Geschichte Podcasts

8 Dinge, die Sie vielleicht nicht über „Der Zauberer von Oz“ wissen

8 Dinge, die Sie vielleicht nicht über „Der Zauberer von Oz“ wissen

1. Bevor er berühmt wurde, arbeitete Baum als Geflügelzüchter, Schauspieler und Handelsreisender.

Baum war 44, als „The Wonderful Wizard of Oz“ veröffentlicht wurde, und hatte sich bis dahin in verschiedenen Jobs versucht. Als junger Mann im Bundesstaat New York züchtete er preisgekrönte Hühner, veröffentlichte eine Fachzeitschrift über Geflügel und war Schauspieler und Dramatiker. Eines seiner Stücke, "The Maid of Arran", tourte Anfang der 1880er Jahre durch eine Reihe von US-Städten, wobei Baum eine Hauptrolle spielte. Nach einigen dubiosen Geschäften seines Buchhalters und einem Brand, der ein Theater im Besitz von Baum zerstörte, legte er jedoch seine Träume vom Showbusiness auf und arbeitete als Verkäufer für eine Firma, die Schmieröl herstellte. In den frühen 1890er Jahren war er nach Chicago gezogen und wurde als Handelsreisender für eine Glaswarenfirma angestellt. Während er nicht zu Hause war, erfand er Geschichten, die er seinen vier Söhnen erzählen konnte, und als seine Schwiegermutter einige dieser Geschichten hörte, ermutigte sie ihn, zu versuchen, sie zu veröffentlichen. Das Ergebnis war Baums erstes Kinderbuch „Mutter Gans in Prosa“, das sich bei seiner Veröffentlichung 1897 nicht gut verkaufte. Inzwischen war Baum des Lebens als Handelsreisender müde geworden und gründete eine viel beachtete Fachzeitschrift über Fensterputz (er kam die Idee, nachdem er während seiner Zeit auf der Straße schlecht organisierte Schaufensterauslagen beobachtet hatte). 1899 veröffentlichte er sein zweites Werk für Kinder, „Father Goose, His Book“. Ein unerwarteter Bestseller, der seine literarische Karriere ins Rollen brachte und dazu beitrug, Interesse an „Oz“ zu wecken, an dem er bereits arbeitete.

2. Der Autor und sein Mitschöpfer von „Oz“ hatten einen großen Streit.

Als "The Wonderful Wizard of Oz" debütierte, wurde es für seine aufwendigen Illustrationen gelobt, die vom in Philadelphia geborenen Künstler William Wallace Denslow geschaffen wurden. Baum und Denslow lernten sich in den 1890er Jahren in Chicago kennen und Denslow zeichnete einige Zeichnungen für Baums Fachzeitschrift „The Show Window“, bevor sich die beiden bei „Father Goose“, dem überraschenden Bestseller von 1899, zusammentaten. Ihr nächstes Projekt „Oz“, für das sie sich das Copyright teilten, wurde schnell zum Bestseller; Die Beziehung des Paares wurde jedoch sauer, und jeder Mann glaubte, er verdiente die Anerkennung für den Erfolg des Buches. Obwohl sie 1901 ein weiteres Kinderbuch veröffentlichten, "Dot and Tot of Merryland", haben sie nie an einem anderen "Oz" -Buch zusammengearbeitet. Nach einem Streit um die Tantiemen einer populären Musicalproduktion von 1902 namens „Der Zauberer von Oz“ (das erste Mal, dass „wunderbar“ aus dem Titel gestrichen wurde), trennten sich die Wege der Männer. Denslow arbeitete weiterhin als Illustrator (die Scarecrow- und Tin Man-Charaktere aus „Oz“ tauchten in einigen seiner Designs auf), aber seine Karriere ging schließlich zurück, als er ein Alkoholproblem bekam. Er starb 1915 in New York, vier Jahre vor Baum.

3. Die „Oz“-Reihe wäre fast zu Ende gegangen.

Der Erfolg des ersten „Oz“-Buches veranlasste Baum, Fortsetzungen zu produzieren, aber er wurde des magischen Ortes müde, den er sich ausgedacht hatte, und versuchte, die Serie mit seinem sechsten Buch „The Emerald City of Oz“ zu beenden, in dem Dorothy spielt Tante Em und Onkel Henry sollen dauerhaft in Oz wohnen. Als das Buch 1910 veröffentlicht wurde, sah sich der Autor jedoch ernsthaften finanziellen Problemen gegenüber, zum Teil aufgrund seiner hohen Investitionen in "The Fairylogue and Radio-Plays", eine teure, kurzlebige Reiseshow, in der Baum stumm erzählte -Filmausschnitte seiner berühmten Charaktere, begleitet von einem Orchester und Bühnenschauspielern. Baum meldete 1911 Insolvenz an und unterschrieb die Filmrechte an „The Wonderful Wizard of Oz“, um seine Schulden zu begleichen. Da er immer noch Geld brauchte, begann er wieder über das Land Oz zu schreiben, und "The Patchwork Girl of Oz", sein siebter Roman der Reihe, debütierte 1913.

4. Baum benutzte eine Reihe von Pseudonymen.

Baum (sein erster Buchstabe „L“ stand für Lyman, ein Name, den er nicht mochte; persönlich ging er von Frank) produzierte auch Dutzende von Büchern mit verschiedenen Pseudonymen. Zu diesen Werken gehörte eine beliebte Serie für Mädchen im Teenageralter, „Tante Janes Nichten“, für die er den Namen Edith van Dyne verwendete. Das 14. und letzte „Oz“-Buch von Baum, „Glinda of Oz“, wurde 1920, ein Jahr nach seinem Tod, veröffentlicht. Die Kinderbuchautorin Ruth Plumly Thompson wurde engagiert, um die Serie fortzusetzen und schrieb 19 weitere „Oz“-Bücher.

5. Baum setzte sich für das Frauenwahlrecht ein.

Auf der Suche nach neuen Geschäftsmöglichkeiten zog Baum 1888 mit seiner Familie in die Grenzstadt Aberdeen im Dakota-Territorium. Dort eröffnete er einen Neuheitenladen namens Baum's Bazaar; jedoch erlebte das Gebiet bald eine schwere Dürre und die lokale Wirtschaft brach zusammen. Nachdem Baum Anfang 1890 gezwungen war, seinen Laden zu schließen, wurde er Besitzer einer Lokalzeitung, des Aberdeen Saturday Pioneer, für die er Leitartikel verfasste, die sich für Themen wie das Frauenwahlrecht einsetzten. Baums Ansichten zu diesem Thema wurden von seiner willensstarken Frau Maud und seiner Schwiegermutter Matilda Gage beeinflusst, einer Führerin der Frauenrechtsbewegung, die mit Elizabeth Cady Stanton und Susan B. Anthony zusammengearbeitet hatte. Baum befürwortete 1890 ein Referendum über das Frauenwahlrecht in South Dakota, das 1889 in die Union aufgenommen wurde, aber die Maßnahme wurde abgelehnt. Als Baum später anfing, Kinderbücher zu schreiben, waren viele seiner Hauptfiguren hartnäckige, selbstständige Mädchen. 1920, ein Jahr nach Baums Tod, erhielten amerikanische Frauen das Wahlrecht, als der 19. Verfassungszusatz ratifiziert wurde.

6. Baum gründete ein frühes Filmstudio in Hollywood.

Baum zog 1910 nach Hollywood, gerade als die Filmindustrie dort begann. Er war Mitbegründer der Oz Film Manufacturing Company, um Filme basierend auf seinen Büchern zu drehen, für die er immer noch die Filmrechte hielt. Er und seine Partner bauten ein Studio und produzierten 1914 eine Handvoll Stummfilme, doch die aufwendigen Produktionen waren ihrer Zeit voraus und fanden kein breites Publikum. Im darauffolgenden Jahr wurde das Unternehmen geschlossen.
Einer von Baums Söhnen schrieb eine „Wizard of Oz“-Adaption mit, die es 1925 auf die große Leinwand schaffte. jedoch wurde der Film von Kritikern geschwenkt. Erst mit der Produktion von MGM von 1939 wurde "Oz" filmisch erfolgreich. Baums Witwe Maud besuchte im August die Hollywood-Premiere des Films im Grauman's Chinese Theatre.

7. Der mittlerweile klassische Film war bei seiner ersten Veröffentlichung kein Blockbuster.

MGM wurde inspiriert, nach dem Kinoerfolg von „Schneewittchen und die sieben Zwerge“, dem weltweit ersten animierten Spielfilm, der 1937 von Walt Disney veröffentlicht wurde, eine Verfilmung von „Der wunderbare Zauberer von Oz“ zu drehen. Eine 16-jährige Judy Garland spielte als Dorothy in dem Film von 1939, der mit überwiegend positiven Kritiken debütierte und sechs Oscar-Nominierungen erhielt. Es gewann zwei Oscars für den besten Song – „Over the Rainbow“ – und die beste Punktzahl, verlor jedoch die beste Bildkategorie an „Vom Winde verweht“. (Fünf verschiedene Regisseure arbeiteten an „Oz“, obwohl der Kredit an Victor Fleming ging, der auch „GWTW“ leitete.) Die Produktion mit großem Budget, die etwa 600 Schauspieler und fast tausend Kostüme umfasste, kostete 2,8 Millionen US-Dollar. Es brachte jedoch anfangs etwa 3 Millionen US-Dollar an den Kinokassen ein, und als die Vertriebskosten und andere Ausgaben tabellarisiert wurden, wurde "Der Zauberer von Oz" nicht als profitabel angesehen. Das Fernsehen hat den Film zu einem amerikanischen Klassiker gemacht. „Der Zauberer von Oz“ wurde erstmals im November 1956 im nationalen Fernsehen ausgestrahlt und ab 1959 bis 1991 einmal im Jahr gezeigt. Für viele Familien wurde der Besuch der jährlichen Vorführungen zur Tradition.

8. Im Originalbuch waren Dorothys magische Hausschuhe silbern.

Dorothy trug in Baums Geschichte silberne Schuhe, aber für den Technicolor-Film trug Judy Garland rubinrote Pantoffeln, weil man glaubte, dass sie sich besser von der gelben Backsteinstraße abheben würden. Während der Produktion von 1939 wurden mehrere Paare der heute legendären Pumpen verwendet; Nach den Dreharbeiten wurden sie auf dem Gelände von MGM in Culver City, Kalifornien, eingelagert und wurden vergessen. Die Schuhe wurden 1970 während der Vorbereitungen für eine Auktion von MGM-Kostümen und Requisiten ausgegraben. Es ist heute bekannt, dass vier authentische Paare existieren: Ein Paar wurde 1979 versteigert und an das Smithsonian gespendet, während ein anderes Paar im Jahr 2000 für 666.000 US-Dollar versteigert wurde. Im Jahr 2012 war der Schauspieler Leonardo DiCaprio der Hauptspender hinter dem Kauf eines Paares für die Academy of Motion Picture Arts & Sciences.
Auch im Film, aber nicht im Originalbuch: "Toto, ich habe das Gefühl, wir sind nicht mehr in Kansas." Eines der berühmtesten Zitate, die mit dem Land Oz in Verbindung gebracht werden, wurde von Hollywood-Drehbuchautor Noel Langley, nicht von Baum, erfunden.


7 Dinge, die Sie möglicherweise nicht über Duke Ellington wissen

Zu sagen, dass Duke Ellington (29. April 1899 - 24. Mai 1974) eine produktive und illustre Karriere hatte, wäre eine große Untertreibung. Als Komponist, Arrangeur, Pianist und Bandleader war er fast 50 Jahre lang (1926-74) eine treibende Kraft und schuf Innovationen in jedem Bereich. All dies tat er, während er ständig mit seinem Orchester auf Tournee ging, das trotz großer Veränderungen in der Musikwelt zu seinen Lebzeiten nie zerbrach.

Ellington wurde im Laufe der Jahre in vielen Büchern beschrieben und war in den frühen 1930er Jahren ein nationaler Name, aber es gibt einige Aspekte seines Lebens und seiner Karriere, die nicht so bekannt sind wie seine Auftritte und Aufnahmen.


Inhalt

Das Gebet ist in vielen Versionen erschienen. Reinhold Niebuhrs Gebetsversionen wurden immer als einzelne Prosasatzdrucke gedruckt, die das Gebet als drei Verszeilen darstellen, die die Originalversion des Autors modifizieren. Die bekannteste Form ist eine späte Version, da sie einen Hinweis auf die Gnade enthält, die vor 1951 nicht gefunden wurde: [1]

Gott, gib mir die Gnade, mit Gelassenheit anzunehmen
die Dinge, die nicht geändert werden können,
Mut, die Dinge zu ändern
was geändert werden soll,
und die Weisheit zu unterscheiden
das eine vom anderen.

Lebe einen Tag nach dem anderen,
Einen Moment nach dem anderen genießen,
Not als Weg zum Frieden akzeptieren,
Nehmen, wie Jesus es tat,
Diese sündige Welt, wie sie ist,
Nicht so, wie ich es gerne hätte,
Im Vertrauen darauf, dass du alles richtig machen wirst,
Wenn ich mich deinem Willen ergebe,
Damit ich in diesem Leben einigermaßen glücklich bin,
Und überaus glücklich mit dir für immer im nächsten.

Eine Version (offenbar aus dem Gedächtnis zitiert) erschien in der Spalte "Fragen und Antworten" in Buchbesprechung der New York Times, 2. Juli 1950, p. 23 und fragt nach dem Autor des Zitats. Eine Antwort in derselben Spalte in der Ausgabe vom 13. August 1950, S. 19, schrieb das Gebet Niebuhr zu und zitierte es wie folgt:

O Gott und himmlischer Vater,
Gewähre uns die Gelassenheit des Geistes, das Unveränderliche anzunehmen, den Mut, das Veränderbare zu ändern, und die Weisheit, das eine vom anderen zu erkennen, durch Jesus Christus, unseren Herrn. Amen.

Einige Wiederherstellungsprogramme mit zwölf Schritten verwenden eine etwas andere Version:

Gott schenke mir die Gelassenheit, die Dinge zu akzeptieren, die ich nicht ändern kann,
Mut, die Dinge zu ändern, die ich kann,
und Weisheit, den Unterschied zu kennen. [6]

Der früheste aufgezeichnete Hinweis auf das Gebet ist ein Tagebucheintrag aus dem Jahr 1932 von Winnifred Crane Wygal, einem Schüler und Mitarbeiter von Reinhold Niebuhr, der das Gebet zitiert und Niebuhr zuschreibt. [1] Mehrere Versionen des Gebets erschienen dann in den frühen 1930er Jahren in Zeitungsartikeln, die von Wygal geschrieben wurden oder über Vorträge von Wygal berichteten. [1] 1940 fügte Wygal die folgende Form des Gebets in ein Buch über Anbetung ein und schrieb es Niebuhr zu: [7]

O Gott, gib uns die Gelassenheit, das Unveränderliche zu akzeptieren, den Mut, das Veränderbare zu ändern, und die Weisheit, das eine vom anderen zu unterscheiden.

Wygal war ein langjähriger YWCA-Beamter und alle frühen aufgezeichneten Nutzungen stammten von Frauen, die an Freiwilligen- oder Bildungsaktivitäten im Zusammenhang mit dem YWCA beteiligt waren. [1] [4] : 3

Die früheste gedruckte Referenz aus dem Jahr 1936 erwähnt, dass eine Miss Mildred Pinkerton während einer Rede "das Gebet zitiert", als wollte es darauf hinweisen, dass es bereits in einer dem Reporter bekannten Zirkulation war, oder dass Pinkerton es als Zitat weitergab, ohne es zu erwähnen seine Urheberschaft. Eine christliche Studentenpublikation aus dem Jahr 1937 schrieb Niebuhr das Gebet in der folgenden Form zu, die mit den anderen frühesten veröffentlichten Formen übereinstimmt, indem sie "Mut zur Veränderung" forderten, bevor sie um Gelassenheit baten:

Vater, gib uns Mut, das zu ändern, was geändert werden muss, Gelassenheit, das zu akzeptieren, was nicht anders ist, und die Einsicht, das eine vom anderen zu erkennen.

Auch verschiedene andere Autoren nannten Niebuhr ab 1937 als Quelle des Gebets. [1] Der Bundeskirchenrat (NCC) nahm das Gebet 1944 in ein Buch für Militärgeistliche und Militärs auf und die USO verbreitete das Gebet (mit Niebuhrs Erlaubnis) während des Zweiten Weltkriegs auf gedruckten Karten an die Soldaten. [8] [9] 1950 schrieb Niebuhr auf Fragen nach der bereits recht bekannten Herkunft des Gebets, dass das Gebet „vielleicht seit Jahren, ja Jahrhunderten herumgespukt hat, aber ich glaube nicht glaube, ich habe es selbst geschrieben." [10] [11] Er bestätigte dies 1967. [9] Seine Tochter Elisabeth Sifton glaubte, Niebuhr habe es 1943 zum ersten Mal geschrieben, [12] : 277, während Niebuhrs Frau Ursula glaubte, es sei 1941 oder '42 . geschrieben worden , fügte hinzu, dass es möglicherweise bereits 1934 in Gebeten verwendet wurde. [1]

Das Gelassenheitsgebet wird in der nächsten Ausgabe des unter Niebuhrs Namen aufgeführt Yale Buch der Zitate, dessen Autor Fred R. Shapiro zunächst Zweifel geäußert hatte, aber später maßgeblich dazu beitrug, Niebuhrs Autorschaft zu bestätigen. [13]

Fehlerhaftes Dating Bearbeiten

Obwohl Niebuhrs Tochter einmal zitiert wurde, die darauf hindeutet, dass Niebuhr zuerst das Gebet für die Predigt von 1943 in der Heath Evangelical Union Church geschrieben hat, [8] gibt es überzeugende dokumentarische Beweise dafür, dass er es viel früher verwendet hatte. [4] [1]

Zahlreiche mehr oder weniger ähnliche Aussagen anderer Autoren wurden identifiziert, und es ist wahrscheinlich, dass noch mehr gefunden werden. Das Gebet wurde auch fälschlicherweise einer Vielzahl anderer Autoren zugeschrieben.

Echte Vorläufer Bearbeiten

Epiktet schrieb: „Mach das Beste aus dem, was in deiner Macht steht, und nimm den Rest so, wie es passiert. und unsere Triebe, Wünsche, Abneigungen – kurz, was auch immer wir tun.Unser Körper liegt nicht an uns, noch sind unser Besitz, unser Ruf oder unsere öffentlichen Ämter, oder das heißt, was auch immer wir nicht tun, nicht unsere Aufgabe. " [14]

Der indische buddhistische Gelehrte Shantideva aus dem 8. Jahrhundert von der alten Nalanda-Universität schlug vor: [15]

Wenn es bei Problemen Abhilfe gibt,
Welchen Grund gibt es für Niedergeschlagenheit?
Und wenn es keine Hilfe dafür gibt,
Was nützt es, mürrisch zu sein?

Der jüdische Philosoph Solomon ibn Gabirol aus dem 11. Jahrhundert schrieb: [16]

Und sie sagten: An der Spitze allen Verstehens steht das Erkennen dessen, was ist und was nicht sein kann, und das Trösten dessen, was nicht in unserer Macht steht, etwas zu ändern.

Der Philosoph W. W. Bartley stellt Niebuhrs Gebet kommentarlos einem Reim von Mother Goose (1695) gegenüber, der ein ähnliches Gefühl ausdrückt: [17]

Für jedes Leiden unter der Sonne
Es gibt ein Heilmittel, oder es gibt keines
Wenn es einen gibt, versuche ihn zu finden
Wenn es keine gibt, macht es nichts aus.

Friedrich Schiller vertrat 1801 den ersten Teil: "Selig ist, wer gelernt hat zu tragen, was er nicht ändern kann, und mit Würde aufzugeben, was er nicht retten kann." [18]

Falsche Zuschreibungen Bearbeiten

Theodor Wilhelm, Professor für Erziehungswissenschaft an der Universität Kiel, veröffentlichte unter dem Pseudonym „Friedrich Oetinger“ eine deutsche Version des Gebets. [21] Wilhelms plagiierte Version des Gebets wurde in Westdeutschland populär, wo es weithin, aber fälschlicherweise dem Philosophen des 18. Jahrhunderts Friedrich Christoph Oetinger zugeschrieben wurde. [12] : 343

Das Gebet wurde weiter bekannt, nachdem es 1941 von einem frühen Mitglied auf die Anonymen Alkoholiker aufmerksam gemacht wurde [22], das in einer Überschrift in einer "Routine" darauf stieß New York Herald Tribune Nachruf". "Wir hatten noch nie so viel AA . gesehen in so wenigen Worten", bemerkte Wilson. [23] In seiner Ausgabe vom Januar 1950 Grapevine, Internationale Zeitschrift der Anonymen Alkoholiker, identifizierte Niebuhr als Autor (S. 6–7), ebenso wie die AA-Website. [11]

Der Originaltext für dieses angepasste Gebet lautete:

Vater, gib uns Mut zu ändern, was geändert werden muss,
Gelassenheit zu akzeptieren, was nicht geholfen werden kann,
und die Einsicht, das eine vom anderen zu kennen.

Eine etwas andere Version des Gebets wurde von Zwölf-Schritte-Gruppen weithin angenommen:

Gott schenke uns die Gelassenheit, die Dinge zu akzeptieren, die wir nicht ändern können,
den Mut, die Dinge zu ändern, die wir können,
und die Weisheit, den Unterschied zu kennen. [24]

In Bill Wattersons Humor-Comic-Strip Calvin und Hobbes, Calvin sagt:

Wissen Sie, wofür ich bete? Die Stärke, das zu ändern, was ich kann, die Unfähigkeit, das zu akzeptieren, was ich nicht kann, und die Unfähigkeit, den Unterschied zu erkennen. [25]


2. Abraham lachte über Gott und seine Frau Sarah auch … und Gott hörte sie.

Abraham und Sarah lachten beide, als Gott ihnen sagte, dass sie im Alter ein Kind bekommen würden (1. Mose 17:17 18:10-12). Ihr Lachen über Gottes Plan zeigte ihren Unglauben, dass er tun konnte, was er sagte.

Da sagte der Herr zu Abraham: „Warum lachte Sara und sagte: ‚Werde ich wirklich ein Kind bekommen, jetzt, wo ich alt bin?‘ Ist dem Herrn etwas zu schwer? Ich werde nächstes Jahr zur vereinbarten Zeit zu dir zurückkehren und Sarah wird einen Sohn haben.“ Sarah hatte Angst, also log sie und sagte: „Ich habe nicht gelacht.“ Aber er sagte: „Ja, du hast gelacht“.’“ Genesis 18:13-15

Haben Sie schon einmal über Gott gelacht? Es scheint eine so blasphemische Vorstellung zu sein, aber wir tun es wahrscheinlich häufiger, als wir denken. Mit dem Fremden da drüben beten gehen? Ich denke, ich versuche erst einmal zu nicken und zu lächeln. Sagen Sie mein Zeugnis vor einer großen Gruppe, vielleicht nächsten Monat, wenn ich nicht mehr so ​​müde bin. Sie möchten, dass ich mit meinem Ehemann/Kind/Familienmitglied/Freundin Gnade habe, nachdem sie das zum 19. Mal gesagt haben?

Ob wir laut lachen oder in unserem Herzen lachen, Gott hört uns immer. Der Herr versprach Abraham durch seine Frau Sara einen Sohn, und trotz ihres Unglaubens hat Gott sein Versprechen nicht gebrochen.Es steht den Menschen frei, zu glauben oder nicht zu glauben, aber Gottes Pläne ändern sich nie.


Inhalt

Die Geschichte von L. Frank Baum wurde von der George M. Hill Company veröffentlicht. Die Erstausgabe hatte eine Auflage von 10.000 Exemplaren und wurde vor dem Erscheinungstermin am 1. September 1900 verkauft. Am 17. Mai 1900 kam das erste Exemplar aus der Presse. Baum baute es von Hand zusammen und überreichte es seiner Schwester Mary Louise Baum Brewster. Die Öffentlichkeit sah es zum ersten Mal auf einer Buchmesse im Palmer House in Chicago vom 5. bis 20. Juli. Das Urheberrecht wurde am 1. August registriert, die vollständige Verteilung folgte im September. [2] Bis Oktober 1900 war es bereits ausverkauft und die zweite Auflage von 15.000 Exemplaren war fast aufgebraucht. [3]

In einem Brief an seinen Bruder Harry schrieb Baum, dass der Herausgeber des Buches, George M. Hill, einen Verkauf von etwa 250.000 Exemplaren vorhersagte. Trotz dieser günstigen Vermutung sagte Hill zunächst nicht voraus, dass das Buch phänomenal erfolgreich sein würde. Er stimmte zu, das Buch erst zu veröffentlichen, als sich der Manager des Chicago Grand Opera House, Fred R. Hamlin, verpflichtete, daraus ein musikalisches Bühnenstück zu machen, um den Roman zu veröffentlichen. Das Spiel Der Zauberer von Oz debütierte am 16. Juni 1902. Es wurde überarbeitet, um den Vorlieben der Erwachsenen gerecht zu werden, und wurde als "musikalische Extravaganz" gestaltet, wobei die Kostüme Denslows Zeichnungen nachempfunden waren. Hills Verlag ging 1901 in Konkurs, so dass Baum und Denslow vereinbarten, dass die in Indianapolis ansässige Bobbs-Merrill Company die Veröffentlichung des Romans wieder aufnahm. [4]

Baums Sohn Harry Neal erzählte dem Chicago-Tribüne 1944 erzählte Baum seinen Kindern "skurrile Geschichten, bevor sie Stoff für seine Bücher wurden". Harry nannte seinen Vater den "schönsten Mann, den ich kannte", einen Mann, der einen guten Grund dafür nennen konnte, warum schwarze Vögel, die in einem Kuchen gekocht wurden, danach rauskommen und singen konnten. [5]

Bis 1938 wurden mehr als eine Million Exemplare des Buches gedruckt. [6] Bis 1956 war der Verkauf auf drei Millionen Exemplare angewachsen.

Baum widmete das Buch „meiner guten Freundin und Kamerad, meiner Frau“, Maud Gage Baum.

Dorothy ist ein junges Mädchen, das mit ihrer Tante Em, Onkel Henry, und ihrem Hund Toto auf einer Farm in der Prärie von Kansas lebt. Eines Tages werden sie und Toto von einem Zyklon erfasst, der sie und das Bauernhaus im Munchkin Country im magischen Land Oz ablagert. Das fallende Haus hat die böse Hexe des Ostens, den bösen Herrscher der Munchkins, getötet. Die Gute Hexe des Nordens kommt mit drei dankbaren Munchkins und gibt Dorothy die magischen Silberschuhe, die einst der Bösen Hexe gehörten. Die gute Hexe sagt Dorothy, dass sie nur nach Hause zurückkehren kann, indem sie der gelben Ziegelsteinstraße zur Smaragdstadt folgt und den großen und mächtigen Zauberer von Oz um Hilfe bittet. Als Dorothy sich auf ihre Reise begibt, küsst sie die Gute Hexe des Nordens auf die Stirn und schützt sie auf magische Weise vor Schaden.

Auf ihrem Weg die gelbe Backsteinstraße hinunter nimmt Dorothy an einem Bankett teil, das von einem Munchkin namens Boq veranstaltet wird. Am nächsten Tag befreit sie Vogelscheuche von der Stange, an der er hängt, trägt Öl aus einer Dose auf die verrosteten Gelenke eines Blechholzfällers auf und trifft einen feigen Löwen. Die Vogelscheuche will ein Gehirn, der Blechholzfäller will ein Herz und der Löwe will Mut, also ermutigt Dorothy sie, mit ihr und Toto in die Smaragdstadt zu reisen, um den Zauberer um Hilfe zu bitten. Nach mehreren Abenteuern erreichen die Reisenden die Smaragdstadt und treffen den Wächter der Tore, der sie auffordert, eine grün getönte Brille zu tragen, damit ihre Augen nicht vom Glanz der Stadt geblendet werden. Jeder wird gerufen, um den Zauberer zu sehen. Er erscheint Dorothy als riesiger Kopf, der Vogelscheuche als liebliche Dame, dem Blechholzfäller als schreckliches Tier und dem Löwen als Feuerball. Er erklärt sich bereit, ihnen allen zu helfen, wenn sie die böse Hexe des Westens töten, die über Winkie Country herrscht. Der Wächter warnt sie, dass es noch nie jemand geschafft hat, die Hexe zu besiegen.

Die böse Hexe des Westens sieht die Reisenden mit ihrem einen Teleskopauge näher kommen. Sie schickt ein Rudel Wölfe, um sie in Stücke zu reißen, aber der Blechholzfäller tötet sie mit seiner Axt. Sie schickt einen Schwarm wilder Krähen, um ihnen die Augen auszuhacken, aber die Vogelscheuche tötet sie, indem sie ihnen den Hals verdreht. Sie ruft einen Schwarm schwarzer Bienen herbei, um sie zu stechen, aber sie werden getötet, als sie versuchen, den Blechholzfäller zu stechen, während der Strohhalm der Vogelscheuche die anderen verbirgt. Sie schickt ein Dutzend ihrer Winkie-Sklaven aus, um sie anzugreifen, aber der Löwe steht fest, um sie abzuwehren. Schließlich nutzt sie die Macht ihrer Goldenen Mütze, um die Geflügelten Affen auszusenden, um Dorothy, Toto und den Löwen zu fangen, die Vogelscheuche auszustopfen und den Blechholzfäller einzudellen. Dorothy wird gezwungen, die persönliche Sklavin der Hexe zu werden, während die Hexe plant, ihre silbernen Schuhe zu stehlen.

Die Hexe trickst Dorothy erfolgreich aus einem ihrer silbernen Schuhe. Wütend wirft sie einen Eimer Wasser auf die Hexe und ist schockiert, als sie sie dahinschmelzen sieht. Die Winkies freuen sich über ihre Befreiung von ihrer Tyrannei und helfen, die Vogelscheuche wieder aufzufüllen und den Blechholzfäller zu reparieren. Sie bitten den Blechholzfäller, ihr Herrscher zu werden, was er zusagt, nachdem er Dorothy geholfen hat, nach Kansas zurückzukehren. Dorothy findet die goldene Mütze der Hexe und ruft die Geflügelten Affen herbei, um sie und ihre Freunde zurück in die Smaragdstadt zu tragen. Der König der geflügelten Affen erzählt, wie er und seine Schar von der Zauberin Gayelette aus dem Norden durch eine Verzauberung an die Mütze gebunden sind und dass Dorothy damit noch zweimal beschwören kann.

Als Dorothy und ihre Freunde den Zauberer wieder treffen, kippt Toto einen Bildschirm in einer Ecke des Thronsaals um, der den Zauberer enthüllt, der traurig erklärt, dass er ein Humbug ist – ein gewöhnlicher alter Mann, der mit einem Heißluftballon nach Oz kam vor langer Zeit aus Omaha. Er versorgt die Vogelscheuche mit einem Kopf voller Kleie, Stecknadeln und Nadeln ("viele neue Gehirne"), den Blechholzfäller mit einem mit Sägemehl gefüllten Seidenherz und den Löwen einen Trank des "Muts". Ihr Glaube an seine Macht gibt diesen Gegenständen einen Schwerpunkt für ihre Wünsche. Er beschließt, Dorothy und Toto mit nach Hause zu nehmen und dann in seinem Ballon nach Omaha zurückzukehren. Bei der Entsendung ernennt er Vogelscheuche, um an seiner Stelle zu regieren, was er zustimmt, nachdem er Dorothy geholfen hat, nach Kansas zurückzukehren. Toto jagt ein Kätzchen in der Menge und Dorothy geht ihm nach, aber die Seile, die den Ballon halten, reißen und der Zauberer schwebt davon.

Dorothy ruft die Geflügelten Affen herbei und sagt ihnen, dass sie sie und Toto nach Hause tragen sollen, aber sie erklären, dass sie die Wüste um Oz nicht durchqueren können. Der Soldat mit den grünen Schnurrhaaren informiert Dorothy, dass Glinda, die gute Hexe des Südens, ihr möglicherweise bei der Rückkehr nach Hause helfen kann. Unterwegs tötet der Löwe eine Riesenspinne, die die Tiere in einem Wald terrorisiert. Sie bitten ihn, ihr König zu werden, was er zusagt, nachdem er Dorothy geholfen hat, nach Kansas zurückzukehren. Dorothy ruft die Geflügelten Affen ein drittes Mal herbei, um sie über einen Hügel zu Glindas Schloss zu fliegen. Glinda begrüßt sie und verrät, dass Dorothys silberne Schuhe sie überall hin mitnehmen können. Sie umarmt ihre Freunde, die alle durch Glindas drei Verwendungen der Goldenen Mütze in ihre neuen Königreiche zurückkehren werden: die Vogelscheuche in die Smaragdstadt, der Blechholzfäller ins Winkie-Land und der Löwe in den Wald, wonach die Mütze sein wird dem König der geflügelten Affen gegeben und ihn und seine Bande befreit. Dorothy nimmt Toto in die Arme, schlägt dreimal die Fersen zusammen und möchte nach Hause zurückkehren. Sofort beginnt sie, durch die Luft zu wirbeln und auf dem Gras der Prärie von Kansas zu rollen, bis zum Farmhaus, obwohl die silbernen Schuhe unterwegs von ihren Füßen fallen und in der tödlichen Wüste verloren gehen. Sie rennt zu Tante Em und sagt: "Ich bin so froh, wieder zu Hause zu sein!"

Das Buch wurde von Baums Freund und Mitarbeiter W. W. Denslow illustriert, der auch das Copyright mitgehabt hat. Das Design war für die damalige Zeit aufwendig, mit Illustrationen auf vielen Seiten, Hintergründen in verschiedenen Farben und mehreren Farbtafelillustrationen. [7] Im September 1900, The Grand Rapids Herald schrieb, dass die Illustrationen von Denslow "ganz so viel von der Geschichte sind wie in der Schrift". Der Leitartikel meinte, dass die Leser ohne Denslows Bilder nicht in der Lage wären, sich genau die Figuren von Dorothy, Toto und den anderen Charakteren vorzustellen. [8]

Der unverwechselbare Look führte damals zu Nachahmern, allen voran Eva Katherine Gibsons Zauberlinda, die weise Hexe, das sowohl die Typografie als auch das Illustrationsdesign von . nachahmt Oz. [9] Die Schrift war die neu gestaltete Monotype Old Style. Denslows Illustrationen waren so bekannt, dass Händler vieler Produkte die Erlaubnis erhielten, sie zur Werbung für ihre Waren zu verwenden. Die Formen der Vogelscheuche, des Blechholzfällers, des feigen Löwen, des Zauberers und der Dorothy wurden zu Gummi- und Metallskulpturen verarbeitet. Auch Modeschmuck, mechanisches Spielzeug und Seife wurden mit ihren Figuren entworfen. [10]

1944 erschien eine Neuauflage des Buches mit Illustrationen von Evelyn Copelman. [11] Obwohl behauptet wurde, dass die neuen Illustrationen auf Denslows Originalen basieren, ähneln sie eher den Charakteren, die in der berühmten Verfilmung von Baums Buch von 1939 zu sehen sind. [12]

Baum erkannte den Einfluss der Brüder Grimm und Hans Christian Andersen an, den er in seinen "amerikanischen Märchen" bewusst überarbeitete, um das Wunder ohne Schrecken einzubeziehen. [13]

Dorothy Bearbeiten

Jocelyn Burdick, ehemalige demokratische US-Senatorin aus North Dakota und Tochter von Baums Nichte Magdalenda (Carpenter) Birch, hat berichtet, dass ihre Mutter wahrscheinlich die Inspiration für Dorothy war.

Baum verbrachte "eine beträchtliche Zeit auf dem Gehöft Сarpenter [. ] und wurde Magdalena sehr zugetan." Burdick hat viele Ähnlichkeiten zwischen dem Gehöft ihrer Mutter und der Farm von Onkel Henry und Tante Em berichtet. [14]

Eine andere Geschichte, die besser dokumentiert ist, ist, dass der Charakter nach Baums Nichte benannt wurde, die ebenfalls Dorothy hieß. Sie starb im Alter von 5 Monaten in Bloomington, Illinois. Sie ist auf dem Evergreen Cemetery (Bloomington, Illinois) begraben. Neben ihrem Grabstein steht eine Statue des Charakters Dorothy. [fünfzehn]

Das Land von Oz und andere Orte Bearbeiten

Die lokale Legende besagt, dass Oz, auch bekannt als Smaragdstadt, von einem markanten schlossähnlichen Gebäude in der Gemeinde Castle Park in der Nähe von Holland, Michigan, inspiriert wurde, wo Baum im Sommer lebte. Die Yellow Brick Road wurde von einer damals mit gelben Ziegeln gepflasterten Straße in Peekskill, New York, abgeleitet, wo Baum die Peekskill Military Academy besuchte. Baum-Gelehrte beziehen sich oft auf die Weltausstellung von 1893 in Chicago (die "Weiße Stadt") als Inspiration für die Smaragdstadt. Andere Legenden deuten darauf hin, dass die Inspiration vom Hotel Del Coronado in der Nähe von San Diego, Kalifornien, stammt. Baum war ein häufiger Gast im Hotel und hatte dort mehrere der Oz-Bücher geschrieben. [16] In einem Interview von 1903 mit Die Verlagswoche, [17] Baum sagte, dass der Name "OZ" aus seinem Aktenschrank mit der Aufschrift "O-Z" stammt. [18]

Einige Kritiker haben vorgeschlagen, dass Baum möglicherweise von Australien inspiriert wurde, einem relativ neuen Land zum Zeitpunkt der Erstveröffentlichung des Buches. Australien wird oft umgangssprachlich geschrieben oder als "Oz" bezeichnet. Außerdem, in Ozma von Oz (1907) kehrt Dorothy infolge eines Sturms auf See nach Oz zurück, während sie und Onkel Henry mit dem Schiff nach Australien reisen. Wie Australien ist Oz ein Inselkontinent irgendwo westlich von Kalifornien mit bewohnten Regionen, die an eine große Wüste grenzen. Man könnte sich vorstellen, dass Baum Oz als Australien oder vielleicht als magisches Land im Zentrum der großen australischen Wüste vorsah. [19]

Alice im Wunderland Bearbeiten

Ein weiterer Einfluss lag in Lewis Carrolls Alice im Wunderland. Eine Rezension vom September 1900 in der Grand Rapids Herald namens der wunderbare Zauberer von Oz eine "wahre" Alice im Wunderland auf den heutigen Standard der Jugendliteratur gebracht". [13] Baum wurde auch von Carrolls Überzeugung beeinflusst, dass Kinderbücher viele Bilder haben und angenehm zu lesen sein sollten. Carroll lehnte die Ideologie der viktorianischen Ära ab, dass Kinderbücher mit Moral gesättigt sein sollten, und glaubte stattdessen, dass Kinder Kinder sein sollten Aufbauend auf Carrolls Stil der zahlreichen den Text begleitenden Bilder kombinierte Baum die konventionellen Merkmale eines Märchens (Hexen und Zauberer) mit den bekannten Dingen aus dem Leben seiner Leser (Vogelscheuchen und Kornfelder).[20]

Amerikanische Fantasy-Geschichte Bearbeiten

der wunderbare Zauberer von Oz wird von einigen als das erste amerikanische Märchen angesehen, da es auf eindeutige amerikanische Orte wie Kansas und Omaha Bezug nimmt. Baum stimmte mit Autoren wie Carroll überein, dass Fantasy-Literatur neben zahlreichen Illustrationen für Kinder wichtig sei, aber er wollte auch eine Geschichte mit erkennbaren amerikanischen Elementen wie Landwirtschaft und Industrialisierung schaffen. [21] Obwohl dieses Gefühl würdig ist, übersieht es mehrere amerikanische Märchen, die von Washington Irving über die Region Catskills im Bundesstaat New York geschrieben wurden. Geschichten wie "Rip Van Winkle", veröffentlicht 1819, und "The Legend of Sleepy Hollow", veröffentlicht 1820, gehen den Oz-Geschichten mehrere Jahrzehnte voraus.

Baums Privatleben Bearbeiten

Viele der Charaktere, Requisiten und Ideen im Roman wurden aus Baums Erfahrungen gezogen. Als Kind hatte Baum häufig Albträume von einer Vogelscheuche, die ihn über ein Feld verfolgte. Augenblicke, bevor die "zerlumpten Heufinger" der Vogelscheuche beinahe seinen Hals gepackt hatten, würde sie vor seinen Augen auseinanderfallen. Jahrzehnte später, als Erwachsener, integrierte Baum seinen Peiniger als Vogelscheuche in den Roman. [22] Laut seinem Sohn Harry wurde der Blechholzfäller aus Baums Anziehungskraft auf Schaufensterauslagen geboren. Er wollte etwas Fesselndes für die Schaufensterdekoration machen, also benutzte er eine vielseitige Auswahl an Fetzen, um eine auffällige Figur zu schaffen. Aus einem Waschbecken machte er eine Leiche, aus verschraubten Ofenrohren machte er Arme und Beine, und aus einem Topfboden machte er ein Gesicht. Baum setzte dann einen Trichterhut auf die Figur, der schließlich zum Blechholzfäller wurde. [23] John D. Rockefeller war der Erzfeind von Baums Vater, einem Ölbaron, der sich weigerte, Standard Oil-Aktien im Austausch für den Verkauf seiner eigenen Ölraffinerie zu kaufen. Baum-Gelehrter Evan I. Schwartz postulierte, dass Rockefeller eines der zahlreichen Gesichter des Zauberers inspirierte. In einer Szene des Romans wird der Zauberer als "tyrannischer, haarloser Kopf" gesehen. Als Rockefeller 54 Jahre alt war, verlor er aufgrund der Erkrankung Alopezie jede Haarsträhne auf seinem Kopf, sodass die Leute Angst hatten, mit ihm zu sprechen. [24]

In den frühen 1880er Jahren, Baums Theaterstück Streichhölzer wurde aufgeführt, als ein "Flackern einer Petroleumlaterne die Dachsparren entzündete" und das Opernhaus Baum in Flammen aufging. Der Gelehrte Evan I. Schwartz vermutete, dass dies den schlimmsten Schrecken der Vogelscheuche ausgelöst haben könnte: "Es gibt nur eine Sache auf der Welt, vor der ich Angst habe. Ein brennendes Streichholz." [25]

Im Jahr 1890 lebte Baum in Aberdeen, South Dakota, das eine Dürre durchmachte, und schrieb eine witzige Geschichte in seiner Kolumne "Unsere Vermieterin" in Aberdeens Der Samstagspionier [26] über einen Bauern, der seinen Pferden eine grüne Schutzbrille gab, die sie glauben ließ, die Holzspäne, die sie aßen, seien Grasstücke. In ähnlicher Weise ließ der Zauberer die Menschen in der Smaragdstadt grüne Schutzbrillen tragen, damit sie glaubten, dass ihre Stadt aus Smaragden gebaut wurde. [27]

Während Baums kurzem Aufenthalt in Aberdeen ging die Verbreitung von Mythen über den reichen Westen weiter. Doch statt ein Wunderland zu sein, verwandelte sich der Westen aufgrund einer Dürre und einer Depression in ein Ödland. 1891 zog Baum mit seiner Familie von South Dakota nach Chicago. Zu dieser Zeit bereitete sich Chicago auf die kolumbianische Weltausstellung im Jahr 1893 vor. Die Gelehrte Laura Barrett erklärte, dass Chicago "wesentlich mehr mit Oz als mit Kansas" verwandt sei. Nachdem Baum entdeckt hatte, dass die Mythen über den unberechenbaren Reichtum des Westens unbegründet waren, schuf er "eine Erweiterung der amerikanischen Grenze in Oz". Baums Schöpfung ähnelt in vielerlei Hinsicht der tatsächlichen Grenze, abgesehen davon, dass der Westen zu dieser Zeit noch unerschlossen war. Die Munchkins, denen Dorothy zu Beginn des Romans begegnet, repräsentieren Farmer, ebenso wie die Winkies, die sie später trifft. [28]

Baums Frau besuchte häufig ihre Nichte Dorothy Louise Gage. Der Säugling wurde schwer krank und starb am 11. November 1898 an einer "Überlastung des Gehirns" mit genau fünf Monaten. Als das Baby, das Maud als die Tochter verehrte, die sie nie hatte, starb, war sie am Boden zerstört und musste Medikamente konsumieren. [29] Um ihre Not zu lindern, machte Frank seinen Protagonisten aus der wunderbare Zauberer von Oz eine Frau namens Dorothy. [30] Onkel Henry wurde Henry Gage, dem Vater seiner Frau Maud, nachempfunden. Von seiner Frau Matilda herumkommandiert, widersprach Henry ihr selten. Er florierte jedoch im Geschäft, und seine Nachbarn sahen zu ihm auf. Ebenso war Onkel Henry ein "passiver, aber hart arbeitender Mann", der "streng und feierlich aussah und selten sprach". [31] Die Hexen im Roman wurden von der Hexenjagdforschung beeinflusst, die von Baums Schwiegermutter Matilda gesammelt wurde. Die Geschichten über barbarische Taten gegen beschuldigte Hexen machten Baum Angst. Zwei Schlüsselereignisse des Romans betreffen böse Hexen, die beide auf metaphorische Weise ihren Tod finden. [32]

Baum hatte verschiedene Jobs, zog viel um und war vielen Menschen ausgesetzt, so dass die Inspiration für die Geschichte aus vielen verschiedenen Aspekten seines Lebens stammen könnte. [33] In der Einleitung der Geschichte schreibt Baum, dass "es danach strebt, ein modernisiertes Märchen zu sein, in dem das Staunen und die Freude erhalten bleiben und die Herzschmerzen und Albträume weggelassen werden." [34] Dies ist eine der Erklärungen, die er für die Inspiration gibt für der wunderbare Zauberer von Oz. Baum, ein ehemaliger Porzellanverkäufer, schrieb in Kapitel 20 über Porzellan, das zum Leben erwacht war. [27]

Einfluss von Denslow Bearbeiten

Auch der ursprüngliche Illustrator des Romans, W. W. Denslow, könnte die Geschichte und ihre Interpretation beeinflusst haben. Baum und Denslow hatten eine enge Zusammenarbeit und arbeiteten zusammen, um die Präsentation der Geschichte durch die Bilder und den Text zu gestalten. Farbe ist ein wichtiges Element der Geschichte und ist in allen Bildern vorhanden, wobei jedes Kapitel eine andere Farbdarstellung hat. Denslow fügte seinen Zeichnungen auch Eigenschaften hinzu, die Baum nie beschrieben hat. Denslow zeichnete zum Beispiel ein Haus und die Tore der Smaragdstadt mit Gesichtern darauf. In den späteren Oz-Büchern hat John R.Neill, der alle Fortsetzungen illustrierte, fügte diese Gesichter weiterhin auf Toren ein. [35] Ein weiterer Aspekt ist der Trichterhut des Tin Woodman, der erst in späteren Büchern im Text erwähnt wird, aber in der Interpretation der Figur durch die meisten Künstler auftaucht, einschließlich der Bühnen- und Filmproduktionen von 1902–09, 1908, 1910, 1914. 1925, 1931, 1933, 1939, 1982, 1985, 1988, 1992 und andere. Einer der frühesten Illustratoren, der keinen Trichterhut aufnahm, war Russell H. Schulz in der Whitman Publishing-Ausgabe von 1957 – Schulz zeigte ihn mit einem Topf auf dem Kopf. Libico Marajas Illustrationen, die erstmals 1957 in einer italienischen Ausgabe erschienen und auch in englischsprachigen und anderen Ausgaben erschienen sind, sind dafür bekannt, ihn barhäuptig darzustellen.

Anspielungen auf das Amerika des 19. Jahrhunderts Bearbeiten

Baum lieferte keinen schlüssigen Beweis dafür, dass er seinen Roman als politische Allegorie beabsichtigte, und 60 Jahre nach der Veröffentlichung des Buches hatte "praktisch niemand" eine solche Interpretation. Dann, in einem 1964 American Quarterly Artikel mit dem Titel "The Wizard of Oz: Parable on Populism", [36] postulierte der amerikanische Lehrer Henry Littlefield, dass das Buch eine Allegorie der Bimetallismus-Debatte des späten 19. Jahrhunderts über die Geldpolitik enthielt. [37] [38] Littlefields These fand einige Unterstützung, wurde aber von anderen energisch angegriffen. [39] [40] [41] "The Winning of the Midwest" von Richard Jensen theoretisierte, dass "Oz" von der gebräuchlichen Abkürzung für "Unze" abgeleitet wurde, die zur Bezeichnung von Gold- und Silbermengen verwendet wird. [42]

der wunderbare Zauberer von Oz ist zu einem festen Bestandteil mehrerer Kulturen geworden und hat sich von seiner frühen jungen amerikanischen Leserschaft bis hin zu einer weltweiten Bekanntheit ausgebreitet. Es wurde in weit über fünfzig Sprachen übersetzt oder angepasst, manchmal in lokalen Variationen modifiziert. Zum Beispiel wurde in einigen gekürzten indischen Ausgaben der Blechholzfäller durch ein Pferd ersetzt. [43] In Russland produzierte eine Übersetzung von Alexander Melentyevich Volkov sechs Bücher, Der Zauberer der Smaragdstadt Serie, die sich zunehmend von der Baum-Version distanzierte, während Ellie und ihr Hund Totoshka durch das Zauberland reisen. Die Verfilmung von 1939 ist zu einem Klassiker der Populärkultur geworden, die von 1959 bis 1998 jährlich im amerikanischen Fernsehen gezeigt wurde und dann ab 1999 mehrmals im Jahr. [44] 1974 wurde die Geschichte als "The Wiz" neu konzipiert. , ein mit dem Tony Award ausgezeichnetes Musical mit einer komplett schwarzen Besetzung und im Kontext der modernen afroamerikanischen Kultur. [45] [46] Dieses Musical wurde 1978 als Spielfilm The Wiz (Film) adaptiert, eine musikalische Abenteuerphantasie, die von Universal Pictures und Motown Productions produziert wurde.

In Israel wurden mehrere hebräische Übersetzungen veröffentlicht. Wie in der ersten Übersetzung festgestellt und in späteren beibehalten, ist das Buch Land von Oz wurde auf Hebräisch wiedergegeben als Eretz Uz (ארץ עוץ) – d.h. der gleiche wie der ursprüngliche hebräische Name der Bibel Land von Uz, Heimat Hiobs. Somit fügte diese Wahl des Übersetzers für hebräische Leser eine Schicht biblischer Konnotationen hinzu, die im englischen Original fehlen. [ Zitat benötigt ]

Die New York Times, 8. September 1900 [47]

der wunderbare Zauberer von Oz erhielt bei der Veröffentlichung positive kritische Kritiken. In einer Rezension vom September 1900 Die New York Times lobte den Roman und schrieb, dass er Kinderleser und jüngere Kinder ansprechen würde, die noch nicht lesen konnten. Die Rezension lobte auch die Illustrationen als angenehme Ergänzung zum Text. [47]

In den ersten 50 Jahren danach der wunderbare Zauberer von Oz 's Veröffentlichung im Jahr 1900 wurde von Wissenschaftlern der Kinderliteratur wenig kritisch analysiert. Laut Ruth Berman von Science-Fiction-Studien, enthielten die für jugendliche Leser veröffentlichten Leseempfehlungen nie Baums Arbeit. Das Desinteresse rührte von den Bedenken der Gelehrten gegenüber Fantasy her, aber auch von ihrer Überzeugung, dass lange Serien wenig literarischen Wert hätten. [48]

Es ist im Laufe der Jahre immer wieder unter Beschuss geraten. 1957 verbot der Direktor der Bibliotheken von Detroit der wunderbare Zauberer von Oz dafür, dass sie "keinen Wert" für die Kinder von heute haben, für die Unterstützung des "Negativismus" und dafür, die Gedanken der Kinder auf eine "feige Ebene" zu bringen. Professor Russel B. Nye von der Michigan State University konterte, dass „wenn die Botschaft der Oz-Bücher – Liebe, Freundlichkeit und Selbstlosigkeit die Welt zu einem besseren Ort machen – heute keinen Wert mehr zu haben scheint“, dann ist vielleicht die Zeit reif für eine „Neubewertung“. ing] noch viele andere Dinge außer der genehmigten Liste der Kinderbücher der Detroiter Bibliothek". [49]

1986 lehnten sieben fundamentalistische christliche Familien in Tennessee die Aufnahme des Romans in den Lehrplan der öffentlichen Schule ab und reichten eine Klage ein. [50] [51] Sie stützten ihre Opposition gegen den Roman auf seine Darstellung wohlwollender Hexen und förderten den Glauben, dass integrale menschliche Eigenschaften "individuell entwickelt und nicht von Gott gegeben" seien. [51] Ein Elternteil sagte: "Ich möchte nicht, dass meine Kinder in gottlose Übernatürlichkeit verführt werden". [52] Andere Gründe waren die Lehre des Romans, dass Frauen den Männern gleich sind und dass Tiere personifiziert sind und sprechen können. Der Richter entschied, dass die Eltern ihre Kinder bei der Besprechung des Romans im Unterricht aus dem Klassenzimmer lassen durften. [50]

Leonard Everett Fisher von Das Hornbuchmagazin schrieb im Jahr 2000, dass Oz hat "eine zeitlose Botschaft aus einer weniger komplexen Ära, und sie schwingt weiterhin mit". Die Herausforderung, sich selbst während drohender Widrigkeiten wertzuschätzen, hat sich laut Fisher in den letzten 100 Jahren nicht verringert. [53]

In einer Rezension aus dem Jahr 2002 hat Bill Delaney von Salem-Presse lobte Baum dafür, dass er Kindern die Möglichkeit gibt, Magie in den alltäglichen Dingen ihres Alltags zu entdecken. Er lobte Baum außerdem dafür, dass er "Millionen von Kindern in ihren entscheidenden Ausbildungsjahren das Lesen lieben gelernt hat". [20]

Die Library of Congress hat erklärt der wunderbare Zauberer von Oz "Amerikas größtes und beliebtestes einheimisches Märchen" zu sein, auch die erste amerikanische Fantasy für Kinder und eines der meistgelesenen Kinderbücher. [54]

Nach dem Konkurs von George M. Hill im Jahr 1902 ging das Urheberrecht an dem Buch an die Bowen-Merrill Company of Indianapolis über, die von 1901 bis 1903 die meisten anderen Bücher von Baum veröffentlichte (Vater Gans, sein Buch (Abdruck), Der magische Monarch von Mo (Abdruck), Amerikanische Märchen (Abdruck), Punkt und Tot von Merryland (Abdruck), Der Hauptschlüssel, Das Armee-Alphabet, Das Marine-Alphabet, Das Leben und die Abenteuer des Weihnachtsmanns, Die verzauberte Insel Yew, Die Lieder von Vater Gans) zunächst unter dem Titel Der neue Zauberer von Oz. Das Wort "Neu" wurde in nachfolgenden Drucken schnell weggelassen, so dass der mittlerweile vertraute verkürzte Titel "Der Zauberer von Oz" übrig blieb, und einige kleinere Textänderungen wurden hinzugefügt, wie zum Beispiel "gelbe Gänseblümchen" und das Ändern eines Kapiteltitels von " Die Rettung“ zu „Wie die Vier wieder vereint wurden“. Den von ihnen veröffentlichten Ausgaben fehlten die meisten der im Text enthaltenen Farben und Farbtafeln des Originals. Viele Maßnahmen zur Kostensenkung wurden umgesetzt, darunter die Entfernung eines Teils des Farbdrucks, ohne ihn durch Schwarz zu ersetzen, und nur den Bart des Soldaten mit den grünen Schnurrhaaren zu drucken. Als Baum nach seiner von Kritikern und Publikum erfolgreichen Film- und Bühnenproduktion Insolvenz anmeldete Das Märchen und Hörspiele seine Produktionskosten nicht decken konnte, verlor Baum die Rechte an allen Büchern, die von der heutigen Bobbs-Merrill herausgegeben wurden, und sie wurden an die MA Donahue Company lizenziert, die sie in deutlich billigeren "Löschpapier" -Ausgaben mit Werbung druckte das in direkter Konkurrenz zu Baums neueren Büchern stand, die von der Reilly & Britton Company veröffentlicht wurden und von denen er seinen Lebensunterhalt verdiente, und die Verkäufe von Das Patchwork-Mädchen von Oz, das neue Oz-Buch für 1913, um den Verkauf von Magier, die Donahue in einer ganzseitigen Anzeige in . aufrief Die Verlagswoche (28. Juni 1913), Baums "ein überragend großes Jugendbuch". In einem Brief an Baum vom 31. Dezember 1914 schreibt F.K. Reilly beklagte, dass der durchschnittliche Käufer eines Einzelhandelsgeschäfts nicht verstehen würde, warum von ihm erwartet werden sollte, 75 Cent für eine Kopie von auszugeben Tik-Tok von Oz als er eine Kopie von kaufen konnte Magier zwischen 33 und 36 Cent. Baum hatte zuvor einen Brief geschrieben, in dem er sich über den Donahue-Deal beschwerte, von dem er erst wusste, als es war beschlossene Sache, und einer der Investoren, die gehalten haben Der Zauberer von Oz Rights hatte nachgefragt, warum die Lizenzgebühr je nach verkaufter Menge nur fünf oder sechs Cent pro Exemplar betrage, was für Baum keinen Sinn ergab. [55]

Eine neue Ausgabe von Bobbs-Merrill im Jahr 1949, illustriert von Evelyn Copelman, wieder betitelt Der neue Zauberer von OzEr legte Lippenbekenntnisse zu Denslow ab, basierte aber, abgesehen vom Löwen, stark auf dem MGM-Film. Copelman hatte eine neue Ausgabe von . illustriert Der magische Monarch von Mo zwei Jahre zuvor. [56]

Erst als das Buch 1956 gemeinfrei wurde, wucherten Neuauflagen, entweder mit den originalen Farbtafeln oder neuen Illustrationen. Eine überarbeitete Version von Copelmans Kunstwerk wurde in einer Ausgabe von Grosset & Dunlap veröffentlicht, und Reilly & Lee (ehemals Reilly & Britton) veröffentlichte eine Ausgabe im Einklang mit den Oz-Fortsetzungen, die zuvor behandelt worden waren Das Land von Oz als erstes Oz-Buch [57] ohne die Veröffentlichungsrechte an Magier, mit neuen Illustrationen von Dale Ulrey. Ulrey hatte zuvor Jack Snows Jaglon und die Tiger-Faries, eine Erweiterung einer Baum-Kurzgeschichte, "The Story of Jaglon", und eine 1955-Ausgabe von Der Blechholzfäller von Oz, obwohl sich beide schlecht verkauften. Spätere Reilly & Lee-Ausgaben verwendeten Denslows Originalillustrationen.

Bemerkenswerte neuere Ausgaben sind die 1986 von Barry Moser illustrierte Pennyroyal-Ausgabe, die von der University of California Press nachgedruckt wurde, und die 2000 Der kommentierte Zauberer von Oz herausgegeben von Michael Patrick Hearn (stark überarbeitet von einer Ausgabe von 1972, die in einem breiten Format gedruckt wurde, das es ermöglichte, ein Faksimile der Originalausgabe mit Anmerkungen und zusätzlichen Illustrationen an den Seiten zu sein), die von W.W. Norton und enthielt alle originalen Farbillustrationen sowie ergänzende Grafiken von Denslow. Andere hundertjährige Ausgaben enthalten University Press of Kansas's Kansas Centennial Edition, illustriert von Michael McCurdy mit Schwarz-Weiß-Illustrationen und das Pop-up-Buch von Robert Sabuda.

Baum schrieb der wunderbare Zauberer von Oz ohne an eine Fortsetzung zu denken. Nachdem er den Roman gelesen hatte, schrieben ihm Tausende von Kindern Briefe und baten ihn, eine weitere Geschichte über Oz zu schreiben. 1904 schrieb und veröffentlichte er die erste Fortsetzung, Das wunderbare Land Oz, erklärend, dass er widerwillig die Fortsetzung schrieb, um die populäre Nachfrage zu befriedigen. [58] Er widmete das Buch Montgomery & Stone und schrieb große Rollen für Scarecrow und Tin Woodman, die er aus der Bühnenversion strich. Der Woggle-Bug, nachdem das Team sich geweigert hatte, eine erfolgreiche Show zu verlassen, um eine Fortsetzung zu machen. Baum schrieb auch 1907, 1908 und 1909 Fortsetzungen. In seinem 1910 Die Smaragdstadt Oz, schrieb er, dass er nicht weiter an Fortsetzungen schreiben könne, weil Ozland den Kontakt zum Rest der Welt verloren habe. Die Kinder weigerten sich, diese Geschichte zu akzeptieren, und so schrieb Baum 1913 und danach jedes Jahr bis zu seinem Tod im Mai 1919 eine Oz Buch und schrieb schließlich 13 Fortsetzungen und ein halbes Dutzend Oz-Kurzgeschichten. Die Chicago-Tribüne 's Russell MacFall schrieb, dass Baum den Zweck seiner Romane in einer Notiz erklärt hat, die er seiner Schwester Mary Louise Brewster in einer Kopie von geschrieben hat Mutter Gans in Prosa (1897), sein erstes Buch. Er schrieb: "Einem Kind zu gefallen ist eine süße und schöne Sache, die das Herz erwärmt und ihren eigenen Lohn mit sich bringt." [4] Nach Baums Tod im Jahr 1919 delegierten Baums Verlage die Erstellung weiterer Fortsetzungen an Ruth Plumly Thompson, die 21 schrieb. [20] Ein Original Oz Buch wurde zwischen 1913 und 1942 jedes Jahr zu Weihnachten veröffentlicht. [59] Bis 1956 wurden fünf Millionen Exemplare der Oz Bücher wurden in englischer Sprache veröffentlicht, während Hunderttausende in acht Fremdsprachen veröffentlicht wurden. [4]

der wunderbare Zauberer von Oz wurde mehrfach an andere Medien angepasst, am bekanntesten in Der Zauberer von Oz, der Film von 1939 mit Judy Garland, Ray Bolger, Jack Haley und Bert Lahr. Bis zu dieser Version hatte das Buch eine Reihe von heute weniger bekannten Bühnen- und Filmadaptionen inspiriert, darunter ein lukratives Broadway-Musical von 1902 und drei Stummfilme. Der Film von 1939 galt wegen seiner Lieder, Spezialeffekte und der revolutionären Verwendung des neuen Technicolor als innovativ. [60]

Die Geschichte wurde in andere Sprachen übersetzt (zumindest einmal ohne Erlaubnis, was zu Alexander Volkovs Der Zauberer der Smaragdstadt Roman und seine Fortsetzungen, die von Sergei Suchinow ins Englische übersetzt und mehrfach in Comics adaptiert wurden. Nach dem Erlöschen des ursprünglichen Urheberrechts wurden die Charaktere angepasst und in Spin-offs, inoffiziellen Fortsetzungen und Neuinterpretationen wiederverwendet, von denen einige in ihrer Behandlung von Baums Charakteren umstritten waren. [61]

Im Jahr 2020 wurde eine Esperanto-Übersetzung des Romans von einem Wissenschaftlerteam verwendet, um eine neue Methode zur Kodierung von Text in DNA zu demonstrieren, die auch nach wiederholtem Kopieren lesbar bleibt. [62]

Im Jahr 2018 wurde das Projekt "The Lost Art of Oz" initiiert, um die überlebenden Originalkunstwerke von John R. Neill, W. W. Denslow, Frank Kramer, Richard "Dirk" Gringhuis und Dick Martin zu finden und zu katalogisieren, die zur Illustration der Oz-Buchreihe geschaffen wurden. [63]


20 Dinge, die Sie sagen, von denen Sie nicht wussten, dass sie anstößig sind

Shutterstock

Machen Sie – bitte in Ihrem Kopf, besonders wenn Kinder in der Nähe sind – eine Liste mit den anstößigsten Wörtern und Sätzen zusammen, die Ihnen einfallen. Die Chancen stehen gut, dass es voller der üblichen Verdächtigen ist: F-Wörter und jede Menge S-Wörter, oder? Aber hier ist die Sache: In Ihrer Liste fehlen einige beleidigende Phrasen. Und es tut uns leid, Ihnen mitteilen zu müssen, dass Sie sie häufig verwenden.

Wussten Sie zum Beispiel, dass der gebräuchliche Ausdruck "Korbkasten" von einem Sprichwort stammt, das im Ersten Weltkrieg verwendet wurde, um Tetraplegiker zu beschreiben? Oder hat diese "Faustregel" einen heimtückisch gewalttätigen Ursprung? (Und wir sind uns sicher, dass die meisten Eltern nicht wissen, dass "Fuzzy Wuzzy" ein rassistischer Begriff war, bevor er der Protagonist eines harmlosen Kinderreims war.) Bevor Sie versehentlich eine Beleidigung schleudern, ohne es zu merken, lesen Sie diese 20 beleidigenden Wörter nach und Phrasen. Und für weitere Ausdrücke, die Sie niemals äußern sollten, lesen Sie die allgemeinen Sätze, von denen Sie nicht wussten, dass sie rassistischen Ursprungs sind.

Shutterstock

Sicher, wir haben alle gehört, dass "Erdnuss-Galerie" verwendet wird, um harte Kritiker zu beschreiben - normalerweise solche mit wenig Kenntnis einer Situation -, aber der Ausdruck bezieht sich ursprünglich auf einen Abschnitt in den Theatern der Vaudeville-Ära. Es war normalerweise der Bereich mit den schlechtesten Sitzplätzen im Haus, in dem Schwarze gezwungen wurden, zu sitzen.

Shutterstock

Für viele Menschen ist es genauso beleidigend, jemanden als "spastisch" zu bezeichnen, wie jemanden das R-Wort zu nennen. Das Stigma rührt von der Assoziation des Wortes mit Zerebralparese her, einer Krankheit, die früher als spastische Lähmung bezeichnet wurde. Und für weitere Wörter, die Sie schon lange nicht mehr gehört haben, lesen Sie die 100 Slang-Begriffe aus dem 20. Jahrhundert, die niemand mehr verwendet.

Shutterstock

Das Wort "Hooligans" leitet sich von einer gleichnamigen Familie von Comicfiguren ab. Im 19. Jahrhundert waren die Hooligans eine Familie irischer Einwanderer, die Schwierigkeiten hatten, sich in London einzufügen. Die Cartoons waren nicht nur rassistisch, sondern zeigten auch ein hartes Stereotyp von urbanen Einwanderern.

Shutterstock

Die meisten Leute denken wahrscheinlich nicht an die Karibik, wenn sie an Kannibalismus denken (eher an eine blutige Anthony Hopkins kommt in den Sinn…). Aber der Begriff leitet sich vom Stamm ab Canibales, oder die Kariben, in den Westindischen Inseln. Angeblich war dieser alte Stamm dafür bekannt, sich gegenseitig zu fressen.

Shutterstock

Der Ausdruck "Mumbo Jumbo" stammt wahrscheinlich vom westafrikanischen Gott Maamamajomboo. Warum ist es beleidigend? Anscheinend verkleiden sich Mandinka-Männer wie der Gott, um häusliche Streitigkeiten zu lösen und ihre Frauen zu missbrauchen.

Shutterstock

Fuzzy Wuzzy war ein Bär… aber davor war er nicht so unschuldig. In den 1800er Jahren bezeichneten britische Kolonialsoldaten die Menschen eines ostafrikanischen Nomadenstamms aufgrund ihrer dunklen Haut und ihres lockigen Haares als "Fuzzy Wuzzies". Der Begriff wurde später von anderen Militärgruppen aufgegriffen, um sich auf andere indigene Bevölkerungen in Orten wie Papa-Neuguinea und im Sudan zu beziehen. Und für mehr veraltete Phrasen lesen Sie die 20 Slang-Begriffe aus den 1990er Jahren, die niemand mehr verwendet.

Shutterstock

Es gibt einen Grund dafür, dass der Satz "Nein kann nicht" wie gebrochenes Englisch klingt. Das Sprichwort tauchte Mitte des 19. Jahrhunderts auf – eine Zeit, in der Westler eine rassistische Haltung gegenüber dem Osten hatten – als eine Möglichkeit, das vereinfachte chinesische Pidgin-Englisch zu verspotten.

Shutterstock

Dieses Sprichwort für eine Person, die Schwierigkeiten hat, damit umzugehen, wurde erstmals während des Ersten Weltkriegs verwendet, um eine Person zu beschreiben, die alle vier Gliedmaßen verloren hatte und in einem Korb getragen werden musste.

Shutterstock

Der Begriff "Idiot" war ursprünglich keine Beleidigung, sondern eine psychologische Diagnose, die auf eine leichte Behinderung hindeutet.

Shutterstock

Niemand weiß genau, woher dieser Satz kommt, aber Experten glauben, dass er etwas mit einem englischen Gesetz aus dem 17. . Schon wieder… Huch!

Shutterstock

Heute lautet die zweite Zeile dieses Kinderreims "catch a tiger by the toe", aber die Originalversion enthielt eine grässliche rassistische Beleidigung.

Shutterstock

Entgegen der landläufigen Meinung ist "Eskimo" nicht der richtige Begriff, um die Ureinwohner Nordkanadas und Alaskas zu beschreiben. Das Wort ist eigentlich eine beleidigende Art, sich auf die Inuit zu beziehen, es leitet sich vom dänischen Lehnwort ab ashkimeq, was "Esser von rohem Fleisch" bedeutet.

Shutterstock

In den 1970er Jahren wurden Mitglieder des Peoples Temple angeführt von Jim Jones beging Massenselbstmord, indem er ein mit Zyanid versetztes Erfrischungsgetränk und verschiedene verschreibungspflichtige Medikamente trank. Daher verwenden die Leute heute den Ausdruck "to drink the Kool-Aid", um sich auf jemanden mit unerschütterlicher und bedingungsloser Loyalität zu beziehen.

Shutterstock

Aufzeichnungen zeigen, dass der Ausdruck "lange Zeit nicht gesehen" zum ersten Mal von einem amerikanischen Ureinwohner geäußert wurde. Im Druck, William F. Drannan benutzte den Satz in einem seiner Romane, um eine Begegnung mit einem amerikanischen Ureinwohner zu beschreiben: „Ich wusste, dass er mich erkannt hatte. Als wir auf ihn zuritten, sagte er: ‚Guten Morgen. Lange nicht gesehen‘ und gleichzeitig präsentierte die Waffe mit dem Verschluss vorn." Wie "no can do" verspottet "long time no see" das gebrochene Englisch der amerikanischen Ureinwohner.

Shutterstock

Leider stammt dieser Satz nicht von einer seltsamen Geschichte über einen Mann, dessen Zunge buchstäblich von einer Katze gekratzt wurde. Vielmehr benutzte die englische Marine eine Peitsche namens "Cat-o'-nine-tails", um die Opfer auszupeitschen, und der Schmerz war so intensiv, dass diejenigen, die die Schläge erhielten, nicht sprechen konnten. Daher die Bedeutung des Wortes heute.

iStock

Damals, als fast alle medizinischen Probleme mit Lobotomien und illegalen Drogen behandelt wurden, verwendeten Ärzte "Hysterie" als medizinische Erklärung für fast jede kranke Frau, der sie begegneten. Die Idee für eine solche Diagnose stammt von Hippokrates' Überzeugung, dass die Hysterie einer Frau durch eine "wandernde Gebärmutter" verursacht wird, die der sexuellen Lust beraubt ist.

Shutterstock

Wenn Sie in einer Situation den Wendepunkt erreichen, haben Sie den Punkt erreicht, an dem "eine Veränderung oder ein Effekt nicht mehr aufgehalten werden kann". Dies scheint harmlos genug, aber der Ausdruck wurde in den 50er und 60er Jahren verwendet, um auf die Tendenz weißer Familien zu verweisen, aus einem Viertel wegzuziehen, nachdem es von einer afroamerikanischen Mehrheit übernommen worden war.

Shutterstock

Historisch gesehen würden weiße Menschen schwarze Männer als "Jungen" beschreiben, um darauf hinzuweisen, dass sie nicht auf gleichen Spielfeldern waren. Der Oberste Gerichtshof der USA erklärte das Wort sogar für "nicht gutartig" und betrachtet seine Verwendung in bestimmten Kontexten als rassistisch.

Shutterstock

Wenn eine Person heute "die Reservierung verlässt", hat sie die Kontrolle verloren. Aber seine Ursprünge sind noch finsterer. Da die amerikanischen Ureinwohner einst auf von der Regierung für sie geschaffene Reservate beschränkt waren, verwendeten die Menschen diesen Ausdruck in der Vergangenheit, um sich auf amerikanische Ureinwohner zu beziehen, die ihr Land verlassen hatten, oft mit Verachtung für die Ureinwohner.

Shutterstock

Einst bezog sich das Wort "Spinster" nicht auf eine unverheiratete Frau, sondern auf eine Person, die ihren Lebensunterhalt mit Garten oder Faden spinnen konnte. Schließlich nahm der Begriff seine heutige Bedeutung an, da die meisten Frauen, die Jungfern waren, ebenfalls Unterschicht und unverheiratet waren und sich auf ihren Job verließen, um für sich selbst zu sorgen.


10 Fakten, die Sie möglicherweise nicht über das Essen in China wissen

Verschiedene Länder haben unterschiedliche Essgewohnheiten. Vielleicht haben Sie in Ihrem Land chinesisches Essen probiert, aber In China ist das anders. Wenn Sie eine Reise nach China planen, hilft Ihnen dieser Artikel, die grundlegenden Fakten über das Essen in China zu erfahren.

Chinesen verwenden Essstäbchen, um Essen aufzunehmen.

1. Chinesische Verwendung Essstäbchen um Essen aufzuheben, nicht Messer und Gabeln. Siehe Stäbchen, um zu erfahren, wie man sie verwendet und um mehr über Essstäbchen-Tabus zu erfahren.

2. Weizennudeln sind das Hauptnahrungsmittel in Nordchina, während Reis ist das Hauptnahrungsmittel im Süden. Auch Restaurants in Südchina bieten Nudeln an, meist handelt es sich jedoch um Reisnudeln.

3. Reis ist separat serviert (bei gemeinsamen Mahlzeiten): in kleinen Schalen. Fleisch-/Gemüsegerichte werden auf Tellern oder in größeren Schalen serviert, die in der Mitte platziert werden, damit alle sie teilen können. Es ist nicht jeder ein Teller, wie im Westen (es sei denn, man isst Fast Food)!

4. Die chinesische Küche variiert in ganz China. Es gibt viele regionale Küchen mit verschiedenen Geschmacksrichtungen: scharf, süß, sauer, herzhaft usw. Lesen Sie mehr über Chinas regionale Küche.

Runder Tisch mit fauler Susan in der Mitte

5. Restaurants bieten normalerweise a runder Tisch für mehr als vier Personen. Es kann ein gehärtetes Glas sein Faule Susanne in der Mitte des Tisches, der sich umdrehen lässt, sodass Sie jedes Gericht bequem erreichen können.

6. Zutaten des chinesischen Essens sind vielfältig und manchmal schockierend an Ausländer (Frösche, Hühnerfüße, Schweineohren, Därme, Hundefleisch usw.). Sehen Sie ungewöhnliche Zutaten in der chinesischen Küche.

7. Dort sind normalerweise keine Salz- oder Pfefferstreuer, oder Flaschen Tomatensauce auf dem Tisch. Aber als Ausgleich können Sie Flaschen mit Sojasauce, Essig und Chilipaste finden.

Beliebte Hot Pot-Restaurants

8. Einige chinesische Restaurants können ruhig sein laut und rauchig wo die Leute ihre Sprechlautstärke oder ihr Rauchen nicht kontrollieren, obwohl in einigen Gegenden kürzlich Rauchverbote an öffentlichen Orten eingeführt wurden.

9. Trinkgelder werden nicht erwartet in chinesischen Restaurants. Die Servicepauschale ist in den Essenspreisen enthalten.

10. Wenn der chinesische Freund mit dem du isst lege Essen auf deinen Teller, es geht darum, Nähe und Freundlichkeit zu zeigen, nicht weil sie es nicht wollen oder denken, man kann es nicht selbst tun. Heutzutage geschieht dies häufiger bei Familienessen, bei denen die Jungen Essen an die Älteren weitergeben, um Respekt zu zeigen.


8. Testwerte können von Labor zu Labor unterschiedlich sein

Die Berichte der Labortechniker vergleichen Ihre Bluttestergebnisse mit einem Bereich, der für dieses Labor als normal angesehen wird. Der Referenzbereich des Labors basiert auf Testergebnissen von vielen Personen, die zuvor in diesem Labor getestet wurden. Dieser normale Bereich ist möglicherweise nicht derselbe wie der eines anderen Labors, stellt die Food and Drug Administration fest. Seien Sie also nicht überrascht, wenn Sie feststellen, dass ein früherer Bluttestbericht von neueren Berichten abweicht – der Unterschied könnte im Labor liegen.


8 Dinge, die Sie vielleicht nicht über „Der Zauberer von Oz“ wissen – GESCHICHTE

Als junge Schülerin, die fast im gleichen Alter wie viele Ihrer eigenen Schüler ist, bewies Ruby Bridges 1960 immensen Mut und Tapferkeit, als sie sich vor ihrer Grundschule in New Orleans, Louisiana, einem Mob von Rassentrennungen entgegenstellte. Infolgedessen leitete sie die Verantwortung für die Integration im tiefen Süden und wurde das erste afroamerikanische Kind, das eine rein weiße Grundschule in der Region integriert hat.

Entdecken Sie mit diesen Büchern Bücher über Rudy Bridges und weitere Führer der Bürgerrechtsbewegung.

Hier ein paar weitere Fakten, die Sie und Ihre Schüler über diese berühmte Bürgerrechtsikone wissen oder nicht wissen:

1. Ruby war 1960 erst sechs Jahre alt, als sie ihre neue Grundschule in New Orleans, Louisiana, eingliederte.

2. Federal Marshals mussten Ruby beschützen, als sie die Schule betrat.

3. Ruby war an diesem Tag die einzige Schülerin in der Schule. Weiße Eltern schickten ihre Kinder nicht zur Schule und viele weiße Lehrer gingen aus Protest. Ruby hatte an diesem ersten Tag keinen Unterricht.

4. Am nächsten Tag begann ein weißer Lehrer, sie zu unterrichten. Ruby war für den Rest des Jahres der einzige Schüler an der Schule.

5. Als Ruby in die zweite Klasse kam, war ihre Schule vollständig integriert.

6. Als er aufwuchs, setzte sich Ruby weiterhin für Bürgerrechte ein und gründete sogar eine Stiftung zur Förderung sozialer Gerechtigkeit und Rassenharmonie.

7. 2001 überreichte Präsident Bill Clinton ihr die Presidential Citizens Medal.

Wenn Sie nach ein paar zusätzlichen Geschichten suchen, die Ihren Schülern helfen, mehr über Rubys Leben zu erfahren und zu verstehen, wie Segregation und Ungleichheit einst in Amerika aussahen, sind diese beiden Bücher ein großartiger Ausgangspunkt:

Die Geschichte von Ruby Bridges

Diese Geschichte gibt jungen Lesern einen Einblick in das Leben von Ruby und was sie und ihre Familie durchmachen mussten, um ihre Grundschule vollständig zu integrieren. Es war nicht nur das Betreten ihrer Schule an diesem ersten Tag, was zur Integration führte, es war Rubys Mut und ihre Entschlossenheit, jeden Tag zur Schule zurückzukehren, die Veränderungen auslösten.

Durch meine Augen

Durch meine Augen ist ein weiterer Bericht von Rubys Geschichte, der in ihren eigenen Worten geteilt wird. Durch die Lektüre werden Ihre Schüler ein besseres Verständnis für die Vorurteile und Diskriminierung gewinnen, mit denen Ruby als kleines Kind im tiefen Süden konfrontiert war, und den Mut und die Tapferkeit, die sie aufbringen musste, um diese Hindernisse für die Gleichberechtigung zu überwinden.

Betrachten Sie als Fortsetzung ihrer Lektüre diesen Ruby Bridges: Text & Organizer, um den Schülern zu helfen, über das Leben von Ruby Bridges nachzudenken und mehr über die Themen, Hauptideen und das Vokabular zu erfahren, die für die Bürgerrechtsbewegung entscheidend sind. Enthalten sind ein zweiseitiger Sachbuch-Artikel und ein biografischer Grafik-Organizer, damit junge Leser zeigen können, was sie gelernt haben. Dieses Paket ist für Abonnenten von Scholastic Teachables kostenlos oder kann einzeln gekauft werden. Melden Sie sich noch heute an oder abonnieren Sie!


Inhalt

Garland wurde am 10. Juni 1922 als Frances Ethel Gumm in Grand Rapids, Minnesota, geboren. Sie war das jüngste Kind von Ethel Marion (geb. Milne 1893–1953) [10] und Francis Avent „Frank“ Gumm (1886–1935). Ihre Eltern waren Varietés, die sich in Grand Rapids niederließen, um ein Kino mit Varieté-Acts zu betreiben. Sie war irischer, englischer, schottischer [11] [12] und französischer Hugenotte [13] [14], nach ihren beiden Eltern benannt und in einer örtlichen Bischofskirche getauft. [fünfzehn]

"Baby" (wie sie von ihren Eltern und Schwestern genannt wurde) [16] teilte das Flair ihrer Familie für Gesang und Tanz. Ihren ersten Auftritt hatte sie im Alter von zwei Jahren, als sie zusammen mit ihren älteren Schwestern Mary Jane „Suzy/Suzanne“ Gumm (1915–64) und Dorothy Virginia „Jimmie“ Gumm (1917–77) auf der Bühne des Kinos ihres Vaters während eine Weihnachtsshow und sang einen Chor von "Jingle Bells". [17] Die Gumm Sisters traten dort in den nächsten Jahren auf, begleitet von ihrer Mutter am Klavier. [16]

Die Familie zog im Juni 1926 nach Lancaster, Kalifornien, nach Gerüchten, dass ihr Vater homosexuelle Neigungen hatte. [18] Frank kaufte und betrieb ein weiteres Theater in Lancaster, und Ethel begann, ihre Töchter zu verwalten und daran zu arbeiten, sie ins Kino zu bringen.

Die Gumm/Girlande-Schwestern Bearbeiten

1928 schrieben sich die Gumm Sisters in einer Tanzschule ein, die von Ethel Meglin, der Inhaberin der Tanzgruppe Meglin Kiddies, geleitet wurde. Sie traten mit der Truppe bei ihrer jährlichen Weihnachtsshow auf. [19] Durch die Meglin Kiddies gaben sie ihr Filmdebüt in einem kurzen Thema namens Die große Revue (1929), wo sie eine Song-and-Dance-Nummer namens "That's the Good Old Sunny South" aufführten. Es folgten Auftritte in zwei Vitaphone-Shorts im folgenden Jahr: Ein Urlaub im Storyland (mit Garlands erstem Solo auf dem Bildschirm) und Die Hochzeit von Jack und Jill. Als nächstes erschienen sie zusammen in Blasen. Ihr letzter Auftritt auf dem Bildschirm war in einem MGM Technicolor-Kurzfilm mit dem Titel La Fiesta de Santa Barbara (1935). [20]

Das Trio war viele Jahre lang als "The Gumm Sisters" durch das Varieté getourt, als sie 1934 in Chicago im Oriental Theatre mit George Jessel auftraten. Er ermutigte die Gruppe, einen ansprechenderen Namen zu wählen, nachdem "Gumm" mit Gelächter von die Zuschauer. Der Theaterlegende zufolge wurde ihr Auftritt in einem Chicagoer Theater einmal fälschlicherweise als "The Glum Sisters" in Rechnung gestellt. [21]

Es gibt mehrere Geschichten über den Ursprung ihrer Verwendung des Namens Garland. Einer ist, dass es von Jessel nach Carole Lombards Figur Lily Garland im Film entstanden ist Zwanzigstes Jahrhundert (1934), das damals im Oriental in Chicago spielte, ist ein anderer, dass die Mädchen den Nachnamen nach dem Dramatiker Robert Garland wählten. [22] Garlands Tochter Lorna Luft gab an, dass ihre Mutter den Namen auswählte, als Jessel ankündigte, dass das Trio "schöner aussah als eine Blumengirlande". [23] Ein TV-Special wurde bei der Premiere des Pantages Theatre in Hollywood gedreht Ein Star ist geboren am 29. September 1954, in dem Jessel feststellte:

Ich denke, ich sollte den Leuten sagen, dass ich Judy Garland "Judy Garland" genannt habe. Nicht, dass es einen Unterschied gemacht hätte – du hättest dieses große Talent nicht verbergen können, wenn du sie "Tel Aviv Windsor Shell" genannt hättest, weißt du, aber ihr Name, als ich sie zum ersten Mal traf, war Frances Gumm und so war nicht der Name, den eine so einfühlsame Schauspielerin wie sie haben sollte. und so nannten wir sie Judy Garland, und ich glaube, sie ist eine Kombination aus Helen Hayes und Al Jolson und vielleicht Jenny Lind und Sarah Bernhardt. [24]

Eine spätere Erklärung tauchte auf, als Jessel 1963 in Garlands Fernsehshow zu Gast war. Er sagte, er habe der Schauspielerin Judith Anderson ein Telegramm mit dem Wort "Girlande" geschickt und es blieb ihm im Gedächtnis. [25] Garland fragte Jessel jedoch nur wenige Augenblicke später, ob diese Geschichte wahr sei, und er antwortete fröhlich mit "Nein".

Ende 1934 hatten die Gumm Sisters ihren Namen in Garland Sisters geändert. [26] Frances änderte ihren Namen kurz darauf in "Judy", inspiriert von einem beliebten Hoagy Carmichael-Lied. [27] Die Gruppe löste sich im August 1935 auf, als Suzanne Garland nach Reno, Nevada, flog und den Musiker Lee Kahn heiratete, ein Mitglied des Jimmy Davis-Orchesters, der in der Cal-Neva Lodge in Lake Tahoe spielte. [28]

Unterzeichnet bei Metro-Goldwyn-Mayer Bearbeiten

Im September 1935 bat Louis B. Mayer den Songwriter Burton Lane, ins Orpheum Theatre in der Innenstadt von Los Angeles zu gehen, um sich die Varieté-Show der Garland Sisters anzuschauen und ihm Bericht zu erstatten. Ein paar Tage später wurden Judy und ihr Vater zu einem spontanen Vorsprechen in die Metro-Goldwyn-Mayer Studios in Culver City gebracht. Garland spielte "Zing! Went the Strings of My Heart" und "Eli, Eli", ein jiddisches Lied, das 1896 geschrieben wurde und regelmäßig in Varietés aufgeführt wurde. [29] [ bessere Quelle benötigt ] Das Studio unterzeichnete Garland sofort einen Vertrag mit MGM, vermutlich ohne einen Screen-Test, obwohl sie einige Monate zuvor einen Test für das Studio gemacht hatte. Das Studio wusste mit ihren dreizehn Jahren nichts anzufangen, sie war älter als der traditionelle Kinderstar, aber zu jung für Erwachsenenrollen. [30]

In ihren frühen Jahren im Studio wurde sie fotografiert und in schlichte Gewänder oder Rüschenkleider und Kostüme gekleidet, die zu dem für sie geschaffenen "Mädchen von nebenan" passten. Sie ließen sie abnehmbare Kappen auf den Zähnen und gummierte Scheiben tragen, um ihre Nase neu zu formen. [33] Am Set von Treffen Sie mich in St. Louis Als sie 21 Jahre alt war, lernte Garland Dotty Ponedel kennen, eine Visagistin, die bei MGM arbeitete. Nachdem sie die Ergänzungen zu ihrem Aussehen überprüft hatte, war Garland überrascht, als Ponedel sagte, dass die Kappen und Scheiben, die Garland verwendet hatte, nicht benötigt würden, da sie „ein hübsches Mädchen“ sei. Ponedel wurde Garlands Maskenbildnerin. Die Arbeit, die Ponedel an Garland gemacht hat für Treffen Sie mich in St. Louis machte Garland so glücklich, dass Ponedel jedes Mal, wenn sie unter MGM an einem Film arbeitete, Garlands Berater wurde. [34]

Am 16. November 1935 war die 13-jährige Garland mitten in den Vorbereitungen für einen Radioauftritt auf der Shell Chateau Stunde als sie erfuhr, dass ihr Vater mit Meningitis ins Krankenhaus eingeliefert worden war und sich verschlechtert hatte. Frank Gumm starb am nächsten Morgen im Alter von 49 Jahren und hinterließ sie am Boden zerstört. Ihr Lied für die Shell Chateau Stunde war ihre erste professionelle Interpretation von "Zing! Went the Strings of My Heart", einem Lied, das in vielen ihrer Konzerte zum Standard wurde. [35]

Garland trat bei verschiedenen Studiofunktionen auf und wurde schließlich an der Seite von Deanna Durbin in dem Musical-Kurzfilm gecastet Jeden Sonntag (1936). Der Film kontrastierte ihren Stimmumfang und ihren Swing-Stil mit Durbins Opernsopran und diente ihnen als erweiterter Screen-Test, da Studio-Manager die Weisheit hinterfragten, zwei Sängerinnen auf der Liste zu haben. [36]

Garland wurde auf Studio-Manager aufmerksam, als sie Clark Gable bei einer Geburtstagsfeier, die das Studio für den Schauspieler arrangierte, ein besonderes Arrangement von "You Made Me Love You (I Didn't Want to Do)" vorsang. Ihre Interpretation wurde so gut angesehen, dass sie das Lied in der All-Star-Extravaganz aufführte Broadway-Melodie von 1938 (1937), als sie zu einem Foto von ihm sang. [37]

MGM traf auf eine Erfolgsformel, als es Garland mit Mickey Rooney in einer Reihe von sogenannten "Hinterhof-Musicals" zusammenbrachte. [38] Das Duo trat zum ersten Mal zusammen als Nebenfiguren im B-Movie auf Vollblüter weinen nicht (1937). Garland wurde dann als buchstäbliches Mädchen neben Rooneys Charakter Andy Hardy in die Besetzung des vierten der Hardy Family-Filme aufgenommen Liebe findet Andy Hardy (1938), obwohl Hardys Liebesinteresse von Lana Turner gespielt wurde. Sie haben sich zum ersten Mal als Hauptfiguren in zusammengetan Babes in Waffen (1939), erschien schließlich in fünf weiteren Filmen, darunter Hardy-Filme Andy Hardy trifft Debütantin (1940) und Das Leben beginnt für Andy Hardy (1941).

Garland erklärte, dass ihr, Rooney und anderen jungen Darstellern ständig Amphetamine verschrieben wurden, um wach zu bleiben und mit dem hektischen Tempo eines Films nach dem anderen Schritt zu halten. Sie erhielten auch Barbiturate, die sie vor dem Zubettgehen einnehmen sollten, damit sie schlafen konnten. [39] Dieser regelmäßige Drogenkonsum führte zu einer Sucht und einem lebenslangen Kampf. Später ärgerte sie sich über den hektischen Zeitplan und glaubte, dass MGM ihre Jugend gestohlen habe. Rooney bestritt jedoch, dass ihr Studio für ihre Sucht verantwortlich sei: „Judy Garland hat von Metro-Goldwyn-Mayer nie Drogen bekommen. Mr. Mayer hat Judy nichts zugesprochen. Niemand auf diesem Grundstück war für Judy Garlands Tod verantwortlich.“ . Leider hat Judy diesen Weg gewählt." [40]

Garlands Gewicht lag in einem gesunden Bereich, aber das Studio verlangte von ihr, dass sie ständig Diät machte. Sie gingen sogar so weit, ihr nur eine Schüssel Suppe und einen Teller Salat zu servieren, wenn sie eine normale Mahlzeit bestellte. [9] Sie wurde ihr ganzes Leben lang von Selbstzweifeln geplagt, trotz erfolgreicher Film- und Aufnahmekarrieren, Auszeichnungen, kritischem Lob und ihrer Fähigkeit, Konzertsäle weltweit zu füllen. Sie brauchte ständige Bestätigung, dass sie talentiert und attraktiv war. [41]

Der Zauberer von Oz Bearbeiten

1938, als sie sechzehn war, wurde Garland als junge Dorothy Gale in Der Zauberer von Oz (1939), ein Film nach dem Kinderbuch von 1900 von L. Frank Baum. In dem Film sang sie das Lied, mit dem sie später ständig identifiziert wurde, "Over the Rainbow". Obwohl die Produzenten Arthur Freed und Mervyn LeRoy sie von Anfang an für die Rolle besetzen wollten, versuchte Studiochefin Mayer zunächst, Shirley Temple von 20th Century Fox auszuleihen, was sie jedoch ablehnten. Deanna Durbin wurde dann gefragt, war aber nicht verfügbar, was dazu führte, dass Garland gecastet wurde. [42]

Garland war zunächst mit einer blonden Perücke für die Rolle ausgestattet, aber Freed und LeRoy entschieden sich kurz vor Drehbeginn dagegen. Ihr blaues Gingham-Kleid wurde wegen seiner verschwommenen Wirkung auf ihre Figur ausgewählt, die sie jünger aussehen ließ. [43] Die Dreharbeiten begannen am 13. Oktober 1938 [44] und wurden am 16. März 1939 [45] mit Endkosten von mehr als 2 Millionen US-Dollar abgeschlossen. [46] Nach Abschluss der Dreharbeiten beschäftigte MGM Garland mit Werbetouren und den Dreharbeiten zu Babes in Waffen (ebenfalls 1939), Regie: Busby Berkeley. Sie und Rooney wurden auf eine länderübergreifende Werbetour geschickt, die ihren Höhepunkt in der New Yorker Premiere am 17. [47] Berichte über Garland, die auf eine Diät aus Zigaretten, Hühnersuppe und Kaffee gesetzt wurden, sind falsch, wie in dem Buch klargestellt wird The Road to Oz: Evolution, Kreation und Vermächtnis eines Film-Meisterwerks von den Oz-Historikern Jay Scarfone und William Stillman war Garland zu dieser Zeit in ihrem Leben eine Anti-Raucherin, und sie durfte feste Nahrung zu sich nehmen, nur nicht so viel, wie ein heranwachsender Teenager es vorziehen würde. In einem weiteren Versuch, ihre Kurven zu minimieren, wurde ihre Diät von Schwimm- und Wanderausflügen sowie Tennis- und Badmintonspielen mit ihrem Stunt-Double Bobbie Koshay begleitet. [48]

Der Zauberer von Oz war ein enormer kritischer Erfolg, obwohl sein hohes Budget und seine Werbekosten von geschätzten 4 Millionen US-Dollar (entspricht 58,8 Millionen US-Dollar im Jahr 2019 [49] ) in Verbindung mit den geringeren Einnahmen, die durch ermäßigte Kindertickets erzielt wurden, dazu führten, dass der Film nicht zurückkehrte ein Gewinn, bis es in den 1940er Jahren und bei späteren Gelegenheiten wiederveröffentlicht wurde. [50] Bei der Verleihung der Academy Awards 1939 erhielt Garland ihren einzigen Academy Award, einen Academy Juvenile Award für ihre Leistungen im Jahr 1939, darunter Der Zauberer von Oz und Babes in Waffen. Sie war die vierte Person, die die Auszeichnung erhielt, sowie nur eine von zwölf in der Geschichte, die jemals eine Auszeichnung erhielt. [51]

Garland spielte in drei Filmen, die 1940 veröffentlicht wurden: Andy Hardy trifft Debütantin, Schlagen Sie die Band auf, und Kleine Nellie Kelly. In der letzten spielte sie ihre erste Erwachsenenrolle, eine Doppelrolle von Mutter und Tochter. Kleine Nellie Kelly wurde von George M. Cohan als Vehikel für sie gekauft, um sowohl ihre Anziehungskraft als auch ihr Aussehen zu zeigen. Die Rolle war eine Herausforderung für sie, die einen Akzent, ihren ersten Erwachsenenkuss und die einzige Todesszene ihrer Karriere erforderte. [52] Ihr Co-Star George Murphy hielt den Kuss für peinlich. Er sagte, es fühlte sich an wie "ein Hinterwäldler mit einer Kinderbraut". [9]

Während dieser Zeit war Garland noch im Teenageralter, als sie ihre erste ernsthafte Romanze mit Bandleader Artie Shaw erlebte. Sie war ihm zutiefst ergeben und war Anfang 1940 am Boden zerstört, als er mit Lana Turner durchgebrannt war. [53] Garland begann eine Beziehung mit dem Musiker David Rose, und an ihrem 18. Geburtstag schenkte er ihr einen Verlobungsring. Das Studio intervenierte, weil er zu diesem Zeitpunkt noch mit der Schauspielerin und Sängerin Martha Raye verheiratet war. Sie vereinbarten, ein Jahr zu warten, bis seine Scheidung rechtskräftig wurde. Während dieser Zeit hatte Garland eine kurze Affäre mit dem Songwriter Johnny Mercer. Nach ihrer Trennung von Mercer heirateten Garland und Rose am 27. Juli 1941. [54] "Eine wahre Rarität" nannten es die Medien. [9] Das Paar stimmte einer Trennung vor Gericht im Januar 1943 zu und ließ sich 1944 scheiden. [55]

1941 hatte Garland auf Drängen ihrer Mutter und des Studios eine Abtreibung, während sie mit Roses Kind schwanger war, da die Schwangerschaft nicht genehmigt wurde. Sie hatte 1943 eine zweite, als sie von ihrer Affäre mit Tyrone Power schwanger wurde. [56]

In ihrem nächsten Film, Für mich und meine Gal (1942) trat Garland mit Gene Kelly bei seinem ersten Bildschirmauftritt auf. Sie erhielt die "Glamour-Behandlung" in Präsentation von Lily Mars (1943), in dem sie "erwachsene" Gewänder trug. Auch ihr aufgehelltes Haar wurde stilvoll hochgesteckt. Doch egal wie glamourös oder schön sie auf der Leinwand oder auf Fotos erschien, sie war nie selbstbewusst in ihrem Aussehen und entkam nie dem "Mädchen von nebenan"-Image, das das Studio für sie geschaffen hatte. [57]

Einer der erfolgreichsten Filme von Garland für MGM war Treffen Sie mich in St. Louis (1944), in dem sie drei Standards vorstellte: "The Trolley Song", "The Boy Next Door" und "Have Yourself a Merry Little Christmas". Dies war einer der ersten Filme ihrer Karriere, der ihr die Möglichkeit gab, die attraktive Hauptdarstellerin zu sein. Vincente Minnelli wurde mit der Regie beauftragt und bat darum, dass Visagistin Dorothy Ponedel Garland zugewiesen werden sollte. Ponedel verfeinerte ihr Aussehen auf verschiedene Weise, darunter das Verlängern und Umformen ihrer Augenbrauen, das Ändern ihres Haaransatzes, das Modifizieren ihrer Lippenlinie und das Entfernen ihrer Nasenscheiben und Zahnkappen. Sie schätzte die Ergebnisse so sehr, dass Ponedel für alle ihre verbleibenden Bilder bei MGM in ihren Vertrag aufgenommen wurde. [ Zitat benötigt ]

Zu dieser Zeit hatte Garland eine kurze Affäre mit dem Filmregisseur Orson Welles, der zu dieser Zeit mit Rita Hayworth verheiratet war. Die Affäre endete Anfang 1945, und sie blieben auch danach in gutem Einvernehmen. [58] [ Seite benötigt ]

Während der Dreharbeiten zu Treffen Sie mich in St. Louis, Garland und Minnelli hatten einen anfänglichen Konflikt zwischen ihnen, aber sie gingen eine Beziehung ein und heirateten am 15. Juni 1945. [59] Am 12. März 1946 wurde Tochter Liza geboren. [60] Das Paar ließ sich 1951 scheiden. [61]

Die Uhr (1945) war Garlands erster direkter dramatischer Film, in dem Robert Walker die männliche Hauptrolle spielte. Obwohl der Film von der Kritik gelobt wurde und einen Gewinn einbrachte, erwarteten die meisten Filmfans, dass sie singen würde. Sie spielte viele Jahre lang nicht mehr in einer nicht singenden dramatischen Rolle. Zu Garlands anderen Filmen der 1940er Jahre gehören Die Harvey Girls (1946), in dem sie das mit dem Oscar ausgezeichnete Lied "On the Atchison, Topeka, and the Santa Fe" vorstellte, und Bis die Wolken vorbeiziehen (1946). [ Zitat benötigt ]

Während der Dreharbeiten für Der Pirat im April 1948 erlitt Garland einen Nervenzusammenbruch und wurde in ein privates Sanatorium gebracht. [62] Sie konnte die Dreharbeiten abschließen, aber im Juli unternahm sie ihren ersten Selbstmordversuch, wobei sie mit einem zerbrochenen Glas kleinere Schnitte an ihrem Handgelenk machte. [63] Während dieser Zeit verbrachte sie zwei Wochen in Behandlung im Austen Riggs Center, einem psychiatrischen Krankenhaus in Stockbridge, Massachusetts. [64] Der Pirat wurde im Mai 1948 veröffentlicht und war der erste Film, in dem Garland seither mitgespielt hatte Der Zauberer von Oz keinen Gewinn zu machen. Die Hauptgründe für ihr Scheitern waren nicht nur die Kosten, sondern auch die steigenden Kosten der Drehverzögerungen während Garlands Krankheit sowie die Tatsache, dass die Öffentlichkeit sie noch nicht in einem anspruchsvollen Film akzeptieren wollte. Nach ihrer Arbeit an Der Pirat, sie spielte zum ersten und einzigen Mal mit Fred Astaire (der Gene Kelly ersetzte, nachdem Kelly sich den Knöchel gebrochen hatte) in Osterparade (1948), der ihr erfolgreichster Film bei MGM wurde. [ Zitat benötigt ]

Begeistert von den riesigen Kasseneinnahmen von Osterparade, MGM hat sich sofort mit Garland und Astaire zusammengetan Die Barkleys vom Broadway. Während der ersten Dreharbeiten nahm Garland verschreibungspflichtige Barbiturat-Schlaftabletten zusammen mit illegal erhaltenen Pillen, die Morphin enthielten. Zu dieser Zeit entwickelte sie auch ein ernsthaftes Alkoholproblem. Diese, in Kombination mit Migräne-Kopfschmerzen, führten dazu, dass sie mehrere Drehtage hintereinander verpasste. Nachdem ihr Arzt ihr mitgeteilt hatte, dass sie nur in Abständen von vier bis fünf Tagen mit längeren Ruhepausen arbeiten könne, beschloss MGM-Manager Arthur Freed, sie am 18. Juli 1948 zu suspendieren. Sie wurde im Film ersetzt durch Ingwer Rogers. [65] Als ihre Suspendierung vorbei war, wurde sie wieder an die Arbeit gerufen und spielte schließlich zwei Lieder als Gast in der Biopic von Rodgers und Hart Worte und Musik (1948), was ihr letzter Auftritt mit Mickey Rooney war. Trotz der All-Star-Besetzung Worte und Musik Kaum brach sogar an der Abendkasse. Nachdem sie ihre Kräfte und das benötigte Gewicht während ihrer Suspendierung wiedererlangt hatte, fühlte sich Garland viel besser und im Herbst 1948 kehrte sie zu MGM zurück, um eine schwangere June Allyson für den Musikfilm zu ersetzen Im guten alten Sommer (1949) mit Van Johnson in der Hauptrolle. Obwohl sie während der Herstellung dieses Bildes manchmal zu spät im Studio ankam, schaffte sie es, es fünf Tage früher als geplant fertigzustellen. Ihre Tochter Liza gab am Ende des Films im Alter von zweieinhalb Jahren ihr Filmdebüt. In der guten alten Sommerzeit war an der Abendkasse enorm erfolgreich. [66]

Garland wurde dann in der Verfilmung von Annie Hol deine Waffe in der Titelrolle von Annie Oakley. Sie war nervös bei der Aussicht, eine stark mit Ethel Merman identifizierte Rolle zu übernehmen, befürchtete, in einer unglamourösen Rolle aufzutreten, nachdem sie mehrere Jahre lang von jugendlichen Rollen abgeschnitten hatte, und war beunruhigt von ihrer Behandlung durch den Regisseur Busby Berkeley. Berkeley inszenierte alle Musikstücke und war streng mit Garlands Mangel an Anstrengung, Haltung und Enthusiasmus. Sie beschwerte sich bei Mayer und versuchte, Berkeley aus dem Feature zu feuern. Sie kam zu spät zum Set und erschien manchmal nicht. Zu dieser Zeit unterzog sie sich auch einer Elektroschocktherapie wegen Depressionen. [67] [68] [69] Sie wurde am 10. Mai 1949 aus dem Bild gefeuert und durch Betty Hutton ersetzt, die einsprang, um alle musikalischen Routinen aufzuführen, die von Berkeley inszeniert wurden. [70] Garland durchlief einen ausgedehnten Krankenhausaufenthalt im Peter Bent Brigham Hospital in Boston, Massachusetts, in dem sie von ihren Medikamenten entwöhnt wurde und nach einer Weile normal essen und schlafen konnte. Während ihres Aufenthalts fand sie Trost, als sie 1964 in einem Interview mit behinderten Kindern zu Problemen sprach, die in Ein Kind wartet (1963) und ihrer Genesung im Peter Bent Brigham Hospital hatte Garland folgendes zu sagen: "Nun, es hat mir geholfen, indem ich mich einfach von mir ablenkte und sie waren so entzückend, sie waren so liebevoll und gut und ich vergaß mich für eine Weile Veränderung". [71]

Garland kehrte schwerer nach Los Angeles zurück und wurde im Herbst 1949 an der Seite von Gene Kelly in Sommervorrat (1950). Die Fertigstellung des Films dauerte sechs Monate. Um Gewicht zu verlieren, nahm Garland die Pillen zurück und das bekannte Muster tauchte wieder auf. Sie fing an, zu spät oder gar nicht aufzutauchen. Wenn Hauptfotografie an Sommervorrat im Frühjahr 1950 fertiggestellt wurde, wurde entschieden, dass Garland eine zusätzliche Musiknummer brauchte. Sie stimmte dem zu, vorausgesetzt, das Lied sollte "Get Happy" heißen. Außerdem bestand sie darauf, dass Regisseur Charles Walters die Nummer choreografiere und inszeniere. Zu diesem Zeitpunkt hatte Garland 15 Pfund abgenommen und sah schlanker aus. "Get Happy" war der letzte Abschnitt von Sommervorrat gefilmt werden. Es war ihr letztes Bild für MGM. Als es im Herbst 1950 veröffentlicht wurde, Sommervorrat zog große Menschenmengen an und brachte sehr respektable Kasseneinnahmen ein, aber wegen der kostspieligen Drehverzögerungen durch Garland verursachte der Film einen Verlust von 80.000 US-Dollar für das Studio. [ Zitat benötigt ]

Garland wurde in dem Film gecastet Königliche Hochzeit mit Fred Astaire, nachdem June Allyson 1950 schwanger wurde. Sie meldete sich mehrmals nicht am Set, und das Studio setzte ihren Vertrag am 17. Juni 1950 aus. Sie wurde durch Jane Powell ersetzt. [72] Seriöse Biografien nach ihrem Tod besagten, dass sie sich nach dieser letzten Entlassung mit einem zerbrochenen Glas leicht am Hals streifte und nur ein Pflaster benötigte. [73] "Alles, was ich vor mir sehen konnte, war mehr Verwirrung", sagte Garland später über diesen Selbstmordversuch. "Ich wollte sowohl die Zukunft als auch die Vergangenheit verdunkeln. Ich wollte mich selbst und alle, die mich verletzt haben, verletzen." [74] Im September 1950, nach 15 Jahren im Studio, trennten sich Garland und MGM. [75]

Auftritte in Bing Crosbys Radiosendung Bearbeiten

Garland war ein häufiger Gast auf Kraft Musikhalle, veranstaltet von ihrer Freundin Bing Crosby. Nach Garlands zweitem Selbstmordversuch lud Crosby, der wusste, dass sie depressiv war und kein Geld mehr hatte, sie am 11. Oktober 1950 zu seiner Radiosendung ein – der ersten der neuen Staffel.

Zitternd vor Angst stand sie in den Flügeln. Sie war fast hysterisch. Sie sagte: "Ich kann da nicht raus, weil sie alle nach Narben suchen werden, und es wird schrecklich." Bing sagte: "Was ist los?" und ich erzählte ihm, was passiert war und er ging auf die Bühne und sagte: "Wir haben eine Freundin hier, sie hatte in letzter Zeit ein bisschen Ärger. Du hast wahrscheinlich davon gehört – jetzt ist alles in Ordnung, sie braucht unsere Liebe. Sie braucht unsere Unterstützung . Sie ist hier – geben wir es ihr, OK? Hier ist Judy." Und sie kam heraus, und dieser Ort wurde verrückt. Und sie blühte einfach auf.

Garland machte acht Auftritte in der Saison 1950/51 von Die Bing Crosby – Chesterfield-Show, was ihre Karriere sofort wieder belebte. Bald darauf tourte sie vier Monate lang vor ausverkauften Massen in Europa. [76]

Erneuter Ruhm auf der Bühne Bearbeiten

1951 begann Garland eine viermonatige Konzertreise durch Großbritannien und Irland, wo sie vor ausverkauftem Publikum in ganz England, Schottland und Irland spielte. [77] Die erfolgreiche Konzerttournee war das erste ihrer vielen Comebacks, mit Auftritten, die sich auf Lieder von Al Jolson und die Wiederbelebung der vaudevillianischen "Tradition" konzentrierten. Garland spielte komplette Shows als Hommage an Jolson in ihren Konzerten im London Palladium im April und später im Jahr im New Yorker Palace Theatre. Garland sagte nach der Palladium-Show: "Ich wusste plötzlich, dass dies der Beginn eines neuen Lebens war. Hollywood dachte, ich wäre durch, dann kam die wunderbare Gelegenheit, im London Palladium aufzutreten, wo ich ehrlich sagen kann, dass Judy Garland wiedergeboren wurde." [78] Ihre Auftritte im Palladium dauerten vier Wochen, wo sie begeisterte Kritiken und Ovationen erhielt, die der Palladium-Manager als die lauteste bezeichnete, die er je gehört hatte. [79] [80]

Garlands Engagement am Palace Theatre in Manhattan im Oktober 1951 übertraf alle bisherigen Rekorde für das Theater und für Garland und wurde als "einer der größten persönlichen Triumphe in der Geschichte des Showbusiness" bezeichnet. [81] Garland wurde für ihren Beitrag zur Wiederbelebung des Varietés mit einem Special Tony Award ausgezeichnet. [82]

Garland ließ sich im selben Jahr von Minnelli scheiden. [83] Am 8. Juni 1952 heiratete sie Sidney Luft, ihren Tourmanager und Produzenten, in Hollister, Kalifornien. [84] Garland brachte am 21. November 1952 Lorna Luft, die selbst Schauspielerin und Sängerin wurde, und am 29. März 1955 Joey Luft zur Welt. [85]

Hollywood-Comeback Bearbeiten

Garland trat mit James Mason im Warner Bros.-Film auf Ein Star ist geboren (1954), das erste Remake des Films von 1937. Sie und ihr damaliger Ehemann Sidney Luft produzierten den Film über ihre Produktionsfirma Transcona Enterprises, während Warner Bros. Finanzierung, Produktionsanlagen und Crew zur Verfügung stellte. [86] Unter der Regie von George Cukor war es ein großes Unterfangen, dem sie sich zunächst voll und ganz widmete. [87]

Als die Dreharbeiten fortschritten, fing sie jedoch an, die gleichen Plädoyers für Krankheit zu machen, die sie so oft während ihrer letzten Filme bei MGM gemacht hatte. Produktionsverzögerungen führten zu Kostenüberschreitungen und wütenden Auseinandersetzungen mit Warner Bros.-Chef Jack L. Warner. Die Dreharbeiten endeten am 17. März 1954. Auf Anregung von Luft wurde das Medley "Born in a Trunk" als Schaufenster für sie gedreht und über die Einwände von Regisseur Cukor eingefügt, der befürchtete, dass die zusätzliche Länge zu Kürzungen in anderen Bereichen führen würde. Es wurde am 29. Juli fertiggestellt. [88]

Bei seiner Uraufführung am 29. September 1954 wurde der Film von Kritikern und Publikum gefeiert. Vor seiner Veröffentlichung wurde es auf Anweisung von Jack Warner-Theaterbetreibern geschnitten, da sie befürchteten, dass sie Geld verlieren würden, weil sie den Film nur für drei oder vier Shows pro Tag statt fünf oder sechs laufen lassen konnten, und das Studio unter Druck gesetzt, zusätzliche zu machen Kürzungen. Nach den ersten Einsätzen wurden etwa 30 Minuten Filmmaterial geschnitten, was bei Kritikern und Kinobesuchern Empörung auslöste. Obwohl es immer noch beliebt war, große Menschenmengen anzog und in seiner ersten Veröffentlichung über 6.000.000 US-Dollar einspielte, Ein Star ist geboren machte seine Kosten nicht zurück und verlor am Ende Geld. Damit blieb die von Garland erwartete sichere Finanzlage aus den Gewinnen ein. [89] Transcona drehte keine Filme mehr mit Warner. [90]

Garland wurde für den Oscar als beste Schauspielerin nominiert und im Vorfeld der 27. Oscarverleihung wurde allgemein erwartet, dass er für Ein Star ist geboren. Sie konnte der Zeremonie nicht beiwohnen, weil sie gerade ihren Sohn Joseph Luft zur Welt gebracht hatte, also war ein Fernsehteam mit Kameras und Kabeln in ihrem Krankenzimmer, um ihre erwartete Dankesrede zu übertragen. Den Oscar gewann jedoch Grace Kelly für Das Landmädchen (1954). Das Kamerateam packte seine Sachen zusammen, bevor Kelly überhaupt die Bühne erreichen konnte. Groucho Marx schickte Garland nach der Preisverleihung ein Telegramm, in dem er ihren Verlust als "den größten Raubüberfall seit Brinks" bezeichnete. Zeit bezeichnete ihre Leistung als "fast die größte One-Woman-Show in der modernen Filmgeschichte". [91] Garland gewann den Golden Globe Award als beste Darstellerin in einem Musical für die Rolle. [92]

Garlands Filme nach Ein Star ist geboren inbegriffen Urteil in Nürnberg (1961) (für die sie Oscar- und Golden Globe-nominiert als beste Nebendarstellerin war), der Zeichentrickfilm Homosexuell Schnurren-ee (1962), und Ein Kind wartet (1963) mit Burt Lancaster. Ihr letzter Film war Ich könnte weiter singen (1963) mit Dirk Bogarde in der Hauptrolle. [93]

Fernsehen, Konzerte und Carnegie Hall Bearbeiten

Garland erschien ab 1955 in einer Reihe von Fernseh-Specials. Die erste war die Debüt-Episode von 1955 Ford Star Jubiläum Dies war die erste vollständige Farbübertragung auf CBS überhaupt und war ein Triumph bei den Einschaltquoten mit einer Nielsen-Einstufung von 34,8. Sie unterzeichnete einen Dreijahresvertrag über 300.000 US-Dollar mit dem Netzwerk. 1956 wurde nur ein weiteres Special ausgestrahlt, eine Live-Konzertausgabe von General Electric Theater, bevor die Beziehung zwischen den Lufts und CBS im Streit um das geplante Format der kommenden Specials zerbrach. [94]

1956 trat Garland vier Wochen lang im New Frontier Hotel am Las Vegas Strip für ein Gehalt von 55.000 US-Dollar pro Woche auf, was sie zur bestbezahlten Entertainerin in Las Vegas machte. [95] Trotz einer kurzen Kehlkopfentzündung, bei der Jerry Lewis bei einer Aufführung für sie aus dem Rollstuhl einsprang, waren ihre Auftritte dort so erfolgreich, dass ihr Lauf um eine Woche verlängert wurde. [96] Später in diesem Jahr kehrte sie zum Palasttheater zurück, dem Ort ihres zweitägigen Triumphs. Sie öffnete im September wieder, um begeisterte Kritiken und populären Beifall zu erzielen. [97]

Im November 1959 wurde Garland ins Krankenhaus eingeliefert, nachdem bei ihr akute Hepatitis diagnostiziert worden war. [98] In den nächsten Wochen wurden mehrere Liter Flüssigkeit aus ihrem Körper abgelassen, bis sie im Januar 1960 aus dem Krankenhaus entlassen wurde, immer noch in einem schwachen Zustand. Die Ärzte sagten ihr, dass sie wahrscheinlich noch fünf Jahre oder weniger zu leben hätte und dass sie, selbst wenn sie überlebte, eine Halbinvalidität wäre und nie wieder singen würde. [99] Sie fühlte sich bei der Diagnose zunächst „sehr erleichtert“. "Der Druck war zum ersten Mal in meinem Leben von mir weg." [73] Sie erholte sich jedoch in den nächsten Monaten und kehrte im August dieses Jahres auf die Bühne des Palladiums zurück. Sie fühlte sich von den Briten so herzlich umarmt, dass sie ihre Absicht ankündigte, dauerhaft nach England zu ziehen. [100]

Anfang 1960 unterzeichnete Garland einen Vertrag mit Random House, um ihre Autobiografie zu schreiben. Das Buch sollte heißen Die Judy Garland-Geschichte, und wäre eine Zusammenarbeit mit Fred F. Finklehoffe. Garland erhielt einen Vorschuss von 35.000 US-Dollar, und sie und Finklehoffe zeichneten Gespräche über ihr Leben auf, um ein Manuskript zu erstellen. Garland arbeitete in den 1960er Jahren immer wieder an ihrer Autobiografie, vollendete sie jedoch nie.Teile ihrer unvollendeten Autobiografie wurden in die Biografie von 2014 aufgenommen. Judy Garland über Judy Garland: Interviews und Begegnungen von Randy L. Schmidt. [101] [102]

Ihr Konzertauftritt in der Carnegie Hall am 23. April 1961 war ein beachtlicher Höhepunkt, der von vielen als "die größte Nacht in der Geschichte des Showbusiness" bezeichnet wurde. [103] Das Zwei-Platten-Album Judy in der Carnegie Hall wurde mit Gold zertifiziert, Charting für 95 Wochen an Plakat, davon 13 Wochen auf Platz eins. Es gewann vier Grammy Awards, darunter Album of the Year und Best Female Vocal of the Year. [104]

Die Judy Garland-Show Bearbeiten

1961 legten Garland und CBS ihre Vertragsstreitigkeiten mit Hilfe ihres neuen Agenten Freddie Fields bei und handelten eine neue Runde von Specials aus. Der erste mit dem Titel Die Judy Garland-Show, ausgestrahlt am 25. Februar 1962 [105] und vorgestellten Gäste Frank Sinatra und Dean Martin. [106] Nach diesem Erfolg machte CBS ihr ein Angebot in Höhe von 24 Millionen US-Dollar für eine eigene wöchentliche Fernsehserie, die ebenfalls genannt werden sollte Die Judy Garland-Show, der seinerzeit in der Presse als "größter Talentdeal der TV-Geschichte" bezeichnet wurde. Obwohl sie bereits 1955 gesagt hatte, dass sie nie eine wöchentliche Fernsehserie machen würde, [107] befand sie sich Anfang der 1960er Jahre in einer finanziell prekären Situation. Sie hatte mehrere Hunderttausend Dollar beim Internal Revenue Service verschuldet, da sie 1951 und 1952 keine Steuern bezahlt hatte und Ein Star ist geboren bedeutete, dass sie von dieser Investition nichts erhielt. [108]

Nach einer dritten Sonderaktion Judy Garland und ihre Gäste Phil Silvers und Robert Goulet, Garlands wöchentliche Serie debütierte am 29. September 1963. [109] Die Judy Garland-Show wurde kritisch gelobt, [110] [111] jedoch aus einer Vielzahl von Gründen (einschließlich der Platzierung im gegenüberliegenden Zeitfenster Goldgrube auf NBC) dauerte die Show nur eine Staffel und wurde 1964 nach 26 Folgen abgesetzt. Trotz ihrer geringen Auflage wurde die Serie für vier Emmy Awards nominiert, darunter die Best Variety Series. [112]

Während dieser Zeit hatte Garland eine sechsmonatige Affäre mit dem Schauspieler Glenn Ford. Garlands Biograf Gerald Clarke, Fords Sohn Peter, Sängerin Mel Tormé und ihr Mann Sid Luft schrieben in ihren jeweiligen Biografien über die Affäre. Die Beziehung begann 1963, als Garland ihre Fernsehsendung drehte. Ford nahm an Aufzeichnungen der Show teil und saß in der ersten Reihe, während Garland sang. Ford wird zugeschrieben, Garland eine der stabileren Beziehungen ihres späteren Lebens gegeben zu haben. Die Affäre wurde von Ford (einem berüchtigten Frauenhelden laut seinem Sohn Peter) beendet, als er merkte, dass Garland ihn heiraten wollte. [113]

Garland war ein Leben lang ein relativ aktiver Demokrat. Zu ihren Lebzeiten war sie Mitglied des Demokratischen Komitees von Hollywood und eine finanzielle und moralische Unterstützerin verschiedener Anliegen, einschließlich der Bürgerrechtsbewegung. Sie spendete Geld für die Kampagnen der demokratischen Präsidentschaftskandidaten Franklin D. Roosevelt, Adlai Stevenson II., John F. Kennedy und Robert F. Kennedy sowie des progressiven Kandidaten Henry A. Wallace. [114] [115] [116] [117]

Im September 1947 trat Garland dem Committee for the First Amendment bei, einer Gruppe, die von Hollywood-Prominenten zur Unterstützung der Hollywood Ten während der Anhörungen des House Un-American Activities Committee (HUAC), einem Untersuchungsausschuss des Repräsentantenhauses der Vereinigten Staaten, gebildet wurde unter der Leitung von J. Parnell Thomas, die gegründet wurde, um mutmaßliche Illoyalität und subversive Aktivitäten von Privatpersonen, öffentlichen Angestellten und Organisationen zu untersuchen, die kommunistischer Verbindungen verdächtigt werden. Das Committee for the First Amendment bemühte sich, die bürgerlichen Freiheiten der Angeklagten zu schützen. Weitere Mitglieder waren Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Dorothy Dandridge, John Garfield, Katharine Hepburn, Lena Horne, John Huston, Gene Kelly und Billy Wilder. Garland nahm am 26. Oktober 1947 an der Aufnahme einer All-Star-Radiosendung teil. Hollywood wehrt sich, in der sie die Zuhörer zum Handeln ermahnte: „Bevor jedes freie Gewissen in Amerika vorgeladen wird, sprechen Sie bitte! Sagen Sie Ihren Beitrag! Schreiben Sie Ihrem Kongressabgeordneten einen Brief – Luftpost-Special. Lassen Sie den Kongress wissen, was Sie von seinem Unamerikanischen Komitee halten ." [118]

Garland war eine Freundin von Präsident John F. Kennedy und seiner Frau Jacqueline Kennedy, und sie machte oft Urlaub in Hyannis Port, Massachusetts. Das Haus, in dem sie während ihrer Ferien in Hyannis Port wohnte, ist heute aufgrund ihrer Verbindung mit dem Anwesen als The Judy Garland House bekannt. [119] Garland rief die Präsidentin wöchentlich an und beendete ihre Telefongespräche oft, indem sie die ersten paar Takte von "Over the Rainbow" sang. [119]

Am 28. August 1963 nahmen Garland und andere prominente Persönlichkeiten wie Josephine Baker, Sidney Poitier, Lena Horne, Paul Newman, Rita Moreno und Sammy Davis Jr. am March on Washington for Jobs and Freedom teil, einer Demonstration, die organisiert wurde, um sich für für die bürgerlichen und wirtschaftlichen Rechte von Afroamerikanern. Sie war Anfang des Monats von der Presse in Los Angeles zusammen mit Eartha Kitt, Marlon Brando und Charlton Heston fotografiert worden, als sie ihre Teilnahme am Marsch auf die Hauptstadt des Landes planten.

Am 16. September 1963 hielt Garland – zusammen mit Tochter Liza, Carolyn Jones, June Allyson und Allysons Tochter Pam Powell – eine Pressekonferenz ab, um die jüngste Bombardierung der 16th Street Baptist Church in Birmingham, Alabama, hervorzuheben und zu protestieren Tod von vier jungen afroamerikanischen Mädchen. Sie drückten ihren Schock über die Ereignisse aus und forderten Gelder für die Familien der Opfer. Pam Powell und Liza Minnelli kündigten beide während der Pressekonferenz ihre Absicht an, an der Beerdigung der Opfer teilzunehmen. [120] [121]

1963 verklagte Garland Sidney Luft wegen psychischer Grausamkeit auf Scheidung. Sie behauptete auch, er habe sie beim Trinken wiederholt geschlagen und sogar versucht, ihr die Kinder mit Gewalt wegzunehmen. [122] Sie hatte bereits 1956 mehrmals die Scheidung von Luft eingereicht, aber sie hatten sich jedes Mal versöhnt. [123]

Nachdem ihre Fernsehserie abgesetzt wurde, kehrte Garland zurück, um auf der Bühne zu arbeiten. Im November 1964 kehrte sie mit ihrer 18-jährigen Tochter Liza Minnelli ins London Palladium zurück. Das Konzert wurde auch im britischen Fernsehsender ITV gezeigt und war einer ihrer letzten Auftritte vor Ort. Sie hatte Gastauftritte auf Die Ed-Sullivan-Show und Die Tonight-Show. Garland moderierte eine Folge von Der Hollywood-Palast mit Vic Damone. Sie wurde 1966 für eine zweite Episode mit Van Johnson als ihrem Gast eingeladen. Probleme mit Garlands Verhalten haben sie beendet Hollywood-Palast Gastauftritte. [124]

Eine Tour durch Australien im Jahr 1964 endete schlecht. Die ersten beiden Konzerte von Garland in Sydney fanden im Sydney Stadium statt, weil kein Konzertsaal die überfüllten Menschenmengen aufnehmen konnte, die sie sehen wollten. Beide liefen gut und erhielten positive Bewertungen. Ihr dritter Auftritt in Melbourne begann mit einer Stunde Verspätung. Die 7.000 Zuschauer waren verärgert über ihre Verspätung und glaubten, sie sei betrunken, sie pfiffen und schimpften sie, und sie floh nach 45 Minuten von der Bühne. [125] Später charakterisierte sie die Melbourner Menge als "brutish". [126] Der Auftritt von Garland in Melbourne erhielt eine negative Pressereaktion. [127]

Garlands Reiseveranstalter Mark Herron gab bekannt, dass sie an Bord eines Frachters vor der Küste Hongkongs geheiratet haben. Sie war jedoch zum Zeitpunkt der Zeremonie nicht offiziell von Luft geschieden. [128] Die Scheidung wurde am 19. Mai 1965 rechtskräftig, [122] und sie und Herron heirateten erst am 14. November 1965 legal, sie trennten sich fünf Monate später. [129] Während ihrer Scheidung sagte Garland aus, dass Herron sie geschlagen hatte. Herron behauptete, er habe sie "nur zur Selbstverteidigung geschlagen". [130]

Während eines Großteils ihrer Karriere in den 1950er und frühen 1960er Jahren war ihr Ehemann Sidney Luft ihr Manager gewesen. Garland trennte sich jedoch schließlich beruflich von Luft und unterschrieb bei den Agenten Freddie Fields und David Begelman. Im Herbst 1966 hatte sich Garland auch von Fields und Begelman getrennt. Fields und Begelmans Misswirtschaft mit Garlands Geld sowie die Unterschlagung eines Großteils ihrer Einkünfte führten dazu, dass sie insgesamt rund 500.000 US-Dollar an persönlichen Schulden und Schulden beim IRS schuldete. Der IRS hat ihr Haus in Brentwood, Los Angeles, ihren Plattenvertrag mit Capitol Records und alle anderen Geschäfte, aus denen sie ein Einkommen erzielen könnte, mit Steuerpfandrechten belegt. [131]

Garland befand sich in einer verzweifelten Situation, in der sie ihr Haus in Brentwood zu einem Preis weit unter seinem Wert verkaufte. Im Februar 1967 wurde sie dann in der Rolle der Helen Lawson in Tal der Puppen von 20th Century Fox. [132] Laut Co-Star Patty Duke wurde Garland am Set von Regisseur Mark Robson schlecht behandelt Tal der Puppen und wurde hauptsächlich angeheuert, um die Werbung für den Film zu erhöhen. [133] Nach Garlands Entlassung aus dem Film sagte die Autorin Jacqueline Susann in der Fernsehdokumentation von 1967 Jacqueline Susann und das Tal der Puppen, "Ich denke, Judy wird immer zurückkommen. Sie macht Spaß daran, viele Comebacks zu machen, aber ich denke, Judy hat eine Art von Sache, bei der sie dem Seil auf den Grund gehen muss und die Dinge sehr, sehr hart werden müssen." Dann kommt sie mit einer erstaunlichen inneren Stärke, die nur von einem bestimmten Genie kommt, größer denn je zurück." [134]

Als sie auf die Bühne zurückkehrte, hatte Garland im Juli 1967 einen ihrer letzten US-Auftritte im New Yorker Palace Theatre, einem 27-Show-Stand, bei dem sie mit ihren Kindern Lorna und Joey Luft auftrat. Sie trug für diese Tour einen mit Pailletten besetzten Hosenanzug auf der Bühne, der Teil der ursprünglichen Garderobe für ihren Charakter in war Tal der Puppen. [135] Garland verdiente mehr als 200.000 US-Dollar aus ihrem letzten Auftritt im New Yorker Palace Theatre aus ihrem 75%-Anteil der Gewinne, die sie durch ihr Engagement dort erzielte. Am letzten Abend im Palast beschlagnahmten Bundessteuerbeamte den Großteil ihres Einkommens. [136]

Anfang 1969 hatte sich Garlands Gesundheitszustand verschlechtert. Sie trat in London im Talk of the Town-Nachtclub für einen fünfwöchigen Lauf [137] auf, für den sie 2.500 Pfund pro Woche erhielt, [101] und hatte ihren letzten Konzertauftritt in Kopenhagen im März 1969. [138] Nach ihr Die Scheidung von Herron war am 11. Februar abgeschlossen worden, sie heiratete am 15. März ihren fünften und letzten Ehemann, den Nachtclub-Manager Mickey Deans, im Chelsea Register Office, London. [139]

Am 22. Juni 1969, 12 Tage nach ihrem 47. Geburtstag, wurde Garland tot im Badezimmer ihres gemieteten Hauses in der Cadogan Lane, Belgravia, London aufgefunden. [7] Bei der Untersuchung gab Coroner Gavin Thurston an, dass die Todesursache "eine unvorsichtige Selbstüberdosierung" von Barbituraten war, ihr Blut enthielt das Äquivalent von zehn 1,5-Grain (97 mg) Seconal-Kapseln. [140] Thurston betonte, dass die Überdosis unbeabsichtigt gewesen sei und keine Beweise darauf hindeuteten, dass sie Selbstmord begangen habe. Die Autopsie von Garland zeigte keine Entzündung ihrer Magenschleimhaut und keine Medikamentenrückstände in ihrem Magen, was darauf hindeutete, dass das Medikament über einen langen Zeitraum eingenommen wurde und nicht in einer Einzeldosis. In ihrer Sterbeurkunde stand, dass ihr Tod „zufällig“ war. [141] Um die Unfallursache zu untermauern, stellte Garlands Arzt fest, dass ein Rezept von 25 Barbituratpillen halb leer neben ihrem Bett gefunden wurde und eine weitere Flasche mit 100 Barbituratpillen noch ungeöffnet war. [142]

Ein britischer Spezialist, der an der Autopsie von Garland teilgenommen hatte, gab an, dass sie dennoch aufgrund einer Leberzirrhose von geliehener Zeit gelebt habe, obwohl eine später durchgeführte zweite Autopsie keine Hinweise auf Alkoholismus oder Leberzirrhose ergab. [143] [144] Sie Der Zauberer von OZ Co-Star Ray Bolger kommentierte bei ihrer Beerdigung: "Sie hat sich einfach abgenutzt." [145] Der forensische Pathologe Jason Payne-James glaubte, dass Garland eine Essstörung hatte (die Psychologin Linda Papadopoulos behauptete, dass es sich wahrscheinlich um Bulimie handelte), die zu ihrem Tod beitrug. [146]

Nachdem Garlands Leiche einbalsamiert worden war, reiste Deans mit ihren Überresten am 26. Juni nach New York City, wo schätzungsweise 20.000 Menschen in der Frank E. Campbell Funeral Chapel in Manhattan, die die ganze Nacht geöffnet blieb, ihre Aufwartung machten die überfüllte Menge. Am 27. Juni hielt James Mason eine Laudatio bei der Beerdigung, einem Bischofsgottesdienst unter der Leitung von Pfarrer Peter Delaney von der St. Marylebone Parish Church in London, der drei Monate zuvor bei ihrer Hochzeit mit Deans amtierte. [147] „Judys große Gabe“, sagte Mason in seiner Laudatio, „war, dass sie Tränen aus den Herzen des Felsens wringen konnte. [148] Öffentlichkeit und Presse waren gesperrt. Sie wurde in einer Krypta im Gemeindemausoleum auf dem Ferncliff Cemetery in Hartsdale, New York, einer Kleinstadt 24 Meilen (39 km) nördlich von Midtown Manhattan beigesetzt. [149]

Nach Garlands Tod belief sich ihr Nachlass auf 40.000 US-Dollar (entspricht 282.287 US-Dollar im Jahr 2020), obwohl sie während ihrer Karriere Millionen verdient hatte. Die jahrelange Misswirtschaft ihrer finanziellen Angelegenheiten durch ihre Vertreter und Mitarbeiter sowie ihre Großzügigkeit gegenüber ihrer Familie und verschiedene Ursachen führten zu ihrer schlechten finanziellen Situation am Ende ihres Lebens. In ihrem Anfang 1961 unterzeichneten und besiegelten Testament machte Garland viele großzügige Vermächtnisse, die nicht erfüllt werden konnten, da ihr Nachlass seit vielen Jahren verschuldet war. Ihre Tochter, Liza Minnelli, arbeitete mit Hilfe des Freundes der Familie Frank Sinatra, um die Schulden ihrer Mutter zu begleichen. [150] 1978 wurde eine Auswahl von Garlands persönlichen Gegenständen von ihrem Ex-Ehemann Sidney Luft mit Unterstützung ihrer Tochter Lorna und ihres Sohnes Joe versteigert. Fast 500 Artikel, von Kupferkochgeschirr bis hin zu Musikarrangements, wurden zum Verkauf angeboten. Die Auktion brachte 250.000 US-Dollar (entspricht 991.964 US-Dollar im Jahr 2020) für ihre Erben ein. [151]

Auf Wunsch ihrer Kinder wurden Garlands sterbliche Überreste im Januar 2017 auf dem Ferncliff Cemetery ausgegraben und auf dem Hollywood Forever Cemetery in Los Angeles im ganzen Land wieder beigesetzt. [152]

Garland besaß eine Altstimme. [153] [154] [155] Ihre Singstimme wurde als blechern, [21] kraftvoll, mühelos und resonant beschrieben, [156] zeigt oft ein zitterndes, [157] kraftvolles Vibrato. [158] Obwohl ihr Tonumfang vergleichsweise begrenzt war, war Garland in der Lage, mit geringem Aufwand zwischen weiblich und männlich klingenden Klangfarben zu wechseln. [159] Die Richmond Times-Versand Korrespondent Tony Farrell schrieb, sie besitze "eine tiefe, samtige Altstimme, die sich im Handumdrehen drehen konnte, um die hohen Töne zu schmettern", [155] während Ron O'Brien, Produzent des Tribute-Albums Die endgültige Sammlung – Judy Garland (2006) schrieb die Kombination der Sängerin aus natürlicher Phrasierung, eleganter Darbietung, reifem Pathos „und kraftvoller dramatischer Dynamik, die sie in ihre Songs einbringt. [160] Die Huffington Post Die Schriftstellerin Joan E. Dowlin nannte die Zeit von Garlands Musikkarriere zwischen 1937 und 1945 die "unschuldigen Jahre", in denen die Kritiker glaubt, dass die "Stimme der Sängerin lebendig und ihr musikalischer Ausdruck überschwänglich" war und ihre Resonanz und deutliche "reich" zur Kenntnis nahm doch süße" Qualität, "die dich packt und hineinzieht". [160] Garlands Stimme variierte oft, um zu dem Lied zu passen, das sie interpretierte, und reichte von sanft, einnehmend und zart bei Balladen bis hin zu humorvollen Duetten mit anderen Künstlern. [160] Ihre fröhlicheren Auftritte mit Gürtel wurden mit den Entertainern Sophie Tucker, Ethel Merman und Al Jolson verglichen. [159] Obwohl ihr musikalisches Repertoire größtenteils aus Besetzungsaufnahmen, Showmelodien und traditionellen Pop-Standards bestand, [161] war Garland auch in der Lage, Soul-, Blues- und Jazzmusik zu singen, die Dowlin mit Sänger Elvis Presley verglich. [160]

Garland behauptete immer, ihr Talent als Darstellerin sei vererbt und sagte: "Niemand hat mir jemals beigebracht, was ich auf der Bühne tun soll." [162] Kritiker sind sich einig, dass Garland, selbst als sie als Kind debütierte, [161] für ihr Alter immer reif geklungen hatte, [163] insbesondere auf ihren früheren Aufnahmen. [160] Schon in jungen Jahren wurde Garland als "das kleine Mädchen mit den ledernen Lungen" in Rechnung gestellt, [162] eine Bezeichnung, die die Sängerin später zugab, sich gedemütigt gefühlt zu haben, weil sie dem Publikum viel lieber als bekannt gewesen wäre ein "hübsches" oder "nettes kleines Mädchen". [164] Jessel erinnerte sich daran, dass Garlands Singstimme selbst im Alter von nur 12 Jahren der einer "Frau mit einem verletzten Herzen" ähnelte. [162] Der Kansas City-Star Mitwirkender Robert Trussel nannte Garlands Singstimme als einen der Gründe, warum ihre Rolle in Der Zauberer von Oz bleibt denkwürdig und schreibt, dass, obwohl "sie vielleicht geschminkt und kostümiert war, um wie ein kleines Mädchen auszusehen, nicht wie eins gesungen hat", aufgrund ihrer "starken Altstimme, die Aufmerksamkeit erregt". [156] Camille Paglia, schreibend für Die New York TimesSie scherzte, dass selbst in Garlands Erwachsenenleben "ihre zierliche Gestalt mit ihrer riesigen Stimme buchstäblich pochte", so dass es so aussah, als ob sie "mit ihrem eigenen Körper im Krieg" wäre. [159] Die Theaterschauspielerin und Regisseurin Donna Thomason gab an, dass Garland eine „effektive“ Darstellerin war, weil sie in der Lage war, ihre „Singstimme [als] eine natürliche Erweiterung [ihrer] Sprechstimme“ zu verwenden, eine Fähigkeit, die Thomason allen Musiktheatern glaubt Akteure sollten sich zumindest bemühen, dies zu erreichen. [156] Trussel stimmte zu, dass "Garlands Singstimme völlig natürlich klang. Sie schien nie gezwungen oder übermäßig trainiert." [156]

Der Biograf Jonathan Riggs, der für Turner Classic Movies schrieb, stellte fest, dass Garland dazu neigte, ihrem Gesang eine paradoxe Kombination aus "Zerbrechlichkeit und Widerstandsfähigkeit" zu verleihen, die schließlich zu ihrem Markenzeichen wurde. [157] Louis Bayard of Die Washington Post beschrieb Garlands Stimme als "pochend" und glaubte, dass sie in der Lage sei, "mit [Publikum] in einer Weise in Verbindung zu treten, die keine andere Stimme tut". [165] Bayard glaubt auch, dass es den Zuhörern "schwer fällt, den Kummer in ihrer Stimme von dem Kummer zu trennen, der ihr Leben verfolgte", [165] während Dowlin argumentierte, dass "Judy singen zuzuhören mich all die Angst vergessen lässt und" Leiden muss sie ertragen haben." [160] Die New York Times Nachrufe im Jahr 1969 beobachtete, dass Garland, ob absichtlich oder nicht, "alle gut publizierten Phantome ihres emotionalen Zusammenbruchs, ihrer Karrierezusammenbrüche und ihres Comebacks" bei späteren Aufführungen auf die Bühne brachte. [21] Derselbe Autor sagte, dass sich Garlands Stimme mit zunehmendem Alter veränderte und etwas von ihrer Qualität verlor, obwohl sie viel von ihrer Persönlichkeit behielt. [21] Beitrag zur Irischer Unabhängiger, beobachtete Julia Molony, dass Garlands Stimme, obwohl sie "immer noch voller Emotionen" war, endlich "unter dem Gewicht der Jahre der Enttäuschung und des harten Lebens" zu knarren begann, als sie 1961 in der Carnegie Hall auftrat. [166] Der Eintrag von live record in der Library of Congress schrieb, dass „ihre Stimme zwar immer noch stark war, aber auch ein bisschen an Gewicht und ein bisschen Abnutzung gewonnen hatte“, Autor Cary O'Dell glaubt, dass Garlands Raspel und „gelegentliches Zittern“ nur „die Emotion erhöht haben“. Quotient vieler ihrer Nummern", insbesondere auf ihren Signature-Songs "Over the Rainbow" und "The Man That Got Away". [167] Garland gab an, dass sie sich bei Auftritten auf der Bühne immer am sichersten und zu Hause fühlte, unabhängig vom Zustand ihrer Stimme. [168] Ihr musikalisches Talent wurde von Gleichaltrigen gelobt. als Garland ausgeruht war. [163]

Garland war dafür bekannt, bei Live-Auftritten mit ihrem Publikum zu interagieren Die New York Times Nachruf schrieb, dass Garland "ein scheinbar unstillbares Bedürfnis hatte, dass ihr Publikum mit Beifall und Zuneigung reagiert. Und oft schrien sie: 'Wir lieben dich, Judy – wir lieben dich'" [21] Garland selbst erklärte 1961: "Ein wirklich toller Empfang gibt mir das Gefühl, als hätte ich ein großes, warmes Heizkissen überall auf mir. Ich habe wirklich eine große Liebe zu einem Publikum und ich wollte es ihnen immer beweisen, indem ich ihnen Blut spendete. Aber ich habe eine lustige neue Sache jetzt, eine echte Entschlossenheit, die Leute dazu zu bringen, die Show zu genießen." [169] Die New York Times Schriftsteller beschrieb sie als "instinktive Schauspielerin und Komikerin". Der anonyme Mitwirkende kommentierte, dass Garlands Aufführungsstil dem eines "Musiksaal-Darstellers in einer Ära, in der Musikhallen veraltet waren" ähnelte. [21] Enge Freunde von Garland bestanden darauf, dass sie nie wirklich ein Filmstar werden wollte und ihre Karriere lieber ganz dem Gesang und der Aufnahme von Schallplatten gewidmet hätte. [164] AllMusic-Biograph William Ruhlmann glaubt, dass Garlands Fähigkeit, eine erfolgreiche Karriere als Aufnahmekünstlerin aufrechtzuerhalten, selbst nachdem ihre Filmauftritte seltener wurden, für einen Künstler zu dieser Zeit ungewöhnlich war. [161] Garland wurde aufgrund ihrer Fähigkeit zu singen, zu schauspielern und zu tanzen als eine dreifache Bedrohung identifiziert, [170] wohl ebenso gut. [171] Doug Strassler, ein Kritiker der New Yorker Presse, beschrieb Garland als "dreifache Bedrohung", die "mit einer Präzision und einem Talent, das weitgehend unerreicht bleibt, zwischen Familienmusicals und Erwachsenendramen hin und her hüpfte". [172] In Bezug auf die Schauspielerei schreibt Peter Lennon für Der Wächter 1999 identifizierte Garland als "Chamäleon" aufgrund ihrer Fähigkeit, zwischen komödiantischen, musikalischen und dramatischen Rollen zu wechseln, unter Berufung auf Der Zauberer von Oz, Die Uhr, Ein Star ist geboren und Ich könnte weiter singen – ihre letzte Filmrolle – als prominente Beispiele. [173] Michael Musto, ein Journalist für W Magazin, schrieb, dass Garland in ihren Filmrollen „Anstand, Verletzlichkeit und Sperma ausstrahlen konnte wie kein anderer Star, und sie verpackte es mit einer bebend schönen Gesangsdarbietung, die selbst den härtesten Troll zum Schmelzen bringen konnte“. [174]

  • Das Judy Garland Souvenir-Album (1940)
  • Zweites Erinnerungsalbum (1943)
  • Miss Showbusiness (1955)
  • Judy (1956)
  • Allein (1957)
  • Judy verliebt (1958)
  • Der Buchstabe (1959)
  • Das ist Unterhaltung! (1960)
  • Die Girlande Touch (1962)

Garland war fast so berühmt für ihre persönlichen Kämpfe im Alltag wie für ihre Unterhaltungskarriere. [159] Sie ist eng mit ihrem sorgsam kultivierten Mädchen von nebenan verbunden. [166] Zu Beginn ihrer Karriere in den 1930er Jahren hatte Garlands öffentliches Image ihr den Titel "Amerikas beliebteste Kinderschwester" sowie den Titel "Little Miss Showbusiness" eingebracht. [175] [176] In einer Rezension für die Sternentribüne, Graydon Royce schrieb, dass Garlands öffentliches Image das eines "einen Mädchens aus dem Mittleren Westen, das nicht glauben konnte, wo sie war", geblieben sei, obwohl sie seit über 20 Jahren eine etablierte Berühmtheit war. [168] Royce glaubt, dass Fans und Publikum darauf bestanden, ihre Erinnerung an Garland als Dorothy zu bewahren, egal wie sehr sie gereift war Weg". [168] Daher besetzte das Studio Garland weiterhin in Rollen, die deutlich jünger waren als ihr tatsächliches Alter. [168]

Laut Malony war Garland in den 1940er Jahren eine der am härtesten arbeitenden Darsteller Hollywoods, die Malony behauptet, sie habe sie als Bewältigungsmechanismus verwendet, nachdem ihre erste Ehe implodiert war. [166] Studiomitarbeiter erinnern sich jedoch daran, dass Garland dazu neigte, ziemlich intensiv, eigensinnig und unbeständig zu sein [162] Judy Garland: Das geheime Leben einer amerikanischen Legende Autor David Shipman behauptet, dass mehrere Personen von Garlands "Narzissmus" und "wachsender Instabilität" frustriert waren, während Millionen von Fans ihr öffentliches Verhalten und ihren psychologischen Zustand als "zerbrechlich" empfanden, [175] [166] in Interviews neurotisch erschienen. [168] MGM berichtet, dass Garland durchweg verspätet war und ein unberechenbares Verhalten zeigte, was zu mehreren Verzögerungen und Unterbrechungen der Drehpläne führte, bis sie schließlich aus dem Studio entlassen wurde, das sie für unzuverlässig und schwer zu handhaben hielt. [166] Farrell nannte Garland "Eine Tasche voller Widersprüche", die "schon immer ein Fest für die amerikanische Vorstellungskraft" war und ihre öffentliche Persönlichkeit als "ungeschickt und doch direkt, schüchtern und dennoch dreist" beschrieb. [155] Paglia beschrieb die Sängerin als „Zärtlich und liebenswert, aber wild und turbulent“ und schrieb, dass Garland „einen Pfad der Zerstörung durch viele Leben geschlagen hat. [159] Paglia nannte sie "eine Kreatur der Extreme, gierig, sinnlich und fordernd, gefräßig für Vergnügen und Schmerz", [162] Paglia verglich Garland auch mit dem Entertainer Frank Sinatra aufgrund ihrer gemeinsamen "emblematischen Persönlichkeit", in die das Massenpublikum projizierte seine Hoffnungen und Enttäuschungen", während sie bemerkte, dass es ihr an Sinatras Überlebensfähigkeiten mangelte. [159]

Trotz ihres Erfolgs als Darstellerin litt Garland an einem geringen Selbstwertgefühl, insbesondere in Bezug auf ihr Gewicht, das sie auf Geheiß des Studios ständig Diät hielt, und Mayer [162] [166] [174] Kritiker und Historiker glauben dies war ein Ergebnis davon, dass sie von Studio-Managern als "hässliches Entlein" bezeichnet wurde. [160] Wöchentliche Unterhaltung Kolumnist Gene Lyons beobachtete, dass sowohl das Publikum als auch die anderen Mitglieder der Unterhaltungsindustrie "entweder dazu neigten, sie zu lieben oder sie zu hassen". [175] An einem Punkt beschrieb Stevie Phillips, die vier Jahre lang als Agentin für Garland gearbeitet hatte, ihren Klienten als "wahnsinnigen, anspruchsvollen, überaus talentierten Drogensüchtigen". [166] Royce argumentiert, dass Garland auch in schwierigen Zeiten "erstaunliche Stärke und Mut" beibehielt. [168] Der englische Schauspieler Dirk Bogarde bezeichnete Garland einmal als "die lustigste Frau, die ich je getroffen habe". [165] Ruhlmann schrieb, dass das Privatleben der Sängerin "so stark im Gegensatz zum Überschwang und der Unschuld ihrer Filmrollen stand". [161]

Trotz ihrer persönlichen Kämpfe widersprach Garland der Meinung der Öffentlichkeit, dass sie eine tragische Figur war. [168] [173] Ihre jüngere Tochter Lorna stimmte zu, dass Garland es "hasste", als tragische Figur bezeichnet zu werden, und erklärte: "Wir alle haben Tragödien in unserem Leben, aber das macht uns nicht tragisch. Sie war lustig und sie war warmherzig." und sie war wunderbar begabt. Sie hatte großartige Höhepunkte und großartige Momente in ihrer Karriere. Sie hatte auch großartige Momente in ihrem Privatleben. Ja, wir haben sie mit 47 Jahren verloren. Das war tragisch. Aber sie war keine tragische Figur." [173] Ruhlmann argumentiert, dass Garland gegen Ende ihrer Karriere die öffentliche Meinung zu ihrem tragischen Bild tatsächlich zu ihrem Vorteil genutzt hat. [161]


Wichtige Lektüre zu Gaslighting

7 Dinge, die Gasanzünder sagen, um andere zu verwirren und zu kontrollieren

Racial Gaslighting und der Mythos des Multikulturalismus

Indem Sie Ihnen sagen, dass alle anderen (Ihre Familie, die Medien) ein Lügner sind, werden Sie erneut Ihre Realität in Frage stellen. Sie haben noch nie jemanden gekannt, der so kühn ist, also muss er die Wahrheit sagen, oder? Nein. Es ist eine Manipulationstechnik. Es führt dazu, dass sich die Leute an das Gasfeuerzeug wenden, um die "richtigen" Informationen zu erhalten - was überhaupt keine korrekten Informationen sind.

Je besser Sie sich dieser Techniken bewusst sind, desto schneller können Sie sie erkennen und vermeiden, in die Falle des Gasfeuerzeugs zu tappen.