capra an der Spanischen Grippe und wurde medizinisch entlassen, um nach Hause zurückzukehren, um bei seiner Mutter zu leben. Er wurde 1920 ein eingebürgerter US-Bürger und nahm den Namen Frank Russell Capra an. [10] Capra lebte zu Hause mit seinen Geschwistern und seiner Mutter und war das einzige Familienmitglied mit Hochschulabschluss, aber er war der einzige, der chronisch arbeitslos blieb. Nach einem Jahr ohne Arbeit, als er sah, dass seine Geschwister feste Jobs hatten, fühlte er sich als Versager, was zu Depressionen führte. [10]

Später stellte sich heraus, dass chronische Bauchschmerzen ein nicht diagnostizierter Blinddarm waren. [10] Nachdem er sich zu Hause erholt hatte, zog Capra aus und verbrachte die nächsten Jahre damit, in Absteige in San Francisco zu leben und Güterzüge zu besteigen, um durch den Westen der Vereinigten Staaten zu wandern. Um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, nahm er Gelegenheitsjobs auf Farmen an, als Film-Statist, spielte Poker und verkaufte lokale Ölquellen.

Während dieser Zeit drehte die 24-jährige Capra einen 32-minütigen Dokumentarfilm mit dem Titel La Visita Dell'Incrociatore Italiano Libyen und San Francisco. Es dokumentierte nicht nur den Besuch des italienischen Marineschiffs Libyen nach San Francisco, sondern auch der Empfang der Schiffsbesatzung durch den L'Italia Virtus Club in San Francisco, der heute als San Francisco Italian Athletic Club bekannt ist.

Mit 25 nahm Capra einen Job als Verkäufer von Büchern an, die vom amerikanischen Philosophen Elbert Hubbard geschrieben und veröffentlicht wurden. [10] Capra erinnerte sich, dass er "es hasste, ein Bauer zu sein, ein schnüffelnder Neuling zu sein, der im sizilianischen Ghetto von Los Angeles gefangen war. [11]

Stummfilmkomödien Bearbeiten

Während seiner Bemühungen um den Buchverkauf – und beinahe pleite – las Capra einen Zeitungsartikel über die Eröffnung eines neuen Filmstudios in San Francisco. Capra rief sie an und sagte, er sei aus Hollywood weggezogen, und implizierte fälschlicherweise, dass er Erfahrung in der aufstrebenden Filmindustrie habe. Capras einziger früherer Filmauftritt war 1915, als er die Manual Arts High School besuchte. Der Gründer des Studios, Walter Montague, war dennoch von Capra beeindruckt und bot ihm 75 Dollar an, um bei einem Stummfilm mit einer Rolle Regie zu führen. Capra hat den Film mit Hilfe eines Kameramanns in zwei Tagen gedreht und mit Amateuren besetzt. [10]

Nach diesem ersten ernsthaften Job im Filmbereich begann Capra, ähnliche Stellen in der Filmindustrie zu finden. Er nahm eine Stelle bei einem anderen kleineren Studio in San Francisco an und erhielt anschließend das Angebot, mit dem Produzenten Harry Cohn in seinem neuen Studio in Los Angeles zu arbeiten. Während dieser Zeit arbeitete er als Immobilienmakler, Filmschneider, Titelautor und Regieassistent. [12]

Capra wurde später ein Gag-Autor für Hal Roachs Unsere Gang Serie. Er wurde 1918 und 1924 zweimal als Autor für den Slapstick-Comedy-Regisseur Mack Sennett engagiert. [13] Unter ihm schrieb Capra Drehbücher für den Komiker Harry Langdon und produzierte von Mack Sennett, das erste war 1925 Plain Clothes. Laut Capra , er war es, der Langdons Charakter erfand, den unschuldigen Narren, der in einer "unartigen Welt" lebte, jedoch war Langdon bis 1925 gut in diesen Charakter. [12]

Als Langdon Sennett schließlich verließ, um mit den First National Studios längere Spielfilme zu drehen, nahm er Capra als seinen persönlichen Autor und Regisseur mit. In den Jahren 1926 und 1927 drehten sie zusammen drei Spielfilme, die alle bei Kritikern und Publikum erfolgreich waren. Die Filme machten Langdon zu einem anerkannten Komiker im Kaliber von Charlie Chaplin und Buster Keaton. Capra und Langdon hatten später einen Streit und Capra wurde gefeuert. In den folgenden Jahren verfielen Langdons Filme ohne Capras Hilfe. [14] Nach der Trennung von Langdon drehte Capra ein Bild für First National, Aus Liebe zu Mike, (1927). Dies war eine Stummfilmkomödie über drei zankende Paten, einen Deutschen, einen Juden und einen Iren, mit einer angehenden Schauspielerin, Claudette Colbert. Der Film galt als gescheitert. [12]

Columbia Bilder Bearbeiten

Capra kehrte zu Harry Cohns Studio zurück, das jetzt Columbia Pictures hieß, das damals Kurzfilme und Zwei-Rollen-Komödien für "Füller" produzierte, um zwischen den Hauptfilmen zu spielen. Columbia war eines von vielen Start-up-Studios in der „Poverty Row“ in Los Angeles. Wie die anderen konnte Columbia nicht mit größeren Studios konkurrieren, die oft über eigene Produktionsstätten, Verleih und Theater verfügten. Cohn stellte Capra 1928 wieder ein, um seinem Studio bei der Produktion neuer, abendfüllender Spielfilme zu helfen, um mit den großen Studios zu konkurrieren. Capra drehte schließlich 20 Filme für Cohns Studio, darunter alle seine Klassiker. [12]

Aufgrund seiner Ingenieurausbildung passte sich Capra leichter an die neue Tontechnik an als die meisten Regisseure. Er begrüßte den Übergang zum Ton und erinnerte sich: "Ich war in Stummfilmen nicht zu Hause." [12] Die meisten Studios waren nicht bereit, in die neue Tontechnik zu investieren, da sie davon ausgingen, dass es eine vorübergehende Modeerscheinung sei. Viele in Hollywood betrachteten Sound als Bedrohung für die Branche und hofften, dass dies schnell vorübergehen würde. McBride bemerkt, dass "Capra nicht einer von ihnen war." Als er Al Jolson singen sah Der Jazzsänger 1927, der als erster Tonträger galt, erinnerte sich Capra an seine Reaktion:

Es war ein absoluter Schock zu hören, wie dieser Mann den Mund aufmachte und ein Lied daraus kam. Es war eine dieser einmaligen Erfahrungen. [fünfzehn]

Nur wenige Studioleiter oder Crew waren sich des technischen Hintergrunds von Capra bewusst, bis er mit der Regie begann Die jüngere Generation 1929. Der Chefkameramann, der mit Capra an einer Reihe von Filmen arbeitete, war sich ebenfalls nicht bewusst. Er beschreibt diese frühe Periode im Ton für Film:

Es war nichts, was auftauchte. Du musstest bluffen, um zu überleben. Als der Ton zum ersten Mal hereinkam, wusste niemand viel darüber. Wir liefen alle im Dunkeln herum. Selbst der Tonmann wusste nicht viel davon. Frank hat es überlebt. Aber er war ziemlich intelligent. Er war einer der wenigen Regisseure, die wussten, was sie taten. Die meisten Ihrer Direktoren liefen im Nebel herum – sie wussten nicht, wo die Tür war. [16]

Während seines ersten Jahres bei Columbia drehte Capra neun Filme, von denen einige erfolgreich waren. Nach den ersten paar sagte Harry Cohn: "Es war der Anfang von Columbia, eine bessere Bildqualität zu machen." [17] Laut Barson "wurde Capra als vertrauenswürdigster Regisseur von Harry Cohn verankert." Seine Filme etablierten Capra bald als "bankfähigen" Regisseur, der in der gesamten Branche bekannt war, und Cohn erhöhte Capras Anfangsgehalt von 1.000 US-Dollar pro Film auf 25.000 US-Dollar pro Jahr. [12] Capra führte in dieser Zeit bei einem Film für MGM Regie, erkannte jedoch bald, dass er "unter Harry Cohns wohlwollender Diktatur viel mehr Freiheit hatte", wo Cohn auch Capras "Namen über den Titel" seiner Filme setzte, eine Premiere für die Filmindustrie . [19] Capra schrieb über diese Zeit und erinnerte an das Vertrauen, das Cohn in Capras Vision und Regie setzte:

Ich verdankte Cohn viel – ich verdankte ihm meine ganze Karriere. Also hatte ich Respekt vor ihm und ein gewisses Maß an Liebe. Trotz seiner Grobheit und allem anderen gab er mir meine Chance. Er hat mich aufs Spiel gesetzt. [20]

Capra inszenierte sein erstes "richtiges" Tonbild, Die jüngere Generation, im Jahr 1929. Es war eine romantische Komödie vom Tellerwäscher zum Millionär über den Aufstieg einer jüdischen Familie in New York City, in der ihr Sohn später versuchte, seine jüdischen Wurzeln zu leugnen, um seine reiche, nichtjüdische Freundin zu behalten. [21] Laut dem Capra-Biographen Joseph McBride fühlte sich Capra „offensichtlich stark mit der Geschichte eines jüdischen Einwanderers identifiziert, der im Ghetto von New York aufwächst. " Capra bestritt jedoch jede Verbindung der Geschichte mit seinem eigenen Leben. [22]

Trotzdem besteht McBride darauf, dass Die jüngere Generation voller Parallelen zu Capras eigenem Leben. McBride erwähnt die "verheerend schmerzhafte Klimaszene", in der der junge, sozial aufsteigende Sohn, der verlegen ist, als seine wohlhabenden neuen Freunde seine Eltern zum ersten Mal treffen, seine Mutter und seinen Vater als Hausangestellte ausgibt. Diese Szene, bemerkt McBride, "spiegelt die Scham wider, die Capra zugegeben hat, sich seiner eigenen Familie gegenüber gefühlt zu haben, als er im sozialen Status aufstieg". [23]

Während seiner Jahre an der Columbia arbeitete Capra oft mit dem Drehbuchautor Robert Riskin (Ehemann von Fay Wray) und dem Kameramann Joseph Walker zusammen. In vielen von Capras Filmen wurden die klugen und scharfen Dialoge oft von Riskin geschrieben, und er und Capra wurden Hollywoods "am meisten bewundertes Autoren-Regisseur-Team". [24]

Es ist eines Nachts passiert (1934) Bearbeiten

Capras Filme in den 1930er Jahren waren bei den Academy Awards sehr erfolgreich. Es ist eines Nachts passiert (1934) gewann als erster Film alle fünf Top-Oscars (Bester Film, Beste Regie, Bester Hauptdarsteller, Beste Hauptdarstellerin und Bestes adaptiertes Drehbuch). Geschrieben von Robert Riskin, ist es eines der ersten Screwball-Komödien, und mit seiner Veröffentlichung in der Weltwirtschaftskrise betrachteten Kritiker es als eskapistische Geschichte und eine Variation des Amerikanischer Traum. Der Film etablierte die Namen Capra, Columbia Pictures und Stars Clark Gable und Claudette Colbert in der Filmindustrie. Der Film wurde "picaresque" genannt. Es war einer der frühesten Roadmovies und inspirierte Variationen zu diesem Thema von anderen Filmemachern. [25]

Er verfolgte den Film mit Broadway-Rechnung (1934), eine Screwball-Komödie über Pferderennen. Der Film war jedoch ein Wendepunkt für Capra, als er begann, seinen Filmen eine zusätzliche Dimension zu verleihen. Er begann mit seinen Filmen Botschaften an die Öffentlichkeit zu übermitteln. Capra erklärt sein neues Denken:

Meine Filme müssen jeden Mann, jede Frau und jedes Kind wissen lassen, dass Gott sie liebt, dass ich sie liebe und dass Frieden und Erlösung nur dann Wirklichkeit werden, wenn sie alle lernen, einander zu lieben. [25]

Dieses zusätzliche Ziel wurde inspiriert, nachdem er sich mit einem befreundeten Christlichen Wissenschaftler getroffen hatte, der ihm sagte, er solle seine Talente anders sehen: Capra (Ziegentanz)

Die Talente, die Sie haben, Herr Capra, sind nicht Ihre eigenen, nicht selbsterworben. Gott hat dir diese Talente gegeben, die er dir geschenkt hat, um sie für seinen Zweck zu nutzen. [25]

Capra begann in nachfolgenden Filmen Botschaften zu verkörpern, von denen viele "Fantasien des guten Willens" vermittelten. Die erste davon war Mr. Deeds geht in die Stadt (1936), für die Capra seinen zweiten Oscar für die beste Regie gewann. Kritiker Alistair Cooke bemerkte, dass Capra "anfing, Filme über Themen statt über Menschen zu drehen". [26]

1938 gewann Capra seinen dritten Regie-Oscar innerhalb von fünf Jahren für Du kannst es nicht mitnehmen, das auch als Bester Film ausgezeichnet wurde. Zusätzlich zu seinen drei Regiesiegen erhielt Capra Regienominierungen für drei weitere Filme (Dame für einen Tag, Mr. Smith geht nach Washington, und Es ist ein wunderschönes Leben). Am 5. Mai 1936 veranstaltete Capra die 8. Oscar-Verleihung.

Mr. Smith geht nach Washington (1939) Bearbeiten

Obwohl Es ist ein wunderschönes Leben ist sein bekanntester Film, bemerkt Friedman, dass es war Mr. Smith geht nach Washington (1939), die am meisten den "Capra-Mythos" repräsentierte. Dieser Film drückte Capras Patriotismus mehr als jeder andere aus und "stellte den Einzelnen dar, der innerhalb des demokratischen Systems arbeitet, um die grassierende politische Korruption zu überwinden". [27]

Der Film wurde jedoch zu Capras umstrittensten. Bei seinen Recherchen vor den Dreharbeiten konnte er Präsident Franklin D. Roosevelt während einer Pressekonferenz nach den jüngsten Kriegshandlungen Deutschlands in Europa nahe stehen. Capra erinnert sich an seine Befürchtungen:

Und Panik überkam mich. Japan zerteilte den Koloss Chinas Stück für Stück. Nazi-Panzer waren in Österreich und die Tschechoslowakei eingerollt, ihr Donner hallte über Europa wider. England und Frankreich schauderten. Im Kreml knurrte der russische Bär bedrohlich. Die schwarze Kriegswolke hing über den Kanzleien der Welt. Das offizielle Washington vom Präsidenten abwärts war dabei, harte, quälende Entscheidungen zu treffen. „Und hier war ich gerade dabei, eine Satire über Regierungsbeamte zu machen. War dies nicht der ungünstigste Zeitpunkt für mich, einen Film über Washington zu drehen? [28]

Als die Dreharbeiten abgeschlossen waren, schickte das Studio Vorschaukopien nach Washington. Joseph P. Kennedy Sr., US-Botschafter in Großbritannien, schrieb an Columbia-Chef Harry Cohn: "Bitte spielen Sie dieses Bild nicht in Europa." [27] Politiker waren besorgt über die möglichen negativen Auswirkungen, die der Film auf die Moral der Verbündeten der Vereinigten Staaten haben könnte, da der Zweite Weltkrieg begonnen hatte. Kennedy schrieb an Präsident Roosevelt, dass "dieser Film im Ausland unweigerlich den irrigen Eindruck verstärken muss, dass die Vereinigten Staaten voll von Transplantation, Korruption und Gesetzlosigkeit sind." [29] Viele Studioleiter stimmten zu und wollten auch nicht, dass die politischen Führer negative Gefühle gegenüber Hollywood haben. [30]

Dennoch war Capras Vision von der Bedeutung des Films klar:

Je unsicherer die Menschen auf der Welt sind, je mehr ihre mühsam erkämpften Freiheiten zerstreut und im Winde des Zufalls verloren gehen, desto mehr brauchen sie eine klingende Erklärung der demokratischen Ideale Amerikas. Die Seele unseres Films würde in Lincoln verankert sein. Unser Jefferson Smith wäre ein junger Abe Lincoln, zugeschnitten auf die Einfachheit, das Mitgefühl, die Ideale, den Humor und die unerschütterliche Zivilcourage des Railsplitters unter Druck. [31]

Capra flehte Cohn an, den Film in den Vertrieb gehen zu lassen und erinnert sich an die Intensität ihrer Entscheidungsfindung:

Harry Cohn ging auf und ab, so verblüfft wie Abraham gewesen sein muss, als der Herr ihn bat, seinen geliebten Sohn Isaak zu opfern. [32]

Cohn und Capra entschieden sich, die negative Werbung und Forderungen zu ignorieren und veröffentlichten den Film wie geplant. Es wurde später für 11 Oscars nominiert und gewann nur einen (für die beste Originalgeschichte), zum Teil wegen der Anzahl der wichtigsten Bilder, die in diesem Jahr nominiert wurden, 10, einschließlich Der Zauberer von Oz und Vom Winde verweht. [18] Die Hollywood-Kolumnistin Louella Parsons nannte es einen "smash patriotic hit" und die meisten Kritiker stimmten zu, da das Publikum die Theater mit "einem Enthusiasmus für die Demokratie" und "in einem Glanz von Patriotismus" verließ. [29]

Die Bedeutung der Filmbotschaft wurde in Frankreich kurz nach Beginn des Zweiten Weltkriegs weiter begründet. Als das französische Publikum aufgefordert wurde, einen Film auszuwählen, den es am meisten sehen wollte, nachdem ihm von der Vichy-Regierung mitgeteilt worden war, dass bald keine amerikanischen Filme mehr in Frankreich erlaubt sein würden, wählte die überwältigende Mehrheit ihn allen anderen vor. Für ein Frankreich, das bald von Nazi-Truppen überfallen und besetzt werden sollte, drückte der Film am meisten die "Beharrlichkeit der Demokratie und des amerikanischen Weges" aus. [27]

Treffen Sie John Doe (1941) Bearbeiten

1941 führte Capra Regie Treffen Sie John Doe (1941), den einige als den umstrittensten Film von Capra bezeichnen. Der Held des Films, gespielt von Gary Cooper, ist ein ehemaliger Baseballspieler, der jetzt ohne Tore herumtollt. Er wird von einem Nachrichtenreporter ausgewählt, um den "gemeinen Mann" zu repräsentieren, um die Fantasie der gewöhnlichen Amerikaner anzuregen. Der Film wurde kurz bevor Amerika in den Zweiten Weltkrieg verwickelt wurde veröffentlicht, und die Bürger waren immer noch in einer isolationistischen Stimmung. Nach Ansicht einiger Historiker wurde der Film gedreht, um eine "absichtliche Bekräftigung der amerikanischen Werte" zu vermitteln, wenn auch solche, die in Bezug auf die Zukunft unsicher schienen.

Der Filmautor Richard Glazer spekuliert, dass der Film möglicherweise autobiografisch war und "Capras eigene Unsicherheiten widerspiegelt". Glazer beschreibt, wie "Johns versehentliche Verwandlung von einem Drifter zu einer nationalen Figur parallel zu Capras eigenen frühen Drift-Erfahrungen und seiner anschließenden Beteiligung am Filmemachen . Treffen Sie John Doe, war also ein Versuch, seine eigenen Ängste und Fragen herauszuarbeiten." [33]

Eintritt in die Armee nach Pearl Harbor Bearbeiten

Innerhalb von vier Tagen nach dem japanischen Angriff auf Pearl Harbor am 7. Dezember 1941 beendete Capra seine erfolgreiche Regiekarriere in Hollywood und erhielt einen Auftrag als Major der US-Armee. Er gab auch seine Präsidentschaft der Screen Directors Guild auf. Da er 44 Jahre alt ist, wurde er nicht gebeten, sich zu melden, aber, so Friedman, "Capra hatte den starken Wunsch, seiner Wahlheimat seinen Patriotismus zu beweisen." [27]

Capra erinnert sich an einige persönliche Gründe für die Anwerbung:

Ich hatte ein schlechtes Gewissen. In meinen Filmen habe ich mich für die Sanftmütigen, Armen, Unterdrückten eingesetzt. Dennoch hatte ich begonnen, wie der Aga Khan zu leben. Der Fluch von Hollywood ist das große Geld. Es kommt so schnell, dass es seine eigenen Sitten hervorbringt und durchsetzt, nicht des Reichtums, sondern der Prahlerei und des falschen Status. [34]

Warum wir kämpfen Serie Bearbeiten

Während der nächsten vier Jahre des Zweiten Weltkriegs war es Capras Aufgabe, eine spezielle Abteilung für Moral zu leiten, um den Soldaten zu erklären, "warum zum Teufel sie in Uniform sind", schreibt Capra, und es handelte sich nicht um "Propaganda" -Filme wie die von den Nazis und Japan. Capra führte bei sieben dokumentarischen Kriegsinformationsfilmen Regie oder war Co-Regie.

Capra wurde zugewiesen, um direkt unter dem Stabschef George C. Marshall zu arbeiten, dem ranghöchsten Offizier des Heeres, der später den Marshall-Plan erstellte und mit dem Friedensnobelpreis ausgezeichnet wurde. Marshall entschied sich, die übliche Abteilung für Dokumentarfilme, Signal Corps, zu umgehen, weil er der Meinung war, dass sie nicht in der Lage waren, "sensible und objektive Truppeninformationsfilme" zu produzieren. Ein Oberst erklärte Capra die Bedeutung dieser zukünftigen Filme:

Sie waren die Antwort auf das Gebet des Generals. Sehen Sie, Frank, diese Idee mit Filmen, um zu erklären, "warum" die Jungen in Uniform sind, ist General Marshalls eigenes Baby, und er möchte das Kinderzimmer direkt neben dem Büro seines Stabschefs. [35]

Während seines ersten Treffens mit General Marshall wurde Capra seine Mission mitgeteilt:

Nun, Capra, möchte ich mit dir einen Plan festnageln, um eine Reihe von dokumentierten Filmen mit Sachinformationen zu drehen – den ersten in unserer Geschichte –, die unseren Jungs in der Armee erklären werden warum wir kämpfen, und die Prinzipien für die wir kämpfen. Sie haben die Möglichkeit, einen enormen Beitrag für Ihr Land und die Sache der Freiheit zu leisten. Ist Ihnen das bewusst, Sir? [36]

Die Filme enthalten die sieben Folgen Warum wir kämpfen Serie – bestehend aus Vorspiel zum Krieg (1942), [37] Der Nazi-Streik (1942), [38] Teile und erobere (1943), Die Schlacht um England (1943), Die Schlacht um Russland (1943), Die Schlacht um China (1944), Der Krieg kommt nach Amerika (1945) – plus Kenne deinen Feind: Japan (1945), Hier ist Deutschland (1945), Tunesischer Sieg (1945), und Zwei runter und eins to go (1945), die die nicht tragen Warum wir kämpfen Banner sowie der afroamerikanische Film, Der Negersoldat (1944). [39]

Nachdem er die ersten Dokumentarfilme fertiggestellt hatte, empfanden Regierungsbeamte und Mitarbeiter der US-Armee sie als starke Botschaften und hervorragende Präsentationen dafür, warum es für die Vereinigten Staaten notwendig war, im Krieg zu kämpfen. Das gesamte Filmmaterial stammte aus Militär- und Regierungsquellen, während in früheren Jahren viele Wochenschauen heimlich Filmmaterial aus feindlichen Quellen verwendeten. Animierte Diagramme wurden von Walt Disney und seinen Animatoren erstellt. Eine Reihe von Hollywood-Komponisten schrieben die Hintergrundmusik, darunter Alfred Newman und der in Russland geborene Komponist Dimitri Tiomkin. Nachdem der erste komplette Film von General Marshall zusammen mit US-Armeepersonal gesehen wurde, wandte sich Marshall an Capra: "Colonel Capra, wie haben Sie das gemacht? Das ist eine wundervolle Sache." [40]

Beamte bemühten sich, dafür zu sorgen, dass die Filme in den Kinos in den ganzen USA gesehen wurden. Sie wurden ins Französische, Spanische, Portugiesische und Chinesische übersetzt, um von anderen Ländern verwendet zu werden. Winston Churchill hat das bestellt alle von ihnen dem britischen Publikum in Theatern gezeigt werden. [41] Sie werden heute oft im Fernsehen ausgestrahlt und als Lehrmittel verwendet. [27]

Die Warum wir kämpfen Serie gilt weithin als Meisterwerk der Kriegsinformationsdokumentation und wurde mit einem Oscar ausgezeichnet. Vorspiel zum Krieg gewann 1942 den Oscar für den besten Dokumentarfilm.Nach dem Ende seiner Karriere betrachtete Capra diese Filme als seine wichtigsten Werke. Als Oberst erhielt er 1943 die Legion of Merit und 1945 die Distinguished Service Medal.

Es ist ein wunderschönes Leben (1946) Bearbeiten

Nach Kriegsende gründete Capra zusammen mit den Regisseuren William Wyler und George Stevens Liberty Films. Ihr Studio wurde die erste unabhängige Regiefirma seit United Artists im Jahr 1919, deren Ziel es war, Filme ohne Einmischung von Studiobossen zu machen. Die einzigen vom Studio fertiggestellten Bilder waren jedoch Es ist ein wunderschönes Leben (1946) und Lage der Nation (1948). Die erste davon war eine Enttäuschung an den Kinokassen, wurde aber für fünf Oscars nominiert.

Während der Film 1946 beim Publikum keinen Anklang fand, ist seine Popularität im Laufe der Jahre gewachsen, teilweise aufgrund der häufigen Ausstrahlungen in diesen Jahren, in denen er gemeinfrei war. 1998 kürte ihn das American Film Institute (AFI) zu einem der besten Filme aller Zeiten und belegte damit den 11. Platz bei 100 Jahre von AFI. Liste der 100 besten amerikanischen Filme aller Zeiten. Im Jahr 2006 stellte die AFI den Film an die Spitze ihrer 100 Jahre AFI. 100 Cheers-Liste, die nach Meinung von AFI die inspirierendsten amerikanischen Filme aller Zeiten auflistet. Es sollte Capras letzter Film werden, der große Anerkennung erhielt – seine erfolgreichen Jahre waren nun hinter ihm, obwohl er in den nächsten 14 Jahren fünf weitere Filme inszenierte. [11]

Zum Lage der Nation (1948) wechselte Capra das Atelier. Es war das einzige Mal, dass er jemals für Metro-Goldwyn-Mayer arbeitete. Obwohl das Projekt mit den Stars Spencer Tracy und Katharine Hepburn einen hervorragenden Stammbaum hatte, war der Film kein Erfolg, und Capras Aussage "Ich denke Lage der Nation war mein perfekter Film im Umgang mit Menschen und Ideen" hat heute nur noch wenige Anhänger. [42]

Vertretung der USA beim Internationalen Filmfestival Bearbeiten

Im Januar 1952 bat der US-Botschafter in Indien Capra, die US-Filmindustrie bei einem Internationalen Filmfestival in Indien zu vertreten. Ein Freund von Capra aus dem Außenministerium fragte ihn und erklärte, warum seine Reise wichtig sei:

[Botschafter] Bowles hält das Festival für eine Art kommunistische Spielereien, aber er weiß nicht, was. Bowles hat darum gebeten Sie. "Ich möchte, dass ein freier Kerl sich allein um unsere Interessen kümmert. Ich möchte Capra. Sein Name ist hier groß und ich habe gehört, dass er in einem Gassenkampf schnell auf den Beinen ist. [43]

Nach zwei Wochen in Indien stellte Capra fest, dass Bowles' Befürchtungen berechtigt waren, da viele Filmsitzungen von russischen und chinesischen Vertretern genutzt wurden, um lange politische Reden zu halten. Bei einem Mittagessen mit 15 indischen Regisseuren und Produzenten betonte er, dass „sie als Künstler die Freiheit bewahren müssen und dass jede staatliche Kontrolle diese Freiheit behindern würde. Capra fiel es jedoch schwer, dies zu kommunizieren, wie er in seinem Tagebuch notierte:

Sie alle denken, dass eine Superregierung oder eine Superkollektion von Einzelpersonen alle amerikanischen Bilder diktiert. Freies Unternehmertum ist ihnen ein Rätsel. Jemand muss Kontrolle, sichtbar oder unsichtbar . Selbst Intellektuelle haben kein großes Verständnis von Freiheit und Freiheit. Demokratie ist für sie nur eine Theorie. Sie haben keine Vorstellung davon, anderen zu dienen, den Armen zu dienen. Die Armen werden in gewisser Weise verachtet. [44]

Als er nach Washington zurückkehrte, um seinen Bericht abzugeben, lobte Außenminister Dean Acheson Capra dafür, dass er "praktisch im Alleingang einer möglichen kommunistischen Übernahme indischer Filme zuvorgekommen ist". Botschafter Bowles dankte Capra auch für "einen verdammten Job". [45]

Zeit der Ernüchterung und spätere Jahre Bearbeiten

Folge Es ist ein wunderschönes Leben und Lage der Nation, die kurz nach Kriegsende durchgeführt wurden, gerieten Capras Themen nicht mehr in Einklang mit den Veränderungen in der Filmindustrie und der öffentlichen Stimmung. Friedman stellt fest, dass Capras Ideen zwar beim Publikum der Depressionsära und der Vorkriegszeit beliebt waren, aber für ein prosperierendes Amerika der Nachkriegszeit weniger relevant wurden. Capra hatte sich in den letzten zehn Jahren "von einer amerikanischen Kultur, die sich verändert hatte" gelöst. [27] Der Biograf Joseph McBride argumentiert, dass Capras Desillusionierung eher mit den negativen Auswirkungen des House Un-American Activities Committee (HUAC) auf die Filmindustrie im Allgemeinen zusammenhing. Die HUAC-Verhöre in den frühen 1950er Jahren beendeten viele Hollywood-Karrieren. Capra selbst wurde nicht zur Aussage berufen, obwohl er aufgrund seiner früheren Verbindungen zu vielen Hollywood-Drehbuchautoren auf der schwarzen Liste ein Hauptziel des Ausschusses war. [27]

Capra machte die aufsteigende Macht der Stars für seinen vorzeitigen Rückzug aus dem Filmgeschäft verantwortlich, was ihn zwang, seine künstlerische Vision ständig zu beeinträchtigen. Er behauptete auch, dass steigende Budget- und Terminanforderungen seine kreativen Fähigkeiten eingeschränkt hätten. [27] Der Filmhistoriker Michael Medved stimmte Capra zu und bemerkte, dass er sich vom Filmgeschäft zurückzog, weil "er sich weigerte, sich an den Zynismus der neuen Ordnung anzupassen." [46] In seiner 1971 verfassten Autobiografie drückte Capra seine Gefühle über die sich wandelnde Filmindustrie aus: [47]

Der Wind der Veränderung wehte durch die Traumfabriken der Phantasie, riss an ihren Krinolinenfetzen. Die Hedonisten, die Homosexuellen, die blutenden Herzen, die Gotthasser, die schnellen Geldkünstler, die Talent durch Schock ersetzten, riefen alle: "Schüttel sie! Rattle sie! Gott ist tot. Es lebe das Vergnügen! Nacktheit? Ja ! Frauentausch? Ja! Befreie die Welt von Prüderie. Emanzipiere unsere Filme von der Moral!" . Töte vor Nervenkitzel – Schock! Schock! Zur Hölle mit dem Guten im Menschen, Grabt sein Böses aus – Schock! Schock! [46]

Capra fügte hinzu, dass seiner Meinung nach "praktisch das gesamte Hollywood-Filmschaffen von heute sich in einer verrückten Bastardisierung einer großen Kunst zu billiger, anzüglicher Pornografie begibt, um um die 'Gönnerschaft' von Abweichlern und Masturbatoren zu konkurrieren." [48] ​​[Anmerkung 1]

Capra blieb während und nach den HUAC-Anhörungen in Hollywood erwerbsfähig, beschloss jedoch, seine Loyalität zu demonstrieren, indem er versuchte, sich bei Ausbruch des Koreakrieges 1950 wieder in die Armee einzureihen. Er wurde aufgrund seines Alters abgelehnt. [49] Später wurde er eingeladen, dem neu gegründeten Think Tank-Projekt VISTA des Verteidigungsministeriums beizutreten, aber die erforderliche Genehmigung wurde ihm verweigert. Laut Friedman "waren diese beiden Ablehnungen verheerend für den Mann, der Karriere gemacht hatte, amerikanische Ideale im Film zu demonstrieren", zusammen mit seinen Regiearbeiten bei preisgekrönten Dokumentarfilmen für die Armee.

Spätere Filme (1950–1961) Bearbeiten

Capra führte bei Paramount Pictures Regie bei zwei Filmen mit Bing Crosby in der Hauptrolle. Höhenflug (1950) und Hier kommt der Bräutigam (1951). 1952, im Alter von 55 Jahren, zog sich Capra praktisch aus dem Hollywood-Filmschaffen zurück und wechselte zur Zusammenarbeit mit dem California Institute of Technology, seiner Alma Mater, um Lehrfilme zu wissenschaftlichen Themen zu produzieren. [27]

Von 1952 bis 1956 produzierte Capra vier wissenschaftliche Fernsehspecials in Farbe für die Bell System Science Series: Unser Herr Sonne (1956), Hemo der Prächtige (1957), Der seltsame Fall der kosmischen Strahlen (1957), und Meteora: Die entfesselte Göttin (1958). Diese erziehungswissenschaftlichen Dokumentationen waren rund 30 Jahre lang beliebte Favoriten im naturwissenschaftlichen Schulunterricht. [50] Es dauerte acht Jahre, bis er bei einem weiteren Kinofilm Regie führte. Ein Loch im Kopf (1959) mit Frank Sinatra und Edward G. Robinson, seinem ersten Spielfilm in Farbe. Sein letzter Kinofilm war mit Glenn Ford und Bette Davis, genannt Eine Tasche voller Wunder (1961), ein Remake seines Films von 1933 Dame für einen Tag. Mitte der 1960er Jahre arbeitete er an der Vorproduktion für eine Adaption von Martin Caidins Roman Ausgesetzt, aber Budgetzwänge veranlassten ihn, es schließlich auf Eis zu legen. [51]

Capras letzter Film, Rendezvous im Weltraum (1964), war ein Industriefilm, der für die Martin Marietta Company gedreht und 1964 auf der New Yorker Weltausstellung gezeigt wurde. Es wurde nach Ende der Messe in der New York Hall of Science ausgestellt.

Capras Regiestil beruhte zu einem großen Teil auf Improvisation. Er war dafür bekannt, dass er nur mit den geschriebenen Meisterszenen am Set ging. Er erklärte seine Argumentation:

Was Sie brauchen, ist, worum es in der Szene geht, wer was mit wem macht und wer sich um wen kümmert . Alles, was ich will, ist eine Meisterszene und ich kümmere mich um den Rest – wie man sie dreht, wie man die Maschinerie aus dem Weg hält und wie man die Aufmerksamkeit jederzeit auf die Schauspieler lenkt. [52]

Nach Meinung einiger Experten setzte Capra bei der Regie auf großartiges, unaufdringliches Handwerk und fand es schlecht, das Publikum mit ausgefallenen technischen Spielereien abzulenken. Der Filmhistoriker und Autor William S. Pechter beschrieb Capras Stil als "von fast klassischer Reinheit". Er fügt hinzu, dass sein Stil auf der Bearbeitung beruhte, um seinen Filmen zu helfen, eine "Abfolge rhythmischer Bewegungen" aufrechtzuerhalten. Pechter beschreibt seine Wirkung:

Capras [Bearbeitung] bewirkt, dass Bilder, die sich ständig bewegen, in Ordnung gebracht werden, das Chaos in Ordnung gebracht wird. Das Ende von all dem ist in der Tat eine Art Schönheit, eine Schönheit kontrollierter Bewegung, eher wie Tanzen als Malerei. Seine Filme bewegen sich in atemberaubendem Tempo: dynamisch, treibend, straff, im Extremfall sogar hysterisch, die unablässige, hektische Beschleunigung des Tempos scheint aus der Freisetzung eines gewaltigen Druckstaus zu entspringen. [52]

Der Filmkritiker John Raeburn spricht über einen frühen Capra-Film, Amerikanischer Wahnsinn (1932), als Beispiel dafür, wie er das Medium Film beherrschte und einen einzigartigen Stil ausdrückte:

Das Tempo des Films ist beispielsweise perfekt mit der Handlung synchronisiert. Mit zunehmender Intensität der Panik verkürzt Capra die Dauer jedes Schusses und verwendet immer mehr Querschläge und Sprungschüsse, um den "Wahnsinn" des Geschehens zu betonen. Capra trug zur naturalistischen Qualität des Dialogs bei, indem die Sprecher sich überlappen, wie sie es im normalen Leben oft tun. Dies war eine Innovation, die dazu beitrug, den Tonfilm vom Beispiel der legitimen Bühne zu entfernen. [24]

Was Capras Thema betrifft, versucht der Filmautor Richard Griffith, Capras gemeinsames Thema zusammenzufassen:

[A] messianisch unschuldig . stellt sich den Kräften der eingefahrenen Gier. Seine Unerfahrenheit besiegt ihn strategisch, aber seine tapfere Integrität angesichts der Versuchung erfordert das Wohlwollen der "kleinen Leute", und durch ihren gemeinsamen Protest triumphiert er. [52]

Capras Persönlichkeit bei der Regie verschaffte ihm den Ruf, im Umgang mit Studiobossen "wahnsinnig unabhängig" zu sein. Am Set galt er als sanftmütig und rücksichtsvoll, "ein Regisseur, der absolut keinen Exhibitionismus zeigt". [53] Da Capras Filme oft eine Botschaft über die grundlegende Güte in der menschlichen Natur tragen und den Wert von Selbstlosigkeit und harter Arbeit zeigen, haben seine gesunden Wohlfühlthemen einige Zyniker dazu gebracht, seinen Stil "Capra-Mais" zu nennen. Diejenigen, die seine Vision höher schätzen, bevorzugen jedoch den Begriff "Capraesque". [27]

Capras Grundthemen, sich für den einfachen Mann einzusetzen, sowie seine Verwendung spontaner, rasanter Dialoge und alberner, einprägsamer Haupt- und Nebenfiguren machten ihn zu einem der beliebtesten und angesehensten Filmemacher des 20. Jahrhunderts. Sein Einfluss lässt sich in den Werken vieler Regisseure nachweisen, darunter Robert Altman, [54] Ron Howard, [54] Masaki Kobayashi, [55] Akira Kurosawa, [56] John Lasseter, [57] David Lynch, [58] John Milius, [54] Martin Scorsese, [54] Steven Spielberg, [59] Oliver Stone [54] und François Truffaut. [60]

Capra heiratete 1923 die Schauspielerin Helen Howell. Sie ließen sich 1928 scheiden. Er heiratete 1932 Lucille Warner, mit der er eine Tochter und drei Söhne hatte, von denen einer im Säuglingsalter starb. [61]

Capra war viermal Präsident der Academy of Motion Picture Arts and Sciences und dreimal Präsident der Directors Guild of America, die er mitbegründet hat. Unter seiner Präsidentschaft arbeitete er daran, Regisseuren mehr künstlerische Kontrolle über ihre Filme zu geben. Während seiner Karriere als Regisseur behielt er seinen frühen Ehrgeiz, Naturwissenschaften zu unterrichten, und nachdem seine Karriere in den 1950er Jahren zum Erliegen kam, drehte er Bildungsfernsehfilme zu naturwissenschaftlichen Themen. [53]

Körperlich war Capra klein, stämmig und kräftig und genoss Outdoor-Aktivitäten wie Jagen, Angeln und Bergsteigen. In seinen späteren Jahren verbrachte er Zeit damit, Kurzgeschichten und Lieder zu schreiben und Gitarre zu spielen. [53] In den 1930er und 1940er Jahren sammelte er feine und seltene Bücher. Im April 1949 versteigerten die Parke-Bernet Galleries in New York sechhundertvierzig Exemplare aus seiner „distinguished Library“ für 68.000 US-Dollar (heute 739.600 US-Dollar). [62]

Sein Sohn Frank Capra Jr. war bis zu seinem Tod am 19. Dezember 2007 Präsident der EUE Screen Gems Studios in Wilmington, North Carolina. Seine Enkel, die Brüder Frank Capra III und Jonathan Capra, arbeiteten beide als Regieassistenten, an denen Frank III arbeitete der Film von 1995 Der amerikanische Präsident, die sich im Dialog des Films auf Frank Capra bezog. [63]

Politische Ansichten Bearbeiten

Capras politische Ansichten flossen in seinen Filmen zusammen, die den Geist des amerikanischen Individualismus förderten und feierten. Capra, ein konservativer Republikaner, wetterte während seiner Amtszeit als Gouverneur von New York gegen Franklin D. Roosevelt und widersetzte sich seiner Präsidentschaft in den Jahren der Depression. Capra stand während der nationalen Wirtschaftskrise gegen staatliche Eingriffe. [1]

In seinen späteren Jahren wurde Capra ein selbsternannter Pazifist und stand dem Vietnamkrieg sehr kritisch gegenüber. [64] [61]

Religiöse Ansichten Bearbeiten

Capra schrieb in seinem frühen Erwachsenenalter, dass er ein "Weihnachtskatholik" sei.

In seinen späteren Jahren kehrte Capra zur katholischen Kirche zurück und beschrieb sich selbst als "einen Katholiken im Geiste, der fest davon überzeugt ist, dass die Antimoralischen, die intellektuellen Fanatiker und die Mafias des bösen Willens die Religion zerstören können, aber sie werden die Welt niemals besiegen". Kreuz". [65]

1985 erlitt Capra im Alter von 88 Jahren einen von mehreren Schlaganfällen. [66] Er starb 1991 im Alter von 94 Jahren in La Quinta, Kalifornien, an einem Herzinfarkt im Schlaf. [67] Er wurde auf dem Coachella Valley Public Cemetery in Coachella, Kalifornien, beigesetzt. [68]

Er überließ einen Teil seiner 445 Hektar großen Ranch in Fallbrook, Kalifornien, dem California Institute of Technology, um als Retreatzentrum genutzt zu werden. [69] Capras persönliche Unterlagen und einige filmbezogene Materialien sind im Kinoarchiv der Wesleyan University enthalten, das Wissenschaftlern und Medienexperten vollen Zugriff gewährt. [70]

Während des goldenen Zeitalters Hollywoods machten Capras "Fantasien des guten Willens" ihn zu einem der zwei oder drei berühmtesten und erfolgreichsten Regisseure der Welt. [53] Der Filmhistoriker Ian Freer stellt fest, dass sein Vermächtnis zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 1991 intakt geblieben ist:

Er hatte schon vor der Erfindung des Begriffs Wohlfühl-Unterhaltung geschaffen, und sein Einfluss auf die Kultur – von Steven Spielberg bis David Lynch und von Fernseh-Seifenopern bis zu Grußkarten – ist einfach zu groß, um sie zu berechnen. [2]

Regisseur/Schauspieler John Cassavetes, der über Capras Beitrag zum Film nachdachte, witzelte: "Vielleicht gab es wirklich kein Amerika, es war nur Frank Capra." [71] Capras Filme waren seine Liebesbriefe an ein idealisiertes Amerika – eine filmische Landschaft, die er selbst erfunden hatte. Die Darbietungen seiner Schauspieler waren unveränderliche Darstellungen von Persönlichkeiten, die zu erkennbaren Bildern der Populärkultur entwickelt wurden, "ihr Schauspiel hat die kühne Einfachheit einer Ikone." [72]

Wie sein Zeitgenosse, Regisseur John Ford, definierte und vergrößerte Capra die Tropen des mythischen Amerikas, in dem individueller Mut unweigerlich über das kollektive Böse triumphiert. Der Filmhistoriker Richard Griffith spricht von Capras „Verlass auf sentimentale Gespräche und das ultimative Wohlwollen des gewöhnlichen Amerikas, um alle tiefen Konflikte zu lösen“. [73] "Durchschnittliches Amerika" wird visualisiert als ". eine von Bäumen gesäumte Straße, unauffällige Fachwerkhäuser, umgeben von bescheidenen Grasflächen, ein paar Autos. Für bestimmte Zwecke ging man davon aus, dass alle Real In solchen Städten leben Amerikaner, und die Macht der Mythen ist so groß, dass selbst der geborene Großstädter vage glaubt, auch er lebe in dieser schattigen Straße, stamme aus ihr oder werde sie." [74]

NYU-Professor Leonard Quart schreibt:

Es würde keine dauerhaften Konflikte geben – Harmonie, egal wie künstlich und fadenscheinig, würde schließlich im letzten Frame triumphieren. In wahrer Hollywood-Manier würde kein Capra-Film jemals suggerieren, dass sozialer Wandel ein komplexer, schmerzhafter Akt war. Für Capra würde es Schmerz und Verlust geben, aber kein anhaltendes Gefühl der Tragödie würde in seine fabelhafte Welt eindringen. [73]

Obwohl Capras Ansehen als Regisseur in den 1950er Jahren abgenommen hatte, erlebten seine Filme in den 1960er Jahren ein Revival:

Zehn Jahre später war klar, dass sich dieser Trend umgekehrt hatte. Postauteuristische Kritiker lobten Capra einmal mehr als filmischen Meister, und vielleicht noch überraschender war, dass junge Leute Capra-Festivals und -Revivals in den ganzen Vereinigten Staaten füllten. [53]

Der französische Filmhistoriker John Raeburn, Herausgeber von Cahiers du cinéma, bemerkte, dass Capras Filme in Frankreich unbekannt seien, aber auch dort wurden seine Filme vom Publikum neu entdeckt. Den Grund für seine erneute Popularität sieht er in seinen Themen, die er "einer Idealvorstellung eines amerikanischen Nationalcharakters" glaubhaft machte:

In Capras Filmen gibt es eine starke libertäre Ader, ein Misstrauen gegenüber der Macht, wo immer sie auftritt und in wen sie auch immer investiert wird. Junge Leute sind davon überzeugt, dass seine Helden desinteressiert an Reichtum sind und sich durch Tatkraft auszeichnen. Individualismus, Erfahrungsfreude und ein ausgeprägtes Gespür für politische und soziale Gerechtigkeit. . Capras Helden sind, kurz gesagt, Idealtypen, geschaffen nach dem Bild eines mächtigen nationalen Mythos. [53]

1982 ehrte das American Film Institute Capra mit dem AFI Life Achievement Award. Die Veranstaltung wurde genutzt, um den Fernsehfilm zu erstellen, Das American Film Institute Gruß an Frank Capra, moderiert von James Stewart. 1986 erhielt Capra die National Medal of Arts. In seiner Dankesrede zum AFI Award betonte Capra seine wichtigsten Werte:

Die Kunst von Frank Capra ist sehr, sehr einfach: Es ist die Liebe zu den Menschen. Fügen Sie dieser Menschenliebe zwei einfache Ideale hinzu: die Freiheit jedes Einzelnen und die gleiche Bedeutung jedes Einzelnen, und Sie haben das Prinzip, auf dem ich alle meine Filme aufgebaut habe.

Capra erweiterte seine Visionen in seiner Autobiographie von 1971, Der Name über dem Titel:

Vergessen unter den Schreien und Schreien waren die hart arbeitenden Steifen, die zu müde nach Hause kamen, um zu schreien oder auf der Straße zu demonstrieren. und beteten, dass sie genug übrig haben würden, um ihre Kinder auf dem College zu behalten, obwohl sie wussten, dass einige von ihnen Gras rauchen und parasitäre Elternhasser waren.

Wer würde Filme über und für diese klaglosen, nicht quietschenden Räder machen, die das Quietschen einfetten? Nicht ich. Mein "ein Mann, ein Film" Hollywood hatte aufgehört zu existieren. Die Schauspieler hatten es in Kapitalgewinne zerlegt. Und doch brauchte die Menschheit Dramatisierungen der Wahrheit, dass der Mensch im Wesentlichen gut ist, ein lebendiges Atom der Göttlichkeit, dass Mitgefühl für andere, Freund oder Feind, die edelste aller Tugenden ist. Filme müssen gemacht werden, um diese Dinge zu sagen, um der Gewalt und der Gemeinheit entgegenzuwirken, um Zeit zu gewinnen, um den Hass zu demobilisieren. [75]

Die Warum wir kämpfen Serie brachte Capra 1943 die Legion of Merit und 1945 die Distinguished Service Medal ein. [76] [77]

1957 wurde Capra der George Eastman Award verliehen, der vom George Eastman House für herausragende Verdienste um die Filmkunst verliehen wurde. [78]

Der Bürgermeister von Los Angeles, Sam Yorty, erklärte durch eine Abstimmung des Stadtrats den 12. Mai 1962 zum "Frank Capra Day". George Sidney, Präsident der Directors Guild, sagte: "Dies ist das erste Mal in der Geschichte Hollywoods, dass die Stadt Los Angeles offiziell ein kreatives Talent anerkannt hat." Bei der Veranstaltungszeremonie gab Regisseur John Ford bekannt, dass Capra auf Empfehlung von Winston Churchill auch einen Ehrenorden des Britischen Empire (OBE) erhalten habe. [79] Ford schlug Capra öffentlich vor:

Machen Sie diese menschlichen Komödien, die nur Sie machen können – die Art von Filmen, die Amerika hier stolz zeigt, hinter dem Eisernen Vorhang, dem Bambusvorhang – und hinter dem Spitzenvorhang. [79]

1966 wurde Capra von seiner Alma Mater Caltech der Distinguished Alumni Award verliehen. [80] (siehe Abschnitt "Frühes Leben", oben)

1972 erhielt Capra den Golden Plate Award der American Academy of Achievement. [81]

1974 wurde Capra mit dem Inkpot Award ausgezeichnet. [82]

1975 wurde Capra von der Combat Camera Group der U.S. Naval Reserve für seinen Beitrag zur Marinefotografie des Zweiten Weltkriegs und die Produktion der Serie "Why We Fight" mit dem Golden Anchor Award ausgezeichnet. Die Preisverleihung beinhaltete einen Videogruß von Präsident Ford. Es nahmen viele von Capras Lieblingsschauspielern teil, darunter Jimmy Stewart, Donna Reed, Pat O'Brien, Jean Arthur und andere. [83]

Ein jährliches Es ist ein wunderschönes Leben Feier, an der Capra 1981 teilnahm, bei der er sagte: "Dies ist einer der stolzesten Momente meines Lebens", wurde in erzählt Der New Yorker. [84]

Er wurde sechsmal für die beste Regie und siebenmal für die herausragende Produktion/Bester Film nominiert. Von sechs Nominierungen für die beste Regie erhielt Capra dreimal den Preis. Er hielt kurzzeitig den Rekord für den Gewinn der meisten Oscars für die beste Regie, als er 1938 zum dritten Mal gewann, bis dieser Rekord 1941 von John Ford übertroffen und dann 1952 von Ford übertroffen wurde sein dritter Oscar im Jahr 1959. [85]

Das Academy Film Archive hat zwei von Capras Filmen aufbewahrt, "The Matinee Idol" (1928) und "Two Down and One to Go!" (1945). [86]


EIN Wunderbar frei für alle

Im Jahr 1974 wurde der Film gemeinfrei, nachdem der Urheberrechtsinhaber des Films einfach vergessen hatte, eine Verlängerung zu beantragen. Das bedeutete, dass überall Fernsehsender spielen konnten Es ist ein wunderschönes Leben den ganzen Tag und die ganze Nacht und müssen keinen Cent dafür bezahlen. Netzwerke sind nicht unbedingt schüchtern, kostenlose Weihnachtsinhalte auszunutzen, und das Wiederauftauchen des Films im Fernsehen gab Capras Geschichte neues Leben. Während ein Publikum nach dem Zweiten Weltkrieg die Stimmung des Films möglicherweise abgelehnt hat, scheinen nachfolgende Generationen die Gelegenheit zu genießen, die nostalgische Laune des Ganzen zu besuchen.

"Das ist das Verdammtste, was ich je gesehen habe", sagte Capra einmal Das Wall Street Journal über die Wiederbelebung des Films. „Der Film hat jetzt ein Eigenleben und ich kann ihn betrachten, als hätte ich nichts damit zu tun. Ich bin wie ein Elternteil, dessen Kind zum Präsidenten heranwächst. Ich bin stolz . aber es ist das Kind, das die Arbeit gemacht hat. Ich habe es nicht einmal als Weihnachtsgeschichte gedacht, als ich zum ersten Mal darauf gestoßen bin. Die Idee hat mir einfach gefallen."

Gesetzlichkeiten haben die Geschichte von . neu geschrieben Es ist ein wunderschönes Leben 1993 erneut. Das frühere Urteil des Obersten Gerichtshofs in Stewart v. Abend einen Präzedenzfall geschaffen, der es dem ursprünglichen Urheberrechtsinhaber des Films – Republic Pictures – ermöglichte, sein Eigentum an dem Film wiederzuerlangen. In dem Urteil wurde behauptet, dass die Republik im Wesentlichen weiterhin Eigentümer des Films sei, da sie das Urheberrecht an der ursprünglichen Kurzgeschichte, auf der der Film basierte, und an der Filmmusik besäße. Was war also einst eine Flut von Sendern, die ausgestrahlt wurden? Es ist ein wunderschönes Leben wurde seitdem auf nur eines reduziert: NBC.

Das Netzwerk hat für die exklusiven Rechte zur Ausstrahlung des Films bezahlt, weshalb Sie nur sehen werden Es ist ein wunderschönes Leben in den Ferien ein- oder zweimal im Fernsehen. Aber die moderne Anziehungskraft des Films besteht aufgrund dieser Knappheit. Der Film, der vor 70 Jahren eine Produktionsfirma tötete, ist heute ein jährliches Fernsehereignis und Teil unzähliger Familientraditionen rund um den Globus. Es stellte sich heraus, dass Capra immer wusste, was das Publikum wollte, er musste nur auf den richtigen Schreibfehler warten, um es zu beweisen.


Es ist ein wunderschönes Leben

Wir alle kennen die Geschichte, denn sie ist zu einem Weihnachtsklassiker geworden und hat sich in unser kollektives Gedächtnis eingebrannt. Im Kern, Es ist ein wunderschönes Leben ist ein Gleichnis von einem guten, ehrlichen Mann, der nach Jahren des Kampfes, das Richtige zu tun, sein Leben und die Entscheidungen, die er getroffen hat, in Frage stellt. Am Rande der Verzweiflung kommt der Protagonist George Bailey schließlich zu dem Schluss, dass sein Leben gescheitert ist. In der Annahme, dass es besser gewesen wäre, wenn er nie geboren worden wäre, denkt er über Selbstmord nach, nur um von einem Engel gerettet zu werden, der entschlossen ist, seine Flügel zu bekommen.

Während Es ist ein wunderschönes Leben wird oft als sentimentaler Film bezeichnet, die Probleme, die er darstellt&mdash hinterfragt, was einen Mann zu einem Misserfolg oder einem Erfolg macht&mdashare kaum unbeschwert. Vielleicht erklärt das die starken Reaktionen, die es hervorruft. Am Ende des Jahres neigen wir dazu, eine Bestandsaufnahme unseres eigenen Lebens zu machen, unseren Wert und unseren Platz in einer Welt in Frage zu stellen, die sich oft nicht so verhält, wie wir es erwarten. Wie bei George Bailey liefen die Dinge nicht wie erwartet Es ist ein wunderschönes Leben, der Film. Aber auch seine Geschichte würde ein Happy End haben und zum Synonym für Weihnachten und zu einem der beliebtesten Filme aller Zeiten werden.

Das beste Geschenk von allen
Das Originaldrehbuch für Es ist ein wunderschönes Leben entstand aus einer Kurzgeschichte („The Greatest Gift of All“), die ironischerweise niemand wollte. Nachdem es in Verlagskreisen erfolglos die Runde gemacht hatte, verteilte der Autor Philip Van Doren Stern die vierundzwanzigseitige Broschüre als Weihnachtskarte. Es fiel schließlich in die Hände eines Hollywood-Agenten und gelangte schließlich zu Charles Koerner, dem Chef von RKO Radio Pictures.

Koerner kaufte das Anwesen als potenzielles Filmfahrzeug für Cary Grant, aber RKO und seine Autoren waren nicht in der Lage, die dunkle Geschichte in ein praktikables Drehbuch zu übersetzen. Nach vielen vergeblichen Versuchen wurde das Skript schließlich auf Eis gelegt und als unbrauchbar eingestuft.

Der kleine Mann
Geben Sie Regisseur/Produzent Frank Capra ein. Nachdem er nach dem Zweiten Weltkrieg nach Hollywood zurückgekehrt war, suchte Capra wie viele seiner Kameraden nach Arbeit und kämpfte darum, nach dem Krieg Fuß zu fassen. In seiner Autobiografie „Der Name über dem Titel“ schrieb Capra über diese Zeit, dass er „mit einer Einsamkeit konfrontiert war, die von der Angst vor dem Scheitern durchzogen war“. Im Interview mit Esquire Zeitschrift Capra erinnerte sich 1981 daran, dass „vielleicht hatte ich zu viel Vertrauen in die menschliche Rasse und in die Bilder, die ich gemacht hatte. Vielleicht waren sie zu viel, wie die Dinge sein sollten. Ich fing an zu denken, dass ich wirklich eine Pollyanna war.“ Auf der Suche nach einem Film, der ihm helfen würde, seine komplizierten, vom Krieg beeinflussten Emotionen auszudrücken, sah Capra in „The Greatest Gift“ mit seiner Mischung aus Komödie und Seelensuche großes Potenzial.

Dennoch würde die kathartische Geschichte eines Engels, der versucht, seine Flügel zu bekommen, indem er einen selbstmörderischen Mann rettet, den Regisseur innehalten. Als er Jimmy Stewart die Handlung vorstellte, wurde ihm klar, wie absurd „sprechende Engel und himmlische Stimmen“ klangen. Aber Capra würde letztendlich die destillierte Essenz des Films in die Arme nehmen: "Es ist ein Film über einen Kleinstadttyp, der denkt, er sei ein Versager und wünscht, er wäre nie geboren worden", sagte Capra. „Er ist überrascht zu erfahren, dass er kein Versager war, dass er in das Schema des Lebens passte und tatsächlich viel zum Glück mehrerer Menschen beigetragen hat. Ich denke, die Leute werden sich überall mit dem Charakter verbinden können und sich vielleicht ein bisschen besser fühlen, weil sie ihn kennen. In jedem von uns steckt ein bisschen George Bailey.“

Am 1. September 1945 kauften Frank Capra und seine neue Firma Liberty Films die Rechte, das Originalmaterial und drei komplette Versionen des Drehbuchs zu „The Greatest Gift of All“ für nur 10.000 US-Dollar. Jeanine Basinger, Kuratorin des Frank Capra-Archivs und Chairman of Film Studies an der Wesleyan University, stellt fest, dass die Mitte der 1940er Jahre eine entscheidende Zeit für den Regisseur war. „Die Vision, die er vom Leben hatte, hatte sich verändert“, sagt sie. „Infolgedessen hinterfragte Capra seine eigenen Vorstellungen von Amerika und von allem. Der Film war wichtig, weil es eine Chance war, mit einer neuen Stimme zu sprechen, die dennoch seine alte Stimme war.“

Die neu geschriebene Geschichte, jetzt betitelt Es ist ein wunderschönes Leben, seine feine Balance zwischen Humor und Pathos gefunden. Jimmy Stewart, ebenfalls frisch vom Militär zurückgekehrt und ein Veteran von Capra-Filmen wie Mr. Smith geht nach Washington, und Du kannst es nicht mitnehmen, wäre George Bailey. Der Film erhielt einen neunzigtägigen Drehplan und begann im April 1946 auf der RKO Encino Ranch zu drehen, die neu in Bedford Falls umgewandelt wurde. Donna Reed wurde verpflichtet, Mary Bailey zu spielen, Lionel Barrymore würde der schrullige Mr. Potter sein und Henry Travers würde Clarence, der Engel, sein.

Wundervolles Leben's abgeschnittene Flügel
Am 21. Dezember 1946 wurde Frank Capras Opus Magnum veröffentlicht, obwohl viele in Frage stellten, ob der Film und seine schwierigen Themen im Nachkriegsamerika erfolgreich sein würden. „Der Film hat viel mitgemacht“, stimmt Basinger zu, „aber es war kein Misserfolg.“ Sie erinnert sich an den berühmten Slogan: „Jeder Film, der so viele Freunde hat, ist kein Misserfolg.“

Während Es ist ein wunderschönes Leben war keine kommerzielle Katastrophe, es war auch nicht gerade ein Erfolg. Der Film öffnete sich allgemein positiven, manchmal glühenden Kritiken und schnitt nicht so gut ab, wie es Capra oder Hollywood erwartet hatten, und verlor bei seiner ersten Veröffentlichung Geld. Die Kassenbons würden nach den Feiertagen abfallen und trotz Werbebemühungen an den Kinokassen weiterhin ins Stocken geraten.

Wie erwartet wurde der Film in den Kategorien Bester Film, Bester Hauptdarsteller, Beste Regie, Bester Ton und Bester Filmschnitt nominiert, erhielt jedoch keinen einzigen Oscar. (Capra würde den Golden Globe als beste Regie des Jahres gewinnen.) Es ist ein wunderschönes Leben in London sehr schlecht eröffnet, wo Kritiker die Sentimentalität des Films ablehnten. Im Frühjahr 1947 Es ist ein wunderschönes Leben schien tot zu sein.

Leben danach Leben
Capra akzeptierte leise die Reaktion des Publikums und wandte seine Aufmerksamkeit anderen Filmen zu. Basinger bemerkt: „Wundervolles Leben hatte nicht den großen Erfolg wie einige seiner früheren Filme, aber er wusste, dass es für ihn ein wichtiger Film zu einem wichtigen Zeitpunkt in seinem Leben war.“ Er ahnte nicht, welche Wirkung der Film viele Jahre später haben würde. Capra muss jedoch einen Hinweis gehabt haben, als er anfing, Briefe zu erhalten. Viele Briefe. Basinger erinnert sich: „Er sagte einmal zu mir: ‚Ich habe mich hingesetzt, um einen Brief zu beantworten Wundervolles Leben 1948 und ich schrieb diese Briefe noch 1965.’ Er würde bis zu seinem Tod emotionale, leidenschaftliche Botschaften erhalten.“

Capra war, wie sein Archiv zeigt, ein ausgezeichneter Briefschreiber und beantwortete jede Frage und jeden Kommentar freundlich. Basinger sagt: "Was er nicht erwartet hatte, war, was das Fernsehen für diesen Film tun würde und wie er so sehr zu einem Teil der jährlichen Urlaubslandschaft werden würde." Ironischerweise war für die Katapultierung weitgehend eine rechtliche Aufsicht verantwortlich Es ist ein wunderschönes Leben zu seinem aktuellen Stellenwert in der Film- und Kulturgeschichte.

Wundervolles Leben Bekommt seine Flügel
1974, achtundzwanzig Jahre nach der Veröffentlichung, versäumte es der Inhaber des Urheberrechts (eine insolvente Filmproduktionsfirma) zu erneuern Es ist ein wunderschönes Leben's Urheberrecht. Ignoriert und scheinbar vergessen glitt der Film leise in die Öffentlichkeit – kaum das gewünschte Ende für einen Capra-Klassiker. Aber aus diesem Fehler geschah etwas wirklich Wunderbares. Fernsehen entdeckt Es ist ein Wunder des Lebens eine neue. Sender im ganzen Land erkannten, dass sie das Bild jederzeit kostenlos zeigen konnten. Und zeigen Sie, dass sie es getan haben. Es war nicht ungewöhnlich, dass der Film in vielen Kabelstationen des Landes gegen sich selbst antrat. Millionen von Zuschauern wurde der Klassiker vorgestellt und wieder eingeführt. Video sollte bald folgen und Tausende machten den kleinen Film, der fast in Vergessenheit geraten war, zu einem Teil ihrer Urlaubstraditionen.

Gute Freunde
Warum fühlen sich die Menschen nach fünfzig Jahren immer noch von Capras Schöpfung angezogen? „Die Leute haben eine direkte emotionale Verbindung dazu“, sagt Basinger. „Sie erreichen es und es erreicht sie. Die Leute haben die Idee, dass dies ein äußerst sentimentaler Film ist. Eigentlich ist dies ein sehr dunkler Film. Es geht um einen Versager, der sich wie ein Versager fühlt.“ Basinger stimmt Capra zu, dass sich die Menschen mit George Bailey und seiner Glaubenskrise identifizieren. „Viele Menschen bekommen vom Leben nicht, was sie wollen“, stellt sie fest. „Viele junge Leute träumen von Abenteuer, Reisen, Erfolg, Reichtum, Luxus und das passiert nicht. Sie bleiben in derselben kleinen Stadt, in der sie sich befinden, und haben ein kleineres Leben. Der Film wirft viele echte Fragen auf.“

Während die Kernwerte und Themen des Films seit Jahren diskutiert werden, glaubt Basinger, dass jeder Mensch dem Film etwas Persönliches mitnimmt. "Für einige Leute Wundervolles Leben Es geht um Freundschaft“, sagt sie. „Für manche wird es um Liebe und Ehe gehen, um es auszuhalten und dir dabei zu helfen. Bei manchen geht es ums Scheitern. Für andere sind dies die Potters of the world, auf die Sie achten müssen und auf falsche Sentimentalitäten. Das ist das Tolle und der Film handelt von einem ganzen Leben. Gute Dinge passieren und schlechte Dinge passieren und ein Bank Run passiert und jemand ertrinkt fast. Das Tolle an Wundervolles Leben ist, dass es ambivalent ist. Scheitern liegt im Auge des Betrachters. Es hängt von Ihren Erwartungen, Ihren Zielen und Ihrem Wertesystem ab.“

Der letztendliche Status des Films als kulturelle Ikone war sowohl für Capra als auch für Stewart zufriedenstellend und bis zu ihrem Tod wurden sie häufig nach dem Film gefragt, an den sie so leidenschaftlich glaubten. Im Rückblick auf sein Lieblings-„Kind“ fasste Capra es am besten zusammen: „ Es steckt mehr hinter dem Bild, als ich hineingesteckt habe&hellip. Es steckt mehr dahinter, als wir dachten. Es ist das Bild, auf das ich mein ganzes Leben gewartet habe.“


Robert J. Anderson, der den jungen George Bailey spielte, wurde tatsächlich geschlagen, was zu Ohrenbluten führte

Wenn Sie Gewalt in einem Film sehen, ist das meistens nur eine Illusion. Hoffentlich wird niemand verletzt und jede Gefahr bleibt ausschließlich den im Film porträtierten Charakteren vorbehalten. Aber wenn es um die Szene in . geht Es ist ein wunderschönes Leben wo Mr. Gower (H.B. Warner) und ein junger George Bailey (Robert J. Anderson) das Kind geschlagen bekommt, war es leider kein falscher Vorfall. Wie Anderson spät in seinem Leben in einem Interview zugab, wurde er tatsächlich geohrfeigt, und es war so intensiv, dass sein Ohr zu bluten begann. Daher waren seine Tränen in diesem Moment leider echt. Warner war darüber so traurig, dass er den Jungen umarmte, nachdem die Dreharbeiten beendet waren.

Er hat mein Ohr tatsächlich blutig gemacht. Mein Ohr war verprügelt und mein Gesicht war rot und ich weinte. Ich wusste nicht, wofür wir bauen. H. B. war perfekt. Er erreichte das Crescendo. Am Ende, als alles vorbei war, war er sehr liebenswert. Er packte mich und umarmte mich, und er meinte es ernst.


Dayhoff: „It’s a Wonderful Life“: Liebe, Freundlichkeit und Ausdauer können den Tag gewinnen

Kürzlich erwachte ich mitten in der Nacht, als der Dialog von „It’s a Wonderful Life“ leise im Hintergrund im Radio in einer dunklen Ecke des Zimmers spielte. Es war ein bisschen surreal und mehr als ein bisschen beängstigend.

Als ich den Dialogen aufmerksam zuhörte, wurde ich daran erinnert, dass das Jahr der Veröffentlichung des Films, 1946, am Ende des goldenen Zeitalters des Radios war – der 1930er und 40er Jahre. Beeinflusst vom großen Erfolg des Radios – Filme dieser Zeit erzählten großartige Geschichten mit dem gesprochenen Wort im Gegensatz zu Filmen heute, die die Handlung mit Action und Kinematografie vermitteln.

Um Ihre Erinnerung aufzufrischen: „It's a Wonderful Life“ ist die klassische dramatische Fabel-Allegorie des berühmten Regisseurs Frank Capra über George Bailey, gespielt von Jimmy Stewart, in der Rolle der verlorenen, vom Glück verunglückten Führungskraft eines Spar- und Kreditgeschäft in der Kleinstadt Amerika, das unglaubliche Hindernisse überwindet, um sich am Ende durchzusetzen.

Es war vor 74 Jahren, am 20. Dezember 1946, feierte der zeitlose Frank Capra-Weihnachtsklassiker „It’s a Wonderful Life“ im Globe Theatre in New York City Premiere. Die offizielle Veröffentlichung des Films erfolgte einige Wochen später am 7. Januar 1947.

Heute vielleicht noch bedeutungsvoller als je zuvor – zu Beginn des Films ist es Heiligabend und Bailey und sein geliebter Bailey Building & Loan stehen aufgrund der schändlichen Handlungen des Stadtdespoten (Virus) vor dem sozialen und finanziellen Ruin Potter, gespielt von Lionel Barrymore. Unzufrieden mit den Lebensumständen wünscht Bailey, er hätte nie gelebt. Er hält sich lange für einen Versager und denkt ernsthaft über Selbstmord nach. Voller Verzweiflung beschließt er, von einer Brücke in den eisgefüllten Fluss darunter zu springen.

Währenddessen diskutieren zwei himmlische Stimmen über Baileys Dilemma und beschließen, den ewig unbeholfenen Engel Clarence Oddbody, gespielt von Henry Travers, zu entsenden, um George zu helfen.

Aus dem Film – Clarence: Sie haben nach mir geschickt, Sir? Senior Angel: Ja, Clarence. Ein Mann unten auf der Erde braucht unsere Hilfe. Clarence: Großartig.Ist er krank? Senior Angel: Nein, schlimmer. Er ist entmutigt.

Clarence kommt gerade noch rechtzeitig, um Bailey zu zeigen, wie die Welt ausgesehen hätte, wenn er nie geboren worden wäre.

In einer Zeit, in der die alltägliche Handlung, verschiedene Nebenhandlungen und das tägliche Dröhnen des dunklen Dialogs unseres Lebens um den Abfluss der Folgen der globalen COVID-19-Coronavirus-Pandemie von 2020 kreisen, „It’s a Wonderful Life“ “ hat eine neue Bedeutung bekommen.

Denk darüber nach. Deshalb ist dieser Film wichtig. Es ist eine Geschichte darüber, wie sich der Hauptprotagonist der Handlung danach sehnt, die Stadt zu verlassen und seinen Lebensumständen zu entkommen. Bailey wird immer unglücklicher, als all seine Pläne scheitern. Dies spiegelt das wider, was die meisten von uns das ganze Jahr 2020 unerbittlich durchgemacht haben. Alles das Ergebnis unsichtbarer Kräfte, die unser Leben gestört und unsere Gemeinschaft mit einer rücksichtslosen Hingabe und zufälligen Logik verwüstet haben, die sich jeder Erklärung entzieht. Genau die Erfahrung, die jeder in diesem schrecklichen Jahr gemacht hat.

Am Ende sind es die Werte, Freundlichkeit und Liebe einer Kleinstadt, die ihn rettet. Dieselbe kleine Stadt, der er zu Beginn des Films so eifrig entkommen wollte.

Auch die Geschichte des Films ist eine Allegorie für sich. Laut einigen alten Aktennotizen, die einem Schriftsteller namens Bruce Elder zugeschrieben werden, hat der Film „seit seiner Veröffentlichung im Jahr 1946 eine vollständige Transformation durchlaufen. Zu seiner Zeit war Frank Capras Comedy-Drama über die dunkle Seite der menschlichen Natur ein bescheidener Misserfolg, weder ein Kassenerfolg noch ein Kritikerliebling…“

Viele halten Donna Reeds Figur Mary für das Herzstück des Films. Der Film bombardierte jedoch zunächst an den Kinokassen und verlor Geld. Reed war zum Zeitpunkt des Films erst 25 Jahre alt und eine unbekannte Schauspielerin. Stewart machte Reed für den mangelnden Erfolg des Films verantwortlich und weigerte sich, jemals wieder mit ihr zusammenzuarbeiten.

„In den nächsten 28 Jahren“, so Elder, „ blieb der Film ein Kult-Favorit unter Filmfans und Capra-Fans. Dann wurde das Urheberrecht des Films verfallen (1974) und plötzlich, in den frühen 1980er Jahren um Weihnachten“, kehrte der Film aus der Vergessenheit zurück. „Die Öffentlichkeit betrachtete den Film als verlorenen Klassiker … Der Film ist in der Tat ein dunkler, beunruhigender Blick auf das amerikanische Kleinstadtleben zwischen den beiden Weltkriegen, voller Klassenneid und Angst vor der Moderne, und bietet ein Vorher -Zeitliche Darstellung von George Baileys Versagensgefühl mittleren Alters, die für einen amerikanischen Film der 70er Jahre angemessener scheint. Es ist nostalgisch und wütend zugleich, und sein Ruf als Weihnachtskastanie wurde gnadenlos parodiert für seine Schlussfolgerungen über gute Laune und Großzügigkeit…“

Clarence drückte es am besten aus: „Denken Sie daran, George: Kein Mann ist ein Versager, der Freunde hat … Siehst du, George, du hattest wirklich ein wundervolles Leben. Siehst du nicht, was für ein Fehler es wäre, es einfach wegzuwerfen? …“

In einer besonders dunklen Zeit der Geschichte bestärkt „It’s a Wonderful Life“ darin, dass Liebe und Freundlichkeit, Beharrlichkeit, Einstellungen und Handlungen – und positive Führung am Ende den Sieg davontragen können. Hab ein gesegnetes neues Jahr.


How It’s a Wonderful Life wurde vom Kassenausfall zum Weihnachtsklassiker

Bevor James Stewart in den Zweiten Weltkrieg geschickt wurde, war er einer der größten Filmstars Hollywoods. Er hatte in 28 Filmen mitgespielt, war für einen Oscar nominiert worden für Herr Smith geht nach Washington, und gewann ein Jahr später sogar einen als Bester Hauptdarsteller für Die Philadelphia-Geschichte. Er ritt hoch.

Doch nachdem er drei Jahre lang in der US-Luftwaffe gegen die Nazis gekämpft hatte, kehrte der 37-Jährige 1945 nach Hause zurück und stellte fest, dass sich alles verändert hatte. Sein Vertrag bei MGM war ausgelaufen, sein Agent hatte das Filmgeschäft verlassen und er litt an einer posttraumatischen Belastungsstörung. „Ich hatte nur ein bisschen Angst“, erinnerte er sich später an seinen neu entdeckten Umstand. Dann rief Frank Capra an.

Capra – die Stewart schon zweimal inszeniert hatte, darunter auf Herr Smith geht nach Washington – wollte einen Film namens . pitchen Es ist ein wunderschönes Leben. Die Idee dazu kam vom Autor Philip Van Doren Stern, der frustriert war, dass er eine Kurzgeschichte nicht veröffentlichen konnte, und sie stattdessen als 21-seitige Weihnachtskarte an Freunde geschickt hatte. Als Produzent David Hempstead darauf stieß, kaufte er sofort die Filmrechte.

„Du spielst einen Kerl in einer Kleinstadt“, erklärte Capra Stewart, wie sich dieser später erinnern würde. „Du heiratest, du hast all diese Kinder, und dein Vater stirbt, und du musst das Gebäude und die Kredite übernehmen. Und schließlich wirst du dich umbringen, du wirst von einer Brücke springen und ein Engel namens Clarence kommt, um dir zu helfen, aber er kann nicht schwimmen, also geh runter und rette die …“ Er verstummte. "Das hört sich nicht sehr gut an, oder?" Stewart, der verzweifelt wieder arbeiten wollte und Capra voll und ganz vertraute, hatte nur eine Frage: „Wann fangen wir an?“

Das war eine komplizierte Frage. Der Film, der ursprünglich von RKO Pictures produziert werden sollte, hatte einen stotternden Anfang. Nach drei unzulänglichen Drehbüchern – von denen eines von Dalton Trumbo bearbeitet wurde – hatte RKO beschlossen, das Projekt auf Eis zu legen, bevor Capra an Bord kam und sofort sein Potenzial erkannte. Als er es tat, rekrutierte er das Ehepaar Frances Goodrich und Albert Hackett, um ihm zu helfen, die gescheiterten Skripte zu etwas Kohärentem zu machen. Die drei verstanden sich nicht. „Frank Capra könnte so herablassend sein“, sagte Hackett. „Als wir mit dem Drehbuch ziemlich weit fortgeschritten waren, aber noch nicht fertig waren, rief unser Agent an und sagte: ‚Capra möchte wissen, wie schnell Sie fertig sind.‘ Frances sagte: ‚Wir sind jetzt fertig runter und ging nie wieder darauf zurück.“ Das Paar erhielt immer noch die letzte Anerkennung, aber es war Capra, die mit nicht im Abspann stehenden Autoren wie Jo Swerling, Michael Wilson und Dorothy Parker schließlich den Rest des Drehbuchs zusammenschusterte.

Im April 1946 begann schließlich die Produktion des Films. Cast und Crew waren sich sofort sicher, dass sie etwas Besonderes machen würden. Bedford Falls, die verschlafene fiktive Stadt, in der sich die Geschichte entfaltet, war eines der größten amerikanischen Filmsets, die jemals geschaffen wurden, verteilt auf vier Hektar, mit 75 gefälschten Geschäften und Gebäuden, einer drei Blocks langen Hauptstraße und 20 ausgewachsenen Eichen. Für die winterliche Umgebung erfand die Spezialeffektabteilung, unzufrieden mit der traditionellen Methode, Cornflakes anstelle von Schnee weiß zu malen, eine innovative, exponentiell überzeugendere chemische Aufregung.

Es war nicht der Umfang oder die Innovation des Films, die alle am Set so begeisterte, sondern die Kraft der Geschichte selbst. Stewart spielt George Bailey, einen jungen Mann, der davon träumt, „den Staub dieser miesen Altstadt abzuschütteln“, Architekt zu werden und die Welt zu bereisen. Aber nach und nach spürt er, wie sich die Mauern der Bedford Falls auf ihn stürzen. An den Rand des Selbstmords getrieben, nachdem er ein Leben lang seine eigenen Träume für andere geopfert hatte, wird Bailey von einem Engel namens Clarence besucht, der ihm zeigt, wie die Welt ohne ihn ausgesehen hätte. „Das Leben jedes Mannes berührt so viele Leben“, sagt Clarence. "Wenn er nicht da ist, hinterlässt er ein schreckliches Loch, nicht wahr?"


Was macht ein wundervolles Leben zu einem großartigen Film, wie 1946 erklärt?

S auch Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung, Es ist ein wunderbares Leben hat einen soliden Ruf als klassischer amerikanischer Film und hat für viele eine Tradition in der Weihnachtszeit. Und obwohl nicht jeder Kritiker zustimmte, wusste der Kritiker von TIME sofort, dass es das Potenzial hatte, ein bleibendes Stück Kinogeschichte zu werden: Es ist ein wunderbares Leben “ist ein ziemlich wundervoller Film,” die Kritik bemerkte und stufte ihn als möglicherweise den besten Film des Jahres ein.

Aber der Film, der sich vor 70 Jahren am 20. Dezember 1946 bei einer Wohltätigkeitsvorschau verneigte, bevor er am 21. Dezember seine volle Premiere feierte, hätte in weniger fähigen Händen ein Flop werden können. Die gekonnte Balance zwischen Fantasie, Sentimentalität und Qualität machte den Film zu etwas Besonderem, heißt es in der Kritik:

Buchstäblich gesinnte Kinobesucher brauchen keine Angst zu haben, wenn sich Fantasie in die Geschichte einschleicht. Fantasie hin oder her, dieser Film ist doppelt so lebensecht wie die meisten Hollywood-Launen, die mit ernsten Gesichtern als Ausschnitte der Realität angeboten werden. “Ich wünschte” trauert um Jimmy, “I’d wäre nie geboren worden.” Er bekommt seinen Wunsch&mdass der Schock seines plötzlich wichtigen Lebens&mdassindem er genau gezeigt wird wie seine Familie, seine Freunde und seine Stadt wären wenn er hatte nie existiert.

In ungeübten Händen hätte diese moralische Fabel eine langweilige Predigt sein können. Der Erfindungsreichtum, der Humor und die Zuneigung von Regisseur Capra für die Menschen sorgen dafür, dass es vor Leben und Spannung strahlt. Stewarts warmherziges Spiel, das eine gute Rolle hätte sein können, ist eine ständige Freude. Und wenn das weihnachtliche Ende von Regisseur Capra ein wenig verdreht wird, um es reicher und glücklicher zu machen als das Leben, so endet so manche gute Fabel.

In der Nachkriegsatmosphäre der USA im Jahr 1946 wurden auch die militärischen Bona-fides von Regisseur Frank Capra und Star Jimmy Stewart von der Kritik bemerkt. Capras Arbeit für das Signal Corps hatte Kriegsdokumentationen produziert, und Stewart arbeitete sich ohne Hektik vom Privatmann zum Air Force Colonel hoch

Aber wie Jonathan Munby in der Anthologie über den Film geschrieben hat Weihnachten im Kino, gibt es ein Argument dafür, dass die Nachkriegsatmosphäre ein großer Teil des Grundes war, warum der Film, trotz Kritiken wie TIME’s, an den Kinokassen scheiterte. Der Kinobesuch war im Allgemeinen rückläufig&mdashCapra, in seiner Autobiographie, würde das Scheitern des Films teilweise auf den Rückgang des Gesamtmarktes zurückführen, als die Kriegsausgaben im folgenden Mai zurückgingen&mdashand Wundervolles Leben hatte es immer noch nicht geschafft, sein Budget von 2,3 Millionen US-Dollar an der Abendkasse zurückzubekommen. Aber Munby postuliert, dass das Thema 1946 für ein Publikum in der Ferienzeit einfach zu dunkel gewesen sein könnte: die Depressions-Ära und die Kriegssorgen von Es ist ein wunderbares Leben waren noch zu frisch in ihren Köpfen. Capra hat es nicht wirklich gesehen Wundervolles Leben jedenfalls als Weihnachtsfilm. (Munby schreibt, dass das Veröffentlichungsdatum der Weihnachtszeit mehr mit einer Eigenart des Hollywood-Kalenders zu tun hatte als mit jedem Marketinggenie.)

Der Film, der in der Dämmerung der Studio-Ära wie ein großartiger Vorbote für den Erfolg des unabhängigen Filmemachens ausgesehen hatte, war nun stattdessen ein schlechtes Zeichen. Liberty Films, die unabhängige Firma, unter deren Banner sie entstanden war, wurde schließlich verkauft. Jahre später, in den 1970er Jahren, verlor es sein Urheberrecht und machte es zu einer attraktiven Aussicht für die Fernsehkost an Heiligabend, woraufhin Generationen von Zuschauern, die 1946 aus der Ferne sehen konnten, es als Favoriten annahmen.

Lesen Sie die vollständige Rezension hier im TIME Vault:Es ist ein wunderbares Leben


Es war eigentlich ein ziemlich düsteres Leben

Als Frank Capra starb, war es unvermeidlich, dass Es ist ein wunderschönes Leben ausgetreten wäre, um seine lebensbejahende, freudige Menschenliebe zu demonstrieren.

Der Film ist ein Klassiker, auch wenn er wild überbelichtet ist und auch wenn ein Papierkram meistens für seinen Starstatus verantwortlich ist. Wäre das Urheberrecht 1975 ordnungsgemäß erneuert worden, Es ist ein wunderschönes Leben wäre nicht so viele Jahre in der Öffentlichkeit gewesen und wäre damit in den 80er Jahren nicht so allgegenwärtig geworden wie Weihnachtslieder und Einkaufstage bis Weihnachten.

Zugegeben, es könnte beigetreten sein Wunder an der 34. St. und Weihnachtslied wie geliebt, aber einmal im Jahr, Urlaubsfilmtraditionen. Aber weil TV-Sender es so lange kostenlos wiederholen konnten, wurde es zu einem Weihnachtsklassiker bis Übelkeit.

Noch lesen Es ist ein wunderschönes Leben als heilsam herzerwärmend nimmt es unkritisch die Vorstellung, dass es den Triumph der Kleinstadtsüße über die unpersönliche Moderne feiert.

Die wundersame Schlussfolgerung:
Weit davon entfernt, der Wohlfühlfilm von 1947 zu sein, Es ist ein wunderschönes Leben ist in der Tat eines der erbarmungslos deprimierendsten Werke Capras. Die Rahmengeschichte des Films basiert in der Tat auf dem rückwärtsgewandten Mythos der Kleinstadt, die von Hollywoods nicht besonders ländlichen Filmemachern bevorzugt wird.

Aber wie bei der Der Zauberer von OZ, es ist das, was innerhalb des Rahmens wirklich zählt, und hier ist es der Rahmen, der Oz ist, eine zeitlose Ecke des populistischen Paradieses, die der viel realistischeren — und auffallenden — Ansicht des zeitgenössischen Amerikas im Wandel, das die innere Geschichte, Pottersville, repräsentiert einen Ort, an dem die Menschen so böse sind wie ihre Unterdrücker und das Individuum unwichtig ist.

Dieses Bild von Korruption und Tod der Kleinstadtgesellschaft wird im Film nur von Orson Welles' Prächtige Ambersons, ein Film mit großem Vorsprung durch den Schriftsteller Booth Tarkington, der sich auf die Chronik der zerstörerischen Auswirkungen der Modernisierung spezialisiert hat.

Pottersville ist ein ebenso atmosphärischer Film Noir wie jeder der Filme dieser Zeit, und im Gegensatz zu der gesunden Rahmengeschichte scheint es überhaupt keine Umkehrung der Realität zu geben. Es ist eine realistische, wenn auch entsetzliche Sicht darauf, wie sich die Dinge in der Gesellschaft außerhalb des Bildschirms abspielen.

Zufällig liefen einige Dinge nicht so schlimm aus, wie Capra zu befürchten schien. Der Wohlstand der Nachkriegszeit (und die bundesstaatlichen Einlagensicherungsprogramme) machten Bankenzusammenbrüche zumindest für einige Jahrzehnte zu einer relativen Seltenheit, und Sparinstitute wie George Baileys Baufinanzierung trugen tatsächlich dazu bei, den Aufstieg der Vorstädte und damit die Erfüllung der einige Träume aus der Capra-Ära.

Doch im gleichen Zeitraum ähnelten die Städte des Landes immer mehr Pottersville, wenn auch mit dem zusätzlichen Elend des Rassismus. Und Suburbia selbst repräsentierte eine Abkehr von der spirituellen Stärke und den gemeinschaftlichen Bindungen von Orten wie Bedford Falls zugunsten des Materialismus und der Sicherheit des Organisationsmenschen.

Und war Bedford Falls überhaupt so wunderbar? Sogar in seinem angeblich wunderbaren Leben lebt George Bailey in einer Stadt, die hauptsächlich Old-Man Potter gehört. Er ist mit einem Verlierer eines Onkels gesattelt und muss seine Träume aufgeben, die größere Welt zu sehen und eine kreative Karriere zu machen. Eine der bildgewaltigsten Aufnahmen des Films ist, als George sich von seinem selbst gewählten Schicksal abwendet, um seinen Verpflichtungen zu Hause nachzukommen. Er weiß, dass Bedford Falls eine Falle ist, die ihn schließlich in den Selbstmord treibt.

Im Kontext von Capras früheren Spielfilmen sieht dieser Film noch düsterer aus. In Es ist eines Nachts passiertDas Böse taucht als Zynismus und Misstrauen auf und in den Statusbarrieren, die die Menschen fast immer trennen, greift Capra in allen folgenden Filmen wieder auf. Welchen anderen Gegnern sie auch immer gegenüberstehen, seine Helden müssen immer mit diesen universellen Schwächen fertig werden, bei sich selbst und bei den Menschen um sie herum.

In Es ist eines Nachts passiert das ist alles, was sie tun müssen. Es braucht nur eine längere persönliche Begegnung, damit sich das Gute durchsetzt. Die Lage wird schlimmer.

Gary Cooper in Mr. Deeds geht in die Stadt ist das Gegenteil von Zynismus, Misstrauen und Snobismus er ist die personifizierte Kleinstadttugend. Die Lügen und festgefahrenen Interessen der Stadt müssen noch seine Bedford Fallsish-Gesellschaft infizieren, wo sie als abweichend abgeschrieben werden. Taten fallen ihm zum Opfer, wenn er in die Stadt geht, aber er ist eher eine Bedrohung für die Korruption eines desorganisierten und intern gespaltenen Systems als für ihn.. Seine Unmoral ist lokalisiert und am Ende kaum mehr als die traditionelle amerikanische Käuflichkeit, die weit vor der enormen persönlichen Tugend von Deed.

Käuflichkeit motiviert auch das Böse in Du kannst es nicht mitnehmen, aber hier ist es fokussierter und verbreitet Tod und Zerstörung, während es Macht und Geld anhäuft. Die romantische Liebe ist erneut ein Opfer von Zynismus, Misstrauen und Status, während die unprätentiöse Tugend des Vanderhoff (das kostbarste Gut in Capras Welt) nur knapp überlebt. Das war schließlich 1938. Die Depression war endlos, der Krieg hatte in Asien begonnen und stand in Europa unmittelbar bevor.

Dennoch kommt der Räuberbaron-Bösewicht am Ende angesichts des überwältigenden Arguments, dass die einfache menschliche Güte einfach er selbst ist. Sogar Edward Arnold, der die beiden abscheulichsten Berufe der Depression (Bankier/Munitionsmogul) kombiniert, hat ein Gewissen und kann von seinen Sünden und seinem sozialen Gepäck gereinigt und zu einer früheren Unschuld zurückkehren.

Arnolds Böse breitet sich aus in Mr. Smith geht nach Washington, wo er am Ende besiegt wird, aber anders als in Du kannst es nicht mitnehmen, bleibt unberücksichtigt. Der Held tritt gegen den klassischen politischen Bossismus an, aber hier ist das Böse gut organisiert und verfügt über den zusätzlichen Schwung moderner Kommunikation. Wie in den meisten Capra-Filmen übertrifft die Verzweiflung zunächst den Sieg. (Die Vanderhoffs bereiten sich darauf vor, auszuziehen, auch wenn dies bedeutet, die Nachbarschaft zu verraten. Taten stehen still vor Gericht. Smith bricht im Senat zusammen.) Es braucht die Leute, die normalerweise von einem schuldbewussten Gefolgsmann des Bösewichts unterstützt werden, um den Weg freizumachen damit das Gute sich durchsetzen oder zumindest überleben kann.

1941 Treffen Sie John Doe, sogar das Volk wendet sich gegen den Helden, der sich wieder der Verzweiflung hingibt. Erst ganz zum Schluss geben die grundsätzlich gutherzigen Bürger ihre Verrücktheit zu und bekennen sich zu den Tugenden, die Doe vertritt (ohne zu vergessen, dass er selbst durch die Teilnahme an einer massiven Täuschung kompromittiert wird). Das ist gut so, denn die Einsätze sind höher geworden. Die traditionellen Übel der Wall-Street-Manipulatoren und politischen Bosse sind dem Totalitarismus gewichen, wobei Edward Arnold jetzt der Führer einer faschistischen Bewegung ist.

  Edward Arnold, Barbara Stanwyck,
  Gary Cooper und Walter Brennan in Meet Joe Doe:
Politisch ist das so schlimm wie es nur geht. Moralisch sollte es jedoch noch schlimmer kommen.

Old Man Potter sein in Es ist ein wunderschönes Leben, Lionel Barrymore invertierte seinen eigenen Vanderhoff-Charakter in Du kannst es nicht mitnehmen. Während der alte Mr. Vanderhoff aus Freude gut und gnädig ist, ist Old-Man Potter um seiner selbst willen böse. Frühere Capra-Schurken hatten einen Zweck, sei es Geld, Macht oder eine neue Ordnung. Potter ist böse, ohne ein Ziel oder einen Grund dafür, so zu sein. Politischer und finanzieller Imperiumsaufbau werden unter Gier, Böswilligkeit und blinder Destruktivität subsumiert.

Dieses Übel ist so vollständig, dass die Bekehrung des Schurken nicht in Betracht gezogen wird. (Bezeichnenderweise ist die einzige denkbare Reaktion auf Pottersville —, die in Wirklichkeit die reale Welt ist, ihr zu entkommen.) Selbst das Eingreifen des Volkes reicht nicht aus, um den Helden zu retten, dessen Verzweiflung ihn außerstande setzt, menschlicher Hilfe zu helfen .Es stimmt, dass Georges Freunde und Nutznießer zusammenkommen, um die Baulücke auszugleichen, aber das spricht nur sein oberflächliches und unmittelbares Problem an. Wir wissen, was ihn wirklich rettet, was ihn am Leben erhält, damit die Gemeinschaft sich zusammenschließen kann, um zu helfen: göttliches Eingreifen.

Capras Gruppe sozialbewusster Filme der 30er Jahre spiegelte eine einigermaßen kohärente Angst vor dem sich verschärfenden Klassenkonflikt, Faschismus und Militarismus wider, der damals die Welt zu überholen schien. Es ist ein wunderschönes Leben enthüllt beinahe Panik über die Katastrophen und die Depersonalisierung, die tatsächlich stattgefunden haben.

Die Dinge waren so schlimm geworden, dass nur Gott den Tag retten konnte. Das Leben mag wunderbar sein, aber es wunderbar leben zu können, ist eine ganz andere Sache.


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