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In welchem ​​Zeitraum wurden Signaturrubriken verwendet?

In welchem ​​Zeitraum wurden Signaturrubriken verwendet?

Eine Rubrik ist ein Schnörkel, der eine Unterschrift schmückt; Es ist sowohl dekorativ als auch ein Sicherheitsmerkmal. Zumindest bei europäischen Sprachen werden noch Signaturen verwendet, aber Rubriken wurden, soweit ich das beurteilen kann, aufgegeben. Wann kamen sie mehr oder weniger in und aus der Mode?


Abschlussarbeit

Für die letzte Aufgabe möchte ich, dass Sie sich sowohl den zeitgenössischen Künstler, über den Sie sprechen, als auch den historischen Zeitraum, den Sie gewählt haben, ansehen und für mich eine Vergleichs- und/oder Kontrastarbeit über die beiden schreiben. Wenn Sie sich zum Beispiel für Roberto Lugo und prähistorische Keramik entschieden haben, werden Sie zunächst nicht viel gemeinsam finden, aber bei Roberto Lugo dreht sich alles um grundlegende Schöpfung und Notwendigkeit in seiner Arbeit, er ist buchstäblich nach draußen gegangen und hat ein Rad aus Schrott gemacht und geworfener Lehm fand er auf der Erde. Höhlenmenschen Zeug. In ähnlicher Weise wurde Keramik von alten Völkern hergestellt, indem sie das verwendeten, was sie zu dieser Zeit um sich herum hatten, mit viel weniger Verständnis dafür, was sie taten. Diese Aufgabe wird am Tag unseres Abschlusses in der Klasse, Dienstag, 5. Mai, fällig.

Mindestens 6 bis 8 Absätze, die die beiden Künstler/Zeiträume vergleichen und/oder gegenüberstellen.
Zum Beispiel:

- Absatz über zeitgenössische Künstler

- Absatz über historische Künstler/Zeitraum

Tun : Benutze deine eigenen Worte und was du denkst und fühlst.

Nicht: Plagiieren Sie, wenn Sie sich nicht sicher sind, was genau das im Lehrplan bedeutet. Ich kann und werde prüfen, ob Sie Ihre Arbeit nur kopieren und einfügen. Ich möchte wissen, was Sie denken.

BONUSPUNKTE: Wenn Sie dem Papier Medien (Bilder, Videos usw.) hinzufügen.

Ich werde Grammatik und Rechtschreibung nicht zu hart benoten. Bitte beachten Sie jedoch beides.

Nächste Woche werde ich alle Arbeiten, die erledigt sind, entlassen. Wenn Sie möchten, können Sie es am Dienstag, den 5. um 11 Uhr, vorbeikommen und abholen. Arbeiten, die dann nicht abgeholt werden, werden weggeworfen, wenn Sie nichts anderes mit mir vereinbaren.


Gib mir deinen John Hancock

Schiefer Tech-Kolumnist Farhad Manjoo argumentierte kürzlich, dass das Faxgerät hauptsächlich aufgrund unserer Bindung an die schriftliche Unterschrift weiterlebt. Manjoos Beobachtung weckte die Neugier des Erklärers: Wann wurde das Kritzeln Ihres Namens auf ein Blatt Papier zu einem Mittel zur Authentifizierung?

Vor langer Zeit. Unterschriften auf schriftlichen Transaktionen sind in jüdischen Gemeinden etwa seit dem zweiten Jahrhundert und bei Muslimen seit der Hegira (der Einwanderung Mohammeds und seiner Anhänger nach Medina) im Jahr 622 üblich. In Europa stammt die Unterschrift aus dem sechsten Jahrhundert. Doch dort setzte es sich noch über tausend Jahre lang durch, bis im 16. und 17. Jahrhundert Bildung und Alphabetisierung anstiegen und weitere schriftliche Vereinbarungen getroffen wurden. In England war das Statute of Frauds von 1677, das festlegte, dass Verträge schriftlich bestehen und eine Unterschrift tragen müssen, von entscheidender Bedeutung. Unterschriften wurden zu einer Standardform der Validierung von Vereinbarungen – eine Praxis, die auch im kolonialen Amerika übernommen wurde.

Zwischen dem 6. Jahrhundert, als zum ersten Mal Unterschriften erschienen, und dem 17. Jahrhundert, als das Unterschreiben zur Standardpraxis wurde, nutzten die Europäer neben der Unterzeichnung verschiedene Bräuche, um Verträge zu formalisieren. * Wachssiegel mit einer eingeprägten oder geprägten Figur waren vor allem bei den Franzosen üblich, die die Tradition während der normannischen Invasion nach England brachten. (Siegel kommen auch in der Bibel vor, und bis heute ist das Siegeln, nicht das Unterschreiben, in China, Japan und Korea gängige Praxis.) Eine beliebte Methode, diese Eindrücke zu erzeugen, bestand darin, einen Siegelring in Bienenwachs zu drücken. Siegelringe selbst wurden auch als Bestätigung verwendet: Ein König könnte beispielsweise einen Herold mit einer mündlichen Botschaft an eine fremde Macht schicken und ihm den königlichen Siegelring geben, damit der Empfänger der Botschaft von der Herkunft der Botschaft überzeugt war.

Andere, beiläufigere Vereinbarungen wurden auch in physischer Form getroffen. Eine Haarsträhne abzuschneiden und an jemand anderen zu geben, war eine Möglichkeit, einen Vertrag zu besiegeln. Um das 13. Jahrhundert wurden Vereinbarungen manchmal mit einer Ohrfeige oder einem anderen traumatischen Akt markiert. Die Theorie war, dass sich beide Parteien nicht nur an die Verletzung erinnern würden, sondern auch an die Einigung, die bei ihrer Zufügung erzielt wurde.

Trotz Individualität und Lesbarkeit erscheinen als ob sie wesentliche Merkmale einer Signatur sein sollten, war das nie wirklich der Fall. Ab dem 9. und 10. Jahrhundert beglaubigte Schreiber Dokumente mit dem Kreuzzeichen. Diese Praxis kann den Brauch unter Analphabeten erklären, anstelle ihres Namens ein „x“ zu unterschreiben. Im Gegensatz dazu war unter den gebildeten Vornehmlichkeiten eine Unterschrift nicht leicht zu erkennen – eine komplizierte und unleserliche Unterschrift statt einer gedruckten deutete auf eine Ausbildung in Handschrift hin.

Es ist auch seit langem anerkannt, dass die genaue Beachtung von Unterschriften keine besonders gute Möglichkeit ist, Betrug zu erkennen oder auszuschließen. Ein Fall von Fälschung von Zahlungsanweisungen in England im Jahr 1772 hing beispielsweise mehr vom unberechenbaren Verhalten des angeblichen Fälschers ab als von den feinen Unterschieden in der Handschrift von einem Dokument zum nächsten. Um Identitätsdiebstahl zu erwischen, achten moderne Kreditkartenunternehmen und Banken weniger auf die Unterschriften ihrer Kunden als auf ihr Kaufverhalten. (Ein begeisterter Witzbold demonstriert hier anekdotisch die schockierende Bedeutungslosigkeit der Unterschriftenkonsistenz.)

Die Gesetze darüber, was eine Signatur ausmacht, haben in den letzten Jahrhunderten auf den technologischen Wandel reagiert. Die Entwicklung der Druckmaschine – und in kleinerem Maßstab auch die Begeisterung in den 1860er und 70er Jahren für den Besitz eines benutzerdefinierten Stempels mit einem Faksimile Ihrer Unterschrift – zwangen sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten Gerichte, zu entscheiden, ob das Drucken oder Ihren Namen zu stempeln gilt als Unterschrift (allgemein: ja). Das Telegramm stellte auch eine erhebliche Herausforderung für das geltende Recht dar: Der Fall 1869 von Howley v. Whipple in New Hampshire festgestellt, dass eine per Telegramm getroffene Vereinbarung einen unterzeichneten Vertrag darstellt. Im Internet „unterschreiben“ wir ständig Dinge, oft ohne es zu merken. In den Vereinigten Staaten und Großbritannien haben Richter bestätigt, dass ein am Ende einer E-Mail eingegebener Name eine Unterschrift und eine E-Mail eine verbindliche Vereinbarung darstellen kann.

Haben Sie eine Frage zu den heutigen Nachrichten? Fragen Sie den Erklärer.

Erklärer dankt Brigitte Miriam Bedos-Rezak von der New York University,Jane Caplan von der University of Oxford und Stephen Mason, Autor von Elektronische Signaturen im Recht.

Berichtigung, 25. März 2011:Der Artikel schlug ursprünglich vor, dass Europäer in der Zeit zwischen dem 6. und dem 17. Jahrhundert keine Unterschriften benutzten. Tatsächlich wurde während dieser Zeit die Unterzeichnung zusammen mit anderen Mitteln zur Beglaubigung von Vereinbarungen praktiziert. (Kehre zum korrigierten Satz zurück.)


In welchem ​​Zeitraum wurden Signaturrubriken verwendet? - Geschichte

Lambert Hitchcock Möbel wurden von 1825 bis zu seinem Tod im Jahr 1852 und von Herbst 1948 bis Frühjahr 2006 hergestellt. Es gibt einige Möglichkeiten, das ungefähre Alter eines Stuhls zu bestimmen.

Wird die Reparatur meiner Hitchcock-Möbel den Wert mindern??

Die Antwort ist definitiv nicht, wenn es richtig gemacht wird. Es wird nur den Wert erhöhen. Wie ich oben erwähnt habe, war Hitchcock (sogar im 19. Jahrhundert) Massenmöbel und wird niemals Millionen wert sein. Antike Stühle werden für weniger verkauft als gebrauchte neuere. Alle guten Möbel müssen gut gemacht sein und alle Hitchcock-Möbel sind gut gemacht, aber was ein Hitchcock-Möbelstück wirklich wertvoll macht, sind die Verzierungen (Schablonen, Streifen, Streifen) und das Finish. An den verwendeten Materialien gibt es nichts Besonderes. Sie sind nur hochwertige Farben und Beizen und jeder Lackierer kann das wiederherstellen. Der schwierige Teil ist das Schablonieren. Wenn jemand die genauen Schablonenmuster hat und jemand weiß, wie man Hitchcock-Schablonen macht, dann wird es den Wert erhöhen. Sie können noch einen Schritt weiter gehen und Ihre Stücke zu uns bringen und wir können eine vollständige Restaurierung durchführen. Wir haben für Restaurierungszwecke Schablonen vieler Hersteller geschnitten. Dafür haben wir eine eigene Seite. Sie können direkt hier auf www.hitchcockrestoration.com klicken und Sie werden dorthin geleitet.

1825-1832 Stühle wurden alle signiert "L. HITCHCOCK HITCHCOCKSVILLE CONN WARRANTED" Alle "N"s sollten korrekt und NICHT RÜCKWÄRTS geschrieben werden. Sie finden nur Stühle. Hitchcock stellte in dieser Fabrik keine Koffermöbel her, von denen irgendjemand etwas weiß. Wenn Sie also etwas anderes als einen signierten Stuhl haben, wurde er nach 1950 hergestellt. Alles mit dem "R" für eingetragene Marke wurde nach 1952 hergestellt.

1832-1843 Stühle wurden alle signiert "HITCHCOCK,ALFORD& Co HITCHCOCKSVILLE,CONN WARRANTED" Arbeiter konnten weder lesen noch schreiben und mussten ihre eigenen Unterschriftenschablonen schneiden.

1843-1852 - es wird vermutet, dass die Stühle unbeachtet waren. Hitchcock hatte zu diesem Zeitpunkt wenig mit der Fabrik zu tun, da er in einem anderen Teil des Staates eine weitere Schreinerei eröffnet hatte. Hier sagt jeder, dass sein nicht signierter "echter" Hitchcock-Stuhl hergestellt wurde. Jedes Mal, wenn mir jemand sagt, dass es echter Hitchcock ist, kann ich nur sagen, es zu beweisen. Um ehrlich zu sein, ist eine signierte Hitchcock-Antiquität nichts Besonderes. Diese Stühle wurden im 19. Jahrhundert genauso wie im 20. Jahrhundert in Massenproduktion hergestellt. Aus diesem Grund werden sie niemals teure Antiquitäten sein und deshalb ist ein neuerer Lattenroststuhl in gutem Zustand mehr wert als ein antiker.

1948-1952 wurden alle Stühle mit "L. HITCHCOCK HITCHCOCKSVILLE CONN WARRANTED" in einer GRÖßEREN ALS NORMALEN SCHRIFTART MIT RÜCKWÄRTS "N"S UND KORREKT GESCHRIEBENEN signiert. Hitchcock stellte NUR eilige Stühle, einige Spiegel und ein paar Bänke her und es scheint, dass sie die Signatur hatten, die sie heute mit der größeren Schriftart verwenden. Der erste Holzstuhl, den Hitchcock je produzierte, war der Inn-Stuhl, und ich bin mir immer noch nicht sicher, in welchem ​​Jahr er erstmals angeboten wurde, aber es war nach 1952. ALLE HITCHCOCK-STÜHLE, DIE AB 1948 HERGESTELLT WERDEN, WERDEN AUF DEM UNTERSEITE. Hitchcock-Stühle von heute wurden aus Antiquitäten gebaut. Hitchcock Stuhl co. vereinbart, jedes Stück zu stempeln, damit die Leute es nicht mit Antiquitäten verwechseln.

1952 verwendet Hitchcock die "HITCHCOCK ALFORD.&CO HITCHCOCKS-VILLE CONN. WARRANTED" mit dem eingekreisten "R" für eine eingetragene Marke (im Gegensatz zu den antiken Stücken). Diese Signatur findet sich hauptsächlich auf Spiegeln. Das Hitchcock-Stuhlbuch sagt nicht genau, welche Unterschriften wann während dieser Zeit verwendet wurden, sondern nur wann die Namen registriert wurden.

1955 - 2006 Alle Stühle wurden, wie wir sie normalerweise sehen, mit dem "L. HITCHCOCK HITCHCOCKSVILLE CONN WARRANTED" mit den rückwärtigen "n"s und eingetragenem Warenzeichen versehen. Die eingetragene Marke ist nicht immer vorhanden, da sie beim Schablonieren übersehen werden könnte oder abfärben würde. Ich habe mehr als ein paar verschwommene oder unvollständige Signaturen gesehen. Es ist ein Teil der Kunst.

PFLEGE FÜR IHRE MÖBEL

Hitchcock-Möbel hatten wie die meisten modernen Möbel eine Klarlackierung. Aus diesem Grund müssen Sie nur eine milde Seife und Wasser verwenden. Ich würde keine Polituren oder Öle empfehlen. Ihr Klarlack-Finish, das jedes Stück erhält, schützt das Finish. Polituren, Öle und Wachse schützen den Klarlack nicht und haben tatsächlich den gegenteiligen Effekt. Es wird im Ziel tatsächlich langsam wegfressen. (siehe nächster Absatz)

Eine andere Sache, die ich empfehle (wenn Sie können), ist, Gegenstände mit hohem Gebrauch wie Tische und Stühle mit Lack neu zu beschichten. Wenn Farbe von Stuhllehnen abgerieben wird, muss zuerst der Klarlack abgerieben werden. Dies geht wirklich die Extrameile und fast niemand tut es, aber wenn Sie möchten, dass es noch länger hält und es auffrischt, empfehle ich ein professionelles Sprühen (in einer Lackierkabine) mit einem hochwertigen, seidenmatten Finish in Profiqualität.

Die Oberfläche meines Stuhls ist klebrig und lässt sich nicht entfernen.

Wenn dies passiert, ist es normalerweise der Klarlack, der abbricht, und das einzige, was Sie tun können, ist, den Stuhl abzuziehen und zu überarbeiten. Dies geschieht aufgrund von Wachsen, Polituren und Ölen. Der größte Übeltäter ist das Öl aus Ihren Händen. Es passiert am häufigsten an der Oberseite des Stuhls, wo Sie sie greifen, um sie zu bewegen. Es passiert auch dort, weil es der polierteste Ort ist

WEISS, BLOND, HELLGELB, ETC HITCHCOCK MÖBEL

Wie Sie sehen können, ist dieser Abschnitt wirklich nur ein Sammelsurium von Informationen. Wenn ich viele Fragen zu einem bestimmten Thema bekomme, recherchiere ich es so gut ich kann und schreibe ein oder zwei kurze Absätze, in der Hoffnung, dass es jemandem hilft. Ich habe viele weiße Hitchcock-Möbel gesehen, die als "blond", "gelb", "cremefarben" usw. aufgeführt sind. Die Farbe wird "weiß" genannt. Es ist kein Kühlschrankweiß, sondern ein cremefarbenes Weiß. Warum verfärben sich die weißen Möbel nach einiger Zeit gelblich? Es ist wegen einer Kombination von 2 Dingen, der Sonne und Bernstein. Bis Anfang der 90er Jahre war der Lackschutz aller Möbel bernsteinfarben. Wenn die Sonne im Finish auf den Bernstein trifft, wird er gelb. Ich kann Ihnen gar nicht sagen, wie viele Ehemänner, die rauchen, ich vom Haken bekommen habe, als ich erklärte, dass dies nicht durch die Auswirkungen ihres Zigarettenrauchens verursacht wurde. Heute gibt es ein echtes, klares Satin-Finish, und neuere weiße Hitchcock-Möbel (wie die meisten meiner Weihnachten) werden nie gelb. Das passiert wirklich allen Hitchcock-Möbeln (und allen Möbeln), aber man merkt es wirklich nur am Weiß.

Es gibt 2 Arten von Eilsitzen, die bei Hitchcock-Stühlen verwendet werden, wenn sie ersetzt werden. Es gibt Natural Rush, bei dem es sich um Rohrkolben-Rush handelt, die in einem Teil des Staates New York angebaut wird (Hitchcock Chair Co.'s sowieso) und Fiber Rush, bei dem es sich um gedrehtes Papier handelt. Hitchcock Chair Co hat NIE Fiber Rush verwendet. Ihre Stühle sind alle handgewebt, deshalb sind sie so teuer zu ersetzen. Außerdem müssen beim Ersetzen des Sitzes die Vorder-, Rückseite und Seitenteile entfernt werden. Zum Entfernen der Schrauben müssen die Dübel an der Vorderseite aufgebohrt werden. Beim Wiederzusammenbau müssen neue Stecker hergestellt, auf Größe rasiert und mit Farbe oder Beize ausgebessert werden. Die Seitenteile sind oft spröde und brechen und müssen ersetzt werden. Aus diesem Grund sehen Sie Preise im Bereich von 150 bis 200 US-Dollar für den Ersatz eines Sitzes. LASSEN SIE SICH NICHT TÄUSCHEN, EIN RUSH SITZ KANN NIEMALS REPARIERT, NUR ERSETZT WERDEN. Wenn Sie Ihre Sitze aufpeppen möchten, empfahl sogar die Stuhlfirma Hitchcock alle paar Jahre einen Mantel aus SHELLAC. Schellack sollte, weil es mehr Flexibilität als Klarlack hat, aber Hitchcock selbst hat auf eine 50/50-Mischung aus Holzleim und Wasser umgestellt, was großartig funktioniert.


Formen und Formen

Sowohl englische als auch amerikanische Möbelhersteller produzierten Kommoden im Chippendale-Stil, hohe Kommoden, Büro- oder Frisiertische, Schreibtische, hohe Uhrengehäuse, d. h. Standuhren, sowie Spiel- und Esstische. Giebel und Endstücke zierten die Spitzen hoher Stücke. Sessel und Beistellstühle wurden für kunstvoll geschnitzte oder durchbrochene Designs in ihren Rücken bekannt.

Spezifische Formen von Möbelstücken variierten zwischen den beiden Ländern sowie verschiedenen Regionen der amerikanischen Kolonien. In Neuengland hatten Stühle oft Bahren zwischen den Beinen, und Koffermöbel wie Kommoden hatten konkave oder konvexe Frontplatten, die als Blockierung bekannt sind. Gebogene Bombentruhen wurden hauptsächlich in Boston hergestellt.


Das Wort "Renaissance" ist ein französischer Begriff mit der Bedeutung "Wiedergeburt".
Es wird verwendet, um ein . zu beschreiben Zeitalter der neuen Entdeckungen und Erkundungen von ca. 1400-1600.
Diese Zeit war eine großartige Zeit politische und gesellschaftliche Umbrüche – Veranstaltungen wie die Protestantische Reformation hatte einen großen Einfluss auf das Leben in der westlichen Welt.
Es gab auch eine Zunahme des humanistischen Denkens, das die Vormachtstellung der Kirche in Frage stellte.
Es war auch eine Zeit großer Entwicklung in Musik und Kunst. Neue Stile und Techniken entwickelten sich, während es auch eine „Wiedergeburt“ des Interesses gab antike Kultur wie Künstler und Komponisten oft darauf zurückgriffen Inspiration aus dem antiken Griechenland und Rom.

Sie werden oft sehen, dass die Musik der Renaissance unterteilt ist in "Heilig" und "Weltlich".
Diese Einteilung hat zwar ihre Grenzen, ist aber durchaus hilfreich, um sich einen Überblick über die Zeit zu verschaffen.

Heilige Musik

Die Musik der Frührenaissance wurde von der Lateinische Messe wegen des Vorherrschaft der katholischen Kirche.
Infolgedessen war die geistliche Musik hauptsächlich polyphone Massen und Motetten auf Latein für den Einsatz in der Kirche.
Modaler Kontrapunkt war die vorherrschende Kompositionstechnik (vermutlich aufgrund seiner engen Beziehung zum liturgischen Choral).

Hören Sie sich diese 2 Beispiele für geistliche Musik der Renaissance an:

Klagelieder I von Thomas Tallis
Credo aus 4-stimmiger Messe von William Byrd

Obwohl es mit zunehmendem humanistischem Denken eine stetige Abkehr von der Kirche gab, blieben die Kirchen sehr wichtige Orte für die Ausbildung von Musikern und Sängern.
Als die Periode weiterging und die Protestantische Reformation beschleunigte sich, Musik wurde für den Einsatz in protestantischen Kirchen geschrieben – d.h. nicht in lateinischer Sprache und nicht durch die Struktur der katholischen Messe bestimmt.

Weltliche Musik

Weltliche Musik in der Frührenaissance war sehr abhängig von der Gerichte, die Musiker finanzieren und unterstützen könnte.
Weltliche Lieder, wie z Chanson, das Madrigal und der Deutsches Lied (ausgesprochen “Leed”) waren sehr beliebt.

Hören Sie sich dieses Madrigal von Monteverdi an:

Cruda Amarilli von Monteverdi

Hören Sie sich dieses Stück von Josquin Des Prez namens Mille Regretz an.
Wie emotional das Thema ist und wie diese Tiefe in der Musik eingefangen wurde, sieht man an den Texten:

Mille Regretz von Josquin Des Prez

Original Französisch:
Mille bedauert de vous verlassener
Et d’eslonger vostre face amoureuse
Jay si Grand Dueil et Paine Douloureuse
Quon me verra kurze mes jours definer

Englische Übersetzung:
Tausend Bedauern, dich verlassen zu haben,
und hinterlasse dein liebevolles Gesicht,
Ich fühle so viel Traurigkeit und so schmerzhafte Not,
das scheint mir, meine Tage werden bald dahinschwinden.

Komponisten der Renaissance

Komponisten der Frührenaissance kamen aufgrund des starken Gerichtssystems, das Musiker in diesen Regionen unterstützte, meist aus Nordfrankreich oder den Niederlanden.
In der Spätrenaissance wurde Italien zu einem immer wichtigeren musikalischen Zentrum.
Hier sind einige der bekanntesten Komponisten der Renaissance:

Komponisten der Frührenaissance:

Guillaume Du Fay (1397-1474) – schrieb Musik für die Kirche basierend auf bestehenden gregorianischen Gesängen.
John Taverner (1490-1545)
Thomas Tallis (1505-1585) – komponierte Musik während der Herrschaft von 4 Monarchen!! (Heinrich VIII., Eduard VI., Maria I. und Elisabeth I.). Sein Meisterwerk ist Spem in Alium – "Sing and Glorify", das aus 40 Einzelteilen besteht.

Komponisten der späteren Renaissance:

Allegri (1582-1652) und Palästina (1525-1594) – beide produzierten umfangreiche Chorwerke.
William Byrd (1543-1623)
Monteverdi (1567-1643) – seine Opernwerke wurden von der klassischen Welt inspiriert, die Poesie und Musik eng miteinander verknüpften und Musik nutzten, um Emotionen zu wecken.

Renaissance-Instrumente

Die Renaissance war eine Zeit großer Erfindungen und dies hatte einen großen Einfluss auf die Musik in Form neuer Instrumente.
Die wichtigsten Instrumente, die mit der Musik der Renaissance verbunden sind, sind:


Caravaggismus (ca. 1600-50) Von Caravaggio verwendete Maltechniken: Chiaroscuro, Tenebrism

Der Begriff Caravaggismus beschreibt die Techniken des Tenebrismus und des Hell-Dunkels, die vom radikalen italienischen manieristischen Maler Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) populär gemacht und von ihm in seiner religiösen Kunst, Genrebildern und Stillleben verwendet wurden, die später von anderen Zeitgenossen weithin übernommen wurden Künstler in Italien und ganz Europa. Tatsächlich wurde nicht nur sein Stil weithin kopiert - insbesondere weil sein Naturalismus ihn zu einem perfekten Vehikel für die katholische Gegenreformation machte -, sondern auch sein charakteristisches Hell-Dunkel wurde zu einem bestimmenden Element in der neuen Ära der Barockkunst des 17. Werk der virtuosen Porträtisten Diego Velazquez und Rembrandt van Rijn. Seine künstlerischen Fähigkeiten und sein Ruf wurden von seinen Zeitgenossen trotz seines gewalttätigen persönlichen Lebensstils gelobt, der zu seinem frühen Tod im Alter von 38 Jahren führte, nachdem er nicht mehr als 60-70 Gemälde fertiggestellt hatte.

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Für Details zu Kunstbewegungen
und Stile, siehe: Kunstgeschichte.
Für eine chronologische Anleitung zu
Schlüsselereignisse in der Entwicklung
der bildenden Kunst rund um den Globus
siehe: Zeitleiste der Kunstgeschichte.

DIE GRÖSSTEN KÜNSTLER DER WELT
Details zu den besten Malern:
Alte Meister (Maler bis 1830)

DIE GRÖSSTE KUNST DER WELT
Für eine Liste der Top 10 Maler/
Bildhauer: Beste Künstler aller Zeiten.
Für die besten Öle/Aquarelle,
siehe: Größte Gemälde aller Zeiten.

WAS IST KUNST?
Zur Bedeutung von Kunst siehe:
Definition von Kunst.
Für verschiedene Formen siehe:
Arten von Kunst.

Caravaggios größte Gemälde

Meisterwerke von Caravaggio sind:

• Die Berufung des Heiligen Matthäus (1599-1600) San Luigi dei Francesi, Rom.
• Das Martyrium des Heiligen Matthäus (1599-1600) San Luigi dei Francesi, Rom.
• Umbau auf dem Weg nach Damaskus (1601) Santa Maria del Popolo, Rom.
• Kreuzigung des Heiligen Petrus (1601) Cerasi-Kapelle, Santa Maria del Popolo.
• Tod der Jungfrau (1601-6) Louvre, Paris.
• Die Grablegung Christi (1601-3) Vatikanische Museen, Rom.
• Amor Vincit Omnia (1602) Gemäldegalerie SMPK, Berlin.

Was genau ist Caravaggismus? - Eigenschaften

Im Gegensatz zu seinem führenden Zeitgenossen Annibale Carracci (1540-1609) lehnte Caravaggio die konventionelle Idealisierung ab, wonach ein Gemälde mehr den Geschmack nach Anmut und Harmonie als nach Wahrheit befriedigen sollte. Stattdessen verwendet er einen kühnen, unanständigen Realismus, der durch ein schattenhaftes Hell-Dunkel und einen dramatischen Einsatz von Licht und Schatten (Tenebrismus) verstärkt wird. Seine religiösen Figuren basierten auf von der Straße rekrutierten männlichen und weiblichen Modellen, die er ohne Zeichnungen oder vorbereitende Skizzen direkt nach dem Leben malte. Dadurch gelang ihm eine unmittelbare und kraftvolle Wirkung, deren dramatische Qualität durch den Einsatz von kühnen Hell-Dunkel-Kontrasten in seinen Bildern betont wurde.

Nicht allen Auftraggebern gefiel Caravaggios realistischer Umgang mit religiösen Themen, was zur Ablehnung mehrerer seiner Werke führte. Wegen seiner populistischen Berühmtheit wurden diese abgelehnten Aufträge jedoch in der Regel von Kardinälen und wohlhabenden Adligen in Anspruch genommen.

Tenebrismus versus Chiaroscuro

Caravaggismus umfasst sowohl Hell-Dunkel als auch Tenebrismus. Da beide Techniken den ausgeprägten Einsatz von Licht und Schatten beinhalten, können sie verwechselt werden, obwohl es einen klaren theoretischen Unterschied zwischen den beiden Begriffen gibt. Chiaroscuro ist eine Schattierungsmethode, die verwendet wird, um Figuren ein Gefühl von dreidimensionalem Volumen zu verleihen. Beim Tenebrismus hält ein Künstler einige Bereiche eines Gemäldes vollständig schwarz, sodass ein oder zwei Bereiche im Vergleich stark beleuchtet werden können. Der Tenebrismus erlaubt es dem Künstler also, die „Aktion“ auf seiner Leinwand zu kontrollieren.

Wer waren die wichtigsten Caravaggisten?

Caravaggios charakteristischer Tenebrismus beeinflusste die Entwicklung der flämischen Barockkunst und des benachbarten niederländischen Barock sowie der spanischen Barockkunst. Zu den führenden Vertretern des Caravaggesque-Stils gehörten der bedeutende Italiener Orazio Gentileschi (1563-1639), seine herausragende Tochter Artemisia Gentileschi (1593�) - am besten bekannt für ihr abgenutztes Meisterwerk Judith enthauptet Holofernes (1620, Uffizien, Florenz) - und der Wirtshausszenenmaler Bartolomeo Manfredi (1582-1622), zusammen mit dem in Neapel lebenden Spanier Jusepe Ribera (1591-1652), bekannt für seine intensiven religiösen Werke.

Aufgrund des Einflusses des Quietismus (der einen möglichst engen Kontakt zwischen Künstler und Zuschauer bevorzugte: ein wesentlicher Vorteil von Caravaggios realistischen Figuren) wurde Neapel zu einer wichtigen Quelle der religiösen Malerei der Gegenreformation und zu einem wichtigen Zentrum des Caravaggismus. Zu den Praktizierenden gehörten neben Ribera auch Battistello Caracciolo (1578-1635), Mattia Preti (1613-99), Guido Reni (1575-1642) und viele andere. Weitere Informationen finden Sie unter: Caravaggio in Neapel sowie Malerei in Neapel (1600-1700). Für caravaggeske Kunst des frühen 17. Jahrhunderts in Neapel siehe: Neapolitanische Schule für Malerei (1600-56), für spätere Künstler siehe: Neapolitanischer Barock (c.1650-1700).

In Holland, wo die Utrechter Schule des niederländischen Realismus das Hauptzentrum des nördlichen Caravaggismus war, waren die Hauptvertreter die religiösen und Genremaler Gerrit van Honthorst (1590-1656), Hendrik Terbrugghen (1588-1629) und Dirck van Baburen (1595- 1624). Caravaggio hatte auch einen großen Einfluss auf Rembrandt (1606-69), insbesondere seine Verwendung des dramatischen Hell-Dunkels. In Spanien war Francisco Zurbaran (1598-1664) ein Anhänger in Frankreich, wenn Georges de La Tour (1593-1652) die lyrischste Interpretation des Caravaggismus lieferte, waren es die Brüder Le Nain, die ihm in England echten caravaggistischen Realismus einflößten Joseph Wright of Derby (1734-97), Schöpfer des berühmten Meisterwerks Ein Experiment an einem Vogel in der Luftpumpe (1768, National Gallery, London), war ein unvergleichlicher Nachfolger.

Der Caravaggismus geriet zum ersten Mal in Rom in den späten 1620er Jahren aus der Mode, obwohl er auch anderswo in Italien, insbesondere Sizilien, bestand. Im niederländischen Utrecht und Ostfrankreich blieb es bis in die 1650er Jahre einflussreich.

Beitrag zur Bildenden Kunst

Die Behandlung von Licht und Schatten im Caravaggismus trug dazu bei, die italienische Malerei durch die Verbesserung der Dreidimensionalität der Figuren neu zu beleben. Darüber hinaus ermöglichte es den Künstlern, den Fokus des Gemäldes zu kontrollieren und so seinen dramatischen Inhalt zu erhöhen. Schließlich ermöglichte es in den Händen eines virtuosen Malers wie Rembrandt eine größere emotionale Tiefe und Charakterisierung. All diese Attribute wurden von niederländischen realistischen Künstlern und Malern des 17.

Werke berühmter Caravaggisti sind in einigen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen.


In welchem ​​Zeitraum wurden Signaturrubriken verwendet? - Geschichte

Bloomsbury Auctions/BNPS Diese 5.000 Jahre alte Tafel mit der Darstellung der Bierherstellung und einer unterzeichneten Verkaufstransaktion wurde für 230.000 US-Dollar verkauft.

Ein wohlhabender amerikanischer Sammler hat gerade eine alte sumerische Tafel für 230.000 Dollar gekauft.

Laut Archäologie-Nachrichtenseite Antike Ursprünge, die sumerische Tafel wurde zuerst an der Stelle der antiken Stadt Uruk im alten Mesopotamien oder dem heutigen Irak entdeckt. Es war Teil der privaten Schøyen-Sammlung, einer Sammlung von Tafeln und Manuskripten aus der alten schriftlichen Geschichte.

Das Tablet selbst ist ein einzigartiges Artefakt, nicht nur wegen seiner detaillierten Inschrift über einen alten Bierverkauf, sondern auch, weil es das enthält, was viele für die erste Signatur der Welt halten.

Symbole in der oberen linken Ecke des Tablets – die angebliche Unterschrift – werden als ‘KU’ und ‘SIM’ übersetzt, was Experten als Schreibweise des Namens ‘Kushim’ interpretiert haben. Der Name war möglicherweise der einer Regierung Schreiber, der die Aufzeichnung auf der Tontafel zu administrativen Zwecken erstellt hat.

Andere vermuten jedoch, dass ‘Kushim’ der Name einer Regierungsbehörde oder ein Titel sein könnte und nicht eine bestimmte Person. Der eingeschriebene Name wurde auf 17 anderen Tafeln gefunden. Auf einigen von ihnen wird der Name als ‘Sanga’ oder Tempelverwalter angesprochen.

MOD Stätte der antiken Stadt Uruk, wo die sumerische Tafel gefunden wurde.

Der israelische Autor Y. N. Harari, der das historische Buch geschrieben hat Sapiens: Eine kurze Geschichte der Menschheit, bemerkte, dass die Inschrift auf der alten Tafel lautet 󈬍.086 misst Gerste 37 Monate Kushim.”

Die Radierung wurde als eine Art Quittung für den Kauf von Gerste interpretiert, die üblicherweise zum Brauen von sumerischem Bier verwendet wurde. Andere Symbole auf der Tafel zeigen den industriellen Prozess des Bierbrauens aus Gerste oder Mais bis hin zum Bierkrug.

Der Prozess scheint in einem Tempel im antiken Mesopotamien um 3.100 v.

Als Teil einer Privatsammlung wurde das historische Artefakt, das drei mal drei Zoll misst, in einer Auktion von Bloomsbury Auctions, einem Auktionshaus mit Sitz in London, Großbritannien, versteigert.

“Man hat nur wenige Gelegenheiten, mit einem so wichtigen Gegenstand zu arbeiten, was einen Meilenstein in der vielleicht wichtigsten menschlichen Erfindung darstellt – dem Schreiben,”, sagte Timothy Bolton, Spezialist bei Bloomsbury Auctions.

Er fuhr fort: „Unsere Namen sind uns wichtig, sie sind ein grundlegender Teil unserer Identität und wahrscheinlich das Erste, was jedes Kind über sich selbst erfährt.“

Das Artefakt sollte eine Summe von 90.000 £ oder etwas unter 200.000 $ einbringen. Aber die Bieter der Auktion zeigten große Begeisterung für die Tafel, die möglicherweise den frühesten bekannten schriftlich festgehaltenen Personennamen trägt. Am Ende ging die sumerische Tafel für 230.000 US-Dollar an einen privaten amerikanischen Sammler.

In Sumer, der frühesten bekannten Zivilisation in der Region des alten Mesopotamien, wurden weitere Aufzeichnungstafeln gefunden, die die Bierkultur der Bevölkerung darstellen. Eine sumerische Tafel zeigt Menschen, die Bier durch einen langen Strohhalm trinken.

British Museum Eine andere Tafel aus dem alten Mesopotamien, die mögliche Rationen für Bier darstellt.

Bier war ein wesentlicher Bestandteil der sumerischen Lebensweise, hatte Bedeutung in Religion und Gesellschaft und zeigte sogar einen Währungswert, da Experten glauben, dass das Getränk auch zur Bezahlung von Arbeitern verwendet wurde. Zweifellos sind diese Tabletten eine unglaublich wertvolle Quelle der Geschichte.

Aber sumerische Tablets sind auf dem Antiquitätenmarkt immer heißer geworden, wie die hohen Gebote für dieses Tablet zeigen. Viele dieser Artefakte wurden wahrscheinlich illegal ausgegraben und im Irak inmitten der Instabilität der Kriege der Region geplündert.

Wie Craig Barker, ein klassischer Archäologe und Museumspädagoge mit Sitz in Sydney, Australien, schrieb: “Die Plünderungen gelten als eine der schlimmsten Akte des kulturellen Vandalismus in der Neuzeit, aber viel mehr von der reichen Kulturgeschichte des Irak wurde zerstört , beschädigt oder gestohlen in den Jahren seitdem.”

Im Jahr 2018 wurden rund 450 gestohlene sumerische Tafeln aus den USA in den Irak repatriiert. Dennoch sind sich Experten einig, dass es im Vergleich zu dem Umfang des Artefaktdiebstahls, der seit langem das Gebiet der Archäologie weltweit durchdringt, eine geringe Entschädigung war.

Vielleicht wird das charakteristische Tablet von Sumer eines Tages zu seinen Ursprüngen im Irak zurückgebracht, damit es dem öffentlichen Wissen zugute kommen kann, anstatt untätig in einem Kabinett eines privaten Besitzers zu sitzen.


Die Aufschlüsselung der Abschlussarbeit

Die 3 großen Thesen zum Mitnehmen:

  • Eine historisch vertretbare/genaue Behauptung aufgestellt
  • Erstelle eine Argumentation
  • Bewerten Sie die Aufforderung

Die Voraussetzung für die Abschlussarbeit gemäß der AP US History Rubric:

Reagiert auf die Aufforderung mit einer historisch vertretbaren These/Behauptung, die eine Argumentation begründet.

Historisch gesehen ist die Abschlussarbeit der größte Kampf für Studierende.

Die Diplomarbeit ist jedoch der wichtigste Teil des DBQ. Warum ist die Abschlussarbeit der wichtigste Teil?

Die Diplomarbeit gibt den Ton für den ganzen Aufsatz an und umreißt klar die Argumente, die der Aufsatz verteidigen wird.

Einfach gesagt, ohne eine starke These kann man keinen starken Aufsatz haben.

Wie erstellt man eine starke These?

1) Stellen Sie einen historisch vertretbaren Anspruch auf

Eine historisch vertretbare Behauptung bedeutet einfach, dass das von Ihnen in der Dissertation vertretene Argument historisch korrekt ist.

Für die Abschlussarbeit müssen Sie eine Behauptung oder ein Argument vorbringen. This claim/argument is what you will be supporting and defending throughout the essay.

So if your claim/argument is not historical accurate, or historical defensible, then you will not be able to support it with historical evidence.

2) Establish a line of reasoning

A line of reasoning is simply the reasons you present to support your argument/claim.

Any good thesis will make a historical defensible claim/argument.

A line of reasoning is- what are your reasons for making this historical defensible claim/argument.

Typically, each of the reasons you provide in your thesis will each be addressed in a body paragraph.

So the line of reasoning lets the exam reader know what your body paragraphs will be about.

3) Evaluates the prompt

The prompt will ask you to evaluate the extent of a historical development.

Your thesis must clearly state your evaluation of the extent of the historical development.

One way to think about it: To what degree did the development influence the time period provided in the prompt.

For some examples, look at the “Grader’s Perspective” below.

BONUS) Practice writing a thesis

Yes, it is ok to practice writing a thesis.

In fact, Chris and Paul HIGHLY recommend you practice writing a thesis.

Practice writing a thesis.

Go find to the College Board website and get the released essay questions and practice writing a good thesis for the essays.

And make sure to read this part.

The thesis should be 2-3 sentences long.

EXAMPLE THESIS

Prompt: Evaluate the relative importance of different factors that caused the movement for American Independence between 1754 and 1776. In your response, consider both the underlying forces and specific events that contributed to the growing support for independence.

Practice: Write a practice thesis for the prompt above.

When you are done, click the toggles below.

There were many reasons for the American Revolution. The colonists were angry at the British and wanted to revolt. There were also many events that led to the Revolution between 1754 and 1776.

There were a number of factors that caused Americans to revolt during the twenty years prior to the Revolution. The British did not let the colonies have their own trade. They also violated a number of individual rights. Events that showed these violations were acts such as the Stamp Act and Intolerable Acts. Probably, the most important reason was the violation of natural rights for without these there is no freedom.

In short, though the Enlightenment principles of Locke’s social contract and the belief in inalienable rights were a strong foundation for the revolution, the fact was that the colonists would not tolerate a perceived stifling of their economic rights. Excessive taxation and denial of economic self-sufficiency for well over a century were the true causes of this revolution. Enjoying the fruits of their own labor and economic liberty were prizes too big not to revolt.

Which of these theses is most likely to get the thesis point?

Another way to ask this question is which thesis clearly outlines the student’s position on the topic, and states exactly what the student will defend in the essay? Let’s look at the three thesis examples again.

Thesis #1: The student does not establish a line of reasoning for their essay. Stating the colonists were angry does not indicate the factors that caused this anger. The introduction sentences also do not introduce the relative importance of any factors.

Thesis #2: The thesis is found in the introduction paragraph. It states that British violated economic and natural rights and states the relative importance by elevating natural rights by stating that there is no liberty without protections of natural rights. Though the thesis is simplistic, it gets over the bar by making a claim it will try to substantiate.

Thesis #3: The student correctly identifies the underlying forces for the revolution as economic discrimination against the colonists and violations of enlightenment principles by the Crown. The student also maintains that the economic reasons for revolting were more significant thus pointing directly to the relative importance of the two factors.

READER TIP: If the prompt asks the student to “evaluate” or state “how much”, the thesis must state to what extent. If you do not specifically evaluate to this extent, you will not get the point.

Where should you put the thesis?

Ideally, the thesis should be placed in the introduction.

However, the thesis can be in the conclusion.

Why is the introduction better?

Because if the thesis is the first thing you write, it will then be in the introduction and it will give you direction and clarity on what to write for the remainder of the essay.


About the Fashion

L ouis XIV came onto the throne in 1643 and then started to exercise absolute power based on the concept of divine right, which means that he received his authority directly from God, as Fleming notes. Louis XIV, also known as Sun King, chose fashion as the medium of royal authority. Art historian Philip Mansel explains the role of fashion from Louis XIV to Elizabeth II in his book Dressed to Rule (2005):

“The right dress was believed to encourage loyalty, satisfy vanity, impress outer world, and help royal industries” (xiv).

Louis XIV took advantage of fashion to the fullest. For him, fashion was a way of expressing the extremely aesthetic personal taste, an effective means of regulating the aristocracy with a lot of sumptuary laws, a key instrument of developing the national economy, and a signal that France was now the center of Europe. By the mid-seventeenth century, France emerged as the most powerful country in Europe and, in natural corollary, the fashion capital was moved to Paris from Madrid. He executed fashion reform against the rigid and religious style of the Spanish, as Kimberly Chrisman-Campbell notes in her essay “The King of Couture”:

“The fashions he introduced were colorful, voluminous and ornamental, which were the antithesis of the austere Spanish style. One of the innovations was to mandate that new textiles appeared seasonally, twice a year, and fashion too changed seasonally in France.”

In this context, the Baroque style that Louis needed to enchant the world and also to suppress his nobles came on the scene.

Fleming observes that in this portrait, every detail is showing the divine authority and the majesty of Louis XIV. Especially the embroidered coronation robe reinforces the supremacy of the monarch. The black-and-white ermine fur and the blue-and-gold fleur-de-lys are symbols of the French monarchy. The royal sword fastened to his hip represents his military might, and the royal scepter and the crown confirm his royal authority.

However, Louis XIV is not following all the high-end details of those times. As Abigail Westover emphasizes, unlike the earlier period, where bodice, sleeves, skirts, jackets, and breeches were made to mix and match, clothing in this period was made as separate and entire matching outfits, often made of same fabrics, which is called ‘en suite’. The coat or justaucorps, waistcoat, and breeches were a suiting ensemble. Oft die justaucorps and waistcoat were heavily decorated with gold, silver or colored braid and embroidery (Fig. 9). Phyllis G. Tortora and Sara B. Marcketti explained the breeches in this period in Survey of Historic Costume (2015):

“By 1680 the breeches got more fitted and became knee-length, and at the end of the century were very tight and fastened by buttons or a buckle at the outside of the knee. Knee-length stockings were worn with those knee-breeches.” (153)

Instead of wearing the justaucorps and knee-length breeches, which were predominant in Baroque age (Fig. 9), Louis XIV is wearing the traditional white metallic doublet and the trunk hose or short breeches. Figures 6, 7 and 8 respectively display Louis XV at the age of 5, Louis XV at the age of 20 and Charles X. These royal figures are wearing almost the same garments with their coronation gowns regardless of the time period. They are wearing white stockings, white metallic short breeches revealing their leg lines, puffy lace sleeves and the cravat in common. It can be assumed that these were established as the tradition for the royal portrait with a coronation gown in France from the time of Louis XIV. Louis XIV may have wanted to present the consistent image of unchangeable legitimacy or permanent authority, and his descendants were likely eager to appear like him.

Fig. 6 - Hyacinthe Rigaud (French, 1659-1743). Louis XV (1710–1774) as a Child, 1730. Oil on canvas 195.6 x 141 cm (77 x 55 1/2 in). New York: The Metropolitan Museum of Art, 60.6. Purchase, Mary Wetmore Shively Bequest, in memory of her husband, Henry L. Shively, M.D., 1960. Source: The Met

Fig. 7 - Hyacinthe Rigaud (French, 1659-1743). Louis XV, King of France, 1730. Oil on canvas 271 x 194 cm (106.7 x 76.4 in). Versailles: Palace de Versailles. Source: Wikimedia

Fig. 8 - Jean-Baptiste Paulin Guérin (1783–1855 (French, 1783–1855). Portrait of the King Charles X of France in his coronation robes, 1827. Oil on canvas. Source: Wikimedia

Fig. 9 - Jacob Ferdinand Voet (Flemish, 1639-1689). Portrait of Don Luis de la Cerda, later IX Duke of Medinaceli, ca. 1684. Oil on canvas 231 x 173 cm (90.9 x 68.1 in). Madrid: Museo del Prado. Source: Wikimedia

Diagram of referenced dress features.
Source: Author

Fig. 10 - Arist unknown. Porträt von Ludwig XIV, ca. 1670. Oil on canvas 196.5 x 159 cm (77.4 x 159 in). Versailles: Palace of Versailles, MV 8369. Source: Wikimedia

Nonetheless, the portrait shows several key characteristics of Baroque style in menswear, which may seem effeminate by today’s standards. The first thing to be noted is the great periwig. From 1670 until after the end of the century, the full-bottomed periwig was prevailing. In the 1670s, the periwig was a natural hair style, curled and flowing. By the end of the century, it became very large and was divided at the high center into two peaks, which is called double peak (Brown 137). Doreen Yarwood explains this in European Costume: 4000 Years of Fashion (1982):

“It was then arranged with a center parting and in a mass of curls and ringlets which rose to a peak on each side of the parting. These then cascaded over the shoulders and down the back nearly to the waist.” (158)

This great wig made hats and collars superfluous. Men always carried a hat, usually under the arm, but rarely wore it. Some wigs were dusted with power to make them white, but most were worn in natural colors (Tortora 154).

Another key feature of Baroque age is the red-heeled shoes, the king’s signature. He is wearing the square-toed shoes with the red tongue, the red sole and the red heel. The tongue is turned back to show the lining collar of red (Brown 136). Unlike in earlier periods, the size of the tongue seems more reasonable. These red heels became one of the most popular and predominant trends in Europe. Mansel points out an interesting example regarding this in his book Dressed to Rule (2005):

“Even William III of Orange, one of the Louis’s most hostile enemies wore red heels after Louis XIV attacked the Dutch Republic.” (15)

The cravat is also a significant factor of Baroque style. The relatively huge collar in the earlier period was replaced with the cravat, a separate necktie from the shirt. With the advent of the justaucorps, the style of cravat became more sophisticated. It was tied around the throat in a bow and hung down in folds over the chest. The neck cravat was fringed or lace-trimmed (Yarwood 162). The Sun King is wearing a delicate lace cravat. The cravat with the expensive lace was reserved for formal use, and a long and plain linen cravat or steinkirk was worn more frequently for both men and women (Brown 137). Here Louis XIV’s fine lace cravat nicely matches with the lace sleeve cuff gathered in at the wrist, which is also one of main characteristics of Baroque costumes. It is interesting to see the doublet cuff turned back to reveal this lace sleeve cuff.

Figure 10 shows Louis XIV at the age of 23. The style is not yet the typical baroque style since he still had features from previous period such as heavy use of ribbons at the shoulder, the sash around the waist and the ribbon embellishment on the shoes. However, many Baroque style elements are also found. He is wearing the new style of knee-length coat or justaucorps, fitted breeches, square-toed shoes, the lace cravat and the full-bottomed wig. In this regard, calling him a trend setter is no hyperbole.


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