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De Goya stirbt - Geschichte

De Goya stirbt - Geschichte

Franciso Jose de Goya und Lucientes starben. Er war ein spanischer Maler und Kupferstecher. Zu seinen bekanntesten Werken gehörten Maja Nude und Maja Clothed.

Francisco Goya - Biografie und Vermächtnis

Francisco de Goya y Lucientes wurde in Fuendetodos, Spanien, in eine Familie der unteren Mittelschicht geboren. Als viertes von sechs Kindern verbrachte er den Großteil seiner Kindheit in Saragossa, einer nahegelegenen Stadt, aus der seine Familie stammte. Er besuchte eine örtliche öffentliche Schule, wo er seinen lebenslangen Freund Martin Zapater traf, dessen Briefe eine der wenigen direkten Informationsquellen über Goyas frühe Jahre in Madrid sind.

Im Alter von 14 Jahren begann er sein künstlerisches Studium bei dem Maler Jose Luzan, das vier Jahre dauerte. Später zog er nach Madrid, um bei Anton Raphael Mengs zu studieren, einem deutschen Künstler, der als Hofmaler für die spanische Königsfamilie arbeitete. Goyas Zeit bei Mengs war weitgehend erfolglos (man nimmt an, dass die beiden Männer nicht gut miteinander auskamen), und seine Einreichungen bei der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando wurden sowohl 1763 als auch 1766 abgelehnt.

Frühe Periode

Goyas Karriere nahm erstmals nach seiner Übersiedlung nach Italien um 1770 Gestalt an, obwohl Details über seine Aktivitäten dort unklar sind. 1771 gewann er mit seinem Opfer für Pan. In diesem Jahr kehrte er nach Saragossa zurück, wo er sein Studium bei Francisco Bayeu begann, der ein enger Freund wurde. Goya heiratete Bayeus Schwester Josefa, mit der er mehrere Kinder hatte, obwohl nur ein Sohn, Javier, das Erwachsenenalter überlebte. Goya sagte einmal, sein Sohn sei so schön, dass die Leute auf der Straße in Madrid stehen bleiben würden, um ihn anzusehen, und er sei ein äußerst stolzer Vater. Als sein Sohn erkrankte, schrieb Goya, er habe "für diese ganze Zeit aufgehört zu leben".

Um 1774 wurde Goya beauftragt, eine Reihe von Cartoons für die Royal Tapestry-Fabrik in Santa Barbara zu produzieren. Diese Gemälde zeigen Szenen aus dem zeitgenössischen spanischen Leben in einer unbeschwerten und hellen Rokoko-Manier, die daraus resultierenden Wandteppiche wurden in zwei königlichen Palästen installiert. Goya nutzte diese Erfahrung, um seine Verbindungen zum spanischen Hof auszubauen. Gleichzeitig begann er auch mit der Arbeit an einer Reihe von Radierungen nach Gemälden von Velázquez in der königlichen Sammlung. Goya wurde ein Meister der Druckgrafik, die ihm als wichtigstes Mittel diente, seine persönlichsten Gefühle über die sozialen und politischen Ereignisse seiner Zeit auszudrücken.

Reifezeit

Goya begann seine Karriere als Hofmaler 1786 unter Karl III. Später etablierte er sich als Liebling Karls IV. und wurde 1799 Erster Hofmaler des Königs, die höchste Position eines Künstlers im königlichen Haushalt. In dieser Funktion würde er bis zur napoleonischen Invasion von 1808 dienen, obwohl er weiterhin Aufträge vom neuen Regime erhielt, nachdem er den Bonapartisten seine Treue gelobt hatte.

Auf dem Höhepunkt seiner Verbindung mit dem spanischen Hof freundete sich Goya mit dem einflussreichen Premierminister Manuel de Godoy an, der bei dem Künstler andere Werke für seine Privatsammlung in Auftrag gab, darunter die berüchtigten Nackte Maja (um 1797-1800). Dieses Gemälde führte zu weit verbreiteten Spekulationen über die wahre Identität des Dargestellten, was Gerüchte über Godoys illegale Affären mit zwei verschiedenen Frauen und seine eventuelle Befragung durch die spanische Inquisition auslöste.

Goyas aufstrebende Karriere wurde 1792 kurz unterbrochen, als eine nicht diagnostizierte Krankheit ihn dauerhaft taub machte. Obwohl er weiterhin für das spanische Königshaus arbeitete, distanzierte er sich aufgrund seiner Behinderung vom öffentlichen Leben, da er zunehmend verbittert und melancholisch wurde. Um diese Zeit begann Goya zu arbeiten Los Caprichos, eine Serie von 80 Radierungen mit Aquatinta, die 1799 veröffentlicht wurde. Die Drucke präsentieren eine Anklage gegen viele Aspekte des zeitgenössischen Spaniens.

Napoleons Invasion in Spanien im Jahr 1808 und der anschließende Halbinselkrieg (der bis 1814 dauerte) gaben Goya reichlich Gelegenheit, die Gesellschaft zu beobachten und zu kritisieren. Der Krieg inspirierte seine Bilder Der zweite Mai 1808 und Der dritte Mai 1808, sowie seine Mappe mit Radierungen mit dem Titel Die Katastrophen des Krieges. In den Worten des Autors Evan S. Connell stellen diese Werke "das ungeheure Aufblühen der Wut" dar, das Goya angesichts so viel Gewalt und Entsetzens empfand.

Spätere Periode

Nach der Wiederherstellung der bourbonischen Monarchie im Jahr 1814 zog sich Goya vollständig aus dem öffentlichen Leben zurück. Über seine späteren Jahre ist nur wenig bekannt. Er zog in ein Bauernhaus am Stadtrand von Madrid, La Quinta del Sordo (Das Haus des Gehörlosen), wo er bis 1821 14 sogenannte Schwarze Gemälde, die direkt auf die Putzwände des Hauses gemalt wurden. Goya zog 1824 nach Bordeaux, um dem repressiven und autokratischen Regime Ferdinands VII. zu entkommen. Der Künstler verbrachte den Rest seines Lebens im französischen Exil mit seiner Zofe und Gefährtin Leocadia Weiss (seine Frau Josefa war 1812 gestorben) und ihrer Tochter bis zu seinem Tod im Jahr 1828.

Das Vermächtnis von Francisco Goya

Goyas uvre steht für eine einzigartige Verbindung von Tradition und Moderne. Als alter Meister ehrte er die Werke seiner Vorgänger wie Velázquez und Rembrandt und arbeitete in traditioneller Weise, wie in seinen vielen Hofporträts zu sehen ist. Gleichzeitig verschafft ihm seine mutige Abkehr von den künstlerischen Konventionen seiner Zeit einen Platz als einer der ersten modernen westlichen Maler. Zum Beispiel findet sein Gebrauch von sozialer Satire sein Vermächtnis in den Werken von James Ensor, der ebenfalls die betrogenen Massen und korrupten Führer seiner Zeit an den Pranger stellte, während die Qualitäten des Schocks und des Grauens - die in seinen dunkleren oder gewalttätigeren Werken zu sehen sind - eine Faden in der Sorge der zeitgenössischen Kunst für das Erbärmliche und psychisch Gestörte, von Damien Hirst bis Paul McCarthy .

Goyas Verwendung breiter, sichtbarer Pinselstriche ebnete den Weg für den spontanen Stil des Impressionismus, ebenso wie die typisch spanischen Themen seiner Kunst. douard Manet Olympia wurde beeinflusst von Goyas Nackte Maja, und war ebenso mutig, wenn nicht mutiger, in seiner radikalen Neuerfindung des klassischen Aktes als moderne Prostituierte. Inzwischen ist sein fragmentarisches Gemälde von Die Hinrichtung von Kaiser Maximilian, verweist direkt auf Goyas Der dritte Mai 1808 sowohl in seinem Ausdruck moralischer Empörung als auch in seiner formalen Zusammensetzung lagen Manets Sympathien auf der Seite der mexikanischen Henker, nicht auf der Seite des ermordeten Kaisers.

Goyas politisch engagierte, höchst subjektive und fantasievolle Kunst war ein bedeutender Schritt in Richtung Moderne. Besonders in seinen Drucken kritisierte Goya die Ereignisse seiner Zeit, darunter Krieg, Korruption, soziale Missstände und tief verwurzelten Aberglauben. Dies sollte später Künstler wie seinen Landsmann Picasso inspirieren, dessen wegweisend Guernica wütete auch gegen zeitgenössische Ungerechtigkeiten, in diesem Fall die faschistische Bombardierung eines spanischen Dorfes im Zweiten Weltkrieg.

Goyas weitreichendes Vermächtnis erstreckt sich auf den Surrealismus, da Künstler sich Goyas Radierungen ansahen und Schwarze Gemälde für ihre dunklen und traumhaften Themen. Salvador Dalí hat seine eigene Version des Caprichos 1973 und zuletzt 2014 tat die zeitgenössische Künstlerin Emily Lombardo dasselbe und erfand die Caprichos im Rahmen des Lebens des 21. Jahrhunderts. Sowohl Dalís surrealistische Interpretation als auch Lombardos queer-feministische Interpretation signalisieren die dauerhafte, universelle und letztendlich formbare Bedeutung von Goyas Drucken. Auch die britischen Zwillinge Jake und Dinos Chapman ließen sich von Goya inspirieren, vor allem in ihren verstörend grotesken Skulpturen, die von Die Katastrophen des Krieges.


1. Louis Wain

Louis Wain war ein englischer Illustrator, der 1860 geboren wurde und durch seine Illustrationen von anthropomorphen Katzen bekannt wurde.

Die großäugigen Katzen, die sich normalerweise in sozialen Situationen wie Spielen oder Dating befinden, wurden zunächst nicht auf Auftrag geschaffen. Obwohl Wain in der Öffentlichkeit bereits bekannt war, begann er Katzen zu zeichnen, um seine Frau zu amüsieren.

Louis Wain, Die Junggesellenparty, Daten unbekannt, Privatsammlung. Wikimedia-Commons.

Leider verlor Wain kurz nach seiner Heirat seine Frau an Krebs. Und ihr Tod war der Auslöser für eine tiefe Depression im Leben der Künstlerin.

Im Alter von 57 Jahren wurde bei ihm Schizophrenie diagnostiziert, eine Störung, die nicht nur das Denken, sondern auch das Verhalten einer Person beeinflusst. Wain begann aggressiv zu agieren und verbrachte die letzten 15 Jahre seines Lebens in psychiatrischen Anstalten.

Nicht nur seine Persönlichkeit war betroffen: Auch Wains Kunstwerke begannen, einen Stil zu haben, der seinen ursprünglichen Kunstwerken immer weniger ähnlich war. Seine Katzen, die zuvor lächelnd und verschmust waren, zeigten verschiedene Eigenschaften, sie wurden geometrischer und bunter. Die meisten dieser psychedelischen Kätzchen wurden geboren, als Wain im Napsbury Hospital ins Krankenhaus eingeliefert wurde, wo der Künstler schließlich starb.

Louis Wain, Kaleidoskop Katze, um 1930, Privatsammlung. Wikimedia-Commons.

Francisco de Goya. Biografie, Werke und Ausstellungen

Francisco de Goyas Werk ist weltweit bekannt für seine spektakuläre Qualität, seine Modernität und sein Engagement. Der Fuendetodos-Lehrer war ein Pionier in Technik und Fachrichtung, ein Nonkonformist in einer Gesellschaft, in die er nie ganz hineinpasste, sich aber seiner schillernden Kunstfertigkeit hingab.

"Die Zeit malt auch"

„Der Maler Francisco de Goya“ (1826). Öl auf Leinwand. Vicente López Portaña. Prado-Museum

Das Prado-Museum gehört zu den größten Kunstgalerien der Welt, und von all seinen Räumen ziehen diejenigen die Besucher wie ein Magnet an, die die Werke von Francisco de Goya zeigen ~ einer der wichtigsten, charismatischsten und ikonoklastischen Maler aller Zeiten der Malerei. Seine "Schwarze Gemälde" und Gravuren-Suite werden für ihre erstaunliche Modernität und ihren Bruch mit den Normen ihrer Zeit sehr bewundert. Sein Kunstbegriff transzendierte den der bloßen Reflexion dessen, was ihn umgab, sondern interpretierte sein Werk als etwas in ständiger Evolution begriffenes: "Die Zeit malt auch", sagte er mehr als einmal.

Goyas Fall ist in der Kunstgeschichte fast einzigartig, vergleichbar nur mit dem von Meistern wie El Greco oder Turner. Es ist die Geschichte jener Künstler, die die Schulen ihrer Zeit meideten, um einer Kunst zu folgen, die erst viele Jahrzehnte später verstanden wurde, und die Absichten ihrer Kunst waren ganz anders als die ihrer Zeitgenossen. In Goyas eigenen Worten: „Die außergewöhnlichen Qualitäten ihrer Arbeit werden von diesen manierierten Meistern ruiniert, die immer Linien und niemals Körper sehen. Aber wo finden sie Linien in der Natur? Ich sehe nur helle Körper und dunkle Körper, sich vorwärts oder rückwärts bewegende Flächen, Reliefs und konkav." - Worte, die viele Avantgarde-Künstler des 20. Jahrhunderts mehr als 150 Jahre früher geschrieben haben.

Frühes Lernen und eine Reise nach Italien

Francisco de Goya wurde am 10. März 1746 in Saragossa mit Kunst im Blut als Sohn eines Vergoldermeisters und einer Mutter aus den unteren Rängen des Adels geboren. Mitte des 18. Jahrhunderts war Saragossa eine reiche und mächtige Stadt mit einem blühenden Geschäft im Bau von Kirchen und Klöstern, die dann Handwerker brauchten, um sie mit Altarbildern, Gemälden und Tafeln auszustatten. Die Fähigkeiten von Goyas Vater waren sehr gefragt und er beschloss, die Bestrebungen seiner Kinder auf den gleichen Weg zu bringen. Seine ersten Schritte zu Papier und Leinwand unternahm der spätere Hofmaler im Alter von 13 Jahren unter der Anleitung von José Luzán Martínez, der von neapolitanischen Malern ausgebildet worden war und dessen Einfluss entscheidend für Goyas Anziehungskraft auf die italienische Malerei sein sollte. Nach Luzán Martínez setzte Goya seine Lehre bei Francisco Bayeu fort und bewarb sich im Alter von 17 Jahren um ein Stipendium und eine Anstellung bei der Royal Academy of Fine Arts in San Fernando, wurde jedoch abgelehnt. Ein weiterer Antrag 1766 blieb erneut erfolglos.

"Die Esquilache-Unruhen" (ca 1766)

Werke, die Goya zu dieser Zeit zugeschrieben werden, sind selten, einige Gemälde mit religiösen Themen sind noch vorhanden, aber das, was am meisten hervorsticht, ist "Die Esquilache-Unruhen" (um 1766). Es ist ein Ensemble-Gemälde, das ein aktuelles Ereignis von großer Intensität und gesellschaftlicher Relevanz darstellt und einiges von dem zeigt, was in seinem Werk künftige Konstanten werden wird: theatralischer Einsatz von Licht und Schatten, lockere Pinselstriche, leuchtende Farben, Bewegung und ein ausgeprägtes Interesse an Balance und Komposition. 1770 reiste der junge Künstler nach Italien, wo seine Leidenschaft für Masken, Volksbräuche und Straßentheater geboren wurde – eine Leidenschaft, die mit seiner Faszination für Menschengesichter und groteske Figuren einhergeht. Während der Reise beschloss Goya, seinen Beitrag bei einem Wettbewerb der Akademie der Schönen Künste von Parma einzureichen: "Hannibal der Eroberer sieht Italien zum ersten Mal von den Alpen aus". Während Goyas gleichnamiges Gemälde gute Kritiken erhielt, überzeugten die Potenz und der "Mangel an Realismus" der Farben die Jury nicht, ihm den ersten Preis zu verleihen. Goyas riskanter, persönlicher und lebendiger künstlerischer Stil stand bereits durch seine Modernität gegenüber dem offensichtlichen Akademismus seiner Kollegen.

"Hannibal der Eroberer sieht Italien zum ersten Mal von den Alpen aus" (1770). Selgas-Fagalde-Stiftung

Erste Schritte zum Erfolg. Fresken und Wandteppich-Cartoons

Ausschnitt aus der Kapelle des Conde de Sobradiel, Zaragoza (1770). Barboza Grasa Archiv

Nach seiner Rückkehr übernimmt ein heute 25-jähriger Goya seinen ersten wichtigen Auftrag: ein Fresko in einem der Gewölbe der Zaragoza-Säulenbasilika zu malen und dabei die während seines Italienaufenthalts erlernten Techniken anzuwenden. Diese Arbeit bringt ihm weitere Aufträge ein: Fresken für Kirchen und Paläste und vor allem Porträts der aragonesischen Aristokratie. In dieser Zeit fertigte er Gemälde an, um die Kapelle des Palastes des Grafen von Sobradiel zu schmücken. Seine Arbeit verschafft ihm einen gewissen Ruhm und eine stabile Position, Faktoren, die seinen ehemaligen Lehrer Francisco Bayeu überzeugen, Goya zu erlauben, seine Schwester Josefa zu heiraten. Von allen sieben Kindern aus ihrer Ehe wird nur das jüngste, Francisco Javier Pedro, das Erwachsenenalter erreichen. Wie tief der Tod seiner Kinder die Seele des Künstlers quälte, wird später in seiner "Schwarze Gemälde", "Caprichos" und "Unterschiedlich" Serie drucken.

"Der Töpferhändler" (1779). Tapisserie-Cartoon für The Royal Factory of Santa Barbara

1775 sollte ein entscheidender und lebensverändernder Wendepunkt für Goya sein. Anton Raphael Mengs, erster Maler von König Karl III. und auch von anderen europäischen Höfen als Meistermaler in Auftrag gegeben, ruft ihn dazu auf, Tapisserie-Karikaturen für die Royal Factory of Santa Barbara zu entwerfen und zu malen. Die ersten wurden im selben Jahr gemalt: insgesamt neun Werke, von denen jedes als Musteranleitung für Wandteppiche diente, die für den königlichen Sitz von San Lorenzo von El Escorial bestimmt waren. Goya setzt seine Produktion fort und im folgenden Jahr beginnt eine weitere Serie von Cartoons, die diesmal für die Sammlung des Palace del Pardo bestimmt ist. Zwischen 1778 und 1780 arbeitete und lebte er am Hof, was ihm die Gelegenheit bot, sich mit dem damaligen Außenminister, dem Grafen von Floridablanca, anzufreunden. Diese und andere Beziehungen, zusammen mit seinem unbestreitbaren Talent und der Originalität seiner Arbeit, garantieren ihm Stabilität und Goya wird dann seine ersten Schritte auf dem Weg zum zukünftigen Hofmaler machen. 1780 präsentiert er „Christus am Kreuz“ zur Unterstützung seiner Bewerbung um Aufnahme in die Royal Academy of San Fernando und wird einstimmig aufgenommen

"Christus am Kreuz" (1780). Prado Museum

Eine Karriere auf dem Vormarsch: Jovellanos, Ceán Bermúdez und die Aufklärung

Kunst und Malerei zeichneten sich in dieser Zeit durch ihren eisernen Akademismus aus. Der Neoklassizismus warf einen langen Schatten auf Künstler, die aufgrund jahrhundertealter Regeln in eiserne und stereotype Zwänge gezwungen wurden. Goya rebelliert gegen diese Zumutungen und wählt seinen eigenen Weg, der seine Arbeit und Einstellung für den größten Teil seines Lebens prägen wird. Die 1780er Jahre bringen ihm sowohl Erfolge als auch Misserfolge, von der Ablehnung des Publikums und der Akademiker über seine Fresken der Jungfrau Maria für die Basilika der Säule bis hin zum uneingeschränkten Beifall für seine "Der heilige Bernhardiner von Siena predigt Alfons V. von Aragón" (1873), geschaffen für einen Altar der Basilika des Heiligen Franziskus des Großen. Mit seinem mittlerweile etablierten Ruhm widmet sich Goya der Malerei der Porträts bedeutender Familien und Mitglieder der Oberschicht wie des Herzogs von Osuna und des Earl of Floridablanca. Tatsächlich sollte ihm die Schirmherrschaft der Herzöge von Osuna zahlreiche Aufträge einbringen.

"Der heilige Bernhardiner von Siena predigt Alfons V. von Aragón" (1781-83). Basilika Saint Francisco el Grande

Goyas ängstliche Seele treibt ihn zu bestimmten Umgebungen, Personen und Ideen, die sein ganzes Leben lang grundlegend werden sollten. Zu dieser Zeit lernt er Gaspar Melchor de Jovellanos und den Kunstsammler Juan Agustín Ceán Bermúdez kennen. Durch diese Freundschaften steigt seine Karriere als Maler immer weiter an, dank der zahlreichen Aufträge, die sie ihm sicherten. Diese Aufträge waren jedoch bei weitem nicht der wichtigste Gewinn, den er von seinen Freunden erhält: Sie öffnen die Türen zu intellektuellen und reformistischen Kreisen, die sich dafür einsetzen, dass die Aufklärung nach Spanien kommt. Es ist eine Entdeckung, die den Künstler berührt, der sich sofort mit diesen neuen Ansichten über Bildung und Politik identifiziert. Dies sind kritische und aufschlussreiche Momente, die auch seine Malerei beeinflussen. Seine Leinwände beginnen, idealistische und perfektionistische Konzepte aufzugeben, um den Expressionismus, wie er durch das Übertriebene und Groteske repräsentiert wird, zu verfolgen. Ohne es zu wissen, wird Goya zu einem der Vorläufer einer Bewegung, die bald in ganz Europa auftauchen sollte: der Romantik.

Krankheit, Akte und Krieg. Die Zeit des Realismus.

"Die bekleidete Maja" (1800-1807). Prado-Museum

1792 ist ein dunkles Jahr im Leben von Francisco de Goya. Während er durch Andalusien reist, leidet er an einer schrecklichen Krankheit, die ihn im Alter von 46 Jahren zutiefst taub macht, eine Taubheit, die ihn bis zu seinem Tod begleiten und viele seiner Gedanken und Bilder mit Schwärze durchdringen wird. Der Maler findet Zuflucht in seiner Kunst und schafft eine Reihe kleiner Gemälde, in denen Tragödie und Kriminalität stark präsent sind. Doch Goya erhebt sich wie ein Phönix aus der Asche und wird 1795 Direktor für Malerei an der Akademie der Schönen Künste von San Fernando. Er ist weiterhin Porträtist des Adels und sichert sich sogar die Schirmherrschaft der kürzlich verwitweten Herzogin von Alba. Sein Interesse an den grotesken, volkstümlichen Volkstraditionen und der Gesellschaftskritik entwickelt der Künstler durch seine Stiche weiter, wie die "Caprichos" (1799). Zu dieser Zeit malt er auch seine berühmten Werke "Die bekleidete Maja" und "Die nackte Maja", was ihm später den Zorn der Inquisition einbringen sollte.

„Der 3. Mai 1808 in Madrid“ (1813-14). Prado Museum

Beim Ausbruch des Unabhängigkeitskrieges (1808-1814) muss sich Goya auf die Seite der Regierung stellen, obwohl sein Werk in Serien wie "Katastrophen des Krieges". Seine Frau Josefa stirbt im Jahr 1812, als er eine Beziehung mit Leocadia Zorrilla beginnt. Nach dem Krieg arbeitet er weiterhin als Hofmaler des Königs und des Adels und malt sogar das Porträt von Ferdinand VII. Obwohl er die regimekritischen Zeichnungen und Drucke nur seinen vertrautesten Freunden zeigte, war seine Umsicht kein ausreichender Schutz vor der Inquisition, die 1815 ein Gericht gegen ihn wegen seiner "Die nackte Maja". Unbeirrt setzt er seine Radierungen mit zwei emblematischen Serien fort: "Tauromaquia (Stierkampf)" und das Unvollendete "Verschiedene (Torheiten)".

"Karnevalswahn". Radierung 14 aus der Serie „Disparates“ (1815). Prado-Museum

Letzte Jahre. Das Haus des Gehörlosen und der Tod in Bordeaux.

„Saturn verschlingt seinen Sohn“ (1819-23). Prado-Museum

1819 ist Goya 73 Jahre alt. Die Krankheit, die Taubheit, seine Desillusionierung gegenüber der absolutistischen Regierung und seine Probleme mit der Inquisition haben seinen Körper, Geist und Seele belastet. Er erwirbt das Madrider Anwesen, in das er sich wegen seiner Aussicht und des weitläufigen Grundstücks verliebt hatte, und es wird als The Deaf Man's House bekannt werden. Der betagte Maler erleidet einen weiteren schweren Anfall seiner Krankheit, überlebt ihn aber, um seinen Schwanengesang an den Wänden erklingen zu lassen. Ich beziehe mich hier auf die berühmten "Schwarze Gemälde", wo Goya zurückkehrt, um sich auf die Themen zu konzentrieren, die immer in den Tiefen seiner Kunst verankert waren: den Tod, die Menschlichkeit des Menschen für den Menschen, die Erniedrigung im Laufe der Zeit und das Böse, das sich in der menschlichen Seele versteckt. 1824 geht Goya ins selbstgewählte Exil nach Bordeaux, um sich von der von ihm verachteten und gefürchteten absolutistischen Regierung zu distanzieren. Begleitet wird er von Leocadia Zorrilla und ihren beiden Kindern, von denen das jüngste, Rosario, Goya als seine eigene Tochter betrachtet und in der Malerei unterrichtet.

„Die Milchmagd von Bordeaux“ (1827). Prado-Museum

Im Jahr 1826 kann Goya endlich in den Ruhestand gehen und seine letzten Lebensjahre ruhig und behaglich verbringen, widmet sich seiner grafischen Arbeit und bereichert sie mit Serien wie dem "Neu Caprichos", und Stierkampf-Themenstiche. Unter seinen letzten Werken sticht "Die Milchmagd von Bordeaux" (1827), gemalt ein Jahr vor seinem Tod, das durch seine freie Verwendung von Pinselstrich, Rahmung, Komposition und Thema glänzt und eine überraschend kreative und bildliche Freiheit zeigt, die den Impressionismus von Meistern wie Renoir und Manet vorwegnimmt. Es sollte auch darauf hingewiesen werden, dass das Gemälde heute nicht wenig Kontroversen ausgelöst hat, da einige Experten die Autorschaft Goyas bezweifeln und die Möglichkeit nahelegen, dass es tatsächlich von seiner Schülerin Rosario stammen könnte. 1828 stirbt Goya in Bordeaux und hinterlässt der Nachwelt ein weltweit einzigartiges Werk voller kreativer Freiheit, Modernität, sozialem Engagement und Schönheit.

Goya in Madrid (2014-15)

Die Cartoons, die Goya als Musterstudien für Wandteppiche malte, galten historisch als "kleine Werke". Dies sind jedoch an sich großartige Gemälde, die die unnachahmliche Hand des Meisters und die Vorahnungen künstlerischer Bewegungen, die viele Jahrzehnte später folgen würden, offenbaren. Das Prado-Museum veranstaltete eine ganze Ausstellung dieser Cartoons und zeigte sie zusammen mit denen anderer Künstler dieser Zeit sowie die Gemälde und Skulpturen, die als Modell und Inspiration dienten.

Goya: Die Porträts (2015)

2015 feierte die Londoner National Gallery das schillernde Werk des Porträtisten Goya in einer Ausstellung von siebzig Porträts, die nach eigenen Angaben "demonstrieren seinen waghalsigen unkonventionellen Ansatz und seine bemerkenswerte Fähigkeit, die Psychologie seiner Dargestellten einzufangen." Die Ausstellung umfasste Gemälde, Zeichnungen und Miniaturen, die in der britischen Hauptstadt selten oder noch nie zu sehen waren.

Goya und der aufgeklärte Hof, illustriert (2017)

Das Museum of Fine Arts, Bilbao, organisierte diese Ausstellung in Zusammenarbeit mit dem Prado Museum und der La Caixa Foundation. Die Auswahl umfasste 96 Werke, die Goyas Tätigkeit während seiner Jahre als Hofmaler widerspiegeln und es der Öffentlichkeit ermöglichen, so berühmte Werke wie "Blindekuh" und "Die Strohpuppe". Es war die erste Ausstellung, die Goya in der Hauptstadt der Provinz Biskaya gewidmet war.

Meister Spaniens: Goya & Picasso (2018)

In dieser vom Polk Museum of Art in Florida (USA) organisierten Ausstellung teilte sich Goya mit Pablo Picasso, einem weiteren großen Künstler Spaniens, den Raum. Mehr als 50 Kunstwerke wurden ausgestellt, darunter das berühmte "Tauromaquia" (Stierkampf)-Serie, die neben mehreren von Picasso geschaffenen Werken auf verschiedenen Medien von Keramik bis Karton präsentiert wird. Die meisten Werke waren Leihgaben von The Art Company in Pesaro, Italien.

Goya. Zeichnungen. "Nur meine Willensstärke bleibt" (2019)

Auch 2019 widmete das Prado-Museum einen Teil seines Ausstellungskalenders dem Werk von Francisco de Goya. Bei dieser Gelegenheit basierte die Ausstellung auf den Recherchen und Dokumentationen für das neue Werkverzeichnis, das das Museum aufgrund einer Vereinbarung zwischen Prado und der Botín-Stiftung veröffentlichen wollte. Es war das erste Mal, dass über 300 von Goyas Zeichnungen, bestehend aus dem eigenen Bestand des Prado und Leihgaben aus Sammlungen aus aller Welt, zusammengetragen wurden.

Goya und seine Kritiker. Nigel Glendinning (Yale University Press, 1977 & 2017)

Nigel Glendinning war ein renommierter Wissenschaftler über das Werk von Francisco de Goya. Dieses Buch, das 1977 geschrieben und 2017 neu veröffentlicht wurde, ist das erste Dokument, das den Künstler und sein Werk durch seine zeitliche Kontextualisierung untersucht. Der 2013 verstorbene Autor war ein Vorreiter in der Reflexion verschiedener Analysen und Studien zum Werk des Malers über Jahrzehnte hinweg. Das Buch fügt weitere spätere Studien des Autors selbst sowie Texte anderer Experten hinzu. Im Allgemeinen gilt dieses Buch als die bisher vollständigste Studie zum Werk des Künstlers.

Francisco Goya. Leben und Werke. Valeriano Bozal (TF Editores, 2005)

Valeriano Bozal ist ein renommierter Experte für das Werk Francisco de Goyas und dessen Beitrag in Fachbüchern wie der oben erwähnten Neuausgabe von Nigel Glendinning zu finden ist. Sein Buch Francisco de Goya. Leben und Werk ist ein wichtiger Text unter anderem wegen der innovativen und originellen Sichtweise, die er in Bezug auf die Leidenschaften und Obsessionen des Malers einbringt. Der Gelehrte beginnt das Buch mit dem Satz: "Goya leiht uns nicht seine Augen, er öffnet unsere. Für die Vergangenheit, für die Gegenwart." Es besteht aus zwei Bänden und ist ein unverzichtbares Werk, um die persönliche Welt und die turbulenten Zeiten eines einmaligen Künstlers zu betreten.

Goya in der Literatur. Leonardo Romero Tobar (Marcial Pons, 2016)

Der Kunstprofessor Leonardo Romero Tobar hat hervorragende Arbeit an dieser Studie geleistet, einer gut organisierten und kommentierten Monographie, die ein neues Licht auf das Werk von Francisco de Goya wirft. Der Text ist eine umfangreiche Sammlung kommentierter bibliographischer Referenzen, ein großartiger Beitrag für jeden Wissenschaftler zum Werk des Künstlers. Das Buch ist keine Sammlung von Zitaten und Texten des Meisters, sondern eine Sammlung von Referenzen, die eine interessante Analyse des Werks, der Interessen und des Kontexts des Malers hinzufügen.


Die schwarzen Gemälde von Francisco De Goya

Francisco de Goya (ca. 1746-1828) hatte einen langsamen Start in seine Karriere als Maler. Obwohl er bereits als Teenager mit dem Studium der Malerei begann, fand er am spanischen Hof als Tapisseriedesigner und Druckgrafiker seine ersten Brücken in die Kunst. 1779 verwirklichte er schließlich sein Ziel, Hofmaler zu werden, und erhielt kurz darauf 1780 die Aufnahme in die Königliche Akademie von San Fernando in Madrid. Als Spezialist für Porträts und andere Auftragsarbeiten schoss Goyas Popularität am spanischen Königshof in die Höhe. Seine Blütezeit sollte jedoch bald durch Krankheit und Krieg unterbrochen werden. Im Jahr 1792 wurde er von einer Krankheit heimgesucht, die ihn schließlich taub machte – seine Krankheit würde nie vollständig heilen und er würde mehrere Rückfälle erleiden. Darüber hinaus geriet der spanische Hof, an dem der Maler arbeitete, bald in die Intrigen Napoleon Bonapartes, was zum Halbinselkrieg (1808-1814) führte, einer Zeit, in der die Spanier darum kämpften, unabhängig von der direkten französischen Kontrolle zu bleiben. Als das spanische Königtum 1814 unter König Ferdinand VII. an die Macht zurückkehrte, erwies sich seine Herrschaft leider als ziemlich bedrückend für Spanien. Francisco de Goya, ein kränklicher Mann, der in einer vom Krieg zerrütteten Zeit lebte, war von dieser chaotischen Umgebung, in der er in seinem späteren Leben lebte, stark betroffen.

Müde und angewidert vom Krieg und dem zunehmend feindseligen höfischen Leben, begann Francisco de Goya sich allmählich vom inneren Kreis der Macht zu distanzieren. Der Halbinselkrieg inspirierte ihn, eine Serie namens . zu radieren und zu drucken Kriegskatastrophen, das das Blutbad und die Grausamkeit von Kampf und Unterdrückung in all seinen blutigen Details darstellte. 1814 tauchten diese Themen in seinem Gemälde wieder auf, 3. Mai 1808, ein emotionales Stück, das spanische Freiheitskämpfer zeigt, die von französischen bewaffneten Männern hingerichtet werden. Unglücklicherweise für Goya, aber von Vorteil für die Kunstwelt, endete die dunkle Herkunft des Malers hier nicht mit Themen von Krieg und Blutvergießen.

1819 kaufte Francisco de Goya ein Landgut in der Nähe von Madrid, das als La Quinta del Sordo (Haus der Gehörlosen) bekannt wurde. Etwa zur gleichen Zeit erlitt er einen schweren Rückfall seiner anhaltenden Krankheit – sein Gesundheitszustand verschlechterte sich so sehr, dass er in seinem neu erworbenen Anwesen zu einer Art Einsiedler wurde. Nachdem Goya sich genug erholt hatte, um den Pinsel in die Hand zu nehmen, begann er direkt dort in La Quinta del Sordo zu malen und begann eine neue Phase seiner künstlerischen Reise. Francisco de Goya trug seine Farben direkt auf die verputzten Wände seines Hauses auf und verbrachte die Jahre zwischen 1820 und 1823 damit, das zu schaffen, was heute seine „Schwarzen Gemälde“ genannt wird, eine Serie von vierzehn dunklen, psychologischen und makabren Kunstwerken, die oft groteske beinhalten Mimik und unheimliche Atmosphäre. Unter diesen unheimlichen Gemälden befand sich das berühmte Saturn verschlingt eines seiner Kinder, und das teuflische Hexensabbat, die beide weiter unten auf der Seite zu finden sind.

1824 verließ Francisco de Goya die Quinta del Sordo mit ihren bemalten Wänden und beschloss, den Rest seiner Tage in Frankreich zu verbringen. Er übersiedelte nach Bordeaux, wo er 1828 im Alter von 82 Jahren starb.


Die Geschichte der Herzogin von Alba – Francisco de Goya’s Muse

Nur wenige Frauen im Spanien des 18. Jahrhunderts erregten die Fantasie der Zeitgenossen so gründlich wie Doña María de Pilar Teresa Cayetana de Silva lvarez de Toledo (1761-1802), selbst XIII. Herzogin von Alba.

Sie ist aus zahlreichen Gemälden von Francisco de Goya bekannt. Vor allem von diesen beiden, wo sie auf dem einen ganz angezogen liegt, auf der anderen – ganz nackt.

Die Beziehung zwischen ihr und Goya galt als eine der romantischsten Liebesbeziehungen in der Geschichte der spanischen Kunst. Obwohl die Liaison zwischen dem rauen Francisco de Goya und der schönen, launischen Herzogin von Alba, der größten Grande Spaniens, mittlerweile als Legende bezeichnet wird, ist sie immer noch eine sehr interessante Geschichte.

Auf einem der formellen Porträts der Herzogin trägt die Herzogin beispielsweise zwei Ringe mit den Namen Alba und Goya und weist auf die Signatur der Künstlerin zu ihren Füßen hin.

Francisco de Goya, Porträt der Herzogin von Alba. Alternativ bekannt als The Black Duchess, 1797, Hispanic Society of America

In der Beschreibung steht Solo Goya – “only Goya”.

Das Paar lernte sich kennen, als die Herzogin ein Teenager war, und sie lernten sich gut kennen. Goya machte viele Besuche in ihren Palästen, um zu malen. 1739 starb ihr Ehemann, der Herzog, im Alter von 39 Jahren. Dann wurde sie die reichste Frau Spaniens. Die 34-jährige Alba, strahlend schön und auf dem Höhepunkt ihres gesellschaftlichen Erfolgs, zog sich auf das Familiengut in Sanlucar de Barrameda bei Cadiz zurück und lud Goya ein. Goya war fünfzig Jahre alt, taub, verheiratet und hatte sich noch immer nicht vollständig von seiner schwächenden Krankheit von 1792 erholt.

Francisco de Goya, Herzogin von Alba / Die weiße Herzogin, 1795, Liria-Palast

Er blieb von Juli 1797 bis zum darauffolgenden März und fertigte seine intimsten Porträts seines Gönners an, der eine Siesta einlegte, ihre schwarze Adoptivtochter knuddelte und ihre Zofe neckte. Zwei Jahre später erschien die “Majas”.

Die Herzogin verzauberte Goya bei einer ihrer ersten Begegnungen, bei der sie die Künstlerin bat, ihr Make-up aufzutragen. Goya schrieb in einem Brief: „Die Alba-Frau, die gestern ins Atelier kam, um mich ihr Gesicht bemalen zu lassen, und sie hat sich durchgesetzt ihrer".

Das Gemälde, das von der spanischen Gesellschaft seinerzeit als skandalös angesehen wurde, zeigt eine völlig nackte liegende Frau. Es ist das erste Beispiel für weibliche Schamhaare in der Malerei, aber viele halten die bekleidete Version für noch erotischer. Ihr Gesicht ist nicht das der Herzogin, aber der Körper steht in engem Vergleich zu den zarten Rundungen des anderen Gemäldes. Es wurde zusammen mit einem Begleitstück, das das gleiche bekleidete Modell, La maja vestida, darstellt, vom spanischen Premierminister Manuel de Godoy (der bekannten Geliebten der spanischen Königin María Luisa) in Auftrag gegeben.

Francisco de Goya, The Nude Maja, zwischen ca. 1795 und ca. 1800, Museo del Prado

Die wahre Identität der Majas ist ungewiss. Viele Kunsthistoriker haben im Laufe der Jahre die Möglichkeit abgelehnt, dass das Gemälde die Herzogin darstellt, aber der Klatsch bleibt. Diese Gelehrten glauben, dass das Gemälde entweder Godoys junge Geliebte oder eine idealisierte Mischung aus mehreren verschiedenen Modellen darstellt.

Die Herzogin starb im Juli 1802 unter etwas mysteriösen Umständen im Alter von 40 Jahren. Obwohl ihr Tod angeblich auf Tuberkulose und Fieber zurückzuführen war, wurden im Laufe der Jahre buntere Szenarien vorgeschlagen, darunter eine Theorie, dass sie vergiftet wurde.

Francisco de Goya, The Nude Maja, zwischen ca. 1795 und ca. 1800, Museo del Prado

Am Ende können wir den vollständigen Namen der Herzogin teilen – bist du bereit?

Doña María del Pilar Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán, décimo tercera duquesa de Alba de Tormes, décima primea duquesa de Huéscar, sexta duquesa de Montoro, octava condesa-duquesa de Olivares, décimo duquesa de Olivares Primer, décima marcisa teres de Coria, novena marquesa de Eliche, décimo segunda marquesa de Villanueva del Río, sexta marquesa de Tarazona, marquesa de Flechilla y Jarandilla, décimo primea condesa de Monterrey, décimo cuarta condesa de Leríncera condesra de , décimo segunda condesa de Galve, décimo cuarta condesa de Osorno, de jure duquesa de Galisteo, décimo primea condesa de Ayala, novena condesa de Fuentes de Valdepero, condesa de Alcaudete, condesa de del leitosa de la de Dicastillo, San Martin, Curton und Guissens.


Francisco Goya (1746-1828)

Francisco Goya © Goya war ein innovativer Maler und Radierer und einer der großen Meister der spanischen Malerei.

Francisco Jose de Goya y Lucientes wurde am 30. März 1746 in der Nähe von Saragossa in Aragon geboren. Sein Vater war Maler. Goyas künstlerische Ausbildung begann im Alter von 14 Jahren, als er bei einem lokalen Maler in die Lehre ging. 1763 ging Goya nach Madrid und arbeitete unter einem anderen Künstler aus Aragon, Francisco Bayeu, dessen Schwester er heiratete.

1771 besuchte Goya Italien. Bis 1775 hatte er sich in Madrid niedergelassen und entwarf für die Königliche Tapisseriefabrik. 1786 wurde er zum Hofmaler Karls IV. ernannt.

Im Winter 1792 erkrankte Goya schwer und blieb völlig taub. Dies war ein Wendepunkt in seiner Karriere. Seine Gemälde wurden von seinem früheren Rokoko-Stil in eine expressionistischere Vision umgewandelt und er wählte immer dunklere Themen.

Während der brutalen napoleonischen Besetzung Spaniens erlebte Goya aus erster Hand die Schrecken der Kriegsführung. Diese inspirierten eine Reihe von Radierungen „Die Katastrophen des Krieges“ und zwei Gemälde „2. Mai 1808“ und „3. Mai 1808“.

Um 1820 begann Goya mit einer Reihe von Fresken an den Wänden seines Landhauses in der Nähe von Madrid, die als „Schwarze Gemälde“ bekannt wurden.

Im Jahr 1824 zwangen politische Unruhen in Spanien Goya ins französische Exil. Er kehrte 1826 für einen kurzen Besuch nach Madrid zurück, starb jedoch am 16. April 1828 in Bordeaux.


De Goya stirbt - Geschichte

Gemalt auf die Gipswände seiner bescheidenen Wohnung, Saturn verschlingt seinen Sohn ist eines der Werke von Francisco Goya, die in die Klassifikation der “Black Paintings” von Goya fallen. Goya, ein spanischer Künstler, der nicht beabsichtigte, dass diese Gemälde von der Öffentlichkeit angesehen werden (er erhielt keinen Auftrag dafür), wurde von einigen als künstlerisch verrückt angesehen, andere wiederum glauben, dass er einfach seine eigene Bitterkeit gegenüber dem allgemeinen menschlichen Zustand ausdrückte .

Die Legende

Das Gemälde zeigt einen der griechischen Titanen, Saturn, in einem wahnsinnigen Zustand, während er wild den Körper eines seiner Söhne verzehrt. Der Legende nach erfuhr Saturn, der seinen eigenen Vater gestürzt hatte, von einer Prophezeiung, in der vorausgesagt wurde, dass einer seiner eigenen Söhne seine Macht auf ähnliche Weise stürzen würde. Besessen davon, die Erfüllung der Prophezeiung zu verhindern, verschlang Saturn jedes seiner Kinder, sobald sie geboren wurden. Seine Frau versteckte erfolgreich sein letztes Kind, Jupiter, vor Saturn und die Prophezeiung wurde später erfüllt.

Details & Beschreibung

Die sehr makabre Präsentation des Gemäldes ist bestenfalls verstörend. Goyas begrenzte Verwendung von leuchtenden Farben, wie sie im Weißen seiner Augen zu sehen sind, das Aufhellen seiner Knöchel, wenn er den Körper des Kindes greift, und die freche Blässe des toten Kinderrückens mit der Rötung des Blutes sind in starker Kontrast zu den dunklen und düsteren Farben, die sonst im Gemälde verwendet wurden.

Goya stellt Saturn als verrückten Titanen/Mann dar, der verzweifelt ein Kind isst, wobei der Kopf, der linke Arm und ein Teil der Schulter des Kindes offensichtlich bereits verschlungen sind. Es wird gemunkelt, dass die Darstellung von Saturn zum Zeitpunkt der Entdeckung des Gemäldes einen Zustand der sexuellen Erregung beinhaltete, als er das Kind verzehrte. Dies wurde jedoch nicht bestätigt und aufgrund der eingetretenen Verschlechterung des Putzes ist seitdem kein solcher Zustand mehr sichtbar.

Es ist auch durchaus möglich, dass, wenn die Erregung im Gemälde vorhanden war, diese vor der Veröffentlichung in der Öffentlichkeit absichtlich verändert wurde, zumal Goya nie beabsichtigt hatte, dass dieses oder andere Gemälde der Serie “Black” von der Öffentlichkeit angesehen.

In seinen späteren Jahren ging Goya ins komplette Exil und hinterließ seinem Enkel das Haus mit den Wandgemälden. Das Haus ging schließlich 1874 in den Besitz von Emile d’Erianger über, der die Wandgemälde sorgfältig auf Leinwand übertragen und konservieren ließ, da die Wände des Hauses schnell verfielen.

Spekulationen über die Quelle

Es gibt viele Theorien darüber, was Goya dazu bringen würde, solche morbiden Stücke zu malen und dies an den Wänden seines Hauses zu tun. Eine weitere Ironie ist, dass Goya seinen Essbereich für die Malerei des Wandgemäldes von gewählt hat Saturn verschlingt seinen Sohn.

Einige glauben, dass Goya von den politischen Unruhen seines geliebten Spaniens so verbittert war, dass er das Bedürfnis verspürte, seine Bitterkeit durch seine Kunst auszudrücken. Sie behaupten, dass er Symbolik benutzte, wobei Spanien der Sohn war und die Unterdrücker Saturn. Andere glauben, dass das Gemälde eine verdrehte Darstellung seiner Beziehung zu seinen eigenen Söhnen ist.

Unabhängig vom Motiv dahinter, Saturn verschlingt seinen Sohn ist eine verstörende Darstellung von Konflikten, Angst und Blutdurst, die mit Machtgier einhergehen können.

Eine Antwort auf “Saturn verschlingt seinen Sohn”

sehr detailliert ich liebe es. zittert buchstäblich haha!! Es ist ein Meisterwerk, wenn ich es selbst sagen darf. Ich unterstütze keine Unterstützung von Kannibalismus, aber das trifft mich und meine 6 Söhne, die ich zu Hause habe, wirklich. Sie lieben es zu essen, aber hoffentlich essen sie mich nicht LOL AHHAAHHAHAHAHAHAHAHAH


De Goya stirbt - Geschichte

("Leben und Arbeiten" E. L. Buchholz)



FRANCISCO GOYA

Francisco de Goya und Lucientes 1746-1828) war der Sohn eines armen Goldschmieds in Saragossa. 1763: Er zieht nach Madrid und kehrt nach einer Reisezeit 1776 zurück, um ein erfolgreicher Künstler zu werden. 1799 wurde er Hauptmaler von König Karl IV. Im Jahr 1811 verlieh ihm Joseph Bonaparte den Königlichen Orden von Spanien. Nach dem Fall des napoleonischen Reiches arbeitete Goya wieder für den spanischen Hof. Mit der Wiederherstellung des absolutistischen Regimes Ferdinands VII. verließ der Künstler Madrid nach Paris und ließ sich 1825 freiwillig im Exil nach Bordeaux nieder, wo er nach einem letzten Aktivitätsschub starb. Seine Arbeit hat seitdem Künstler stark beeinflusst und inspiriert, insbesondere die französischen Maler des 19. Jahrhunderts.

DIE BEDEUTUNG VON GOYA

Francisco de Goya und Lucientes (1746-L828) war eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der spanischen Kunst. Auch für die Entwicklung der modernen ästhetischen Sensibilität, einem Vorläufer der Romantik, war er von großer Bedeutung, sowohl in der inhaltlichen Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit und den Bezügen zur Traumwelt als auch in seiner sehr originellen Technik. Seine Arbeit verkörpert seine persönlichen fantasievollen Visionen und widersetzt sich dem traditionellen Akademismus und konventionellen Themen. Goya bezeichnete sich selbst als Schüler von Velazquez, Rembrandt und der Natur: Von Velazquez erwarb er ein Gespür für sanft schattierte, schichtweise aufgetragene Farben: von Rembrandt seine Vorliebe für dunkle und geheimnisvolle Hintergründe und aus der Natur nahm er eine unendliche Vielfalt von Formen, manche schön, manche nicht. Goya war ein aufmerksamer Beobachter der zeitgenössischen Gesellschaft und hielt das Unbehagen fest, das Spaniens moralische und politische Krise im ausgehenden 18. die Menschen und die Begeisterung für Fortschritt und Technik (Der Luftballon, 1818-19).
Goya war liberal gesinnt, ein Mann der Aufklärung, und sein sozialer Kreis bestand aus fortschrittlichen Intellektuellen. Er wandte seine Aufmerksamkeit der Welt der Enteigneten zu — in Der verwundete Maurer und Winter (1786-87). zum Beispiel - und später in die mysteriöse Welt der Zauberei und Hexerei, die bereits bei Schriftstellern dieser Zeit beliebt war. Lügen auch nachdrücklich und anschaulich Ungerechtigkeit und Grausamkeit sowie die falsche Moral und Bigotterie religiöser Heuchler anprangern. In seinem Los Caprichos Serie (1797-99). Goya hob die Übel der Unwissenheit und des Aberglaubens hervor und versuchte, sie mit seinen gnadenlos klaren Darstellungen auszutreiben.
Als oberster Hofmaler malte er hervorragende Porträts des spanischen Adels und des Königshauses, oft beeinflusst von Velazquez-Anklängen der berühmten Las Meninas sind offensichtlich in Die Familie Karls IV. Mit außergewöhnlich gekonnten Bildeffekten hat er die Opulenz der Rokoko-Möbel und Moden, die aristokratische Selbstsicherheit der Posen seiner Untertanen akkurat dargestellt und gleichzeitig die Kleinlichkeit und Eitelkeit einer korrupten und selbstgefälligen herrschenden Klasse subtil festgehalten. Die französische Invasion, der darauf folgende Volksaufstand, die Schrecken des Krieges. und die Ernüchterung über die Erkenntnis, dass die vermeintlichen Befreier lediglich neue Unterdrücker waren, veranlassten Goya, die Ereignisse entweder realistisch oder allegorisch zu bezeugen Die Katastrophen des Krieges (1810-20) erinnert an Callots frühere Serie. Im Jahr 1819 wurde er ernsthaft krank und wurde introvertierter. Er begann den seltsamen und brillanten Zyklus der "schwarzen Gemälde", der eine sehr persönliche Vision mit seinen anhaltenden religiösen Themen verband. Seine Beschäftigung mit menschlicher Torheit hielt bis zu seinem Tod im Jahr 1828 an.


Francisco Goya
Die große Ziege
1797-98
Lazaro Galdiano Museum, Madrid

Dies ist eines von acht Gemälden, die die Herzogin von Osuna für ihr Landhaus in Alameda in Auftrag gegeben hat.
Das Motiv, ähnlich dem der Radierung Nr. 60 von Los CaprichosSie ermöglichte es Goya, sein Gespür für Fantasie zu vereinen
mit brutalen Angriffen auf den Missbrauch und die Ausbeutung von Aberglauben und Ängsten durch die Kirche,
die tief in der volkstümlichen Vorstellung verwurzelt waren.

Goya

Die beiden Hauptaspekte der Romantik werden in Goyas Werk vereint: die Erforschung der Grenzen eines tieferen Lebens und die Integration historischer Tatsachen. In Der Koloss, Goya porträtiert den Riesen als bestialisch und seltsam still. Er steht gegen den dunklen und nebligen Himmel und schwebt über einem Land, das von fliehenden Menschen bevölkert ist. Das Gemälde repräsentiert die drohende Katastrophe des Krieges und die Auslieferung der Menschheit an die zerstörerische Kraft des Instinkts. Andere wichtige Werke von Goya umfassen Saturn verschlingt seinen eigenen Sohn (1821-23), eine Allegorie, dass Spanien sein eigenes Volk zerstört, und eine "Reportage" von 65 Radierungen. Die Kriegskatastrophen, ausgeführt zwischen 1810 und 1820. Darin illustriert der Künstler die Massaker, Vergewaltigungen, Gewalt, Attentate, Obszönitäten und Verbrechen, die sowohl die französische als auch die spanische Armee während der napoleonischen Besatzung verübten. Ein dunkles, neugieriges und irrationales Element war in Goyas Werk offensichtlich. In seiner Radierserie Los Caprichos (veröffentlicht 1799) gibt es nichts von der Fröhlichkeit, die in ähnlich betitelten Werken von Tiepolo, Fragonard oder Guardi oft vorherrscht. Der Künstler hinterfragte auch die Exzesse seiner Vorstellungskraft in Capricho Nr. 43, ein Selbstportrait. Sein Kopf ruht auf einer soliden Basis, einer Metapher für die Ordnung in der Welt, während er mitten in einem Albtraum steckt. Er betitelte das Stück "Der Schlaf der Vernunft bringt Monster hervor", fügte hinzu, "die von der Vernunft verlassene Vorstellungskraft erzeugt Monstrosität, zusammen bilden sie die Mutter der Künste und den Ursprung des Wunders." Dieser Satz fasst das ästhetische Ideal der Romantik zusammen, für das Kunst Krankheit, Irrationalität oder Tod nicht "erlöst", sondern tatsächlich von dieselbe Quelle. Goyas Werk war für seine Zeit äußerst fortschrittlich und zeigte ein erstaunliches technisches Können sowohl in der Radierung als auch in der Malerei. Seine Werke sind geprägt von in der Ikonographie des 18. Jahrhunderts unbekannten Problemen und Konflikten und einem kargen, düsteren Umgang mit Landschaft. Goyas Porträts offenbaren oft die außergewöhnliche innere Komplexität der menschlichen Seele – sie können Arroganz, Autorität und Leere zugleich veranschaulichen. Auch als er offizielle Leinwände wie das berühmte Gruppenporträt malte Die Familie von Charles NS (1800-01) wurde die menschliche Schwäche der Probanden deutlich. Goyas Technik der Aktmalerei sollte einen entscheidenden Einfluss auf die spätromantische und sogar impressionistische Malerei haben. Seine Die Maja Nude (1800) ist wohl einer der berühmtesten Akte der Kunstgeschichte. Er war auch ein Meister der Freskenmalerei, wie aus den erschreckenden "Schwarzen Gemälden" (1820-22) aus dem "Haus des Gehörlosen", seinem Landhaus, die 1873 auf Leinwand übertragen wurden, deutlich wird. Einzigartig für seine Zeit, präfigurierte Goya viele Themen der modernen Kunst in einem breitgefächerten Werk, das eine unerreichte Ausdrucksintensität zeigt.


Das Begräbnis der Sardine,


Einige Zeit nach 1812, in einer Zeit der Not für sein Land und sich selbst, malte Francisco Goya eine ausgelassene Szene, die die Ausgelassenheit der Madrider am Aschermittwoch zeigt. Liberale Geister wie Goya hatten unter dem Absolutismus und dem Terror der Inquisition gelitten, und das Gemälde, ein Zeugnis von Sitte und Lebensfreude des einfachen Volkes, spiegelt die eigene Angst und Bedrängnis des Künstlers wider. Das 82,5 x 62 cm große Werk befindet sich heute in der Königlichen Akademie von San Fernando, Madrid.


Francisco de Goya
Das Begräbnis der Sardinen

1812-14
Öl auf Holz, 82,5 x 59 cm
Museo de la Real Academia de San Fernando, Madrid

Gläubige im ganzen katholischen Spanien strömten am Aschermittwoch in die Kirche. "Denn Staub bist du, und zu Staub sollst du zurückkehren" - den heiligen Text aussprechend, zeichnete der Priester ein aschfarbenes Kreuz auf die Stirn jedes Gemeindemitglieds und ermahnte sie, ihre Sünden zu bereuen. In Madrid hingegen war der Aschermittwoch ein Tag des Tanzens und Trinkens, als der Karneval seinen Höhepunkt erreichte.
Eine wogende Menschenmenge versammelt sich unter einem Februarhimmel. Männer, Frauen und Kinder, die meisten maskiert oder zumindest verkleidet, drängen sich um vier tanzende Figuren: drei in Weiß, die vierte als Stier mit Totenmaske gekleidet. Die Figuren scheinen im Gleichschritt zu tanzen, manche mit anmutig über dem Kopf erhobenen Armen, andere wild gestikulierend. Sie brauchen keine Begleitung, von einer Gitarre ist keine Spur. Das Geklapper von Kastagnetten und stampfenden Füßen sowie das Klatschen und Fingerschnippen der Zuschauer prägen den Rhythmus.
Die Szene hat einen Hauch von Improvisation, als ob sich eine Gruppe von Leuten ganz spontan entschieden hätte, einen Volkstanz oder eine Form von urkomischer Groteske aufzuführen, vielleicht die Karikatur einer Seguidilla - kaum überraschend in einem Land, in dem jedes kleine Mädchen zur lokalen Legende, wird tanzend geboren. In Spanien wurde zu jeder Gelegenheit getanzt, sogar bei den wichtigsten religiösen Festen. Wenn zum Beispiel in Valencia eine Prozession stattfand, war es üblich, dass sieben Zigeuner vor dem Heiligen Sakrament eine heilige Runde tanzten.
Goyas Tanzszene mit den weißen Figuren, dem "Stier", dem Mann mit der Lanze und einem herumtrottenden "Bär" im Vordergrund, ist Teil einer bizarren Zeremonie, die jedes Jahr am Aschermittwoch in Madrid stattfand, genannt "Das Begräbnis der Sardine". .
Nachdem die Madrider die letzte Nacht des Karnevals zelebriert und geschwärmt hatten, zogen sie ihre Masken und Kostüme an und gingen für eine letzte Affäre auf die Straße. Gegen Abend drängten sie sich auf die überfüllte Promenade am Prado und wuchsen die Reihen eines burlesken "Begräbnismarsches" an, der die Stadt durch das Tor von Toledo verließ. Erst am Ufer des Manzanares, einem beliebten Naherholungsgebiet, kamen sie schließlich zum Stehen.
Traditionell wurde der Marsch von drei maskierten Gestalten angeführt, die möglicherweise zu Goyas Tänzern gehören: "Onkel Chispas" (der Funke) mit wild rollenden Augen, der eitle Herzensbrecher "Juanillo" und die eigenwillige, schöne "Chusca". Die Prozession mit den maskierten Gestalten an der Spitze verhöhnte den ernsten Prunk der Kirchenumzüge. Zum feierlichen Trommelwirbel trugen düster aussehende Männer in Kapuzen - statt Heiligenbildern - Banner, die einen mondgesichtigen, grinsenden Karnevalskönig verkünden, sowie eine riesige Strohpuppe namens "Pelele", mit einer winzigen baumelnden Sardine .
Goya malte weder Pelele noch Sardine - deren Herkunft übrigens Gelehrte nicht nachweisen können. Stattdessen zeigte er die Prozession an einer der Etappen ihrer Route oder vielleicht einfach nur eine Szene auf den Wiesen neben den Manzanares, während anderswo unter dem Lärm explodierender Feuerwerkskörper der Fisch begraben wurde und die Strohpuppe in Flammen aufging.
Es wurde nicht nur getanzt, sondern viel gegessen und getrunken: An diesem ersten Fastentag wurden kirchliche Regeln beiseite gewischt, während gebratene Zicklein und fette Schinken verzehrt wurden.
Es ist nicht bekannt, ob die Inquisition, die zu Goyas Lebzeiten weiterhin Terror verbreitete, tatsächlich versuchte, dieses heidnische Gelage zu unterdrücken. Als Hüter des einen wahren Glaubens und der reinsten Moral würde es natürlich das Tanzen verdammen. Dennoch zog es es vor, direkte Konflikte mit dem einfachen Volk zu vermeiden und wählte Opfer anstelle eines höheren sozialen Status: 1778 wurde der gesamte Besitz von Don Pablo Olavide vom Heiligen Tribunal beschlagnahmt und sein Name in der fünften Generation geächtet. Ihm wurde unter anderem vorgeworfen, seinen Dienern erlaubt zu haben, auf einem Sundav zu tanzen.

Tage, an denen Barrieren fielen


Francisco de Goya
Das Begräbnis der Sardinen
(Detail)

Im Gegensatz zu den Frauen unter den Zuschauern, deren Haare und Haut weitgehend verschleiert sind, zeigt die Kastagnettentafel nackte Arme und einen üppigen Busen. Hinter der weißen Maske und den geschminkten Wangen mag ein Mann verborgen gewesen sein. oder eine Prostituierte. Karneval war eine ausgezeichnete Gelegenheit, um Werbung zu machen. Frauen trugen Hosen, Männer Röcke, und alle gingen mit Schildern herum, die Autoritätspersonen offen beleidigten, die ihnen auf den Rücken geheftet waren.
Für einige Tage wurden die moralischen und sozialen Schranken einer streng hierarchischen Gesellschaft samt ihren sexuellen Tabus beiseite gewischt. Zeiten vergleichbarer orgiastischer Zügellosigkeit, sogenannte Bacchanien oder Saturnalien, gab es in vorchristlicher Zeit. Die aufsteigende christliche Kirche hatte getan, was sie konnte, um die Feierlichkeiten zu kontrollieren, und sie in ihren eigenen Kalender aufgenommen als eine kurze Zeit lärmenden Verhaltens, die zu den 40-tägigen Fastenzeiten vor Ostern führte.
Wie die Etymologie des Wortes "Karneval" selbst bleiben die Ursprünge der mit dem Karneval verbundenen Bräuche im Dunkeln. Sie können weit zurückreichen - möglicherweise bis zu den archaischen und blutrünstigen Fruchtbarkeitsriten bestimmter früher Agrargesellschaften. So soll die Strohpuppe Pelele, die am letzten Tag des Madrider Festes in Flammen aufgeht, ein entfernter Nachkomme bestimmter Könige sein, die sich opferten, um ihrem Volk eine reiche Ernte zu sichern. Später wurden ihre Untertanen gezwungen, an ihre Stelle zu treten: Caesar schrieb von riesigen Korbfiguren, die die Kelten mit Menschen zusammenpackten und anzündeten. Der Brauch des Faschingshaufens blühte überall dort, wo sich die Kelten niederließen, auch in Spanien. Figuren wurden wie in Madrid vor den Toren der Stadt gezündet. Dies geschah nicht aus Angst vor Feuer, sondern weil das Ritual, ob beschwört oder vertrieben, auf Geister gerichtet war, die in Zwielichtzonen wandelten.
Ein Mensch, der ein abscheuliches Verbrechen begangen oder einen gewaltsamen Tod begangen hatte, fand nach dem Volksglauben keinen ewigen Frieden, sondern kehrte als Geist zurück, um die Lebenden zu verfolgen. Zur Abwehr wurden Masken und bemalte Gesichter getragen. Totenmasken mit hohlen Augen starren aus Goyas Menge, während auf dem dunklen Banner über ihnen das Wort "Mortus" - der Tod -, allerdings mit Mühe, zu erkennen ist. Karneval war ursprünglich kein Fest der Freude. Nach altem Glauben tauchten die geisterhaften "Untoten" um den letzten Neumond im Winter wieder auf. Dies fiel mit dem alten keltischen Frühlingsfest und mehr oder weniger mit dem christlichen Karneval zusammen.
Die Maske des Bären links unten im Bild war dem Anlass angemessen. Sobald der Frühling kommt, erwacht der Bär aus dem Winterschlaf und taumelt aus seiner Höhle. Nach einer merkwürdigen Überlieferung, von deren Ernst Aristoteles bezeugt, ist die erste Handlung des Bären, wenn er auf diese Weise erscheint, ein abführendes Kraut zu essen, wodurch er in einem Furz von stürmischem Ausmaß alle Geister ausstößt, die er während seiner Zeit bewirtet hatte die Wintermonate.

Die Herzogin hat in schäbigen Bars getrunken


Francisco de Goya
Das Begräbnis der Sardinen
(Detail)

Der Bär 'wurde normalerweise von der Figur eines Jägers begleitet. Die schnurrbärtige Figur mit gesenkter Lanze, die sich zu den Tänzern gesellt, könnte jedoch der Partner des schwarzen Stiers in diesem Volkstanz sein. Sein Kostüm mit dem schwarzen, breitrandigen Hut, der Lederhose und der bestickten ärmellosen Weste erinnert an die traditionellen Anzüge der Picadors in Goyas Darstellungen von Stierkämpfen. Auch die Zuschauer beim "Begräbnis der Sardine" strömten in die Arena zu Stierkämpfen. Um die Tänzer versammeln sich die "niederen" Orden, Menschen, die in den ärmeren Vierteln Madrids lebten. Das war "l commun", das gemeine Volk, oder, wie diejenigen, die sich eine Kutsche leisten konnten, nannten, "la gente de a pie": die Leute, die zu Fuß gehen.
Weiße Mantillas leuchten überall, wohin man in der Menge schaut. Im Norden schwarz, im Süden und Madrid weiß getragen und von einem breiten dunklen Rock begleitet, wurden sie traditionell von Spanierinnen aller Klassen getragen. Unter den Zuschauern befanden sich wahrscheinlich Hausfrauen, Dienstmädchen und Fischfrauen, aber auch Handwerker, Wasserverkäufer und Krämer, Hausierer und Ladenburschen. Wie die Tänzerin rechts tragen viele eine runde kastilische Ledermütze über einem geknoteten Kopftuch, das über die Stirn gezogen ist, sowie eine Wolldecke über den Schultern, die Entschuldigung des armen Mannes für einen Wintermantel.
Bei unsicheren Löhnen hätten die meisten in primitiven Unterkünften gelebt, aus denen sie bei jeder Gelegenheit flohen. An offiziellen kirchlichen Feiertagen schwärmten sie draußen auf die Straße oder auf die Wiesen am Fluss. Sie wurden von jeder Art von Massenunterhaltung angezogen, und ihre Liebe zu Show und Glitzer zog sie in großer Zahl an die Korrida, das Theater und die Kirchenumzüge.
Goya erzielte seinen ersten Erfolg als junger Künstler, indem er verschiedene Formen der spanischen Volksunterhaltung malte. Seine farbenfrohen Entwürfe für Wandteppiche zum Beispiel zeigten eine lokale Schönheit unter einem Sonnenschirm, ein Spiel Blindenfell und ein Tanzen Sie am Ufer des Manzanares. Diese Werke wurden für eine Aristokratie gemalt, die entschlossen war, den französischen Einfluss in Schach zu halten, sich national bewusst wurde und eine Vorliebe für die Volkskultur entwickelte.
In der traditionellen Volkstracht von a Maja oder manola, ein gewöhnliches Mädchen, die verwöhnte Herzogin von Alba begleitete die Künstlerin in die Korrida, oder zu Backstreet-Bars von schlechtem Ruf.Ihre Streifzüge in diese Unterwelt erlaubten dieser Dame von höchstem Adel, den Nervenkitzel der Gefahr zu genießen: Aufgeknöpfte, ausgelassene Stimmungen konnten sich schnell ändern, Kämpfe brachen ohne Vorwarnung aus, Messer blitzten.
Goya, malt das blutige Ergebnis eines spontanen Aufstands auf Der dritte Mai 1808 in Madrid, fängt etwas von diesem heftigen Zug im spanischen Temperament ein. Die Spanier hatten die Misswirtschaft ihrer Wirtschaft durch ihren eigenen König Karl IV. mit Gleichmut ertragen. Als jedoch die Franzosen das Land besetzten und die Kirchen plünderten und Napoleon ihren Monarchen entführte, kam es zu einer bewaffneten Rebellion. Von 1808 bis 1812 führten sie einen erbitterten Guerillakrieg gegen die Besatzer mit Folter, Mord und anderen Gräueltaten. Spuren des Kampfes finden sich in Goyas Werk.

Vom Lebemann zum Einzelgänger


Francisco de Goya
Das Begräbnis der Sardinen
(Detail)

Eines der Gesichter – oder Masken – in der Menge ist besonders auffällig und ähnelt einem Selbstporträt, das Goya 1815 im Alter von neunundsechzig Jahren ausführte, ein Gemälde, das ungefähr zeitgenössisch ist Das Begräbnis der Sardinen. Mit seinem flachen Bauerngesicht und den tiefliegenden Augen, dem leicht geneigten Kopf, der aus einem offenen Kragen ragte, bewegte sich der Künstler mit Leichtigkeit unter dem gemeinen Volk von Madrid. Er war einer von ihnen - von Geburt, Temperament und Neigung.
Goya lebte 50 Jahre in Madrid. 1746 als Sohn eines Vergolders in Fuendetodos in Aragon geboren, kam er 1774 nach Madrid und erlangte durch seine großformatigen Karikaturen für Wandteppiche einen gewissen Bekanntheitsgrad. In seinem Buch "Tableau de l'Espagne moderne" lobte der französische Baron de Bourgoing Goyas Talent, "die Bräuche, Kostüme und Spiele seines eigenen Landes charmant und lebensnah zu vermitteln". Auch als Porträtist war Goya sehr gefragt. Mit seiner Leidenschaft für harte Arbeit brachte ihm sein Genie bald Erfolg in der Öffentlichkeit: 1780 wurde er in die Akademie von San Fernando gewählt, sechs Jahre später wurde er Hofmaler. 1789 wurde er zum "Hofmaler des Königs" ernannt, eine sehr begehrte Position, die ihm ein beträchtliches Taschengeld einbrachte. Dies sicherte nicht nur den Lebensunterhalt seiner Familie, sondern ermöglichte die Lebemann Goya, um sich dem extravaganten Lebensstil eines Madrider hinzugeben manolo ansprechend finden würde. Goya liebte Extravaganz aller Art, verkleidete sich als Dandy und war besonders stolz auf seinen modischen Trainer. Seine Korrespondenz zeigt, dass er ein extrovertierter Handwerker war, der neben der Malerei vor allem Frauen, Stierkämpfe und heiße Schokolade liebte.
Nach und nach geriet der ungebildete Künstler jedoch unter den Einfluss seiner Kollegen an der Akademie: Intellektuelle, Journalisten und Politiker. Diese Männer hatten mit ihren Träumen von einem liberalen Spanien mit Begeisterung den Ausbruch der Französischen Revolution begrüßt. 1790 schrieb Goya an einen Freund: „Ich habe die Absicht, eine bestimmte Idee aufrechtzuerhalten und eine gewisse Würde zu bewahren, die allen Menschen zusteht.“
Zwei Jahre später erkrankte Goya an einer fast tödlichen Krankheit, die ihn taub und zunehmend isoliert zurückließ. Aus dem anspruchslosen Lebemann wurde ein grübelnder Einzelgänger. Obwohl er seine Arbeit als Porträtist fortsetzte, weigerte er sich, weitere Cartoons mit schwulen, folkloristischen Szenen zu machen. Er malte nicht mehr, um Erfolg zu haben, sondern um "eine Vorstellung zu beschäftigen, die durch die Betrachtung meiner Leiden gedemütigt wurde".
Er begann eine Serie von Bildern von Schiffswracks, Nachtbränden und dramatischen Szenen mit Räubern. Diese kleinen Bilder erlaubten ihm, Beobachtungen festzuhalten, "die man nicht ausdrücken kann". in Auftragswerken, da diese der Phantasie und Erfindung keinen freien Lauf lassen." Mit Hilfe von Stichen und Zeichnungen konnte Goya jeder "Fantasie" - jeder Laune, oder "capricho" auf Spanisch - einen möglichst lebendigen Ausdruck verleihen. 1799 veröffentlichte er eine Reihe von satirischen Stichen mit dem Titel Los Caprichos, in der Art seiner "aufgeklärten" Freunde alle Arten von Dummheit, Vorurteilen und Aberglauben geißelt und die Mächte der Unterdrückung, einschließlich der Kirche und ihrer Inquisition, angegriffen, weil sie das Volk in Unwissenheit und Elend halten.
Es gibt eine Vorstudie für Das Begräbnis der Sardinen die wild tanzenden Figuren als Priester, Mönche und Nonnen zeigen. Ganz so direkt im Gemälde wagte Goya jedoch nicht, eine so mächtige Institution ins Lächerliche zu ziehen.

Tod in Gestalt eines Stiers


Francisco de Goya
Das Begräbnis der Sardinen
(Detail)

Die Versammlung wird von einer düsteren, schwarz gekleideten Figur dominiert, deren Attribute, eine Totenmaske und Hörner, seit Jahrtausenden in Mythen und Legenden das Böse verkörpern. Figuren dieser Art sind eine Kreatur mit Widderkopf, die den keltischen Todesgott begleitete, den mit den Sünden der Israeliten beladenen Sündenbock in die Wüste und Satan, der in Gestalt einer schwarzen Ziege mit seinen Hexen eine unheimliche Messe feierte. In den Arenen Spaniens werden schwarze Bullen, die vor Kraft strotzen, von Toreros besiegt, die eine glitzernde "Lichtsuite" tragen, die bewusst oder unbewusst ein uraltes Kultritual nachspielen, in dem das Gute über das Böse triumphiert.
Goya selbst soll in seiner Jugend so etwas wie ein Stierkämpfer gewesen sein, und viele seiner Werke zeigen die verschiedenen Stadien des rituellen Tötens. Zusammen mit Das Begräbnis der Sardinen, sein Stierkampf in einem Dorf gehört zu einer Gruppe von fünf Bildern, die Manuel Garcia de la Prada, ein Freund des Künstlers, der Royal Academy of San Fernando geschenkt hat, wo sie bis heute hängen. Da die Gemälde in Goyas Inventar von 1812 nicht erwähnt werden, entstanden sie wahrscheinlich in den folgenden Jahren, eine schicksalhafte Zeit für Spanien wie auch für den Künstler selbst.
Obwohl die Spanier den Krieg gegen Frankreich gewonnen hatten, kehrte Ferdinand VII., der Monarch, nach dem sie sich "sehnten", 1814 zurück, nur um die absolute Herrschaft und damit die Inquisition wieder einzuführen. Die Reaktion und die Unterdrückungskräfte triumphierten, „wer sich ihnen in den Weg stellte“, wurde gesäubert, gefoltert und gehängt. Einer von Goyas Freunden, der Schauspieler Maiquez, verlor im Gefängnis seinen Verstand, andere, Liberale wie er, flohen aus dem Land nach Frankreich. Auch Goya wurde vor die Inquisition vorgeladen, wahrscheinlich um sich für die Beleidigung durch seine Aktmalerei zu verantworten Nackte Maja. Er kam glimpflich davon und behielt sogar sein Taschengeld als Hofmaler. Mit dem Tod seiner Frau und der Herzogin von Alba wurde der Künstler jedoch zunehmend zurückgezogen und zog sich praktisch vollständig aus dem öffentlichen Leben zurück. Die Erfahrungen und Ängste dieser Jahre spiegeln sich in den fünf Akademiebildern wider: Das Begräbnis der Sardinen und der Stierkampf, es gibt eine Asyl, eine Prozession fanatischer, blutender Flagellanten und ein Prozess vor der Inquisition.
Diese Arbeiten markieren eine Übergangsphase in Goyas Oeuvre. Obwohl er weiterhin ein Maler von Volksszenen mit realistischen Darstellungen der Bräuche der la gente de a pie blieb, begann er nun, den schrecklichen Abgrund aufzudecken, der sich hinter den scheinbar harmlosen Aktivitäten des einfachen Volkes klaffte. Seine Farben wurden blass und gespenstisch oder zutiefst düster, und seine Figuren verloren den charakteristischen "Charme", der seiner Arbeit einst so viel Bewunderung eingebracht hatte. Stattdessen gestikulierten sie wie Marionetten, mit Gesichtern hinter Masken versteckt: „Für alles Leben“, so die Künstlerin, „ist eine Maskerade. Gesichter, Kleidung und Stimme sind falsch, jeder täuscht den anderen."

Ein Spiegelbild des Horrors

Der spanische Aufstand gegen Napoleon


Niemand ist unschuldig, wenn er einmal gesehen hat, was ich gesehen habe. Ich erlebte, wie sich die edelsten Ideale von Freiheit und Fortschritt in Lanzen, Säbel und Bajonette verwandelten. Brandstiftung, Plünderungen und Vergewaltigungen, die alle eine neue Ordnung bringen sollten, tauschten in Wirklichkeit nur die Garrotte gegen den Galgen.

Francisco de Goya, aus einem Tagebucheintrag, 1808


Francisco de Goya
Der dritte Mai 1808: Die Hinrichtung der Verteidiger von Madrid

1814
Öl auf Leinwand, 266 x 345 cm
Museo del Prado, Madrid


Dieses Gemälde, eines von Goyas berühmtesten, war besonders einflussreich und inspirierte später die Kriegsbilder von Manet und Picasso. Die Leinwand zeigt die Erschießung von Partisanen auf einem Hügel in der Nähe des Hauses des Fürsten Pius durch Erschießung von Partisanen, die an den Unruhen vom Mai 1808 gegen Joseph Bonaparte teilgenommen hatten, den Napoleon auf den spanischen Thron gesetzt hatte. Napoleons Vermögen verschlechterte sich bald nach diesen Unruhen. Die dramatische Szene spielt nachts an einem einsamen Ort in der Nähe des Königspalastes von Madrid (rechts im Hintergrund als große, dunkle Gestalt dargestellt). Goya gedenkt der Tapferkeit der Patrioten, behält aber einen objektiven, distanzierten Blick auf diese sehr moderne Methode des Abschlachtens. Rechts im Vordergrund das Erschießungskommando, links vor den nivellierten Geschützen die Märtyrer der Unabhängigkeit, um eine Figur im weißen Hemd versammelt und vom gelben Licht der Laterne beleuchtet Boden.

Die Komposition basiert auf zwei gegensätzlichen Gruppen: Die rechte ist mit geraden Linien gegliedert, die perspektivisch über die Soldaten und ihre Musketen verlaufen, die linke ist entlang geschwungener Linien um den Mann am Hinterbein angeordnet. Im Hintergrund überwiegen die horizontalen Linien der Gebäude. Auf der linken Seite sorgen der Hügel und die Kleidung der zentralen Figur für reflektiertes Licht – mehr Licht kommt von der Laterne.

Durch die Dunkelheit projizieren zwei helle Lichtquellen blendende Strahlen, die die ausdrucksstarken Details der Gesichter und Haltungen sowie die im Boden versunkene Blutlache freilegen. Im Halbdunkel stehen undeutliche Figuren in dramatischen Posen, und am Boden liegen die regungslosen Gestalten der Hingerichteten. rot gestreift. Angestrahlt von grellen Lichtstrahlen taucht die Rebellengruppe aus der Dunkelheit auf.

Die zentrale Figur streckt die Arme aus wie ein Gekreuzigter und schreit, zeigt trotzig durch seine Pose und Gestik. Das helle Weiß und Gelb hebt sich von der gedämpften Farbe seiner Umgebung ab und trägt zu einem fesselnden und dramatischen Bild bei. Im Vordergrund liegt ein Körper mit ausgestreckten Armen.

Die Soldaten stellen sich mit geübter militärischer Starrheit auf, führen ihre Befehle wie Maschinen aus, jeder mit der gleichen angespannten Haltung, die Beine gespreizt für mehr Stabilität beim Rückstoß, "sie bilden einen Chor aus Grau und Broivns, der nur variiert" in den Farben ihrer Rucksäcke. Ein blasses, kaltes Licht, von einer Quelle außerhalb des Bildes nach rechts im Vordergrund, beleuchtet ihre Rücken und Flanken, es ist dasselbe Licht, das auf die links am Boden liegenden Körper fällt. Der Maler wollte, dass der Betrachter das Erschießungskommando erst nach Studium und Empathie mit dem Verurteilten bemerkt.

Kräftige Pinselstriche, unterbrochen von schwarzen Akzenten, porträtieren die Gesichter der Spanier rechts in der Mitte dieses Ausschnitts. Jedes Gesicht hat seine eigene Identität, sie sind wie Masken, die Verzweiflung veranschaulichen, das Weiße ihrer Augen zeigt Schrecken und ihre Mienen sind von Angst und Entsetzen verzerrt. In der Hautfarbe ist ein rauchiges Rot vorhanden, das den kräftigen Hell-Dunkel-Effekt verstärkt. Goya hat seiner Komposition ein großes Gefühl von Freiheit verliehen und seine Verwendung von Farbe zeigt eine Hinwendung zur zeitgenössischen Kunst.

Napoleon war wütend. Die "verdammte spanische Affäre" geriet außer Kontrolle. Schon früh hatte der machtwahnsinnige Kaiser von Frankreich gedacht, es wäre ein Schwächling. Karl IV. von Spam, bestenfalls ein Schwächling, hatte sich in den Hintergrund zurückgezogen und die Regierung in die Hände seiner Frau Maria Luisa und ihres Geliebten Manuel Godoy gelegt. Napoleon hätte den ehrgeizigen Godoy für sich gewinnen können, indem er ihn zum Vizekönig von Spanien ernannt hätte. Seine Verbindungen zu Napoleon, die zu einem katastrophalen Krieg mit Großbritannien führten, machten Godoy jedoch in ganz Spanien unbeliebt. Er entging nur knapp dem Lynchmord, indem er nach Frankreich flüchtete.
Napoleon, so schlau er war, hatte Spanien, einen Verbündeten Frankreichs, immer wie eine unterworfene Nation behandelt. Er weigerte sich, sich gegen eine von seinen Truppen besetzte Nation geschlagen zu geben. Er gab vor, Versöhnung zu suchen, und berief den spanischen König und die spanische Königin mit dem Kronprinzen im Schlepptau nach Frankreich. Napoleons eigentliche Absicht war es, die spanischen Könige gefangen zu halten und seinen ältesten Bruder, Joseph Bonaparte, auf den iberischen Thron zu setzen. Als Napoleons Verrat bekannt wurde, brach am 2. Mai 1808 in Spanien ein verzweifelter Aufstand aus. In hoffnungsloser Unterzahl griff eine mit Messern und Lanzen bewaffnete Bande eine mächtige französische Kavallerie auf der Puerta del Sol, einem Platz im Herzen Madrids, an. In blinder, ohnmächtiger Wut begonnen, war die Revolte von vornherein zum Scheitern verurteilt. Dennoch ist es niemandem näher gekommen, die nackte Brutalität dieser Ereignisse zu zeigen als Francisco de Goya, Hofmaler Karls IV., der ursprünglich Napoleons Ideale begrüßt hatte. Vom Geist der Französischen Revolution durchdrungen, hatte er nicht gezögert, das spanische Königshaus in einem höchst unvorteilhaften Licht zu zeigen, was es war. Napoleon erwies sich jedoch als das Gegenteil von dem, was er zu sein schien. Obwohl er ursprünglich die Freiheit seines eigenen und anderer Völker Europas proklamiert hatte, entpuppte er sich als Despot. Vielleicht waren seine Werte korrumpiert und verdreht. Jedenfalls hat Goya die Szene mit einer Wendung dargestellt: Sein Held ist das Opfer, das als nächstes erschossen wird. Der Mann im weißen Hemd breitet die Arme aus wie Christus am Kreuz. Die Wunden an seinen Händen sind wie die von Christus. Seine Botschaft lautet:
Ich sterbe, damit du lebst. Es sollte fünf Jahre dauern, die Franzosen aus Spanien zu vertreiben.

("Leben und Arbeiten" E. L. Buchholz)

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Inhalt

Francisco Goya wurde am 30. März 1746 in Fuendetodos, Aragón, Spanien, als Sohn von José Benito de Goya y Franque und Gracia de Lucientes y Salvador geboren. Die Familie war in diesem Jahr aus der Stadt Saragossa umgezogen, aber es gibt keine Aufzeichnungen, warum José wahrscheinlich beauftragt wurde, dort zu arbeiten. [5] Sie gehörten zur unteren Mittelschicht. José war der Sohn eines Notars und baskischer Herkunft, seine Vorfahren stammten aus Zerain, [6] verdienten seinen Lebensunterhalt als Vergolder, spezialisiert auf religiöse und dekorative Handwerkskunst. [7] Er beaufsichtigte die Vergoldung und den größten Teil der Verzierungen während des Wiederaufbaus der Basilika Unserer Lieben Frau von der Säule (Santa Maria del Pilar), die wichtigste Kathedrale von Saragossa. Francisco war ihr viertes Kind, nach seiner Schwester Rita (geb. 1737), seinem Bruder Tomás (geb. 1739) (der dem Beruf seines Vaters folgen sollte) und der zweiten Schwester Jacinta (geb. 1743). Es gab zwei jüngere Söhne, Mariano (geb. 1750) und Camilo (geb. 1753). [8]

Die Familie seiner Mutter hatte adelige Anmaßungen, und das Haus, ein bescheidenes Backsteinhaus, gehörte ihrer Familie und trug, vielleicht phantasievoll, ihr Wappen. [7] Um 1749 kauften José und Gracia ein Haus in Saragossa und konnten in die Stadt zurückkehren. Obwohl es keine überlieferten Aufzeichnungen gibt, wird vermutet, dass Goya die Escuelas Pías de San Antón besucht hat, die kostenlose Schulbildung anboten. Seine Ausbildung scheint angemessen, aber nicht aufschlussreich gewesen zu sein, er hatte Lesen, Schreiben und Rechnen und einige Kenntnisse der Klassiker. Laut Robert Hughes "scheint sich der Künstler für philosophische oder theologische Angelegenheiten nicht mehr interessiert zu haben als ein Zimmermann, und seine Ansichten über die Malerei waren sehr bodenständig: Goya war kein Theoretiker." [9] In der Schule verband ihn eine enge und lebenslange Freundschaft mit seinem Mitschüler Martín Zapater. Die 131 Briefe, die Goya von 1775 bis zu Zapaters Tod 1803 an ihn schrieb, geben wertvolle Einblicke in Goyas frühe Jahre am Hof ​​in Madrid. [5] [10]

Im Alter von 14 Jahren studierte Goya bei dem Maler José Luzán, wo er Briefmarken kopierte [ welcher? ] für 4 Jahre, bis er beschloss, selbstständig zu arbeiten, wie er später schrieb "Farbe aus meiner Erfindung". [11] Er zog nach Madrid, um bei Anton Raphael Mengs zu studieren, einem beliebten Maler des spanischen Königshauses. Er kollidierte mit seinem Meister, und seine Prüfungen waren unbefriedigend. Goya reichte 1763 und 1766 Einträge für die Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ein, wurde jedoch der Zulassung zur Akademie verweigert. [12]

Rom war damals die Kulturhauptstadt Europas und beherbergte alle Prototypen der klassischen Antike, während Spanien mit all seinen bedeutenden visuellen Errungenschaften in der Vergangenheit eine kohärente künstlerische Ausrichtung fehlte. Ohne ein Stipendium zu bekommen, übersiedelte Goya auf eigene Kosten nach Rom in der alten Tradition europäischer Künstler, die zumindest bis auf Albrecht Dürer zurückreicht. [13] Er war zu dieser Zeit ein Unbekannter und daher sind die Aufzeichnungen spärlich und unsicher. Frühe Biographen lassen ihn mit einer Stierkämpferbande nach Rom reisen, wo er als Straßenakrobat oder für einen russischen Diplomaten arbeitete oder sich in eine schöne junge Nonne verliebte, die er aus ihrem Kloster entführen wollte. [14] Es ist möglich, dass Goya während des Besuchs zwei erhaltene mythologische Gemälde fertigstellte, a Opfer für Vesta und ein Opfer für Pan, beide datiert 1771. [15]

1771 gewann er den zweiten Preis bei einem von der Stadt Parma organisierten Malwettbewerb. In diesem Jahr kehrte er nach Saragossa zurück und malte Elemente der Kuppeln der Säulenbasilika (einschließlich Anbetung der Namen Gottes), ein Freskenzyklus für die Klosterkirche der Kartause von Aula Dei und die Fresken des Sobradiel-Palastes. Er studierte bei dem aragonesischen Künstler Francisco Bayeu y Subías und seine Malerei begann die zarten Tonalitäten zu zeigen, für die er berühmt wurde. Er freundete sich mit Francisco Bayeu an und heiratete am 25. Juli 1773 seine Schwester Josefa (er nannte sie "Pepa") [16]. Ihr erstes Kind, Antonio Juan Ramon Carlos, wurde am 29. August 1774 geboren. [17]

Die Heirat und Francisco Bayeus Mitgliedschaft in der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando im Jahr 1765 und die Leitung der Tapisseriearbeiten ab 1777 halfen Goya, einen Auftrag für eine Reihe von Tapisserie-Cartoons für die Royal Tapestry Factory zu erhalten. Im Laufe von fünf Jahren entwarf er etwa 42 Muster, von denen viele zur Dekoration und Isolierung der Steinmauern von El Escorial und dem Palacio Real del Pardo, den Residenzen der spanischen Monarchen, verwendet wurden. Während das Entwerfen von Wandteppichen weder prestigeträchtig noch gut bezahlt war, sind seine Cartoons meist populär im Rokoko-Stil, und Goya nutzte sie, um sich selbst breiter aufzufallen. [18]

Die Karikaturen waren nicht seine einzigen königlichen Aufträge und wurden von einer Reihe von Stichen begleitet, meist Kopien nach alten Meistern wie Marcantonio Raimondi und Velázquez. Goya hatte ein kompliziertes Verhältnis zu letzterem Künstler, während viele seiner Zeitgenossen in Goyas Versuchen, ihn zu kopieren und nachzuahmen, Torheit sahen, hatte er Zugang zu einer breiten Palette von Werken des längst verstorbenen Malers, die in der königlichen Sammlung enthalten waren. [19] Dennoch war die Radierung ein Medium, das der junge Künstler beherrschen sollte, ein Medium, das sowohl die wahre Tiefe seiner Vorstellungskraft als auch seine politischen Überzeugungen offenbaren sollte. [20] Seine c. 1779 Radierung von Der verrottete Mann ("El agarrotado") war sein bisher größtes Werk und eine offensichtliche Vorahnung seiner späteren "Disasters of War"-Reihe. [21]

Goya wurde von einer Krankheit heimgesucht, und sein Zustand wurde von seinen Rivalen gegen ihn verwendet, die eifersüchtig auf jeden Künstler blickten, der an Größe zu wachsen schien. Einige der größeren Cartoons, wie z Die Hochzeit, waren mehr als 2,40 mal 3 Meter groß und hatten sich als eine Belastung für seine körperliche Kraft erwiesen. Immer einfallsreich wendete Goya dieses Unglück um und behauptete, seine Krankheit habe ihm die Einsicht ermöglicht, persönlichere und informellere Werke zu produzieren. [22] Das Format empfand er jedoch als einschränkend, da es ihm nicht erlaubte, komplexe Farbverschiebungen oder Texturen einzufangen, und er war ungeeignet für die pastosen und lasierenden Techniken, die er bis dahin auf seine gemalten Werke anwendete. Die Wandteppiche wirken wie Kommentare zu Menschentypen, Mode und Modeerscheinungen. [23]

Weitere Werke aus dieser Zeit sind eine Leinwand für den Altar der Kirche San Francisco El Grande in Madrid, die zu seiner Ernennung zum Mitglied der Royal Academy of Fine Art führte.

Im Jahr 1783 beauftragte der Graf von Floridablanca, Liebling von König Karl III., Goya, sein Porträt zu malen. Er freundete sich mit dem Halbbruder des Königs Luis an und verbrachte zwei Sommer damit, an Porträts des Infanten und seiner Familie zu arbeiten. [25] In den 1780er Jahren wuchs sein Gönnerkreis um den Herzog und die Herzogin von Osuna, den König und andere bedeutende Persönlichkeiten des Königreichs, die er malte. 1786 erhielt Goya eine Anstellung als Maler von Karl III.

Goya wurde 1789 zum Hofmaler von Karl IV. ernannt. Im folgenden Jahr wurde er erster Hofmaler mit einem Gehalt von 50.000 Reales und einer Zulage von 500 Dukaten für eine Kutsche. Er malte Porträts des Königs und der Königin, des spanischen Premierministers Manuel de Godoy und vieler anderer Adliger. Diese Porträts zeichnen sich durch ihre Abneigung aus, seinen zu schmeicheln Karl IV. von Spanien und seine Familie ist eine besonders brutale Einschätzung einer Königsfamilie. [B] Moderne Interpreten betrachten das Porträt als satirisch, es wird angenommen, dass es die Korruption hinter der Herrschaft von Karl IV. enthüllt. Unter seiner Herrschaft soll seine Frau Louisa die eigentliche Macht gehabt haben, und so stellte Goya sie in den Mittelpunkt des Gruppenporträts. Hinten links des Gemäldes sieht man den Künstler selbst, der den Betrachter anschaut, und das Gemälde hinter der Familie zeigt Lot und seine Töchter und wiederholt damit die zugrunde liegende Botschaft von Korruption und Verfall.

Goya erhielt Aufträge aus den höchsten Rängen des spanischen Adels, darunter Pedro Téllez-Girón, 9. Herzog von Osuna und seine Frau María Josefa Pimentel, 12. Gräfin-Herzogin von Benavente, José Álvarez de Toledo, Herzog von Alba und seine Frau María del Pilar de Silva, und María Ana de Pontejos y Sandoval, Marquise von Pontejos. 1801 malte er Godoy in einem Auftrag zum Gedenken an den Sieg im kurzen Oranierkrieg gegen Portugal. Die beiden waren Freunde, auch wenn Goyas Porträt von 1801 meist als Satire angesehen wird. Doch auch nach Godoys Sündenfall bezog sich der Politiker herzlich auf den Künstler. Godoy sah sich selbst als maßgeblich an der Veröffentlichung der Caprichos beteiligt und es wird allgemein angenommen, dass er in Auftrag gegeben wurde La Maja Desnuda. [26]

La Maja Desnuda (La Maja Desnuda) wurde als "der erste völlig profane lebensgroße weibliche Akt in der westlichen Kunst" ohne allegorische oder mythologische Bedeutung beschrieben. [27] Die Identität der Majas ist unsicher. Die am häufigsten zitierten Modelle sind die Herzogin von Alba, mit der Goya manchmal eine Affäre hatte, und Pepita Tudó, die Geliebte von Manuel de Godoy. Keine Theorie wurde verifiziert, und es bleibt als wahrscheinlich, dass die Gemälde ein idealisiertes Komposit darstellen. [28] Die Gemälde wurden zu Goyas Lebzeiten nie öffentlich ausgestellt und waren im Besitz von Godoy. [29] Im Jahr 1808 wurde das gesamte Eigentum von Godoy nach seinem Sturz und Exil von Ferdinand VII. beschlagnahmt, und 1813 beschlagnahmte die Inquisition beide Werke als „obszön“ und gab sie 1836 an die Akademie der Schönen Künste von San Fernando zurück. [30] 1798 malte er leuchtende und luftige Szenen für die Pendentive und die Kuppel der Real Ermita (Kapelle) von San Antonio de la Florida in Madrid. Viele von ihnen zeigen Wunder des Heiligen Antonius von Padua inmitten des zeitgenössischen Madrids.

Irgendwann zwischen Ende 1792 und Anfang 1793 machte eine nicht diagnostizierte Krankheit Goya taub. Er wurde zurückgezogen und in sich gekehrt, während sich die Richtung und der Ton seiner Arbeit änderten. Er begann die Reihe der aquatinierten Radierungen, die 1799 als Caprichos– parallel zu den offizielleren Aufträgen für Porträts und religiöse Gemälde abgeschlossen. 1799 veröffentlichte Goya 80 Caprichos Drucke, die das darstellen, was er als "die unzähligen Schwächen und Torheiten, die in jeder zivilisierten Gesellschaft zu finden sind, und von den üblichen Vorurteilen und betrügerischen Praktiken, die Gewohnheit, Ignoranz oder Eigennutz üblich gemacht haben" beschreibt. [31] Die Visionen in diesen Drucken werden teilweise durch die Überschrift "Der Schlaf der Vernunft produziert Monster" erklärt. Doch diese sind nicht nur düster, sie demonstrieren den scharfen satirischen Witz des Künstlers, der besonders in Radierungen wie Auf der Jagd nach Zähnen.

Goyas körperlicher und seelischer Zusammenbruch scheint sich wenige Wochen nach der französischen Kriegserklärung an Spanien ereignet zu haben. Ein Zeitgenosse berichtete: "Die Geräusche in seinem Kopf und seine Taubheit verbessern sich nicht, aber seine Sicht ist viel besser und er hat wieder die Kontrolle über sein Gleichgewicht." [32] Diese Symptome können auf eine anhaltende virale Enzephalitis oder möglicherweise auf eine Reihe von kleinen Schlaganfällen hinweisen, die aus Bluthochdruck resultieren und die Hör- und Gleichgewichtszentren des Gehirns beeinträchtigen. Symptome von Tinnitus, Episoden von Ungleichgewicht und fortschreitender Taubheit sind typisch für Morbus Menière. [33] Es ist möglich, dass Goya an einer kumulativen Bleivergiftung litt, da er in seinen Gemälden massive Mengen Bleiweiß – das er selbst gemahlen hat [34] – sowohl als Leinwandgrundierung als auch als Primärfarbe verwendete. [35] [36]

Andere postmortale diagnostische Einschätzungen weisen auf paranoide Demenz hin, möglicherweise aufgrund eines Hirntraumas, wie durch deutliche Veränderungen in seiner Arbeit nach seiner Genesung belegt wird, die in den "schwarzen" Gemälden gipfeln. [37] Kunsthistoriker haben Goyas einzigartige Fähigkeit bemerkt, seine persönlichen Dämonen als schreckliche und fantastische Bilder auszudrücken, die universell sprechen und es seinem Publikum ermöglichen, seine eigene Katharsis in den Bildern zu finden. [38]

Die französische Armee marschierte 1808 in Spanien ein, was zum Halbinselkrieg von 1808-1814 führte. Inwieweit Goya am Hof ​​des "Eindringlingskönigs" Joseph I., dem Bruder von Napoleon Bonaparte, beteiligt war, ist nicht bekannt. Er malte Werke für französische Mäzene und Sympathisanten, blieb aber während der Kämpfe neutral. Nach der Restauration des spanischen Königs Ferdinand VII. im Jahr 1814 bestritt Goya jede Beteiligung an den Franzosen. Als seine Frau Josefa 1812 starb, malte er Der zweite Mai 1808 und Der dritte Mai 1808, und Vorbereitung der Reihe von Radierungen, die später bekannt als Die Katastrophen des Krieges (Los desastres de la guerra). Ferdinand VII. kehrte 1814 nach Spanien zurück, aber die Beziehungen zu Goya waren nicht freundschaftlich. Der Künstler fertigte Porträts des Königs für verschiedene Ministerien an, jedoch nicht für den König selbst.

Während seiner Genesung zwischen 1793 und 1794 vollendete Goya eine Reihe von elf kleinen, auf Zinn gemalten Bildern, die eine signifikante Veränderung im Ton und Thema seiner Kunst markieren und aus den dunklen und dramatischen Reichen des Fantasy-Alptraums schöpfen. Hof mit Verrückten ist eine imaginäre Vision von Einsamkeit, Angst und sozialer Entfremdung. Die Verurteilung von Brutalität gegenüber Gefangenen (ob kriminell oder geisteskrank) ist ein Thema, das Goya in späteren Werken [39] untersuchte, die sich auf die Entwürdigung der menschlichen Figur konzentrierten. [40] Es war eines der ersten Kabinettbilder Goyas Mitte der 1790er Jahre, in denen seine frühere Suche nach idealer Schönheit einer Untersuchung der Beziehung zwischen Naturalismus und Fantasie wich, die ihn für den Rest seiner Karriere beschäftigen sollte. [41] Er erlitt einen Nervenzusammenbruch und trat in eine längere körperliche Krankheit ein, [42] und gab zu, dass die Serie geschaffen wurde, um seine eigenen Selbstzweifel, seine Angst und seine Angst, seinen Verstand zu verlieren, widerzuspiegeln. [43] Goya schrieb, dass die Werke dazu dienten, „meine Vorstellung zu beschäftigen, die durch die Betrachtung meiner Leiden gequält ist“. Die Serie bestehe aus Bildern, die "normalerweise keinen Platz in Auftragsarbeiten finden".

Obwohl Goya seine Absicht bei der Erstellung nicht bekannt gab Die Katastrophen des Krieges, sehen Kunsthistoriker sie als visuellen Protest gegen die Gewalt des Dos de Mayo-Aufstands von 1808, den darauffolgenden Halbinselkrieg und die Bewegung gegen den Liberalismus nach der Wiederherstellung der Bourbonen-Monarchie im Jahr 1814. Die Szenen sind einzigartig verstörend, manchmal makaber in ihrer Darstellung des Horrors auf dem Schlachtfeld und repräsentieren ein empörtes Gewissen angesichts von Tod und Zerstörung. [44] Sie wurden erst 1863, 35 Jahre nach seinem Tod, veröffentlicht. Es ist wahrscheinlich, dass es nur dann als politisch sicher galt, eine Reihe von Kunstwerken zu verteilen, die sowohl die französischen als auch die restaurierten Bourbonen kritisierten. [45]

Die ersten 47 Tafeln der Serie thematisieren Ereignisse aus dem Krieg und zeigen die Folgen des Konflikts auf einzelne Soldaten und Zivilisten. Die mittlere Serie (Tafeln 48 bis 64) dokumentiert die Auswirkungen der Hungersnot, die Madrid 1811–12 traf, bevor die Stadt von den Franzosen befreit wurde. Die letzten 17 spiegeln die bittere Enttäuschung der Liberalen wider, als die wiederhergestellte bourbonische Monarchie, ermutigt von der katholischen Hierarchie, die spanische Verfassung von 1812 ablehnte und sowohl staatliche als auch religiöse Reformen ablehnte. Seit ihrer ersten Veröffentlichung werden Goyas Szenen von Gräueltaten, Hunger, Erniedrigung und Demütigung als "wunderbare Blüte der Wut" bezeichnet. [46]

Der dritte Mai 1808, 1814. Öl auf Leinwand, 266 cm × 345 cm (105 Zoll × 136 Zoll). Museo del Prado, Madrid


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