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John Everett Millais

John Everett Millais

John Everett Millais, das dritte der drei überlebenden Kinder von John William Millais (1800-1870) und seiner Frau Mary (1789-1864), wurde am 8. Juni 1829 in der Portland Street, Southampton, geboren. Sein Vater arbeitete nicht und bezeichnete sich normalerweise als Gentleman.

1834 zog die Familie nach St. Helier, Jersey. Laut seinem Biografen Malcolm J. Warner: „Millais hatte bereits bemerkenswerte künstlerische Begabungen gezeigt und nahm seit diesem Jahr Unterricht bei einem lokalen Zeichenmeister namens Bessell. Er erhielt auch Anleitung von dem deutschen Künstler Edward Henry Wehnert, der in St. Helier at . lebte die Zeit und die Ermutigung von zwei prominenten Männern auf der Insel, Sir Hilgrove Turner und Philip Raoul Lemprière, Seigneur von Rozel."

Tomkyns Hilgrove Turner interessierte sich sehr für Millais' Werk und riet seinen Eltern 1838, nach London zu ziehen, damit ihr begabter Sohn für eine professionelle Karriere als Künstler ausgebildet werden konnte. Die Familie lebte an mehreren verschiedenen Adressen im Bereich des British Museum, bevor sie in der Gower Street 83 einen Pachtvertrag aufnahm. Millais besuchte eine Schule des Künstlers Henry Sass und gewann 1839–41 Preise bei den jährlichen Zeichenwettbewerben für junge Künstler der Society of Arts.

Am 12. Dezember 1840 wurde Millais im Alter von elf Jahren der jüngste Schüler, der jemals in die Royal Academy Schools aufgenommen wurde. 1846 debütierte Millais mit seinem Gemälde auf der Jahresausstellung der Royal Academy Pizarro erobert die Inka von Peru. Im folgenden Jahr gewann er die Goldmedaille für das beste Historiengemälde. In dieser Zeit produzierte er auch kleine Genrebilder für den Kunsthändler Ralph Thomas.

Millais freundete sich mit William Holman Hunt an, einem Kommilitonen an der Royal Academy School. Beide lehnten die Ideen von Joshua Reynolds ab, der in seinem berühmten Sieben Diskurse über Kunst, dass junge britische Künstler der Renaissance-Tradition folgen sollten, um das Werk Raffaels zu bewundern und nach dem klassischen Ideal zu streben, "dieser vollkommenen Schönheit, die in der Natur nie gefunden wurde, aber vom Künstler durch sorgfältige Auswahl und Verbesserung erreicht werden kann". Hunt und Millais reagierten gegen diese Ansicht und schlossen sich im September 1848 mit Dante Gabriel Rossetti, Thomas Woolner und James Collinson zusammen, um die so genannte Präraffaeliten-Bruderschaft (PRB) zu gründen. Andere Künstler wie Charles Allston Collins und Ford Madox Brown waren eng mit der Gruppe verbunden, aber nie offizielle Mitglieder der PRB.

Die Präraffaeliten konzentrierten sich auf ernste und bedeutende Themen und waren am besten dafür bekannt, Themen aus dem modernen Leben und der Literatur zu malen, die oft historische Kostüme verwendeten. Sie malten direkt aus der Natur selbst, so wahrheitsgetreu wie möglich und mit unglaublicher Liebe zum Detail. Inspiriert wurden sie von den Ratschlägen von John Ruskin, dem englischen Kritiker und Autor von Moderne Maler (1843). Er hatte die Künstler ermutigt, "in aller Einfalt des Herzens zur Natur zu gehen, nichts abzulehnen, nichts auszuwählen und nichts zu verachten".

Millais, der sich bereits als Künstler einen Namen gemacht hatte, versuchte nun, präraffaelitische Ideen in die Tat umzusetzen. Sein erstes großes Gemälde im neuen Stil war Isabella. Laut Malcolm J. Warner: „Es zeigt die Verwendung von Porträts als Gegenmittel zur Idealisierung, die Steifheit der Pose, die an mittelalterliche Kunst erinnern soll, die winzigen, allumfassenden Details und den hohen Farbton, der den frühen Präraffaelitismus kennzeichnete. "

Als Ian Chilvers, der Autor von Kunst und Künstler (1990) hat darauf hingewiesen: "Sie (die Präraffaelitenbruderschaft) wählten religiöse oder andere moralisch erhebende Themen und hatten den Wunsch nach Naturtreue, den sie durch detaillierte Beobachtungen der Flora usw , Scharfeinstellungstechnik... Als ihre Bedeutung im Jahr 1850 bekannt wurde, wurde die Gruppe heftiger Kritik und Beschimpfungen ausgesetzt."

Der wichtigste Angriff auf die Präraffaeliten-Bruderschaft kam von Charles Dickens in seinem Tagebuch Haushaltswörter am 15. Juni 1850: "Du wirst die Güte haben, alle Ideen nach Raffael, alle religiösen Bestrebungen, alle erhebenden Gedanken, alle zärtlichen, schrecklichen, traurigen, veredelnden, heiligen, anmutigen oder schönen Assoziationen aus deinem Geist zu entladen und bereitet euch vor, wie es sich für ein solches Thema gehört, das Präraffaelly für die tiefsten Tiefen des Gemeinen, Abscheulichen, Abstoßenden und Abstoßenden betrachtet."

Dickens fuhr fort, Millias 'Gemälde zu kritisieren, Christus im Haus seiner Eltern, die zum ersten Mal auf der Royal Academy Exhibition 1850 erschienen war: "Du siehst das Innere einer Schreinerei. Im Vordergrund dieser Schreinerei steht ein scheußlicher, schiefhalsiger, schwatzender, rothaariger Junge in einem Bett - Kleid, das einen Stich in die Hand bekommen zu haben scheint, vom Stock eines anderen Jungen, mit dem er in einer angrenzenden Rinne gespielt hat, und es hochhält, um es einer knienden Frau zu betrachten, die so schrecklich in ihrer Häßlichkeit ist , dass (angenommen, es wäre für einen Moment möglich, dass ein menschliches Wesen mit dieser ausgerenkten Kehle existiert) würde sie sich als Monster vom Rest der Gesellschaft abheben, im schändlichsten Kabarett Frankreichs oder im niedrigsten Ginshop in England fast nackte Zimmerleute, Meister und Geselle, würdige Gefährten dieses sympathischen Weibchens, arbeiten in ihrem Handwerk; ein Knabe, mit einem kleinen Hauch von Menschlichkeit in sich, kommt mit einem Wassergefäß herein; und niemand achtet auf einen Schnupftabak alte Frau, die das anscheinend falsch gemacht hat beim Tabakladen nebenan einzukaufen und hoffnungslos an der Theke darauf zu warten, mit einer halben Unze ihrer Lieblingsmischung serviert zu werden. Wo immer es möglich ist, die Hässlichkeit von Zügen, Gliedmaßen oder Haltungen auszudrücken, lässt man sie zum Ausdruck kommen. Solche Männer wie die Zimmerleute können in jedem Krankenhaus entkleidet werden, wo dreckige Säufer mit einem starken Krampfadernzustand aufgenommen werden. Ihre Zehen haben Saint Giles verlassen."

Zu dieser Zeit war Millais Hauptmäzen James Wyatt, ein Druck- und Kunsthändler aus Oxford. Wyatt hat sein Gemälde gekauft Cymon und Iphigenie (1848) und beauftragt, Frau James Wyatt Jr und ihre Tochter Sarah (1850). Ein weiterer Mäzen war Thomas Combe, der Drucker an der Oxford University und Leiter der Clarendon Press war. Combe kaufte Millais' Gemälde, Die Rückkehr der Taube zur Arche (1850).

Am 7. Mai 1851, Die Zeiten beschuldigte Millais, William Holman Hunt und Charles Allston Collins, "sich selbst einem mönchischen Stil zu verfallen", eine "morbide Verliebtheit" zu haben und "monkischen Torheiten" zu frönen. Schließlich werden die Werke als unenglisch abgetan, „ohne wirklichen Anspruch, in einer anständigen Sammlung englischer Malerei zu erscheinen“. Sechs Tage später ließ John Ruskin einen Brief in der Zeitung veröffentlichen, in dem er die Präraffaelitenbruderschaft verteidigte. In einem anderen am 30. Mai veröffentlichten Brief behauptete Ruskin, dass PRB „mit zunehmender Erfahrung in unserem Land den Grundstein für eine Kunstschule legen kann, die edler ist als seit dreihundert Jahren“.

Ruskin veröffentlichte nun eine Broschüre mit dem Titel: Präraffaelitismus (1851). Er argumentierte, dass die Ratschläge, die er im ersten Band von Moderne Maler sei „endlich buchstabengetreu von einer Gruppe junger Männer ausgeführt worden, die … mit den skurrilsten Beschimpfungen … von der öffentlichen Presse angegriffen worden sind“. Aoife Leahy argumentiert: "Ruskins Verteidigung hatte jetzt einen neuen und entschieden evangelischen Ton angenommen. Er hatte auf der Grundlage seiner Briefe an die präraffaelitischen Künstler Freundschaften geschlossen Die Zeiten und, ebenso bezeichnend, wurde er persönlich von Mitgliedern der Öffentlichkeit wegen seiner Ansichten belästigt."

Die meisten Kunstkritiker stimmten jedoch eher Dickens als Ruskin zu. Lucinda Hawksley hat darauf hingewiesen: „Millais… Prinzipien der Kunst, wie sie von der strengen Regierung der Royal Academy definiert wurden, und wollte in dem Stil malen, der in Italien vor Raffaels Erscheinen populär war.Als die Behörden und das Publikum - durch einen unglücklichen Zufall - entdeckten, was die Buchstaben PRB standen denn sie waren wütend über die wahrgenommene Arroganz der Gruppe und wandten sich aktiv gegen sie, ihre Anhänger und jeden, der einen präraffaelitischen Malstil annahm.Es dauerte mehrere Jahre, bis Künstler, die in diesem Stil malten, wieder in die Mainstream-Galerien aufgenommen wurden einer der wenigen Glücklichen, die von dem Aufruhr nicht ruiniert wurden, hauptsächlich weil er durch Familiengeld finanziell abgesichert war."

Im Sommer 1851 begann Millais mit dem, was heute als sein Meisterwerk der präraffaelitischen Malerei im Freien gilt. Ophelia (1852). Malcolm J. Warner hat darauf hingewiesen: "Er malte den Hintergrund sorgfältig beobachteter Pflanzen und Blumen, von denen einige wegen ihrer symbolischen Bedeutung ausgewählt wurden, von einem Ort am Hogsmill River in der Nähe von Ewell in Surrey aus ... vollständig, und er fügte im folgenden Winter in seinem Atelier in der Gower Street die Figur der Ophelia hinzu. Als Modell verwendete er Elizabeth Siddall, das Lieblingsmodell und schließlich die Frau von DG Rossetti. Nach der Biographie von Millais von seinem Sohn John Guille Millais, Siddall posierte in einer Badewanne voller Wasser, die von Lampen darunter warm gehalten wurde. Eines Tages gingen die Lampen aus und sie bekam eine schwere Erkältung, bei der ihr Vater dem Künstler rechtliche Schritte drohte, bis er sich bereit erklärte, ihre Arztrechnungen zu bezahlen."

Millais nächstes Gemälde, Ein Hugenotte, der sich am St. Bartholomäus-Tag weigert, sich durch das Tragen des römisch-katholischen Abzeichens vor Gefahren zu schützen auf der Royal Academy-Ausstellung 1852. Dieses Gemälde war bei der Öffentlichkeit äußerst beliebt und am 7. November 1853 wurde er zum Mitglied der Royal Academy gewählt. Es folgte eine Reihe von historischen Gemälden: Der geächtete Royalist: 1651 (1853), Der Orden der Befreiung, 1746 (1853) und Die Rettung (1854).

Millais machte mit John Ruskin und seiner Frau Effie Ruskin Urlaub in Schottland. Nach ihrer Rückkehr gab Millais Effie Zeichenunterricht. Das Paar verliebte sich und begann zusammen zu leben. Effie schrieb ihrem Vater, dass ihre Ehe nicht vollzogen worden sei. „Er behauptete verschiedene Gründe, Hass gegen Kinder, religiöse Motive, den Wunsch, meine Schönheit zu bewahren, und schließlich im letzten Jahr erzählte er mir seinen wahren Grund … und dass er mich nicht zu seiner Frau gemacht hat, weil er am ersten Abend des 10. April von meiner Person angewidert war." Robert Hewison argumentiert: „Dies wurde dahingehend interpretiert, dass Ruskin ebenso unschuldig war, insbesondere in Bezug auf weibliche Schamhaare, aber dies scheint unwahrscheinlich, da er erotische Bilder von Kommilitonen in Oxford gesehen hatte. Es gibt auch Spekulationen darüber Effies Menstruationszyklus störte die Vollendung, was plausibel, aber nicht beweisbar ist."

John Ruskin gab zu, dass er Effie leidenschaftlich liebte, als er sie 1840 zum ersten Mal traf. Als Suzanne Fagence Cooper, die Autorin von Das leidenschaftliche Leben von Effie Gray, Ruskin und Millais (2012). John Ruskin empfand sie als „sehr anmutig, hatte aber etwas von ihrem guten Aussehen verloren.“ Nachdem er 1847 ihre Hand gewonnen hatte und sie noch immer erst neunzehn war … Effie war zu alt, um wirklich begehrenswert zu sein.“

Am 15. Juli 1854 wurde Effie ein Nichtigkeitsdekret zuerkannt, das die Ehe wegen Nichtvollzuges auflöste. Ruskin schrieb Millais einen Brief, in dem er erklärte, er wolle Freunde bleiben. Millais antwortete: "Ich kann kaum sehen, wie Sie es für möglich halten, dass ich den Wunsch haben kann, mit Ihnen intim zu bleiben". Millais heiratete 1855 Effie und brachte in den nächsten Jahren acht Kinder zur Welt: Everett (1856); Georg (1857); Effie (1858); Maria (1860); Alice (1862); Geoffroy (1863); Johannes (1865) und Sophie (1868).

Wie Ian Chilvers betonte: "In den 1850er Jahren änderte sich Millais' Stil, als er sich von der brillant farbigen, minutiös detaillierten Präraffaeliten-Manier zu einer breiteren und flüssigeren Malweise bewegte." Millais verteidigte diese Veränderung, indem er darauf hinwies, dass er es sich mit einer Familie zum Unterhalt nicht leisten könne, einen ganzen Tag auf einem Gebiet zu verbringen, das "nicht größer als ein Fünf-Schilling-Stück" sei.

Der engste männliche Freund von Millais in dieser Phase seines Lebens war John Leech, der durch seine Arbeit an Punch-Magazin. Millais traf Charles Dickens im Haus seines Schwiegersohns Charles Allston Collins. Trotz des Angriffs von Dickens auf Millais' Christus im Haus seiner ElternVor fünf Jahren verstanden sich die beiden Männer gut. Am nächsten Tag schickte Dickens Millais eine Notiz, in der er seine Bewunderung für sein Genie ausdrückte. Auf Vorschlag von Dickens trat Millais 1855 dem Garrick Club bei. Er wurde von zwei Freunden von Dickens vorgeschlagen, William Makepeace Thackeray und Wilkie Collins.

Im Jahr 1859 begann Millais regelmäßig Beiträge für die Zeitschrift Wöchentlich, und ab 1860 illustrierte er eine Reihe von Romanen von Anthony Trollope. Dies beinhaltete Pfarrhaus von Framley (1860), Orley Farm (1861) und Das kleine Haus in Allington (1862). Trollope sagte, er sei mit den Illustrationen des Künstlers so zufrieden, dass sie ihm tatsächlich halfen, die Charaktere in Fortsetzungen zu entwickeln. Warner betont: "Seine Karriere als Illustrator erreichte ihren Höhepunkt mit Die Gleichnisse unseres Herrn und Retter Jesus Christus, das zuerst in . erschien Gute Worte im Jahr 1863, dann als separater Band im Jahr 1864. Er steigerte seinen Ertrag auf viele seiner erfolgreicheren Illustrationen, indem er Versionen in Aquarell malte, die er an Händler und Sammler verkaufte. Nach der Veröffentlichung der Gleichnisse ging seine Darstellungsleistung zurück. Zweifellos wurde ihm nach seiner Wahl zum Royal Academician im Jahr 1863 der minderwertige berufliche Status dieser Art von Arbeit bewusster."

Im Januar 1866 machte der 46-jährige John Ruskin der 19-jährigen Rose La Touche einen Heiratsantrag. Sie lehnte Ruskin nicht ab, sondern bat ihn, drei Jahre zu warten. John La Touche und seine Frau waren gegen die Ehe und Ruskin konnte nur über Vermittler wie George MacDonald, Georgiana Cowper und Joan Agnew mit Rosa kommunizieren. 1870 machte Ruskin erneut einen Heiratsantrag. Im Oktober 1870 schrieb Marie an Effie Millais und bat um Beweise für Ruskins Impotenz, um die Ehe zu beenden. Effie bestätigte dies und erklärte, Ruskin sei „völlig unfähig, eine Frau glücklich zu machen“. Sie fügte hinzu, dass "er ziemlich unnatürlich ist ... und sein Verhalten mir gegenüber in höchstem Maße unrein war." Sie beendete ihren Brief mit den Worten: "Mein Nervensystem war so erschüttert, dass ich mich nie erholen werde, aber ich hoffe, Ihre Tochter wird gerettet."

Millais machte sich Sorgen über die Auswirkungen, die diese Korrespondenz auf seine Frau hatte. Er schrieb an Roses Eltern und bat sie, seine Frau in Ruhe zu lassen. Er bestand darauf, dass "die Tatsachen der Welt bekannt sind, feierlich geschworen in Gottes Haus" und fragte, warum diese "unfeine Untersuchung notwendig" sei. Millais fuhr dann fort, dass Ruskins Verhalten "einfach berüchtigt war, und meine Frau leidet bis heute unter dem unterdrückten Elend, das sie mit ihm ertragen musste". Millais befürchtete, dass eine vollzogene Ehe mit Rose die vorherigen Annullierungsgründe hinfällig machen und seine Ehe mit Effie bigam machen würde. Rose La Touche starb im Alter von 27 Jahren und John Ruskin blieb unverheiratet.

Am 20. August 1869 schrieb Charles Dickens an Frederic Chapman und forderte ihn auf, einen Vorschlag für die Veröffentlichung seines neuen Romans zu machen. Das Geheimnis von Edwin Drood. Im folgenden Monat teilte er Chapman mit, dass er seinen Schwiegersohn Charles Allston Collins ausgewählt habe, um das Buch zu illustrieren. Michael Slater, der Autor von Charles Dickens (2009) hat darauf hingewiesen: "Dickens... zweifellos bestrebt, seinen ständig kränkelnden Schwiegersohn im Weg zu stellen, etwas Geld zu verdienen... Cover-Design, bevor er offiziell beauftragt wurde."

Collins entwarf ein Cover, mit dem Dickens zufrieden war. Bald darauf schrieb er jedoch an Frederic Chapman: "Charles Collins stellt fest, dass das Hinsetzen zum Zeichnen all die schlimmsten Symptome der alten Krankheit zurückbringt, die ihn veranlasste, seine alte Beschäftigung mit der Malerei aufzugeben; und hier sind wir plötzlich ohne Illustrator." ! Wir werden natürlich seine Tarnung verwenden, aber bei weiteren Themen gibt er ganz nach."

Charles Dickens bat Millais, einen Ersatz für Collins zu finden. Bald darauf sah er die Zeichnung Obdachlos und hungrig in der ersten Ausgabe von Die Grafik (4. Dezember 1869). Dies war das Werk des jungen Künstlers Luke Fildes. Millais platzte in Dickens' Zimmer und rief: "Ich habe ihn". Dickens schrieb an Fildes: "Ich sehe, dass Sie ein Meister darin sind, Scampis zu zeichnen, schicken Sie mir einige Exemplare hübscher Damen." Als er diese Bilder erhielt, antwortete er: "Ich kann Ihnen ehrlich versichern, dass ich die größte Bewunderung für Ihre bemerkenswerten Kräfte habe." Fildes schrieb an seinen Künstlerfreund Henry Woods: „Gratuliere mir! Ich soll die Geschichte von Dickens schreiben. Habe gerade den Brief zur Klärung der Angelegenheit bekommen in meiner Karriere. Daran werde ich gemessen."

Malcolm J. Warner argumentiert: "In den 1860er Jahren entwickelte Millais eine malerische Technik und eine Vorliebe für die alten Meister, die den präraffaelitischen Prinzipien seiner Jugend widersprachen. Sein späterer Stil ist eine Hommage an Velázquez, Frans Hals und darüber hinaus." alles zur englischen Porträtmalerei des vorigen Jahrhunderts. 1868 mit seinen hängenden Gemälden Stella und Vanessa, begann er eine Reihe von Gemälden attraktiver junger Frauen in Kostümen des 18. . Sein Dreifachporträt Herzen sind Trumpf ist eine Variation eines Themas aus dem Porträt von Sir Joshua Reynolds Die Damen Waldegrave und Kirsche reif spielt auf den gleichen Künstler an Penelope Boothby. Reynolds – den die Präraffaelitenbruderschaft als „Sir Sloshua“ verunglimpft hatte – wurde zum künstlerischen Prüfstein von Millais, insbesondere wenn es um die Darstellung von Kindern ging.Reynolds' eigene Discourses forderten den modernen Künstler auf, Zitate und Anleihen aus der Kunst der Vergangenheit zu machen; beim Malen von ‚Souvenirs‘ seiner Porträts folgte ihm Millais sowohl in der Praxis als auch in der Theorie." Carlo Pellegini kommentierte diesen Trend, indem er eine Karikatur von Millais in . veröffentlichte Eitelkeitsmesse mit der Überschrift "Ein konvertierter Präraffaelit".

Charles Dickens starb am 8. Juni 1870. Millais wurde eingeladen, das tote Gesicht von Dickens zu zeichnen. Am 16. Juni schrieb Kate Dickens Collins an Millais: "Charlie - hat gerade deine Zeichnung heruntergebracht. Es ist ganz unmöglich, die Wirkung zu beschreiben, die sie auf uns hatte. Niemand außer dir hätte die Schönheit so perfekt verstehen können." und Pathos seines lieben Antlitzes, wie es auf dem Bettchen im Eßzimmer lag, und niemand außer einem genialen Mann, der so hell war wie sein eigenes, hätte dieses Gesicht so reproduzieren können, daß wir uns jetzt fühlen, wenn wir es betrachten, dass er noch bei uns im Haus ist. Danke, lieber Herr Millais, dass Sie es mir gegeben haben. Es gibt nichts auf der Welt, was ich habe oder jemals haben könnte, was ich halb so schätzen würde. Ich glaube, Sie wissen es das, obwohl ich so wenige Worte finden kann, um Ihnen zu sagen, wie dankbar ich bin."

Nach dem Tod ihres Mannes Charles Allston Collins, Millais' Freund, heiratete Kate Dickens am 11. September 1873 heimlich Charles Edward Perugini in einem Standesamt. Die Zeugen, Henry Thomas Mitcham und Ernest Edward Earle, waren Fremde und Freunde und Familie nicht den Dienst besuchen. Sie lebten jedoch nach der Hochzeit nicht mehr zusammen. Es wird angenommen, dass der Grund für diese geheime Ehe darin lag, dass Kate dachte, sie sei schwanger. Die offizielle Hochzeit von Carlo und Kate fand am 4. Juni 1874 in der St. Paul's Church am Wilton Place in Knightsbridge statt. Millais bot an, Kates Porträt als Hochzeitsgeschenk zu malen. Es dauerte jedoch sechs Jahre, bis es fertig war.

1873 kaufte Millais ein Grundstück am Palace Gate in Kensington und beauftragte den Architekten Philip Hardwick mit dem Bau eines neuen Hauses. In den ersten Monaten des Jahres 1877 zog die Familie Millais ein. Das beeindruckende Haus spiegelte den wachsenden Reichtum und das gesellschaftliche Ansehen des Künstlers wider. Thomas Carlyle soll bei einem Hausbesuch gesagt haben: "Millais, hat die Malerei das alles gemacht? Nun, es muss mehr Narren auf dieser Welt geben, als ich dachte!"

Millais konzentrierte sich nun darauf, die Porträts der Reichen und Schönen zu malen. Dazu gehörten William Ewart Gladstone, Lillie Langtry, Benjamin Disraeli, Alfred Tennyson und Henry Irving. Millais' Honorar für ein in Auftrag gegebenes Dreiviertelporträt betrug normalerweise 1.000 Pfund. Er erzählte einem Freund: "In den letzten zehn Jahren hätte ich 40.000 Pfund verdienen sollen, wenn ich mir nicht vier Monate Urlaub im Jahr gegönnt hätte: Was ich tatsächlich verdient habe, waren 30.000 Pfund, so dass ich eine Schätzung deutlich unter der Tatsache abgegeben habe !"

Ian Chilvers, der Autor von Kunst und Künstler (1990). Manchen Zeitgenossen schien es, als vergeudete er seine Talente, um dem öffentlichen Geschmack zu dienen, und viele Kritiker des 20. Jahrhunderts haben ihn als junges Genie dargestellt, das sein künstlerisches Gewissen für Geld opferte."

Im Jahr 1893 wurde bei John Everett Millais, einem starken Raucher, Kehlkopfkrebs diagnostiziert. Am 11. Mai 1896 führte der berühmte Chirurg Frederick Treves eine Notfalltracheotomie durch, um ihm das Atmen zu ermöglichen. Millais starb am Nachmittag des 13. August 1896 zu Hause im Alter von 67 Jahren.

Millais wurde zuerst durch einen Skandal bekannt - ein Skandal, der mit der künstlerischen Bewegung verbunden war, deren Gründungsmitglied er war: Präraffaelitismus. Er war einer von sieben jungen Künstlern, die alle an der Royal Academy ausgebildet waren und eine Gruppe namens Präraffaeliten-Bruderschaft (bekannt als PRB) gründeten. Millais war einer der wenigen Glücklichen, die von der Aufregung nicht ruiniert wurden, hauptsächlich weil er durch das Geld der Familie finanziell abgesichert war.

Dieses Zeitalter ist so pervers und hat so wenig Glauben, weil es, wie manche annehmen, seit einigen Generationen einen Run auf dieses Ufer gab, dass eine parallele und schöne Idee, die unter den Unwissenden allgemein als die Jung-England-Halluzination bekannt ist, , zum großen Kummer eines kleinen, aber sehr erlesenen Kreises von Trauernden. Die Vorstellung, alles zu ignorieren, was für das Glück und die Erhebung der Menschheit während drei oder vier Jahrhunderten getan wurde, ist für einen Verstand, der zu ernsthafter Reflexion fähig ist, so faszinierend, dass wir immer gedacht haben: es würde durchaus zur Mißbilligung der allgemeinen Öffentlichkeit neigen, könnte ihnen jedes greifbare Symbol, jedes äußere und sichtbare Zeichen, das diese bewundernswerte Vorstellung ausdrückt, vorgehalten werden. Wir sind froh, endlich ein solches Zeichen gefunden zu haben; und obwohl es im wahrsten Sinne des Wortes ein sehr gleichgültiges Zeichen wäre und wahrscheinlich von jedem christlichen Zöllner mit Verachtung und Entsetzen zurückgewiesen würde, hat es unsere wärmste philosophische Wertschätzung.

Im 15. Jahrhundert entstand im italienischen Urbino eine gewisse schwache Kunstlampe. Dieses schlechte Licht, mit dem Namen Raphael Sanzio, besser bekannt als Raphael (ein anderer zur gleichen Zeit verbrannt, genannt Tizian), wurde einigen kläglich falschen Unglücklichen in diesen späteren Tagen mit einer absurden Vorstellung von Schönheit mit einer lächerlichen Kraft der Veretherung genährt , und in den Himmel der Himmel erhebend, was am erhabensten und lieblichsten im Ausdruck des auf Erden göttlichsten menschlichen Antlitzes war, mit dem wahrhaft verächtlichen Dünkel, in der armen Menschheit das gefallene Ebenbild der Engel GOTTES zu finden, um es wieder auferstehen zu lassen zu ihrem reinen spirituellen Zustand. Diese sehr phantastische Laune bewirkte eine niedrige Revolution in der Kunst insofern, dass Schönheit als eines ihrer unverzichtbaren Elemente angesehen wurde. In dieser sehr armen Täuschung haben die Künstler bis zum gegenwärtigen neunzehnten Jahrhundert weitergemacht, als es einigen kühnen Aspiranten vorbehalten war, sie "zu Boden zu legen".

Die Pre-Raphael-Bruderschaft, meine Damen und Herren, ist das schreckliche Tribunal, das diese Angelegenheit in Ordnung bringen soll. Gehen Sie hinauf, gehen Sie hinauf und hier, auffällig an der Wand der Royal Academy of Art in England, im zweiundachtzigsten Jahr ihrer jährlichen Ausstellung, werden Sie sehen, was diese neue Heilige Bruderschaft, diese schreckliche Polizei, die alle Post zerstreuen soll -Raphael-Straftäter, hat "getan und getan!"

Sie kommen in diese Royal Academy Exhibition, die mit den Werken von Wilkie, Collins, Etty, Eastlake, Mulready, Leslie, Maclise, Turner, Stanfield, Landseer, Roberts, Danby, Creswick, Lee, Webster, Herbert, Dyce, Cope . vertraut ist , und andere, die als große Meister in jedem Zeitalter oder Land bekannt gewesen wären, kommen Sie an diesem Ort zur Kontemplation einer Heiligen Familie. Ihr werdet die Güte haben, alle Ideen nach Raffael, alle religiösen Bestrebungen, alle erhebenden Gedanken, alle zärtlichen, schrecklichen, traurigen, veredelnden, heiligen, anmutigen oder schönen Assoziationen aus euren Köpfen zu entleeren und euch vorzubereiten, wie es sich für solche gehört Thema Pre-Raphaelly gilt als die tiefsten Tiefen dessen, was gemein, abscheulich, abstoßend und abstoßend ist.

Sie sehen das Innere einer Schreinerei. Ihre Zehen haben Saint Giles verlassen.

Dies ist im neunzehnten Jahrhundert und im zweiundachtzigsten Jahr der Jahresausstellung der National Academy of Art für uns, meine Damen und Herren, die präraffaelische Darstellung der feierlichsten Passage, der sich unser Geist jemals nähern kann. Dies ist im neunzehnten Jahrhundert und im zweiundachtzigsten Jahr der Jahresausstellung der National Academy of Art, was die Präraffael-Kunst tun kann, um dem Glauben, in dem wir leben und sterben, Ehrerbietung und Ehrerbietung zu erweisen! Betrachten Sie dieses Bild gut. Betrachten Sie das Vergnügen, das wir an einer ähnlichen Präraffael-Darstellung eines Lieblingspferdes oder -hundes oder einer Lieblingskatze haben sollten; und frisch von einem ziemlich beträchtlichen Aufruhr über "Schändeung" im Zusammenhang mit der Nationalen Post kommend, wollen wir diese großartige Leistung preisen und die Nationale Akademie loben!

Betrachtet man dieses Symbol des großen rückschrittlichen Prinzips weiter, so ist es besonders erfreulich zu beobachten, dass solche Gegenstände wie die auf dem Zimmermannsboden verstreuten Späne bewundernswert bemalt sind; und dass der Präraffael-Bruder unbestreitbar in der Manipulation seiner Kunst versiert ist. Es ist erfreulich, dies zu beobachten, denn das Kunststück erfordert keinen geringen Aufwand an Bekanntheit; Jeder weiß, dass es keineswegs einfacher ist, auf ein sehr gleichgültiges Schwein mit fünf Beinen aufmerksam zu machen, als auf ein symmetrisches Schwein mit vier. Auch, weil es gut zu wissen ist, dass die Nationale Akademie den hohen Umfang und die erhabenen Zwecke der Kunst gründlich fühlt und begreift; erkennt deutlich, dass Kunst mehr umfasst als das getreue Porträt von Spänen, oder die geschickte Farbgebung der Drapierung, kurz gesagt, zwingend erfordert, dass sie mit Verstand und Gefühl unterrichtet wird; wird es keinesfalls auf eine enge Frage des Handelsjonglierens mit Palette, Spachtel und Malkasten reduzieren. Es ist auch erfreulich, daran zu denken, dass die große Erziehungsanstalt die Schwierigkeit, in die sie führen würde, voraussieht, indem sie dem bloßen Handwerk mehr Gewicht beimisst als jeder anderen Erwägung, selbst den Erwägungen der allgemeinen Ehrfurcht oder des Anstands; welches absurde Prinzip, falls ein geschickter Maler der Figur in seinem Geschmack ein wenig perverser wird, als es gerade einige geschickte Maler sind, könnte Ihre gnädige Majestät in eine sehr schmerzhafte Lage bringen, einen dieser schönen Privatansichtstage .

Wäre es in unserer Macht, unseren Lesern zu den hoffnungsvollen Aussichten des großen rückschrittlichen Prinzips zu gratulieren, dessen Zeichen und Sinnbild dieses nachdenkliche Bild ist! Könnten wir unseren Lesern eine ermutigende Versicherung für eine gesunde Nachfrage nach alten Lampen im Austausch gegen neue und eine stetige Verbesserung des Marktes für alte Lampen geben! Die Perversität der Menschheit ist derart, und die ungünstigen Vorkehrungen der Vorsehung sind derart, dass wir ihre Seelen nicht mit dieser schmeichelhaften Salbung belegen können. Wir können nur berichten, was Bruderschaften, angeregt durch dieses Zeichen, formen; und welche Gelegenheiten dem Volk geboten werden, wenn das Volk es nur akzeptiert.

In den 1870er Jahren hatte Millais die scheinbar überwältigende Kritik an zwei seiner Werke überwunden. Christus in der Schreinerei (1850) und Sir Isumbras im Ford (1857); er wurde jetzt von den Massen und dem Establishment verehrt, und es schien, dass nichts, was er malte, die Kunstsammler jemals enttäuschen konnte. Doch trotz seines großen und stetigen Einkommens waren Millais Ausgaben manchmal unerschwinglich, mit einer ständig wachsenden Familie, Studiokosten und einem teuren Lebensstil, der unterstützt werden musste. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte er sich auf publikumsfreundliche Genrebilder und insbesondere in den 1860er Jahren auf Buchillustrationen konzentriert, doch im Verlauf der 1870er Jahre entschied Millais, dass es Zeit für eine Veränderung sei. Mit seinen Vierzigern begann für ihn eine neue Phase seiner Karriere als Porträtmaler - ein Beruf, der sich als sehr lukrativ erweisen konnte.

Das frühreife neunjährige Genie – das einst seine älteren Mitschüler der Royal Academy so in den Wahnsinn getrieben hatte, dass sie ihn zu seinen Füßen aus einem Fenster baumelten, bis er vor Angst ohnmächtig wurde – und ein ehemaliger präraffaelitischer Rebell war jetzt auf dem Höhepunkt seines Ruhms. Er konnte genau wählen, wen er malen und welchen Preis er verlangen wollte. Seine Porträts, zu denen später die Schönheit der Gesellschaft gehörte Lilie Langtry (1878) und der Porträtmaler Louise Jopling (1879), erregte die Reichen und Berühmten, um seine Aufmerksamkeit zu schreien.

Die Präraffaelitenbruderschaft selbst verlor 1853 ihren Zusammenhalt als Gruppe und hielt nach diesem Datum keine Versammlungen mehr ab. Ruskin schrieb jedoch noch einige Zeit über dieselben Künstler und die Bewegung, die sie inspiriert hatten, in selbstbewussten Tönen, ohne jegliche Disharmonie. Glücklicherweise hatte er die Präraffaeliten im Allgemeinen als Schule bezeichnet und tat dies nahtlos weiter. Nachdem sie mit der Verteidigung der P.R.B. zu einem ziemlich späten Zeitpunkt scheint Ruskin zu überkompensieren, indem er die Auflösung der Gruppe in seinen kritischen Schriften nicht erwähnt. In seinen veröffentlichten Notizen zur Royal Academy-Ausstellung von 1856 wies er darauf hin, dass eine bedeutende Veränderung stattgefunden habe und sein Tonfall fast ekstatisch ist. Seine Erzählung scheint hier ihren Höhepunkt zu erreichen, da seine Bildsprache die eines Heiligen Krieges zwischen Raffael und den Präraffaeliten ist; „die Schlacht ist vollständig und bekannt gewonnen“, da die Maler Raphael im Stich gelassen haben, „herausstrebend aus ihrem Konventionalismus zum präraffaelitischen Standard“. Das angestrebte Ziel ist erreicht, da die Mehrzahl der ausgestellten Werke mittlerweile einen deutlichen präraffaelitischen Einfluss aufweist und der Grand Style nicht mehr die akzeptierte Norm ist. Die Aufzeichnungen der Akademie des folgenden Jahres würden eine gewisse Ernüchterung zeigen, aber im Moment triumphierte Ruskin als bestätigter Fahnenträger der präraffaelitischen Bewegung.


Wörterbuch der Nationalbiographie, Ergänzung 1901/Millais, John Everett

MILLAIS, Sir JOHN EVERETT (1829–1896), Historien-, Genre-, Landschafts- und Porträtmaler und Präsident der Royal Academy, geboren am 8. Juni 1829 in Southampton, war der jüngste Sohn von John William Millais, der einem alten Normannen gehörte Familie ließ sich für viele Generationen in Jersey nieder, und Emily Mary, die Tochter von John Evamy und die Witwe von Enoch Hodgkinson, von der sie zwei Söhne hatte. Der Vater (der 1870 starb) war auf der Insel Jersey für sein gutes Aussehen und seine charmanten Manieren bekannt. Er war auch ein guter Musiker und ein fairer Künstler und hatte eine Kommission in der Miliz von Jersey. Er verhaftete Oxford, der 1840 auf die Königin schoss. Die Millaises lebten in Le Quaihouse, etwas außerhalb von St. Hellers, bevor sie nach Southampton zogen, wo Sir John und sein älterer Bruder William Henry (ebenfalls Künstler und Autor von "The ." Game Birds of England“) wurden geboren. Die Familie kehrte kurz nach Millais Geburt nach Jersey zurück, und dort entwickelte er eine Vorliebe für Naturgeschichte und Zeichnen. Im Winter 1898 wurde in der Royal Academy ein Rahmen mit Zeichnungen ausgestellt, die im Alter von nur sieben Jahren entstanden war elf. Er wurde zur Schule geschickt, zeigte aber keine Neigung zum Lernen und wurde ausgewiesen, weil er seinem Herrn in die Hand gebissen hatte. Zu den Freunden der Millaises in Jersey gehörte die Familie der Lempriere, von denen einer (später General Lempriere), der Enkel von Philip Raoul Lempriere, Seigneur von Roselle Manor, das Vorbild für den Hugenotten in Millais' berühmtem Bild mit diesem Namen war. 1835 zog die Familie nach Dinan in die Bretagne, wo das Kind die französischen Offiziere mit seinen Skizzen entzückte. Einer von dem eine Zigarre rauchenden Oberst und ein anderer von dem 'Tambour Major' werden in seiner Biographie von seinem Sohn besonders erwähnt. 1837 kehrte die Familie noch einmal nach Jersey zurück, wo John seinen ersten Kunstunterricht bei einem Mr. Bessel, dem besten Zeichenmeister der Insel, erhielt, der bald gestand, seinem Schüler nichts mehr beibringen zu können, und 1838 er kam nach London mit einer Vorstellung von Sir Martin Archer Shee [q, v.], dem Präsidenten der Royal Academy. Unterwegs skizzierte er Mr. (später Sir Joseph) Paxton [q. v.] schlafend in der Kutsche. Sir Martin sagte seinen Eltern, dass es ihre klare Pflicht sei, ihren Sohn für die Berufung, für die ihn die Natur offenbar vorgesehen hatte, auszubilden, und im Winter 1838/39 wurde er in die bekannte Schule von Henry Sass [q. v.] in Bloomsbury. Im selben Jahr erhielt er eine Silbermedaille der Society of Arts und wurde 1840 Student an der Royal Academy. Hier trug er jeden Preis davon. Sein erstes Ölbild war "Amor mit Blumen gekrönt", gemalt im Jahr 1841. 1843 erhielt er die erste Silbermedaille für das Zeichnen der Antike und mit siebzehn die Goldmedaille für ein Ölgemälde "Die jungen Männer von Benjamin, die ihre Bräute.'

Millais behielt immer noch seine Abneigung gegen gewöhnliche Studien bei und erhielt seine gesamte Ausbildung (außer in der Kunst) von seiner Mutter, die ihm ständig vorlas. Er trug sein jungenhaftes Kostüm aus geraffter Tunika und weit fallendem Kragen bis weit über das übliche Alter hinaus und wurde deshalb von seinen Mitstudenten an der Akademie »das Kind« genannt, ein Name, der ihm noch lange im Gedächtnis blieb. Er war groß und schlank, temperamentvoll und unabhängig, wenn auch sehr zart. Er liebte Cricket und Angeln und fand viele Freunde. Bereits 1840 wurde er von Samuel Rogers zum Frühstück eingeladen und lernte Wordsworth kennen, und 1846 wohnte er bei seinem Halbbruder Henry Hodgkinson in Oxford und wurde dem Kunsthändler Wyatt vorgestellt, in dessen Haus er häufig blieb in den nächsten drei Jahren als Gast. An einem Fenster in dem Zimmer, das er bewohnte, malte er in Öl „Die Königin der Schönheit“ und „Der siegreiche Ritter“. Wyatt kaufte sein Bild von "Cymon and Iphigenia" (jetzt im Besitz von Mr. Standen), das 1847 für die Royal Academy gemalt, aber nicht ausgestellt wurde. Um 1849 gehört ein Porträt von Millais (ausgestellt 1850) von Wyatt und seinem Enkel. Andere in Oxford gemachte Bekanntschaften waren Mr. und Mrs. Combe von der Clarendon Press, mit denen er intim wurde, und Mr. Drury aus Shotover Park. Er verdiente auch Geld und zahlte ab seinem sechzehnten Lebensjahr den größten Teil der Haushaltsausgaben in der Gower Street, wo er mit seiner Familie lebte. 1845 wurde er beauftragt, für einen Händler namens Ralph Thomas für 100 . kleine Bilder und Hintergründe zu malenl. ein Jahr. Er dokumentierte seine Freude über den Erhalt seines ersten Schecks (noch erhalten), indem er ihn mit einer Zeichnung von sich selbst untermauerte. Sie fielen auseinander, und Millais warf Thomas seine Palette zu und beendete so die Verbindung für eine Weile, aber sie wurde später (wenn auch nicht für lange) mit einem erhöhten Gehalt von 150 . erneuertl. ein Jahr.

1846 stellte Millais zum ersten Mal in der Royal Academy aus. Das Thema seines Bildes war 'Pizarro, der den Inka von Peru beschlagnahmt'. Darauf folgte 1847 'Elgiva von den Soldaten von Odo beschlagnahmt'. John (bekannt als Lester) Wallack, der Schauspieler [siehe unter Wallack, James William, ad fin.], die Millais' Schwester heiratete, saß für Pizarro.Im Jahr 1847 nahm er auch erfolglos an dem Wettbewerb in der Westminster Hall für die Dekoration der Parlamentsgebäude teil und schickte ein Ölbild von "The Widow's Mite" (zehn Fuß sieben Zoll mal vierzehn Fuß drei Zoll), da es zerschnitten war. Er stellte 1848 nicht an der Akademie aus.

Bis zu diesem Zeitpunkt hatte sich seine Karriere von denen anderer Akademiestudenten nur durch ihren bemerkenswerten Erfolg unterschieden, und seine Bilder hatten wenig oder gar keine Abweichung von den gewöhnlichen Idealen und Methoden gezeigt, die in den Schulen gelehrt wurden, aber ungefähr Anfang 1848 hatten er und Herr Holman Hunt, der sich des leblosen Zustands, in den die britische Kunst verfallen war, zutiefst bewusst war, beschloss, einen Stil absoluter Unabhängigkeit in Bezug auf Kunstdogmen und -konventionen anzunehmen, den sie "Präraffaelitismus" nannten. Der nächste, der sich der Bewegung anschloss, war Dante Gabriel Rossetti [q.v.], der zu dieser Zeit unter der Anleitung von Holman Hunt mit den technischen Schwierigkeiten der Malerei kämpfte, aber Millais unbekannt war. Die drei trafen sich im Haus der Millaises in der Gower Street, wo Millais ihnen Kupferstiche aus den Fresken des Campo Santo in Pisa zeigte, und alle stimmten zu, ihnen zu „folgen“. Das Ergebnis war die Gründung der berühmten „Präraffaeliten-Bruderschaft“, bestehend aus sieben Mitgliedern. Es gab viele Streitigkeiten über die genauen Prinzipien der Bruderschaft, aber Millais zufolge „hatten die Präraffaeliten nur eine Idee, auf der Leinwand darzustellen, was sie in der Natur sahen“, und an dieser Idee hielt er von Anfang an fest halten. Ein weiterer umstrittener Punkt ist der Einfluss von Rossetti auf Millais' früheres Werk. Dies wurde von Millais selbst vollständig geleugnet, aber es war wahrscheinlich größer, als er wusste, denn Rossettis Bild von "Die Mädchenschaft der Jungfrau Maria" war eindeutig der Vorläufer von Millais "Christus im Haus seiner Eltern", und es gab einen Geist poetischer Romanze in Millais' Werk, während ihr engster Verkehr (1848-52) andauerte, der danach langsam verblasste. Der intensive intellektuelle und spirituelle Einfluss von Rossetti auf die Bruderschaft kann im Allgemeinen nicht geleugnet werden. Er war der herrschende Geist ihrer kurzlebigen Orgel "The Germ" (2 Teile, 1850), für die Millais ein oder zwei Skizzen und eine Radierung anfertigte und eine Geschichte schrieb, obwohl keine von ihnen erschien. (Eine Kopie der Radierung findet sich in "British Contemporary Artists".) Andererseits war Millais sehr unabhängig und ungeduldig und wollte den ersten Band von "Modern Painters" (1841) nicht lesen, in dem Prinzipien wie diejenigen, die praktisch von den Präraffaeliten gefolgt wurden, wurden zuerst jungen Künstlern empfohlen. Es sei auch daran erinnert, dass Rossetti zu dieser Zeit ein bloßer Tyrann in der Malerei war, während Millais ein ausgebildeter Künstler war, und dass Millais die Liebe zur Natur und die Fähigkeit, sie auszudrücken, nichts von Rossetti lernen konnte.

Jedenfalls ist es ziemlich sicher, dass Herr Holman Hunt und Millais in all ihren Ansichten und in ihrer Praxis aufs engste verbunden waren. Sie arbeiteten seit ihrer Studienzeit in voller Sympathie zusammen und gründeten gemeinsam die neue Bewegung. Die Tiefe der Kluft zwischen ihm und dem Alten wird deutlich, wenn wir den "Pizarro" von 1846 mit der "Isabella" von 1849 vergleichen, einer Bankettszene aus Keats' Gedicht "Isabella und der Topf mit Basilikum", die auf einer Geschichte von Boccaccio basiert . In diesem wurden fast alle Charaktere von seinen Verwandten und Freunden gemalt. Darunter waren zumindest drei aus der Bruderschaft, die beiden Rossettis, Dante und William, und Mr. FG Stephens, und es enthält alle Merkmale der 'präraffaelitischen' Arbeit minutiösste Nachahmung der Natur bis ins kleinste Detail, alle Personen und Objekte, die direkt von den Originalen untersucht wurden, und die Missachtung von Komposition, Verallgemeinerung und jeglicher Konvention. Die Geschichte wurde mit dramatischer Kraft erzählt und der Ausdruck der Köpfe, mit Ausnahme des liebeskranken Lorenzo, war ausgezeichnet. Millais malte nie wieder eine Komposition mit so vielen Figuren, so viel Geduld und Erfolg in der Ausführung. Das Bild wurde von Mr. Windus gekauft, war eine Zeitlang im Besitz des Bildhauers Thomas Woolner [q.v.] (und eines der Brüder) und befindet sich jetzt in der Galerie der Corporation of Liverpool. Es wurde 1849 ausgestellt.

Millais' nächstes wichtiges Bild war eine vermeintliche Szene aus der Kindheit Christi, die wie ein Vorfall im gewöhnlichen Leben einer Zimmermannsfamilie behandelt wurde. Es ist normalerweise als "The Carpenter's Shop" oder "Christ in the House of his Parents" bekannt, aber im Katalog der Royal Academy hatte es anstelle eines Titels ein Zitat aus Sacharja xiii. 6. Der Junge hat seine Handfläche mit einem Nagel verletzt. Seine Mutter kniet neben ihm und küsst ihn. St. Joseph, St. Anne und St. John, die von gewöhnlichen Menschen nicht zu unterscheiden sind, spielen in dem kleinen Drama der Sympathie unterschiedliche Rollen, so wie es eine Zimmermannsfamilie jeden Tag in jedem Land tun kann. Sie sind alle in englischer Sprache. Eine solche Behandlung einer Szene im Leben der Heiligen Familie rief große Feindseligkeit hervor. Die „Times“ stigmatisierte es als „abstoßend“ und seine minutiöse Detaillierung als „abscheulich“. Heftige Angriffe kamen von fast allen Seiten, einschließlich „Blackwood“ und sogar von Charles Dickens in „Household Words“, der später seinen Fehler einstand. Ein anderes Bild aus diesem Jahr, 1850, »Ferdinand locked by Ariel« fand bei den Kritikern kaum besseren Anklang und wurde von dem Händler, für den es gemalt wurde, abgelehnt. Trotzdem wurde 'The Carpenter's Shop' von einem Händler namens Farrer für 15 (W.) und 'Ferdinand' von Mr. Ellison aus Sudbrooke Holme, Lincolnshire, für dieselbe Summe gekauft Handhabung, die eines der Merkmale der Präraffaeliten war, war ein Fehler (siehe William Bell Scotts Autobiografische Notizen, ich. 278), aber in seiner Arbeit der nächsten Jahre ist diesbezüglich kaum ein Unterschied zu bemerken. Die bemerkenswertesten davon waren: "Die Rückkehr der Taube zur Arche" und "Die Tochter des Holzfällers" aus einem Gedicht von Patmore und "Mariana of the Moated Grange" (alle 1851 ausgestellt), "The Huguenot" und "Ophelia" (1852) The Proscribed Royalist" und "The Order of Release" (1853). "Die Rückkehr der Taube", obwohl die Mädchen, die den Vogel erhielten, sehr schlicht waren, war exquisit gemalt, und Ruskin wollte es kaufen, aber es wurde von Herrn Combe für 150 Guineen gekauft, der es der Universität von Oxford vermachte . Der Hintergrund von "The Woodman's Daughter" war ein Wald in der Nähe von Oxford, und die Erdbeeren, die der Knappenjunge der Tochter des Arbeiters anbietet, wurden in Covent Garden gekauft - vier für 5S. 6D. 'Mariana' wurde von Mr. Windus gekauft und gehört jetzt Mr. H. F. Makins. 'Der Hugenotte', dessen Figuren von Mr. Arthur (später General) Lempriere und Miss Ryan gemalt wurden, wurde von einem Händler namens White für 300 . gekauftl. 'Ophelia' war ein Porträt von Miss Siddall (Mrs. D.G. Rossetti), und die Szene wurde neben dem Ewell in Kingston gemalt. Für 'The Proscribed Royalist' saß Mr. Arthur Hughes, der bekannte Maler, und Miss Ryan erschien wieder in der weiblichen Figur. Der Schauplatz war ein kleiner Wald in der Nähe von Hayes in Kent. In 'The Order of Release' wurde die weibliche Figur von Mrs. Ruskin gemalt, die später seine Frau werden sollte. Während dieser Jahre pflegte Millais viel Zeit auf dem Land zu verbringen, um seine Hintergründe zu malen, wohnte in Bauernhäusern und Cottages, in Gesellschaft seines Bruders, Mr. Holman Hunt, und Charles Allston Collins. Nachdem er sich für das Landschaftsbild entschieden hatte, das er vorstellen wollte, malte er es Tag für Tag mit exakter Genauigkeit und fast mikroskopischer Kleinheit. Solche Hintergründe, nicht nur in seinen Bildern, sondern auch in denen von Holman Hunt und ihren Gefolgsleuten, bilden ein ganz besonderes Merkmal der strengen 'Präraffaeliten'-Zeit. Für die buchstäbliche Wahrheit der eigenen Farben der Natur und die Wiedergabe komplizierter Details stehen die von Millais fast allein, insbesondere die Flussszene in 'Ophelia'.

Millais kämpfte die ganze Zeit hart für seine neuen Kunstprinzipien und litt sehr unter dem Antagonismus von Kritikern, Händlern und anderen, darunter viele Künstler der älteren Schule, aber er schaffte es trotz allem, seine Bilder zu verkaufen und erreichte nach und nach Popularität auch. Mit der Ausstellung „Der Hugenotte“ ist der Kampf zumindest für das Publikum gewonnen. Sein Gefühl, sein verfeinerter Ausdruck und seine gründliche Ausführung gefielen fast allen, die es sahen. Aber Millais und die präraffaelitische Sache hatten viele Unterstützer und Sympathisanten, von denen der wichtigste John Ruskin [qvSuppl.] war, der seine Begeisterung in Briefen an die „Times“ und in seiner Broschüre „Präraffaelitismus“ ( 1851). Millais traf Ruskin zum ersten Mal in diesem Jahr, und zwei Jahre später kamen Ruskin und seine Frau zu ihm. in Wellington, dem Haus der Trevelyans in Northumberland, und ging mit ihnen nach Schottland. Er fertigte mehrere Architekturentwürfe für Ruskin an und malte 1854 ein Porträt von ihm am Fluss Finlass stehend, das von Sir Thomas Dyke Acland gekauft wurde [q. v. Suppl.] Im Herbst 1853 ging er mit John Leech auf die Jagd [q. v.], und im November desselben Jahres wurde er zum Associate der Royal Academy gewählt. Zu diesem Zeitpunkt war die Bruderschaft, deren Zusammenkünfte immer selten waren, eines natürlichen Todes gestorben, und Millais musste bald die Gesellschaft von Herrn Holman Hunt verlieren, der im Februar 1854 nach Syrien ging Ausstellung in der Royal Academy, aber 1855 schickte er drei Bilder, darunter "The Rescue", eine Szene aus einem Brand in einem modernen Stadthaus, in der eine verzweifelte Mutter ihre beiden Kinder aus den Armen eines Feuerwehrmannes reißt. Dies wurde zu Ehren tapferer Feuerwehrleute gemalt und war ein neuer Aufbruch, denn die Szene war völlig modern und die Konzeption war ganz seine eigene. Die Mutter wurde von Mrs. Nassau Senior gemalt, der Schwester von Tom Hughes [q. v. Suppl.] Autor von 'Tom Brown's School Days'. Ruskin erklärte es in seinen Notizen zu den Hauptbildern der Akademie als „das einzige große ausgestellte Bild“ und fügte hinzu, dass es „sehr großartig“ sei und dass „das unsterbliche Element in vollem Umfang darin enthalten ist“. In der großen Pariser Ausstellung von 1855 war Millais vertreten durch „Der Orden der Befreiung“, „Ophelia“ und „Die Rückkehr der Taube“. Dies war das Jahr von Leightons "Cimabue", und die beiden Maler trafen sich zum ersten Mal. Im Juli dieses Jahres (1855) heiratete Millais Euphemia Chalmers, die älteste Tochter von George Gray aus Bowerswell, Perth, der ein Dekret über die „Nichtigkeit“ ihrer Ehe mit John Ruskin erwirkt hatte. Sie lebten in der Annat Lodge in der Nähe von Bowerswell. Im Garten dieser Residenz wurde das berühmte Bild "Herbstlaub" gemalt, das 1856 mit "Frieden abgeschlossen, 1856", "Das blinde Mädchen", "L'Enfant du Regiment" und einem "Portrait of a Gentleman" ausgestellt wurde .' 'Herbstlaub' stellt vier Mädchen dar, die in einem warmen Zwielicht oder Abendlicht tote Blätter aufhäufen 'Frieden abgeschlossen', einen verwundeten Offizier und seine Frau, deren Kinder mit Tieren aus der Arche Noah spielen, ein Hahn, ein Bär, ein Löwe und ein Truthahn, symbolisch für die Nationen, die am Ende des Krieges auf der Krim beteiligt waren. In seinen 'Notes' lobte Ruskin 'Herbstlaub' und 'Frieden abgeschlossen' in der Tat stark, sein Lob für letzteres war extravagant. Von "Herbstlaub" sagte er, es sei "bei weitem das poetischste Werk, das der Maler bisher konzipiert hat, und auch, soweit ich weiß, das erste Beispiel einer perfekt gemalten Dämmerung", und von beiden prophezeite er, dass sie es tun würden 'in Zukunft zu den besten Meisterwerken der Welt zählen.' 'Das blinde Mädchen' enthielt zwei Figuren, das blinde Mädchen und ihr Gefährte, ein jüngeres Mädchen, die auf einer Bank neben einem Gemeinen ruhten. Das blinde Mädchen mit roten Haaren und Ziehharmonika ist nicht schön, aber die Gruppe ist aufgrund ihrer Wahrheit und Einfachheit erbärmlich. Der Hintergrund, einer der besten, den der Künstler je gemalt hat, stellt die Gemeinde und das Dorf Icklesham in der Nähe von Winchelsea dar. 'L'Enfant du Regiment', jetzt 'The Random Shot' genannt, soll ein Vorfall in der Französischen Revolution sein und stellt ein verwundetes Kind dar, das auf einem Soldatenmantel in einer Kirche liegt. Das Grab, auf dem der Umhang ausgebreitet ist, wurde von einem in der Kirche von Icklesham gemalt.

Im Frühjahr 1857 nahm Millais Quartier in Savile Row. Sein Atelier in Langham Chambers wurde von 1853 bis 1860, als Luard starb, mit seinem Freund J. D. Luard geteilt. Die wichtigsten Bilder, die 1857 ausgestellt wurden, waren „Sir Isumbras am Ford“ und „Die Flucht eines Ketzers“. Der Ritter ist alt, in goldener Rüstung, auf einem schwarzen Pferd, und trägt zwei arme Kinder über den Fluss. Vor ihm sitzt ein Mädchen, von hinten klammert sich ein Junge an ihn. Dahinter, unter einem strahlenden Abendhimmel, eine Landschaft, die sich aus der Brücke von Eden und dem Gebirge der Ochills zusammensetzt, mit einem Turm, der aus der alten Burg von Elcho gemalt wurde. Am anderen Ufer sind zwei Nonnen.

Die verhältnismäßige Freiheit, mit der er jetzt malte, beleidigte Ruskin, der 'Sir Isumbras' mehrere Seiten strenger Zurechtweisungen widmete und in seinen 'Notizen' für 1857 erklärte, dass die Veränderung in der Art des Künstlers aus den Jahren von 'Ophelia' und 'Mariana' 'ist nicht nur Herbst – es ist eine Katastrophe.' Dieses Bild wurde sehr geschickt in einer Lithographie von Mr. F. Sandys karikiert, in der das Pferd in einen Esel mit der Marke J. R. verwandelt wird, der Ritter in Millais, während Dante Rossetti und Holman Hunt die Plätze des Mädchens und des Jungen einnehmen. 'Sir Isumbras' wurde von Charles Reade, dem Romanschriftsteller, gekauft und befindet sich heute im Besitz von Mr. R. V. Benson, auf dessen Wunsch der Künstler das Pferd und seine Ausstattung neu bemalte. Ruskin war in "Die Flucht des Ketzers" wegen seines Themas und der Gewalt seines Ausdrucks ebenso streng. Millais' nächste wichtige Bilder waren "Apfelblüten" oder "Frühling" und "Das Tal der Ruhe", die 1859 ausgestellt wurden (er schickte 1858 kein Bild an die Akademie). Das Thema „Das Tal der Ruhe“ (zwei Nonnen in einem Klostergarten, eine beim Graben eines Grabes) war ihm während seiner Flitterwochen eingefallen, und 1856 wurde mit „Apfelblüten“ begonnen Hintergrund von Eichen und Pappeln vor einem Abendhimmel. Das Gesicht einer der Nonnen war von abstoßender Häßlichkeit und wurde 1862 von einer Miss Lane neu gestrichen. 'The Vale of Rest' ist jetzt in der Tate Gallery. Beide Bilder wurden in Bowerswell gemalt. In „Apple Blossoms“ spielen einige schöne Mädchen in einem Obstgarten unter leuchtenden Apfelblütenzweigen, die mit großer Kraft und Freiheit gemalt wurden. Die zentrale Figur ist Miss Georgiana Moncrieff (Lady Dudley) Lady Forbes, zwei Schwägerinnen und ein Model saß für die anderen. Ruskin pries die Kraft, mit der diese Bilder gemalt wurden, und nannte "Das Tal der Ruhe" ein "großes Bild", bestand aber dennoch auf dem Verfall des Künstlers. Zu dieser Zeit scheint Millais immer noch stark unter der Feindseligkeit der Kritiker und anderer gelitten zu haben und Angst vor der Zukunft gehabt zu haben, aber er verkaufte alle seine Bilder zu guten Preisen und nahm 1860 ein Haus am Bryanston Square, von dem er zog 1862 nach Cromwell Place 7 in South Kensington. 1860 stellte er "The Black Brunswicker" aus, eine Abschiedsszene zwischen einem Offizier und seiner Verlobten vor der Schlacht von Waterloo. Der Offizier wurde von einem Gefreiten der Rettungsschwimmer gemalt, und die Dame von Miss Kate Dickens (Mrs. Perugini), der Tochter von Charles Dickens. Das Bild war in der Konzeption weniger raffiniert als seine anderen historischen Liebesszenen "Der Hugenotte" und "Der geächtete Royalist", aber es wurde mit großem Geschick gemalt und kann die Übergangszeit von seiner ersten oder präraffaelitischen Art beenden , und das der völligen Weite und Freiheit. Andere Veränderungen als die des Stils werden deutlicher. Er wurde weniger eifrig in der Suche nach Themen, weniger romantisch in seinem Gefühl, zufriedener damit, das Leben um ihn herum zu malen, ohne viel von seiner Phantasie oder auch nur seiner Fähigkeit zur raffinierten Auswahl zu gebrauchen. Das Porträtelement, das in seiner Arbeit immer stark war, wurde stärker, und seine Familie lieferte für viele Bilder fertige Motive. Gleichzeitig wurde seine Erfindung viel in der Illustration verwendet, insbesondere in Trollopes Romanen "Orley Farm", "Framley Parsonage", "The Small House at Allington", "Rachel Ray" und "Phineas Finn", für die er schrieb siebenundachtzig Zeichnungen, beginnend mit 'Framley Parsonage' im 'Cornhill Magazine'. Trollope war zu dieser Zeit einer seiner Freunde mit Thackeray, Wilkie Collins und John Leech. Von 1860 bis 1869 war er ständig in Designs beschäftigt, die auf Holz für Bradbury & Evans, Macmillan, Hurst & Blackett, Chapman & Hall, Smith, Elder & Co., Dalziel Bros., Mr. Gambart, Moxon (die illustrierte) Ausgabe von Tennyson). Er war einer der produktivsten und klügsten Buchillustratoren dieser Zeit, so berühmt für seine Wiederbelebung des Holzschnitts, und ein oder mehrere Schnitte aus seinen Entwürfen finden sich in "Once a Week", "The Cornhill, « »Punch«, »The Illustrated London News«, »Good Words«, »London Society« und viele Bücher. Später im Leben (1879) illustrierte er 'Barry Lyndon' für die Edition de luxe von Thackerays Werken. Er fertigte auch viele Aquarelle von seinen Bildern an. Er wurde 1863 zum Royal Academician gewählt. Zu den berühmtesten historischen und poetischen Bildern dieser Zeit (1860-70) gehörten "The Eve of St. Agnes" (1863), "Römer verlassen Großbritannien" und "Der Böse, der Tares sät". “ (1865), „Jephthah“ (1867), „Rosalind und Celia“ (1868), „Eine Flut“, „Die Jugend von Raleigh“ und „Der fahrende Ritter“ (1870). Das Thema „Der Vorabend der Heiligen Agnes“ stammt aus dem Gedicht von Keats. Die Heldin ist seine Frau, und der mondhelle Raum, in dem „ihre reiche Kleidung raschelt auf die Knie kriecht“, befindet sich im Knole House, Kent. Es wurde im Dezember 1862 in fünfeinhalb Tagen gemalt und ist eines der schönsten seiner Werke. Es gehört jetzt Herrn Val Prinsep, R.A. 'Der fahrende Ritter' zeichnet sich durch die feine Ausführung einer lebensgroßen Frauenfigur in voller Länge aus, die als einzige im Werk des Künstlers zu finden ist. Von den anderen waren vielleicht die erfolgreichsten "The Evil One, die Unkraut säen", eine Version in Öl einer einer feinen Reihe von Designs für "The Parables of Our Lord", herausgegeben von Bradbury & Evans, "A Flood" ( ein Kind, das in seiner hölzernen Wiege den angeschwollenen Bach hinuntergetragen wurde), und "The Boyhood of Raleigh", in dem zwei Jungen (seine eigenen Söhne Everett und George) den seltsamen Geschichten eines Matrosen lauschen, der von der spanischen Hauptleitung zurückgekehrt ist. Das neueste Element in seinem Werk dieser Zeit wurde aus seiner eigenen Gärtnerei geliefert, die Motive für viele sehr beliebte Bilder bot, wie "Meine erste Predigt", "Meine zweite Predigt", "Schlafen", "Aufwachen", "Schwestern", 'Das erste Menuett' und 'The Wolfs Den'.

Auch Porträts anderer Kinder gehörten zu seinen größten Erfolgen, wie „Freizeitstunden“, die Töchter von Sir John Pender mit einer Schüssel Goldfisch, und „Miss Nina Lehmann“ (Lady Campbell). Die meisten seiner Bilder waren jetzt Einzelfiguren mit mehr oder weniger Gefühl, wie „Stella“ und „Vanessa“, „Die Frau des Spielers“, „Die Milbe der Witwe“ und „Schwalbe, Schwalbe“. Eine wichtigere Komposition, 'Pilgrims to St. Paul's' (Greenwich-Rentner vor Nelsons Grab), appellierte an das Nationalgefühl. Technisch war er voll ausgereift, jubelte offenbar über seine Beherrschung seines Materials und frönte gelegentlich einer Rivalität mit dem breitesten Stil von Velazquez, wie in ,Vanessa' und ,A Souvenir of Velazquez', seinem Diplombild.Zu dieser Zeit gehörte, obwohl erst 1871 ausgestellt, das großartigste seiner biblischen Bilder mit dem Titel "Sieg, Herr", das Aaron und Hur darstellt, die die Hände von Moses auf der Spitze des Hügels halten (2. Mose xvii. 12).

Während der Arbeit arbeitete niemand härter als Millais, aber niemand genoss seine Ferien mehr oder war mehr von der Bedeutung langer und gründlicher Ferien überzeugt. Jedes Jahr verbrachte er einige Monate auf dem Land, meist in Schottland, wo er seiner Liebe zum Schießen und Lachsfischen frönen konnte. Dort wurden auch die meisten, wenn nicht alle seiner reinen Landschaften gemalt. 1856 nahm er das Herrenhaus von Brig-o'-Turk in Glenfinlas und 1860 die Erschießung von Kincraig, Inverness-shire, mit Colonel Aitkin. Im Jahr 1865 drehte er mit Sir William Harcourt in der Nähe von Inverary und besuchte danach Florenz und Italien in Begleitung von Sir William und seiner Frau, und 1868 drehte er erneut mit Sir William und mit Sir Edwin Landseer und ging mit Mr. Frith nach Paris, wo sie die Bekanntschaft von Rosa Bonheur machten.

„Chill October“, seine erste ausgestellte reine Landschaft, die später von Lord Armstrong gekauft wurde, war 1871 an der Akademie und wurde im Freien von einem Backwater des Tay direkt unterhalb von Kinfauns in der Nähe von Perth gemalt. Es folgten "Scotch Firs" und "Winter Fuel", gemalt 1874, "The Fringe of the Moor" (1875), "Over the Hills and Far Away" und "The Sound of Many Waters" (1876), alle von denen waren ebenso bemerkenswert für ihre Naturtreue und feine Ausführung, aber sie waren ohne das erbärmliche Gefühl von 'Chill October'. Nach 1870 widmete er sich hauptsächlich dem Porträt und der Landschaft, und den Einzelfiguren von Kindern und hübschen Mädchen unter ausgefallenen Titeln wie Cherry Ripe, "Little Miss Muffet", "Cuckoo", "Pomona", "Olivia" und viele weitere, die in Kupferstichen und Farbdrucken für die illustrierten Zeitungen sehr beliebt waren. Keines dieser Gemälde war vielleicht schöner oder beliebter als „Süßeste Augen wurden je gesehen“, „Caller Herrin“ und „Aschenputtel“, für die Miss Beatrice Buxton saß. Von einem stärkeren Gefühl inspiriert waren „The North-West Passage“ (1874), „The Princes in the Tower“ (1878), The Princess Elizabeth“ (1879) und zwei Illustrationen von Scott, „Effie Deans“ und „The Master“. of Ravenswood“, gemalt für die Herren Agnew in den Jahren 1877 und 1878. „Die Nordwestpassage“ stellt einen entschlossenen alten Seemann dar (ein Porträt von Edward John Trelawny [qv]) in einem mit Karten übersäten Raum mit Blick auf das Meer. Er hört einer jungen Frau zu, die eine Geschichte über die Erforschung der Arktis liest. Der Künstler hat nie einen schöneren Kopf gemalt als den des Matrosen, und die Ausführung ist durchweg so fein, dass das Bild von manchen als sein Meisterwerk angesehen wird. „A Yeoman of the Guard“ (1877) ist mit seinem altertümlichen Gesicht und der Uniform aus Scharlachrot und Gold ebenso stark im Charakter und vielleicht die großartigste Leistung des Künstlers als Kolorist. In den letzten fünfundzwanzig Jahren seines Lebens trug er jedoch als Porträtmaler am meisten zu seinem großen Ruf bei. Zu seinen berühmtesten Darstellern gehörten die Marquises of Salisbury, Hartington (Duke of Devonshire) und Lome (Duke of Argyll), die Earls of Shaftesbury, Beaconsfield und Rosebery, Lord Tennyson, WE Gladstone, John Bright, Sir Charles Russell (Lord Russell of Killowen), Kardinal Newman, George Grote, Sir William Sterndale Bennett, Sir James Paget, Sir Henry Thompson, Thomas Carlyle, Wilkie Collins, Sir Henry Irving, JC Hook, RA und Du Maurier, einer der intimsten von allen seine Freunde. Alle diese Porträts sind lebensecht und kraftvoll, geben die Präsenz der Originale und inspirieren sogar ihre Kleidung mit Individualität. Nie war er erfolgreicher, als den großen Kopf und den scharfen Ausdruck von W. E. Gladstone zu verwirklichen, den er 1879, 1885 und 1890 malte. Nach seinem Tod zeichnete er Charles Dickens. Er war mit Gladstone, Lord Beaconsfield, Lord Rosebery und sogar mit fast allen seinen Modellen sehr freundschaftlich verbunden.

Zu seinen besten Damenporträts zählen 'Hearts are Trumps' (die drei Misses Armstrong), Mrs. Coventry Patmore, Mrs. Bischoffsheim, Mrs. FH Myers, Mrs. Stibbard (die Schwester seiner Frau), Mrs. Jopling, die Herzogin von Westminster und Lady Campbell. Zu seinen bereits erwähnten Kinderporträts kommen noch Miss Dorothy Thorpe, Lady Peggy Primrose (später Gräfin von Crewe) und die Prinzessin Marie von Edinburgh, die Königin Victoria gehörte.

Im Jahr 1875 unternahm Millais mit einem Teil der Familie seiner Frau eine Reise nach Holland und war sehr beeindruckt von den Meisterwerken von Rembrandt, Franz Hals und Van der Heist. Im Jahr 1878 war Millais auf der Pariser Ausstellung vertreten durch "Chill October", "A Yeoman of the Guard", "Madam Bischoffsheim", "Hearts are Trumps" und "The Bride of Lammermoor", was seinen Ruf in Frankreich erheblich steigerte. und er wurde Offizier der Ehrenlegion. In diesem Jahr kam der größte Schmerz seines Lebens durch den Verlust seines zweiten Sohnes George, der sein einundzwanzigstes Lebensjahr fast vollendet hatte. 1879 verließ er Cromwell Place, um ein Haus am Palace Gate nach Plänen von Philip Charles Hardwick für ihn zu bauen, wo er bis zu seinem Tod blieb. 1880 malte er sein eigenes Porträt für die Uffizien in Florenz. Er stattete Schottland immer noch seinen jährlichen Besuch ab und nahm 1881 ein Haus in Murthly, Little Dunkeld, Perthshire, mit guten Angel- und Schießmöglichkeiten. In Murthly oder seiner Umgebung wurden alle seine anderen Landschaften gemalt: »Murthly Moss«, »Murthly Water«, »Taugetränkter Furze«, »Lingering Autumn« und andere. 1881 veranstaltete die Fine Art Society eine kleine Ausstellung seiner Bilder. Am 16. Juli 1885 wurde er auf Gladstones Vorschlag zum Baronet ernannt, und zu seinen anderen Ehrungen gehörten die Ehrendoktorwürde an den Universitäten Oxford (9. Juni 1880) und Durham. Er war Mitarbeiter des Institute of France, Ehrenmitglied der Royal Scottish und Royal Hibernian Akademien, Mitglied der Akademien von Wien, Belgien, Antwerpen und von St. Luke, Rom, und San Fernando, Madrid war Offizier des Leopold-Ordens, des St.-Maurice-Ordens und des preußischen Ordens 'Pour le Merite'. 1886 wurde eine große Sammlung seiner Werke in der Grosvenor Gallery ausgestellt.

Im Jahr 1891 endete sein Mietverhältnis in Murthly, und er nahm eine Schießerei mit Wohnsitz in Newmill, die im Januar 1892 niedergebrannt wurde. Ungefähr zu dieser Zeit begann seine Gesundheit zu verfallen. Nach einem schweren Grippeanfall litt er unter einer Schwellung im Hals und litt an Depressionen. Er arbeitete jedoch immer noch, wann immer er konnte, und führte mit Freude mehrere Bilder aus, darunter „St. Stephen“, „Ein Jünger“ und „Sprich! Sprechen !' die aus dem Chantrey-Nachlass erworben wurde. Zu seinen letzten Lebensjahren gehören auch die bewundernswerten Porträts von Mr. John Hare, dem Schauspieler, und Sir Richard Quain. Das letzte von ihm ausgestellte Sujetbild war „Der Vorläufer“ (Johannes Täufer), das nach wie vor so gut gemalt wurde, wenn auch motivisch etwas trivial.

Im Jahr 1895, infolge der Krankheit des Präsidenten, Sir Frederic (später Lord) Leighton [q. v. Suppl.] wurde er berufen, dem Bankett der Royal Academy vorzustehen, eine Aufgabe, die er wegen seiner schwachen Stimme nur mit Mühe bewältigte. Nach dem Tod von Lord Leighton, am 25. Januar 1896, wurde er einstimmig zu seinem Nachfolger im Präsidentenstuhl gewählt, aber er lebte nicht lange, um die Ehre zu genießen. Er scheiterte allmählich und starb am 13. August 1896 an Kehlkopfkrebs und wurde am 20. in der St. Paul's Cathedral begraben. Er hinterließ eine Witwe und sechs Kinder. Lady Millais starb am 23. Dezember 1897 an derselben Krankheit. 218, und ein weiteres Porträt von ihr, gezeichnet von Herrn G. F. Watts, R. A., ist das Titelbild des zweiten Bandes. Millais ältester Sohn Everett, der die Baronetschaft nachgefolgt hatte, starb am 7. September 1897. Der jetzige Baronet ist Sir John Everett Millais, Sohn des zweiten Baronet.

Ungeachtet der Widerstände, die er als Präraffaelit überwinden musste, war Millais Karriere von fast ununterbrochenem Erfolg und Wohlstand, und vielleicht gibt es keinen größeren Beweis für seine Popularität als die Anzahl (über hundert) seiner Bilder, die separat auf graviert wurden Stahl. Die Winterausstellung der Royal Academy 1898 war ganz seinen Werken gewidmet.

Es ist noch zu früh, um die Position von Millais als Künstler genau zu bestimmen, aber es besteht kein Zweifel, dass er einer der größten Maler des 19. Leben in der britischen Kunst. Es gab nichts Idealistisches oder Visionäres in seinen Entwürfen, und er hatte keine große Vorstellungskraft, aber er konnte das, was er sah, mit einer Kraft und einer Wahrheit malen, die selten übertroffen wurde, und seine intensive Liebe zur Natur und zu seiner Art befriedigte seine Arbeit mit Leben und Poesie.

Als Mann war Millais aufrichtig, männlich und freundlich, nicht zu raffiniert, aber frei von Affektiertheit. Obwohl er keine große intellektuelle Kraft hatte, besaß er einen soliden Fundus an gesundem Menschenverstand, und wenn er kein großer Leser war, liebte er Poesie (insbesondere Tennyson und Keats), die beste Belletristik und Reisebücher, und er konnte schreiben anmutige und humorvolle Verse. In Art und Aussehen ähnelte er eher einem Landherren als einem Künstler. Er widmete sich seiner Kunst, war aber nicht blind für die Vorteile von Erfolg und Wohlstand. Er war das Leben seiner eigenen Familie und wurde von einem sehr großen und angesehenen Bekanntenkreis mit Zuneigung betrachtet, aber er mochte keine gewöhnlichen gesellschaftlichen Zusammenkünfte und verbrachte seine Abende lieber im Garrick Club, wo er sich sicher treffen würde viele sympathische Freunde. Persönlich war er sehr gutaussehend, sein Gesicht (das Rossetti in seiner Jugend als das eines Engels bezeichnete) blieb sein ganzes Leben lang von großer Schönheit, und seine Figur wurde fest und kräftig. Seine schöne Präsenz und seine fröhliche Stimme machten sich überall bemerkbar, und es gab nur wenige, die ihn gut kannten, die nicht die Worte von Sir George Reid, PRSA, wiederholen würden, der ihn als "einen der freundlichsten, edelsten, schönsten und liebenswerte Männer, die ich je gekannt habe oder die ich jemals zu kennen hoffe.'

Neben dem Porträt von Millais, das er für die Uffizien gemalt hat, gibt es Porträts von ihm von John Philip 1841, von Mr. GF Watts, RA, 1871, und von Sir Henry Thompson, Bart., 1881. Diese , mit Skizzen von ihm von seinem Bruder WH Millais, John Leech und anderen, sind in JG Millais' 'Life and Letters' (1899) wiedergegeben.

Die folgenden Werke von Millais sind in öffentlichen Galerien zu finden. National Gallery, Trafalgar Square: "Portrait of W. E. Gladstone" (1879) und "A Yeoman of the Guard." National Gallery of British Art: ​ „Ophelia“, „The Vale of Rest“, „The Knight Errant“, „The North-West Passage“, „Mercy“, „St. Bartholomäus-Tag, 1572“, „St. Stephan“, „Ein Jünger“, „Sprich! Sprich!“, „The Order of Release, 1746“ und „The Boyhood of Raleigh.“ Victoria and Albert Museum: „Pizarro beschlagnahmt die Inka von Peru“ und „Lord Lytton“. "Thomas Carlyle", "Wilkie Collins" und "Leech". Oxford University Gallery: "The Return of the Dove" und "Portrait of Thomas Combe". Manchester Corporation Gallery: "Autumn Leaves", "A Flood", "Victory" , O Lord,' 'Winter Fuel' und 'Bishop Fraser' Birmingham Art Gallery: 'The Huguenot' (1856), 'The Widow's Mite' und 'The Blind Girl' Holloway College: 'Princes in the Tower' und "Prinzessin Elizabeth." Liverpool Art Gallery: "Isabella", "Das erste Menuett" und "Der Märtyrer des Solway." St. Bartholomew's Hospital: "Sir James Paget" und "Luther Holden." University of London: " George Grote.“ Britische und ausländische Bibelgesellschaft: „Lord Shaftesbury.“ Universität Glasgow: „Dr. Caird.“ Corporation of Oldham: „T. O. Barlow, R. A.’

[Leben &c. von J. G. Millais, 1899 Art Annual, 1886 (Erinnerungen von Sir Walter Armstrong) Kat.-Nr. of Grosvenor Gallery, Summer Exhibition, 1886 (F. G. Stephens) Chambers's Encyclopædia (Art. ‘Präraffaelitism’, by W. Holman Hunt) Royal Academy Cat., Winter, 1898 Cat. of Fine Art Society, 1881 (A. Lang) Holman Hunt's Pre-Raphaelite Brotherhood, 1905 Pre-Raphaelite Diaries and Letters, hrsg. W. M. Rossetti-Katze. National Gallery of British Art Spielmanns Millais und seine Werke Sir W. B. Richmonds Leighton, Millais, &c. J. B. Paynes The Pedigree of the Family of Millais Ruskin's Notes on Royal Academy Exhibitions, Pre-Raphaelitism, and Modern Painters Autobiographical Notes of William Bell Scott Memoirs of Coventry Patmore Frith's Reminiscences.]


John Everett Millais - Geschichte

John Everett Millais

geboren 8. Juni 1829, Southampton, Hampshire, Eng.
gestorben 13. August 1896, London


Englischer Maler und Illustrator und Gründungsmitglied der Künstlerbewegung, die als Präraffaelitenbruderschaft bekannt ist.

1838 ging Millais nach London und trat im Alter von 11 Jahren in die Schulen der Royal Academy ein. Sehr frühreif, gewann er alle Akademiepreise. 1848 schloss sich Millais mit zwei anderen Künstlern, William Holman Hunt und Dante Gabriel Rossetti, zur Präraffaelitenbruderschaft zusammen. Die Bruderschaft wurde im Gegensatz zur zeitgenössischen akademischen Malerei gegründet, die nach Ansicht der Gruppe das Ergebnis des Vorbildes Raffaels war und seit seiner Zeit die Schulen und Akademien dominierte. In der Akademie des nächsten Jahres führte der Romancier Charles Dickens einen gewaltsamen Angriff auf Millais “Christ in the House of His Parents” (1850 Tate Gallery, London) an, das viele wegen seiner mangelnden Idealisierung als blasphemisch betrachteten scheinbare Respektlosigkeit im Umgang mit dem Alltäglichen.

Die Zeit der größten künstlerischen Errungenschaften von Millais kam in den 1850er Jahren. “The Return of the Dove to the Ark” (1851 Ashmolean Museum, Oxford) wurde sowohl vom englischen Essayisten und Kritiker John Ruskin als auch vom französischen Autor Th ophile Gautier und “The Order of Release” (1853 Tate) bewundert Gallery), die ein Porträt seiner zukünftigen Frau Effie Gray (damals unglücklich verheiratet mit Ruskin, dessen Porträt Millais auch malte) enthielt, wurde 1855 von Eugène Delacroix gelobt und erhielt für seine Künstlerin 1853 seine Mitgliedschaft an der Royal Academy. Im Jahr 1856 malte Millais einen seiner größten öffentlichen Erfolge, “The Blind Girl” (Birmingham Museums and Art Gallery)— eine Tour de Force der viktorianischen Stimmung und technischen Einrichtungen.

Im Jahr 1863 wurde Millais Akademiker, und zu dieser Zeit hatte sich sein Stil erweitert und sein Inhalt in Richtung eines bewusst populäreren, weniger didaktischen Ansatzes geändert. Er führte Illustrationen für George Dalziels Parables (1864) und E. Moxons Ausgabe von Tennysons Gedichten aus und trug zu Once a Week, Good Words und anderen Zeitschriften bei. Millais späteres Werk ist zweifellos von schlechterer Gesamtqualität, einer Verschlechterung, deren er sich voll und ganz bewusst war. 1870 erschien die erste seiner reinen Landschaften, “Chill October.” Viele dieser Landschaften stammen aus Perthshire, wo Millais im Herbst schoss und fischte. Viele Porträts stammen aus dieser späten Periode, darunter die von William Gladstone, von Alfred, Lord Tennyson und von Kardinal Newman. Millais wurde 1885 zum Baronet ernannt und 1896 zum Präsidenten der Royal Academy gewählt.


Das blinde Mädchen


John Everett Millais-Kunstwerke

Millais stellt hier einen jungen Christus dar, kurz nachdem seine Hand versehentlich von einem Nagel aufgespießt wurde. Sein Vater Joseph ist in ängstlicher Nähe und beugt sich über seinen Werkstatttisch, während Mary, seine Mutter, neben ihm kniet, um Trost zu spenden. Seine Großmutter Anne hält noch immer die Zange, mit der sie den Nagel entfernt hat, während sein Cousin, Johannes der Täufer, ihm eine Schüssel mit Wasser als Balsam für seine Wunde bringt. Der symbolträchtige Kunsthistoriker Jason Rosenfeld identifiziert die "Objekte, die auf Ereignisse in der Passion Christi verweisen: Zimmermannswerkzeuge, mit denen später sein Kruzifix an der Rückwand hergestellt wird, der Schnitt in seiner Handfläche, von dem Blut auf seine getropft ist" linken Fuß und spielt auf die Wundmale an, seine Wunden am Kreuz die Taube auf einer Leiter, die den Heiligen Geist widerspiegelt das Wasser, das der junge Johannes der Täufer auf der rechten Seite trägt, bezieht sich auf seine Rolle in der Geschichte und sogar auf die kniende Pose von die Jungfrau, die ihre liegende Form am Fuß des Kreuzes ahnen lässt".

Millais' fast obsessive Liebe zum Detail war ein bezeichnendes Merkmal des präraffaelitischen Stils. Tatsächlich bestand der Präraffaelitismus auf Detailtreue, auch auf die Gefahr hin, Hässlichkeit zu zeigen, und es gab viele, die die Bewegung kritisierten. Der Kunsthistoriker John Rothenstein bemerkte zum Beispiel, dass Millais 'bemerkenswertes Bild besonders beleidigte, weil es zu wörtlich [eine] Darstellung eines heiligen Subjekts war, weil es die Heilige Familie als reale Menschen anstelle eines frommen Mythos darstellte, weil sie sie mit den Worten von Das Athenäum'mit einer umständlichen Kunstsprache, vor der wir mit Abscheu und Ekel zurückschrecken'". Rothenstein zitierte nicht weniger Charles Dickens, der in einer offenen Ansprache an Millais in einer Ausgabe von Haushaltswörter, beklagte, dass "wo immer es möglich ist, Hässlichkeit von Zügen, Gliedmaßen oder Haltungen auszudrücken, man sie ausdrückt" und dass das Gemälde "vom Rest der Gesellschaft als Monster im schändlichsten Kabarett Frankreichs oder der niedrigster Gin-Shop in England".

Öl auf Leinwand - Sammlung Tate, London, Vereinigtes Königreich

Ophelia

Millais ikonischstes Werk und wahrscheinlich das berühmteste aller frühen präraffaelitischen Gemälde, Ophelia zeigt den Moment aus Shakespeares Weiler als sich Hamlets Geliebte, vor Kummer wahnsinnig nach dem Mord an ihrem Vater, in einem Bach ertränkt. Sie schwimmt auf dem Rücken im trüben Wasser mit ausgestreckten Armen und ihrem eindringlichen Gesichtsausdruck, der von den reichen Naturtönen ihrer natürlichen Umgebung betont wird. Das Gemälde demonstriert Millais Fähigkeit, Farbe mit einer Fingerfertigkeit aufzutragen, die Licht, Texturen und natürliche Details mit einer seltenen Präzision einfängt. Aber das Gemälde von Ophelia war für den Maler alles andere als glücklich. Er arbeitete elf Stunden am Tag am Hogsmill River in der Nähe von Ewell, um die Umgebung vorzubereiten Ophelia, und in einem Brief an die Frau von Thomas Combe, beschwerte sich:

„Mein Martyrium ist anstrengender als alles, was ich bisher erlebt habe.Die Fliegen von Surrey sind muskulöser und haben eine noch größere Neigung, menschliches Fleisch zu sondieren. Mir wird mit einer Anzeige gedroht, vor einem Richter zu erscheinen, weil ich ein Feld betreten und das Heu vernichtet habe. Ich bin auch in Gefahr, vom Wind ins Wasser geweht zu werden und mit den Gefühlen von Ophelia vertraut zu werden, als diese Lady in den schlammigen Tod versank, zusammen mit dem (weniger wahrscheinlichen) völligen Verschwinden durch die Gefräßigkeit der Fliegen. Sicherlich wäre das Malen eines Bildes unter solchen Umständen für einen Mörder eine größere Strafe als das Erhängen.

Das Modell für Ophelia war eine junge Frau namens Elizabeth Siddal und es ist ihre Geschichte, die effektiv wiedergibt Ophelia die Geschichte von zwei - einer fiktiven, einer echten - tragischen Heldinnen. Siddal malte sie über einen Zeitraum von vier Monaten und musste stundenlang in einer Badewanne mit warmem Wasser liegen. Während einer Sitzung versagte die Heizung unter der Wanne und Siddal hatte schweres Fieber. Ihr Vater wurde so wütend über die Misshandlung seiner Tochter, dass er Millais mit rechtlichen Schritten drohte, wenn er nicht zustimmte, Elizabeths medizinische Kosten zu übernehmen (was er tat). Wirklich ergreifend wird ihre Präsenz auf diesem Gemälde aber erst, wenn man von ihrer Beziehung zu einem dritten Protagonisten erfährt: Millais' Kollege Dante Gabriel Rossetti. Siddal war mehrere Jahre lang Rossettis Muse gewesen, bevor das Paar 1860 heiratete. Ihre Beziehung wurde jedoch durch Rossettis ständige Handlanger und die anhaltenden Anfälle von Melancholie und Krankheit des kränklichen Siddal sauer. Sie war bereits opiumsüchtig, litt 1862 nach der Totgeburt der Tochter des Paares an Wochenbettdepressionen und starb einige Tage später an einer Überdosis Laudanum. Es ist nicht bekannt, ob die Überdosierung versehentlich oder absichtlich erfolgte.

Öl auf Leinwand - Sammlung Tate, London, Vereinigtes Königreich

Ein Hugenotte, der sich am St. Bartholomäus-Tag weigert, sich durch das Tragen des römisch-katholischen Abzeichens vor Gefahren zu schützen

Ein Hugenotte zeigt zwei Liebende in einer Umarmung hinter einer Gartenmauer und umgeben von Laub. Die junge Frau versucht, ihrem Geliebten ein weißes Band um den linken Arm zu binden, aber er hindert sie mit seiner rechten Hand, während er ihren Kopf mit seiner linken umschließt.

Das Werk, das als Meisterwerk der präraffaelitischen Bruderschaftsbewegung gilt, ist ein zutiefst romantisches Gemälde vor dem Hintergrund eines realen historischen Ereignisses, der Ermordung von 3.000 protestantischen Hugenotten durch die römisch-katholischen Katholiken am 24. August 1572. Hier die junge Frau, die Angst hat aus Gründen der Sicherheit ihrer Liebe versucht, ihn erfolglos zu überreden, das weiße Armband zu tragen, das darauf hindeutet, dass er katholisch ist und ihm sein unvermeidliches Schicksal erspart. Millais beschrieb diesen Mut des jungen Mannes mit den Worten, "aber er, der seinen Glauben über seine größte weltliche Liebe stellt, wird sie sanft daran hindern". Das Gemälde wurde begeistert aufgenommen und trug dazu bei, die Präraffaelitenbruderschaft zu den legitimen Bewegungen in der britischen Kunstgeschichte zu zählen. Der Kunstkritiker William Michael Rosetti beschrieb 1853 seine Wirkung: "hauptsächlich aufgrund des Millais-Bildes hatte [die Bewegung] praktisch triumphiert - aus dem Staub und der Erstickung von vier Jahren tastender Überraschung seitens der Kritiker und des Publikums heraus Form meist aus dicker und dünner Beschimpfung".

Öl auf Leinwand - Privatsammlung

Der Orden der Befreiung, 1746

Millais benutzte seine Bilder manchmal, um politische Aussagen zu treffen und historische Themen zu erforschen. In feinen Bilddetails gerendert, lebendige Farben und eine markante Tonalität, Die Reihenfolge der Freigabe erzählt die Geschichte eines jakobitischen Soldaten, der während einer Rebellion gegen die britischen Loyalisten gefangen genommen und nach ihrer Niederlage in der Schlacht von Culloden im April 1746 wieder freigelassen wurde der Gefangene fällt seiner Frau in die Arme, die auch ihren kleinen Sohn hält. Ein Hund greift nach oben, um seinen zurückkehrenden Herrn zu begrüßen, der an seinem verletzten rechten Arm scharrt, der mit einer Schlinge unterstützt wird.

Neben der Konzentration auf den menschlichen (eher als heroischen) Aspekt der Rebellion ist diese Arbeit wichtig, da Millais zum ersten Mal seine zukünftige Frau Effie malte. Zu dieser Zeit war sie unglücklich mit seinem Freund, dem einflussreichen Kunstkritiker John Ruskin, verheiratet. Laut dem Kunsthistoriker Jason Rosenfeld war Effie überglücklich, für die Frau in diesem Gemälde verwendet zu werden, das an ihre Mutter schrieb, "dass sie ziemlich begeistert war, dass Millais ihr Abbild absolut eingefangen hatte und dass die Leute sie im Mai an den Wänden der Akademie erkennen würden". ". In der Tat erklärte Frances Fowle im Auftrag des Tate Museums, dass "als es 1853 in der Royal Academy ausgestellt wurde, so beliebt war, dass ein Polizist vor dem Bild aufgestellt werden musste, um die Zuschauer weiterzubewegen".

Besonders hervorzuheben ist die Art und Weise, wie Millais seinen weiblichen Figuren eine geheimnisvolle Note verleihen konnte. Die Soldatenfrau ist laut Rosenfeld eines von vielen Beispielen im Werk des Künstlers, in denen „die emotionalen Zustände dieser Frauen es ihnen nicht erlauben, sich voll oder zumindest aktiv auf ihre Umwelt einzulassen eine Studie der weiblichen Psychologie unter Zwang, verschiedener Tranceformen [. ] Millais ließ die Erzählung offen bleiben. Wie hat diese Frau die Freilassung ihres Mannes aus der Haft erreicht? In der tintentrockenen Düsternis dieses Gefängnisses, in der Stille des Bildes, seiner Zurückhaltung , seiner kalten meditativen Luft, vermittelte Millais großes Gewicht und Tragweite".

Öl auf Leinwand - Sammlung Tate, London, Vereinigtes Königreich

Herbstblätter

Eine Gruppe von vier Mädchen dominiert den Vordergrund von John Everett Millais's Herbstblätter. Um einen Stapel Blätter herum positioniert hält ein Mädchen einen leeren Korb, ein anderes fügt dem Stapel eine Handvoll Blätter hinzu und ein anderes hält einen Rechen. Nur die Jüngste scheint bei ihren Aufgaben säumig zu sein, da sie einen Apfel in der Hand hält, in den sie gebissen hat. Während sich zwei der Mädchen mit ihrer Umgebung beschäftigen, starren die beiden Mädchen links im Bild direkt auf den Betrachter. Dieses Werk wurde kurz nach Millais' Rückkehr von seinen Flitterwochen gemalt und umfasst zwei Schwestern seiner Frau Effie, Alice und Sophie, die hier in dunkelgrünen Kleidern dargestellt sind.

Millais hatte eine gute Beziehung zu Effies Familie und dieses Gemälde markiert den Beginn einer langen Praxis, seine beiden Schwägerinnen in seine Arbeit einzubeziehen. Es erforscht auch ein Thema, das er während seiner gesamten Karriere fortführen sollte, das des Vergehens der Zeit, das hier nicht nur im Herbst mit seinen fallenden Blättern zu sehen ist, sondern auch in der fast nicht wahrnehmbaren Figur eines Mannes, der eine Sense im Schatten hält . Jason Rosenfeld beschrieb dieses neue Thema als "Millais' besten frühen Ausflug in ein Thema, das ihn besessen würde, gepaart mit dem wiederkehrenden Konzept der Moral [. ] Es ist Nostalgie, und es ist etwas, das sowohl das Persönliche als auch das Moderne konnotierte in seiner Kunst [. ] In Herbstblätter, Millais befasste sich mit der Melancholie, die mit dem unvermeidlichen Fortschreiten des Lebens verbunden ist".

Dass er diese Erkundung durch lebendige Bilder und schön gerenderte Figuren bewerkstelligt, ist typisch für seinen künstlerischen Stil. Über die Sentimentalität, die dieses Gemälde hervorrief, sagte Millais: "Gibt es eine köstlichere Empfindung als die, die der Geruch von brennenden Blättern erweckt? Für mich weckt nichts süßere Erinnerungen an vergangene Tage, es ist der Weihrauch, den der Abschied vom Sommer bietet." in den Himmel, und es bringt einen die glückliche Überzeugung, dass die Zeit alles Vergangene friedlich besiegelt".

Öl auf Leinwand - Sammlung der Manchester City Art Gallery, Manchester, Vereinigtes Königreich

Feder

Das Thema der Frauen in der Natur, ein wiederkehrendes Merkmal in Millais' Spätwerk, ist Gegenstand von Feder in dem acht Mädchen unterschiedlichen Alters in einem Obstgarten, umgeben von blühenden Apfelbäumen, relaxen. Dass sie früher einer anderen Tätigkeit nachgegangen waren, wird durch die beiden mit Blumen überfüllten Körbe deutlich, doch sind sie derzeit alle in unterschiedlichen Ruhegraden beschäftigt. Ein Mädchen gießt Wasser in eine kleine Schüssel für ein anderes, das die Hand ausstreckt, um es zu nehmen, während die auffälligste aller Figuren, ein älteres Mädchen in einem leuchtend gelben Kleid, auf dem Rücken liegt, die Arme vor ihr ausgestreckt und den Kopf gerichtet, um direkt nach außen zu schauen beim Betrachter.

Auf den ersten Blick kann das Gemälde als visuelle Meditation über die Schönheit der Jugend verstanden werden. Aber es gibt noch zwei weitere Themen, die Millais hier anspricht. Zunächst versucht Millais, das Vergehen der Zeit und die Unausweichlichkeit der eigenen Sterblichkeit hier, dargestellt durch die hinter den Mädchen ruhende Sense, zu kommentieren. Millais nimmt auch Bezug auf die aufkeimende Sexualität der älteren Mädchen, allen voran die Figur im gelben Kleid, die den Betrachter provozierend anstarrt. Die Art und Weise, wie Millais sie darstellte, beeinflusste die Kunstbewegung des Ästhetizismus. Rosenfeld erklärt: "Letztendlich ist diese Figur gewagt, mit einem intensiven, kraftvollen Blick. Und in ihrer 'entspannten, launischen Verträumtheit' Feder repräsentiert Themen, die in der ästhetischen Bewegung aufgegriffen werden sollen. Es ist eines von Millais' Bildern dieser Zeit, das in seiner Thematik, seiner dekorativen Einheit, dem Fehlen eines demonstrativen literarischen Themas und der allgemeinen Farbfülle und Betonung der Schönheit avanciert ist.

Millais' Abkehr vom Realismus gefiel John Ruskin überhaupt nicht. Der Kunstkritiker (der Ressentiments über Millais' jüngste Heirat mit seiner ehemaligen Frau hätte hegen können) war in Rosenfelds Worten "unbarmherzig in seiner Kritik an der Natur in Feder [. ] widersprach dem, was er als seine Künstlichkeit ansah, und schrieb von 'diesem wilden und starren Obstgarten - diesem wütenden Blühen (Blütenblätter sozusagen aus japanischem Messing)'".

Öl auf Leinwand - Collection of Lady Lever Art Gallery, Port Sunlight, Vereinigtes Königreich

Chillen im Oktober

Chillen im Oktober fängt die brütende Landschaft rund um das schottische Dorf Seggieden in der Nähe des Hauses seiner Frau in Perth ein. Wie der Titel vermuten lässt, hat der Künstler das Gebiet im Oktober eingefangen, und so ist alles in satten Herbsttönen in Gold-, Braun- und Gelbtönen gehalten. Die frische Herbstbrise wird von den sich wiegenden Bäumen rechts des Flusses eingefangen, die sich zur linken Seite der Leinwand neigen, während ein Vogelschwarm über einem grauen, wolkenverhangenen Himmel kreist.

Dies ist ein wichtiges Gemälde im Oeuvre von Millais, da es seine Rückkehr zum Landschaftsgenre markiert. Es war tatsächlich die erste von 21 schottischen Landschaften, die er gegen Ende seiner Karriere schuf. Millais wollte unbedingt zum Genre zurückkehren und schrieb 1868 an seine Frau: "Ich bin sehr darauf bedacht, nächstes Jahr in unseren neuen Ausstellungsräumen besonders stark herauszukommen und muss versuchen, ein Außenbild zu malen, wenn ich kann". Er arbeitete mit fieberhafter Energie, aber es sollte noch zwei Jahre dauern, bis er sein Ziel erreicht hatte.

Lange nach dem Auslaufen der Präraffaeliten-Bruderschaft gaben seine Landschaften sein fetischistisches Auge für Details auf, um eine größere Bandbreite an emotionalen Effekten der Natur zu erforschen. Tatsächlich schrieb Rosenfeld, dass "Milais sich mit diesem Bild als herausragender und fortschrittlichster Naturinterpret in der britischen Malerei etabliert und die Bühne für die beeindruckendsten Werke seiner späteren Karriere geschaffen hat". Er fügte hinzu, dass "einige dramatisch [und] andere melancholisch sind", aber dass sie alle "voller auffallender Effekte und Atmosphären sind und jede einzigartig variiert, im Gegensatz zu den sich ziemlich wiederholenden Praktiken der großen engagierten Landschaftsmaler des späten 19. Jahrhunderts".

Öl auf Leinwand - Sammlung Lord Lloyd-Webber Collection

Hearts are Trumps: Portraits of Elizabeth, Diana and Mary, Daughters of Walter Armstrong, Esq.

Herzen sind Trumpf zeigt die drei Töchter von Millais Mäzen Walter Armstrong. Wir sehen hier, dass der Künstler seinen scharfen Blick fürs Detail nicht verloren hat. Dies zeigt sich am deutlichsten in den Kleidern von Elizabeth, Diana und Mary und auch in Hintergrundmerkmalen wie Tapeten, einer großen Topfpflanze und einem kunstvollen Möbelstück/Kartentisch. In der Beschreibung des Gemäldes schlägt das Tate-Museum vor, dass "das Kartenspiel und der Titel des Werks auf den Wettbewerb darüber hindeuten, wer zuerst heiraten würde. Dies wurde zu dieser Zeit für Frauen ihrer sozialen Klasse als sehr wichtig angesehen. Dieses Werk stellt die gesellschaftlichen Strukturen und Erwartungen der Zeit als ein Spiel dar, das diese Frauen gekonnt zu spielen gelernt haben".

Das Gemälde nimmt auch Bezug auf einen anderen früheren britischen Meistermaler, Joshua Reynolds und seine Die Damen Waldegrave (1780-81), in dem auch drei junge Damen in einer ähnlichen Umgebung beschäftigt waren. Wenn man die Werke vergleicht, kann man nicht umhin, die Zeitgenossenschaft des Verhaltens junger Frauen in der Gesellschaft zu erkennen, die Millais anstrebte. Laut dem Kunsthistoriker Jason Rosenfeld wurden Gemälde mit solchen Mädchen oft gemacht, „um Aufsehen zu erregen und Interesse zu wecken, wenn sie in der Öffentlichkeit ausgestellt wurden. Reynolds' Bild wurde kürzlich als von Bescheidenheit und Reinheit verzehrt interpretiert [.] , denn die verschlossene Schublade in der Mitte ist ein traditionelles Symbol weiblicher Jungfräulichkeit [. ] Aber das Vorhandensein eines flachen, dekorativeren Kartentisches in Millais' Bild und das Schlüsselloch der Schublade ist sehr leer, was vielleicht darauf hindeutet, dass diese Mädchen werden bei der Partnerwahl eine größere Rolle spielen als ihre Altersgenossen vor einem Jahrhundert".

Dieses Gemälde repräsentiert auch die Modernisierung der Porträtmalerei des Künstlers, die ihn von etablierten Meistern der Porträtmalerei wie Reynolds unterscheidet. Es gibt einen stärkeren Gebrauch des Pinsels und einen dicken pastosen Stil, der hier von Millais verwendet wird. Dieser Ansatz sollte seine Porträts bestimmen und zu seinem hohen Anspruch als Porträtkünstler während seiner späteren Karriere beitragen.

Öl auf Leinwand - Sammlung Tate, London, Vereinigtes Königreich

Der richtige Schatz. W.E. Gladstone M.P.

Millais war inzwischen für seine Porträtmalerei hoch angesehen und erhielt viele Aufträge, obwohl dieses Porträt des britischen Premierministers William Ewart Gladstone auf eigenen Wunsch des Künstlers entstand. Er ist im Seitenprofil in einer nachdenklichen Pose dargestellt, die der einer politischen Persönlichkeit seines Standes entspricht. In der Tat sagte Gladstones Frau Catherine über das Porträt: "Herr Gladstone dachte zu der Zeit, wie schrecklich eine Sünde begangen werden würde, wenn England für die Türken in den Krieg ziehen würde". Laut Rosenfeld erzwingt Millais' Herangehensweise an die Porträtmalerei eine Konfrontation mit dem Gesicht und der Person des Dargestellten, ohne durch Ephemera abgelenkt zu werden. Dies erwies sich als durchaus geeignet für Männer wie Gladstone, die sich als Intellektuelle verstanden, die Politik praktizierten, Männer tiefem Nachdenken und Mitgefühl".

Die Intensität und Bescheidenheit, mit der Millais seine Dargestellten präsentierte, wurde sowohl von der Öffentlichkeit als auch vom Kunstbetrieb anerkannt. Im Jahr 1898 lobte der damalige Präsident der Royal Academy, Edward Poynter, das Porträt von Gladstone als "seit den Tagen von Rembrandt und Velasquez in seiner Wiedergabe des Geistes und des Geistes des Mannes unübertroffen". Der Dargestellte selbst war mit dem Porträt so zufrieden, dass er und der Künstler lebenslange Freunde wurden. Es war tatsächlich Gladstone, der dafür sorgte, dass Millais Baronet wurde, der erste in seinem Beruf, der eine solche Ehre erhielt.

Öl auf Leinwand - Sammlung der National Portrait Gallery, London, Vereinigtes Königreich

Blasen

Millais Malerei, die die Tradition von Jean-Siméon Chardins Seifenblasen (1739) und Édouard Manets Seifenblasen (1867), ist eines der vielen wunderschön gerenderten Kinderporträts. Das Subjekt (der eigene Enkel des Künstlers) sitzt nachdenklich da und blickt auf eine Seifenblase, die über seinem Kopf schwebt. In seinen Händen befinden sich die Werkzeuge, die so eine wundersame Neuheit geschaffen haben: eine Schüssel mit Seifenlauge und eine Pfeife. Millais beschäftigte sich oft mit Fragen der Sterblichkeit und des Vergehens der Zeit und verwendet hier die seit langem etablierte Technik der Vanitas-Malerei, in der bestimmte Objekte wie Sanduhren, Zeitmesser, verrottende Früchte und Blasen als Symbol für die eigene Sterblichkeit gedacht sind.

Während der Kunstkritiker Maev Kennedy das Gemälde als "eines der sentimentalsten Kinderporträts der Kunstgeschichte" bezeichnete, löste es einen Skandal aus, der noch lange nach dem Tod des Künstlers andauerte. Das Gemälde wurde von Millais an den Herausgeber der verkauft Illustrierte London News die 1887 Kopien davon mit ihrer Weihnachtsausgabe verteilten. Anschließend wurde es an die Firma Pears' Soap weiterverkauft, die das Bild als Werbung verwendete, nachdem sie dem Werk ein Bild ihres Seifenstücks hinzugefügt hatte (das dem Kind zu Füßen gelegt wurde). Während Millais als Illustrator gearbeitet hatte, wurde die Massenreproduktion des Werks von vielen als regressiver Schritt angesehen, der den Status der bildenden Kunst besudelte. Laut Kuratorin Dr. Alison Smith "gab es einen solchen Aufschrei, dass Millais' Sohn [später] darauf bestand, dass sein Vater nichts davon wusste - aber natürlich haben wir die Korrespondenz und wir wissen, dass er es tat, und erhob überhaupt keine Einwände, sofern die Druck war gut genug".


Sir John Everett Millais, Bt

Die Fahrender Ritter ist ein großes Gemälde, bei dem die Figuren fast lebensgroß sind. Als er 1870 in der Royal Academy gezeigt wurde, wurde er von einem Text von Millais' eigener Erfindung begleitet, der im Ausstellungskatalog abgedruckt wurde: "Der Orden der Wanderritter wurde eingeführt, um Witwen und Waisen zu schützen und Jungfrauen in Not zu helfen." Die mondbeschienene Szene stellt offenbar einen Akt mittelalterlicher Ritterlichkeit dar, bei dem ein solcher fahrender Ritter in Rüstung (nach Beispielen, die Millais im Tower of London gesehen hatte) im Begriff ist, eine ausgezogene und angebundene Frau zu befreien ein Baum. Der Baum, eine Silberbirke, wurde im 19. Jahrhundert allgemein mit dem weiblichen Geschlecht identifiziert und manchmal als "Lady Birch" bezeichnet. Birkenzweige wurden auch traditionell zur Geißelung verwendet. Die Kleider der Frau liegen links auf dem Boden und ihre Schänder, die ein Kritiker für Räuber hält, fliehen in der oberen rechten Ecke der Leinwand. Auf dem Schwert des Ritters ist Blut und hinter ihm ist der Torso eines Toten zu sehen.

Die Fahrender Ritter war Millais erster und einziger Versuch, den weiblichen Akt zu malen, und kritische Kritiken des Gemäldes konzentrierten sich auf seine Behandlung der unbekleideten Frau. Der naturalistische Ansatz von Millais wurde mit der kontinentalen Praxis verglichen, den Akt zu idealisieren und in eine klassische Umgebung zu stellen, ein Modell, das zu dieser Zeit in England von Künstlern wie Frederick Leighton und Albert Moore verfolgt wurde. Tatsächlich versuchte Millais, die frühviktorianische Tradition des englischen Aktes wiederzubeleben, die von William Etty begonnen wurde, einem Künstler, den Millais bewunderte und dessen Technik und Verwendung von satten Farben Millais in diesem Gemälde nachahmen wollte.Dennoch verursachte Millais' Behandlung der nackten Figur und die Mehrdeutigkeit des Themas einige Bestürzung bei Kritikern, die die Frau für zu lebensecht hielten. Im Juni 1870 wurde der Kunstzeitschrift behauptete, dass 'die Art und Weise für den Umgang mit Nackten fast zu real ist' (zitiert in Nead S.235) und es wurden Vermutungen über die wahrscheinlich lockere Moral der Frau angestellt.

Jüngste Röntgenaufnahmen des Bildes zeigen, dass ihr Kopf und ihr Oberkörper ursprünglich dem Ritter zugewandt waren und Blickkontakt herstellten. Viele schlechte Kritiken, verbunden mit der Tatsache, dass sich das Gemälde nicht verkaufte, zwangen Millais, den Kopf und die Brust der weiblichen Figur aus seiner Leinwand herauszuschneiden und diese Teile nachzubearbeiten, um die bescheidene Abkehr der Frau zu zeigen. Der ursprüngliche Abschnitt wurde später in eine andere Leinwand eingenäht und 1872 als Der Märtyrer des Solways (Walker Art Gallery, Liverpool). Nach der Überarbeitung von Millais wurde die Fahrender Ritter wurde 1874 verkauft.

Weiterlesen:
Lynda Nead, 'Repräsentation, Sexualität und der weibliche Akt', Kunstgeschichte, Bd. 6, Nr. 2, Juni 1983, S. 233-6.
Alison Schmidt, Ausgesetzt: Der viktorianische Akt, Ausstellungskatalog, Tate Britain, London 2001, Nr.12, abgedruckt S.70, in Farbe.

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Als dieses Bild 1870 in der Akademie gezeigt wurde, wurde es von der Beschreibung begleitet: „Der Ritterorden wurde eingesetzt, um Witwen und Waisen zu schützen und Jungfrauen in Not zu helfen“. Es wurde berichtet, dass die Arbeit in sechs Wochen gemalt wurde. Es ist der einzige lebensgroße weibliche Akt, den die Künstlerin jemals gemalt hat. Millais hatte einige Schwierigkeiten, die mit diesem Thema verbundenen Probleme zu lösen. Zunächst malte er die Frau, die zum Zuschauer schaut. Der unangenehme Effekt, den dies verursachte, führte dazu, dass er ihren Kopf neu bemalte und wegschaute. In einem Zeitschriftenartikel von 1893 wurde darauf hingewiesen, dass er den Ritter "der Zartheit halber" hinter sie stellte.

Galerie-Etikett, August 2004

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John Everett Millais, das Wunderkind der viktorianischen Malerei.

Geboren 1829 in Southampton, Hampshire, war Millais 1838 auf dem besten Weg zu einem Leben von künstlerischem Ansehen. Im Alter von 11 Jahren wurde er der jüngste Student, der jemals an der Royal Academy in London aufgenommen wurde und wurde liebevoll The Child genannt. Junges Genie, in der Tat. Natürlich machte ihn sein junges Alter und seine Neigung, die Akademiepreise zu gewinnen, bei seinen Kollegen nicht sehr beliebt. Er traf jedoch auf eine ideale Schar anderer missverstandener Genies, William Holman Hunt und Dante Gabriel Rossetti.

Im Jahr 1848 begannen Millais, Rossetti und Holman Hunt ein künstlerisches Unterfangen, das die viktorianische Kunstwelt erschüttern sollte. Sie nannten sich die Präraffaeliten-Bruderschaft (oder PRB) und verachteten den Fokus der Royal Academy auf den Renaissance-Einfluss von Raffael. Diese Idealisten glaubten, wahre Kunst müsse das Alltägliche verschönern. Millais und seine Jungen wählten typisch religiöse oder literarische Themen und schätzten präzise Details, lebendige Farben und die Schönheit in allem und im Alltäglichen. In Abkehr von den populären Genrebildern der Zeit schuf Millais Meisterwerke wie Ophelia, eine Darstellung des Ertrinkens, die in den Details der Landschaft und Schönheit von Ophelias wässrigem Tod schwelgt.

Millais 'Talent wurde von John Ruskin, einem wichtigen Akteur in der viktorianischen Kunstwelt, bemerkt. Ruskin wurde ein Champion von Millais und der PRB. Er lobte ihre Bilder, lobte ihre Talente und ihr Potenzial zur Größe und sagte: „Wenn sie sich nicht durch harte oder sorglose Kritik in die Ablehnung treiben lassen. [die PRB] können mit zunehmender Erfahrung in unserem England den Grundstein für eine Kunstschule legen, die edler ist, als die Welt seit 300 Jahren gesehen hat.“ Er wurde schnell zum Mäzen von Millais, kaufte seine Werke und trug dazu bei, seinen Ruhm zu etablieren.

Sie wurden mehr als nur Künstler und Mäzen: Ruskin bat Millais, ihn und seine schöne Frau Effie Ruskin in ihrem Urlaub in Schottland zu begleiten, um Ruskins Porträt zu malen. Nicht immun gegen einen Skandal, unser Wunderjunge und Effie fanden eine Anziehungskraft, als er Porträts von ihr und Ruskin malte. Es stellte sich heraus, dass Ruskin ein bisschen Angst vor Frauen und ihrer Sexualität hatte und seine Ehe mit Effie nie vollzogen hatte, sodass Effie und Millais in den Sonnenuntergang reiten konnten. Trotz der berüchtigten und erbitterten Annullierung und der damit verbundenen Demütigung blieb Ruskin ein Unterstützer von Millais und der PRB.

Als glücklich verheirateter Mann und erfolgreicher Künstler startete Millais einen weiteren, weniger ausschweifenden Skandal. Er begann, sich von ernsthafter, moralisch erhebender Arbeit zu Szenen zu bewegen, die dem öffentlichen Verlangen nach Sentimentalität und einer guten Geschichte gerecht wurden. Er war offiziell ausverkauft und entfernte sich von den PRB-Idealen. Bis zu seinem Tod glaubte Millais wirklich an die von ihm geschaffene Kunst und behauptete: "Ich kann ehrlich sagen, dass ich nie bewusst eine nutzlose Berührung auf einer Leinwand platziert habe." Er baute in den 1870er Jahren eine lukrative Praxis als Porträtist und als Werber für Pear's Soap auf.

Sein Leben war fesselnd und hatte genau die richtige Menge an Skandalen, und trotz seiner frühen Meidung der Royal Academy und der Ablehnung ihrer Lehren blieb Millais ihr Liebling fürs Leben, stellte 1846 an der Akademie aus und verdiente sich 1853 seine Mitgliedschaft wurde 1863 Vollmitglied. Sein Erfolg an der Akademie nahm weiter zu, bis er 1885 als Baronet bezeichnet wurde und als erster englischer Künstler Mitglied des niedrigsten britischen Erbordens wurde. Schließlich eroberte er alles und wurde 1896 kurz vor seinem Tod zum Präsidenten der Royal Academy gewählt. Sie fragen sich, wie der Rest der PRB über ihren ausverkauften Bruder denkt.


Sir John Everett Millais, 1. Baronet

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Sir John Everett Millais, 1. Baronet, (* 8. Juni 1829 in Southampton, Hampshire, Eng. – gest. 13. August 1896, London), englischer Maler und Illustrator und Gründungsmitglied der als Präraffaeliten-Bruderschaft bekannten künstlerischen Bewegung.

1838 ging Millais nach London und trat im Alter von 11 Jahren in die Schulen der Royal Academy ein. Sehr frühreif, gewann er alle Akademiepreise. 1848 schloss sich Millais mit zwei anderen Künstlern, William Holman Hunt und Dante Gabriel Rossetti, zur Präraffaelitenbruderschaft zusammen. Die Bruderschaft wurde im Gegensatz zur zeitgenössischen akademischen Malerei gegründet, die nach Ansicht der Gruppe das Ergebnis des Vorbildes Raffaels war und seit seiner Zeit die Schulen und Akademien dominierte. An der Akademie des nächsten Jahres führte der Schriftsteller Charles Dickens einen gewaltsamen Angriff auf Millais’ Christus im Haus seiner Eltern (1850), die viele wegen ihres Mangels an Idealisierung und scheinbarer Respektlosigkeit im Gebrauch des Alltäglichen als blasphemisch betrachteten.

Millais größte künstlerische Errungenschaft kam in den 1850er Jahren. Die Rückkehr der Taube zur Arche (1851) wurde sowohl vom englischen Essayisten und Kritiker John Ruskin als auch vom französischen Autor Théophile Gautier bewundert und Die Reihenfolge der Freigabe (1853), das ein Porträt seiner zukünftigen Frau Effie Gray (damals unglücklich verheiratet mit Ruskin, dessen Porträt Millais auch malte) enthielt, wurde 1855 von Eugène Delacroix gelobt und erhielt für seine Künstlerin 1853 seine Mitgliedschaft an der Royal Academy 1856 malte Millais einen seiner größten öffentlichen Erfolge, Das blinde Mädchen- eine Tour de Force der viktorianischen Stimmung und technischen Ausstattung.

Im Jahr 1863 wurde Millais Akademiker, und zu dieser Zeit hatte sich sein Stil erweitert und sein Inhalt in Richtung eines bewusst populäreren, weniger didaktischen Ansatzes geändert. Er erstellte Illustrationen für George Dalziels Gleichnisse (1864) und E. Moxons Ausgabe von Tennysons Gedichten und trug zu Einmal in der Woche gute Worte und andere Zeitschriften. Millais' späteres Werk ist zweifellos von insgesamt schlechterer Qualität – eine Verschlechterung, deren er sich bewusst war. 1870 erschien die erste seiner reinen Landschaften, Chillen im Oktober. Viele dieser Landschaften stammen aus Perthshire, wo Millais im Herbst schoss und fischte. Viele Porträts stammen aus dieser späten Periode, darunter die von William Gladstone, von Alfred, Lord Tennyson und von Kardinal Newman. Millais wurde 1885 zum Baronet ernannt und 1896 zum Präsidenten der Royal Academy gewählt.


Kunst ist die Lösung

Als solche ist sie ein beliebtes Thema in der Kunst. Die Malerei von John Everett Millais ist vielleicht das berühmteste Bild von Ophelia.

Seine Ophelia ist wirklich ein präraffaelitisches Meisterwerk, detailreich und atemberaubend schön. Die präraffaelitische Bewegung wurde von dem Wunsch inspiriert, ernsthafte und realistische Kunst zu schaffen, die auch dem Auge gefällt. Präraffaelitische Maler waren nicht an “trivialen” Szenen des täglichen Lebens interessiert und konzentrierten sich lieber auf Themen, die reich an Symbolik waren, darunter religiöse, mythologische, literarische und historische Szenen. Sie ließen sich insbesondere von der mittelalterlichen Kunst inspirieren.

Ophelia war daher ein perfektes Motiv für präraffaelitische Maler. Millais’ Ophelia zeigt die Heldin in ihren letzten Momenten, singend, während sie im Fluss ertrinkt. Obwohl das Gemälde realistisch ist (Millais hat die Details von Ophelias Fluss akribisch aus tatsächlichen Landschaften kopiert), romantisiert und reinigt es ihren Tod. Ophelia scheint friedlich zu sein und versinkt in einem makellosen silbernen Kleid sanft im Wasser, kaum ein Tropfen Schlamm in Sicht.

Das Bild spielt die Idee von la belle mort, die Idee eines “guten” Todes. Hier porträtiert Millais Ophelias Untergang als moralistisches Symbol. Wie das Tate Museum erklärt, hat das Bild mehrere Bedeutungsebenen: “Die Pflanzen, von denen die meisten symbolische Bedeutung haben, wurden mit sorgfältigen botanischen Details dargestellt. Die Rosen neben Ophelias Wange und Kleid und die Feldrose am Ufer mögen darauf hinweisen, dass ihr Bruder Laertes sie „Mairose“ nannte. Weide, Brennnessel und Gänseblümchen werden mit verlassener Liebe, Schmerz und Unschuld in Verbindung gebracht. Stiefmütterchen beziehen sich auf Liebe vergeblich. Veilchen, die Ophelia in einer Kette um den Hals trägt, stehen für Treue, Keuschheit oder den Tod der Jugend, wobei hier jede Bedeutung zutreffen könnte. Die Mohnblume bedeutet Tod. Vergissmeinnicht schwimmen im Wasser.”

Persönlich mag ich dieses Gemälde auch, weil es mich an den Text meines Lieblingsliedes von Grateful Dead erinnert, “Althea”: “Du bist vielleicht das Schicksal von Ophelia/ Schlafen und vielleicht träumen/ Ehrlich bis zur Rücksichtslosigkeit/ Bis zum Äußersten egozentrisch.”

Disclaimer: Ich bin kein Kunsthistoriker oder Experte zu diesem Thema. Das Obige ist meine Meinung, basierend auf meiner Interpretation meiner Vorkenntnisse in Kunst und Geschichte. Falls ich weitere Nachforschungen angestellt habe, werde ich dies oben vermerken.


Christus im Haus seiner Eltern

Christus im Haus seiner Eltern (1849–50) ist ein Gemälde von John Everett Millais, das die Heilige Familie in der Schreinerei von Saint Joseph darstellt. Das Gemälde war bei seiner ersten Ausstellung äußerst umstritten, was zu vielen negativen Kritiken führte, insbesondere einer von Charles Dickens. Es katapultierte die zuvor obskure Präraffaelitenbruderschaft zu Berühmtheit und trug maßgeblich zur Debatte über den Realismus in den Künsten bei.

Es befindet sich derzeit in der Tate Britain in London.

Das Gemälde zeigt den jungen Jesus, der Joseph in seiner Werkstatt assistiert. Joseph baut eine Tür, die auf seinen Tischlertisch gelegt wird. Jesus hat sich die Hand an einem freigelegten Nagel geschnitten, was die Stigmata symbolisiert und die Kreuzigung Jesu vorwegnimmt. Etwas Blut ist auf seinen Fuß gefallen. Als die Großmutter von Jesus, Anne, den Nagel mit einer Zange entfernt, bietet seine besorgte Mutter Mary ihr einen Kuss auf die Wange an. Joseph untersucht die verwundete Hand Jesu. Ein kleiner Junge, der später als Johannes der Täufer bekannt wurde, bringt Wasser ein, um die Wunde zu waschen, was seine spätere Taufe Christi vorwegnimmt. Ein Assistent von Joseph, der die zukünftigen Apostel Jesu vertritt, beobachtet diese Ereignisse.

Im Hintergrund des Gemäldes werden verschiedene Gegenstände verwendet, um die theologische Bedeutung des Themas weiter zu symbolisieren. An der Rückwand lehnt eine Leiter, die sich auf Jakobs Leiter bezieht, und darauf ruht eine Taube, die den Heiligen Geist darstellt. Andere Zimmermannsgeräte beziehen sich auf die Heilige Dreifaltigkeit. Millais verwendete wahrscheinlich Albrecht Dürer's Druck Melancholia I als Quelle für diese Bilder, zusammen mit Quattrocento-Werken. Die Schafe im Schafstall, die durch die Tür gesehen werden, repräsentieren die zukünftige christliche Herde.

Es wurde vermutet, dass Millais von John Rogers Herberts Gemälde Unser Erlöser untertan seinen Eltern in Nazareth beeinflusst wurde. Möglicherweise hat er auch auf ein Gemälde zurückgegriffen, auf dem Jesus Joseph in seiner Werkstatt hilft, das damals Annibale Carracci zugeschrieben wurde.

Das Gemälde war bei seiner ersten Ausstellung aufgrund seiner realistischen Darstellung einer Tischlerei, insbesondere des Schmutzes und des Schutts auf dem Boden, immens umstritten. Dies stand in dramatischem Kontrast zu der bekannten Darstellung von Jesus, seiner Familie und seinen Aposteln in Kostümen, die an römische Togen erinnern. Charles Dickens beschuldigte Millais, Mary als Alkoholikerin dargestellt zu haben, die aussieht

Kritiker wandten sich auch gegen die Darstellung von Jesus und beschwerten sich, dass es "schmerzhaft" sei, "den jugendlichen Heiland" als "rothaarigen Judenjungen" dargestellt zu sehen. Dickens beschrieb ihn als einen „schiefhalsigen, schwatzenden rothaarigen Jungen in einem Bettkleid, der anscheinend einen Stich bekommen hat. in einer angrenzenden Rinne spielen". Andere Kritiker schlugen vor, dass die Charaktere Anzeichen von Rachitis und anderen Krankheiten im Zusammenhang mit Slumbedingungen aufwiesen. Wegen der Kontroverse bat Königin Victoria darum, das Gemälde in den Buckingham Palace zu bringen, damit sie es sich privat ansehen könne.

In der Royal Academy wurde das Gemälde zusammen mit einem Begleitstück von Millais Kollege William Holman Hunt ausgestellt, das auch eine Szene aus der frühchristlichen Geschichte darstellte, in der eine Familie einem Verwundeten hilft. Dies trug den Titel A Converted British Family Sheltering a Christian Missionary from the Persecution of the Druids.

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Олный акет

Большой дом, 8 очаровательных детей, безоблачная семейная жизнь, ежегодный отдых в Шотландии с рыбалкой, золотая медаль на Всемирной выставке в Париже, орден Почетного легиона, еще три важных ордена, почетное членство в художественных академиях чуть ли не по всей Европе, титул баронета ( впервые в истории для художника), . илле олучил такую ​​мощную und исчерпывающую лавину славы und регалий, то даже в мечтах к нему неего бы аже первое ивописное изображение, использованное для рекламы, ринадлежало именно илле: малыш, малышулундува. Пока одни его богемные сверстники галлюцинировали и пытались покончить с собой в опиумном угаре, а другие искали смысла жизни в дальневосточных паломничествах, меняли любовниц и транжирили деньги, Джон Эверетт Милле по не самой привычной в английском обществе лестнице двигался к высшим его ступеням.

ри этом современники говорили, еспрецедентная слава und огатство никак не овлияли ни на очарование его на Сам художник говорил, что ни на один день не переставал писать, да и заказов, от которых невозможно было отказаться, становилось все больше: лорды, герцоги, бароны, их жены и дети хотели портреты кисти знаменитого Милле. н скорее всего неумышленно вырабатывает для этих лестных заказов своеобразные шаблоны – поза, ту радениа, своеобразные аблоны овременным кураторам приходится нелегко, когда они планируют большие выставки Милле - после зала с ранними прерафаэлитовскими ботанически точными, эротичными и трагичными картинами им приходится направлять зрителя в достаточно скучные и однообразные залы: меланхолические шотландские пейзажи (1, 2, 3), златокудрые дети и поясные портреты всех британских премьер-министров и лордов в неизменном ерном альто (1, 2, 3, 4).

лые ки говорили, то Эффи требовала от мужа начительных денег для содержания дома и детей, чема вынуоо Но скорее всего, это выдумки. И Джон Эверетт Милле в обход престижного обучения в Оксфорде и без благородной родословной становился человеком, которого в первой посмертной биографии назовут «типичным англичанином, в лучшем смысле, со всеми физическими и интеллектуальными особенностями, которые позволили нашей нации возвыситься над всем миром».

а полгода до смерти илле предлагают возглавить Королевскую академию искусств – он соглашается, немор У художника рак горла – и сложная операция добавляет только два месяца к его жизни. спытывая постоянную сильную боль, он не перестает писать. Потому что выдавить на палитру краску и сделать первый мазок на загрунтованном холсте - это самое естественное и спасительное занятие, сколько он себя помнил, с самого раннего детства.


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