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Wunderobjekte: Die Symbolik und Spannung hinter altägyptischen Artefakten

Wunderobjekte: Die Symbolik und Spannung hinter altägyptischen Artefakten

Das alte Ägypten war ein Land voller Geheimnisse und Intrigen. Es braucht immer noch ein scharfes Auge, um die tiefe Philosophie zu verstehen, die nicht nur in der Fülle von Texten und Inschriften, sondern auch in Alltagsgegenständen steckt.

Ein Tut-Mysterium in Chicago

Eine massive Statue, von der traditionell angenommen wird, dass sie König Tutanchamun darstellt, war eine von zwei, die vom Architectural Survey des Oriental Institute, Chicago, unter der Leitung von Dr. Uvo Holscher ausgegraben wurden; sein Begleiter befindet sich heute im Ägyptischen Museum in Kairo. Es wurde 1931 in der Nähe von Medinet Habu in den Ruinen des Gedenktempels des nächsten Machtantritts, des Pharao Aye, entdeckt. Damit stellt sich die heikle Frage nach der Existenz eines Totentempels von Tutanchamun.

Alles, was von Tutanchamuns angeblichem Totentempel in Medinet Habu übrig geblieben ist. Es ist wahrscheinlicher, dass der Bau von seinem Vorgänger, König Aye, in Auftrag gegeben wurde, wenn man bedenkt, dass er in den Jahren, als er den Thron bestieg, fortgeschritten war.

Als Herrscher soll Aye seinen Namen über den seines Vorgängers geschnitzt haben. Nachdem er jedoch nach kurzer Regierungszeit gestorben war, bestieg der Militärkommandant Horemhab den Thron, usurpierte diese Statue, meißelte Ayes Kartuschen auf der hinteren Säule aus und ließ stattdessen seinen Namen darauf schreiben. Dies ist die Geschichte, an die viele der Welt glauben.

Die Schwierigkeit zu verstehen, wer auf dieser königlichen Statue abgebildet ist, liegt daran, dass das Gesicht von Tutanchamun nicht ungewöhnlich ist. Das einzige Problem ist, dass sie allgemein umbenannt werden; fast ausschließlich mit dem von Horemhab. Der renommierte Amarna-Experte Dr. Aidan Dodson teilte seine Erkenntnisse mit dem gegenwärtigen Autor: „Es gibt jetzt erhebliche Zweifel, ob sie jemals Tutanchamun gehörten – die Palimpsest-Texte stammen von Ay, und es scheint viel wahrscheinlicher zu sein, dass sie übernommen wurden. situ mit dem Tempel, anstatt von Tutanchamuns nie lokalisiertem Gedenktempel übertragen zu werden.“

In Übereinstimmung mit dieser Annahme sagt der britische Ägyptologie-Forscher Dylan Bickerstaffe: „Es ist nur die Jugend der Statuen, die zur Zuschreibung von Tutanchamun geführt hat. Sie sehen ihm nicht wirklich ähnlich. Alles andere, was im Ay/Horemheb-Tempel gefunden wurde, war von diesen beiden. Es gibt Bereiche mit Bodenbelägen usw., die in situ am Standort überlebt haben. Es mag von Tutanchamun übernommen worden sein, aber Horemhab hat die Denkmäler seiner Vorgänger gut an sich gerissen, und Säulen von diesem Ort tragen eindeutig seine Namen. Die Statuen könnten Tutanchamun sein, aber sie sind nicht „typisch“ und könnten Ay oder natürlich Horemhab sein.“

Der führende Ägyptologe Dr. Peter Lacovara stellt jedoch abweichend von dieser Ansicht fest: "Ray Johnson untersuchte die Statuen und glaubt, dass sie Aye darstellen, nicht Tutanchamun, aber die Steinbrüche wurden möglicherweise von Tutanchamun für den von ihm gegründeten Tempel begonnen."

Diese gigantische Quarzit-Statue hat im Laufe der Jahre viel Verwirrung hinsichtlich der Identität des Königs verursacht, den sie darstellt; wobei die meisten Leute annehmen, dass es das Ebenbild von Tutanchamun darstellt. Nach dem Studium des Palimpsests glauben die Gelehrten jedoch jetzt, dass es keine Beweise dafür gibt, dass es den Jungen-Pharao darstellt, sondern Aye, von dem Horemheb es an sich gerissen hat.

In der Vergangenheit glaubte man, dass Tutanchamun nach seiner Rückkehr von Amarna nach Theben den Bau einer großen Leichenhalle in Medinet Habu angeordnet hatte, die sich nördlich des Grabtempels des Königs der zwanzigsten Dynastie, Ramses III., befindet. Obwohl Ausgrabungen hier in den 1930er Jahren insgesamt neun Fundamentablagerungen ergaben, wurden alle Objekte gefunden, die den Namen des Nachfolgers des Knabenkönigs Aye als Pharao trugen.


Ägyptische Kunst und Architektur

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Ägyptische Kunst und Architektur, die alten Baudenkmäler, Skulpturen, Gemälde und angewandten Kunsthandwerke, die hauptsächlich während der Dynastie der ersten drei Jahrtausende v. Chr. in den Niltalregionen Ägyptens und Nubiens entstanden. Der Kunstverlauf in Ägypten verlief weitgehend parallel zur politischen Geschichte des Landes, er hing aber auch vom tief verwurzelten Glauben an die Beständigkeit der natürlichen, von Gott bestimmten Ordnung ab. Künstlerische Leistung sowohl in der Architektur als auch in der darstellenden Kunst zielte auf die Bewahrung von Formen und Konventionen ab, die die Vollkommenheit der Welt im ursprünglichen Moment der Schöpfung widerspiegeln und die richtige Beziehung zwischen Mensch, König und dem Pantheon der Götter verkörpern . Aus diesem Grund erscheint die ägyptische Kunst äußerlich resistent gegen Entwicklung und individuelle künstlerische Beurteilung, aber ägyptische Kunsthandwerker jeder historischen Epoche fanden unterschiedliche Lösungen für die an sie gestellten konzeptionellen Herausforderungen.

Für die Zwecke der Definition ist „altes Ägypter“ im Wesentlichen gleichbedeutend mit dem pharaonischen Ägypten, der dynastischen Struktur der ägyptischen Geschichte, so künstlich sie auch sein mag, die einen bequemen chronologischen Rahmen bietet. Die charakteristischen Perioden sind: Prädynastik (ca. 6. Jahrtausend v. Chr. – ca. 2925 v. Chr.) Frühdynastische (1.–3. Dynastien, ca. 2925–ca. 2575 v. Chr.) Altes Reich (4.–8. Dynastien, ca. 2575–ca. 2130) v. Chr. ) Erste Mittelstufe ( 18.–20. Dynastien, 1539–1075 v. Chr.) Dritte Mittelstufe (21.–25. Dynastien, ca. 1075–656 v. Chr.) und Spät (26.–31. Dynastien, 664–332 v. Chr.).

Geografische Faktoren haben den besonderen Charakter der ägyptischen Kunst geprägt. Indem er Ägypten mit dem vorhersehbarsten landwirtschaftlichen System der Antike versorgte, bot der Nil eine Stabilität des Lebens, in der Kunst und Handwerk leicht florierten. Ebenso trugen die Wüsten und das Meer, die Ägypten von allen Seiten schützten, zu dieser Stabilität bei, indem sie fast 2000 Jahre lang ernsthafte Invasionen verhinderten. Die Wüstenhügel waren reich an Mineralien und feinen Steinen, die von Künstlern und Handwerkern ausgebeutet werden konnten. Nur gutes Holz fehlte, und die Ägypter veranlaßten die Notwendigkeit, ausländische Expeditionen in den Libanon, nach Somalia und durch Zwischenhändler ins tropische Afrika zu unternehmen. Im Allgemeinen bestimmte die Suche nach nützlichen und kostbaren Materialien die Richtung der Außenpolitik und die Einrichtung von Handelswegen und führte schließlich zur Bereicherung der ägyptischen materiellen Kultur. Zur weiteren Behandlung, sehen Ägypten Religionen des Nahen Ostens, alt.


Materialien und Metalle

Die vorherrschenden Materialien zur Herstellung von ägyptischem Schmuck waren Gold und Kupfer. Die Massen konnten sich das Kupfer leisten, der Adel entschied sich für Gold. Beide wurden in nubischen Wüsten abgebaut und waren reichlich vorhanden. Silber wird bei Ausgrabungen durch Ägypten sehr selten entdeckt - jede Verwendung war auf seinen Import zurückzuführen, da Silber im alten Ägypten nicht verfügbar war. Juweliere verwendeten Gold in Grautönen bis hin zu Rotbraun und Rosé. Die Farbvariation war auf die Beimischung von Elementen wie Kupfer, Eisen oder Silber in das Gold zurückzuführen.


Der wesentliche Leitfaden für moderne Pyramiden

Die Pyramiden der Antike sind einige der beständigsten Ikonen der Vergangenheit unseres Planeten. Von den Überresten der Maya-Zivilisation bis hin zu den berühmten Monumenten Ägyptens und sogar im Osten bis nach Kambodscha wurde die Pyramidenform von Menschen zu Jahrhunderten bewundert.

Pyramiden spielen immer noch eine große Rolle in der modernen Architektur, und während einige diese antiken Weltwunder imitieren oder darauf verweisen, verwenden andere die Pyramidenform um und stellen sich die Formen der Antike in zeitgenössischen städtischen Umgebungen neu vor.

Im folgenden Leitfaden betrachten wir sieben der weltweit beeindruckendsten — und oft umstrittensten — modernen Pyramiden.

DIE PYRAMIDENARENA
Memphis, Tennessee, USA

Unser Guide beginnt mit einem Monument, das als sechstgrößte Pyramide der Welt gilt. Mit einer Höhe von 321 Fuß fällt die Pyramid Arena in Memphis, Tennessee, direkt hinter altägyptische Bauwerke wie die Große Pyramide von Gizeh und die Rote Pyramide von Dahshur.

Die Pyramid Arena in Memphis, Tennessee (Foto von Jeremy Atherton, via Wikimedia)

Der ursprüngliche Entwurf für die Pyramiden-Arena enthielt eine Statue von Ramses II., die als “Ramesses der Große,” oder “Ozymandias” in Erinnerung geblieben ist. Im Jahr 2011 wurde die Statue entfernt und steht jetzt auf dem Gelände der Universität von Memphis.

In Anlehnung an den Namensgeber der Stadt — Memphis, der alten Hauptstadt Unterägyptens, wurde das Gebäude als Sportarena entworfen. Dieser riesige Komplex am Ufer des Mississippi wurde 1991 erbaut und bietet Platz für über 20.000 Zuschauer.

Wo immer es ein riesiges Multi-Millionen-Dollar-Projekt in Form einer Pyramide gibt, wird es natürlich unweigerlich “Illuminati”-Theorien geben. Im Fall der Memphis-Pyramide oder der “Great American Pyramid”, wie sie konzipiert wurde, gibt es Gerüchte, die den Geschäftsmann hinter dem Gebäude — John Tigrett— an schattenhafte Sekten der Neuen Weltordnung binden.

Die Pyramid Arena von der Main Street aus gesehen   (Foto von Thomas R Machnitzki, via Wikimedia)

Der Radiomoderator und Verschwörungstheoretiker  Alex Jones  behauptet, dass sowohl John Tigrett als auch sein Sohn Isaac in das Okkulte verwickelt waren und greift eine populäre Theorie auf, die 1991 kursierte: Arbeiter, die am Bau der Pyramide beteiligt waren, wurden angeblich dafür bezahlt, zu schweißen eine seltsame Metallbox an der Innenseite der Spitze. Je nachdem, welche Geschichte man hört, wurde die Box von schwarz gekleideten Männern geliefert, und die ganze Prozedur musste im Schutz der Nacht stattfinden.

So seltsam diese Geschichten auch klingen, die Memphis-Flyer berichtete, dass ein Team von Bezirksbeamten schließlich an die Spitze der Pyramide ging, um Nachforschungen anzustellen. Dort fanden sie 300 Fuß über dem Mississippi eine Metallbox, die an einen Balken geschweißt war. In der Metallkiste befand sich eine Holzkiste, in der sich eine Samtkiste befand, die einen kleinen Kristallschädel enthielt.

Als er zu dem Fund befragt wurde, behauptete Isaac Tigrett, — selbst Mitbegründer des Hard Rock Café —, es sei Teil eines zukünftigen Werbegags, der als “The Egyptian Time Capsule” bezeichnet wurde der Kristallschädel hätte dazu gedient, die Energie der Pyramide zu aktivieren, und ohne seine “spirituelle Batterie” war der Veranstaltungsort schließlich zum Scheitern verurteilt.

Nun, der Untergang, von dem sie sprachen, erwies sich als wahr genug.

Ein Problem mit Entwässerungspumpen in der Eröffnungsnacht der Pyramide führte zu einer schweren Überschwemmung der Arena, und das Personal musste die Bühne und ihre Stromkabel sandsacken, um einen Stromschlag für die Gäste zu verhindern. Es stellte sich auch heraus, dass die Pyramide, die als NBA-Austragungsort beworben worden war, nicht den NBA-Standards entsprach – und die Kosten für den Umbau der Arena so hoch waren, dass es sich als billiger herausstellte, stattdessen das 1994er FedExForum zu bauen.

Andere Projekte wurden in den Jahren danach versucht — und aufgegeben —, und die Pyramid Arena wurde seit 2004 nicht mehr regelmäßig als Sportstadion genutzt , die unglückliche Geschichte des Veranstaltungsortes hat der Arena ihren lokalen Spitznamen — das “Tomb of Doom”  . eingebracht

DER PALAST DES FRIEDENS UND DER VERSöhnung
Astana, Kasachstan

In Fortsetzung des Themas der Illuminati-Plots führt uns unsere nächste Pyramide bis nach Kasachstan und zum  Palast des Friedens und der Versöhnung, das architektonische Juwel in der Krone der Hauptstadt der Nation.

Astanas Palast des Friedens und der Versöhnung (Foto: Darmon Richter)

Nach ihrem Bruch mit der Sowjetunion im Jahr 1991, während andere Staaten der ehemaligen UdSSR unter einer weit verbreiteten wirtschaftlichen Depression litten, hatte Kasachstan das Glück, stattdessen auf Öl zu stoßen. Das Land gab seine ehemalige Hauptstadt Almaty auf – eine Stadt im Südosten nahe der Grenze zu China – und baute stattdessen die brandneue Hauptstadt Astana.

In den nächsten zehn Jahren gab Präsident Nasarbajew Milliarden von Petrodollars für das Projekt aus und engagierte einige der renommiertesten Architekten der Welt, darunter den britischen Sir Norman Foster, der für den Entwurf der Pyramide im Herzen der Stadt verantwortlich war.

Der Palast des Friedens und der Versöhnung wurde zwischen 2004 und 2006 erbaut und bildet mit einer Höhe von 62 Metern und einer Grundfläche von 62 Metern ein perfektes Dreieck. Bei lokalen Temperaturen von plus bis minus 40 Grad Celsius zwischen Sommer und Winter mussten Ingenieure die Pyramide über einem Stahl- und Betonskelett bauen, das extremer Kontraktion und Ausdehnung standhält.

 
Im Konferenzraum der obersten Etage der Pyramide (Foto von ingalatvia/Flickr-Benutzer)

Das Gebäude enthält in seiner untersten Ebene ein Opernhaus mit 1.500 Sitzplätzen sowie Bildungseinrichtungen und einen runden Tisch in der Spitze, der von Fenstern mit Bildern von fliegenden Tauben umgeben ist, auf denen der kasachische Kongress tagt. Sein Design soll “alle religiösen Glaubensrichtungen der Welt anerkennen.”

Verschwörungstheoretikern zufolge (z. B. denen von xlivescom) ist das Pyramidendesign jedoch eine „Repräsentation der Philosophie der Eingeweihten“. Es wird behauptet, dass das Gebäude die esoterischen Prinzipien von Pythagoras und anderen Lehrern der Antike verkörpert Mysterienschulen, einschließlich starker Themen der Sonnenanbetung. In vielen dieser Theorien werden Verbindungen zwischen Sonnenanbetung und Diabolismus gezogen, basierend auf der biblischen Definition von Luzifer als „der Lichtbringer, der Morgenstern“. Beispiel für einen “Sonnentisch.”

Isoliert betrachtet, wären solche Theorien vielleicht leicht zu verwerfen, aber diese Ideen gewinnen an Dynamik, wenn man die angebliche Illuminati-Symbolik von Astana genauer betrachtet.

Die Stadt ist wirklich ein Traumziel für Verschwörungstheoretiker, ihre futuristische Architektur mit einer reichen Symbolik von scheinbar esoterischem Charakter. Das Stadtzentrum soll zum Beispiel den Grundriss eines Freimaurertempels widerspiegeln: ein weites offenes Gebiet, das mit karierten Fliesen verziert ist, der Präsidentenpalast in der östlichen Position (der Punkt, der für den Stuhl des Großmeisters in einem Freimaurertempel reserviert ist) ), die von zwei riesigen goldenen Säulen flankiert wird.

Natürlich kann das alles Zufall sein oder auch ein wissendes Nicken der Architekten. Viele werden Ihnen jedoch sagen, dass die Stadt Astana eines der großen Machtzentren der kommenden Neuen Weltordnung werden wird.

ALEXANDER GOLOD’S PYRAMIDE
Moskau, Russland

Die beiden vorherigen Einträge in diesem Handbuch heben die oft berichtete Bedeutung der Pyramidensymbolik in den esoterischen Traditionen hervor. Die Verbindung selbst ist jedoch mehr als bloße Ästhetik, und viele gehen davon aus, dass in der Pyramidenform eine einzigartige strukturelle Kraft — oder Energie — zu finden ist.

Die Moskauer Pyramide (Foto von renidens)

Im Internet wimmelt es von Theorien, dass die Pyramiden des alten Ägypten (sowie optisch ähnliche Strukturen in Mexiko und Kambodscha) nach einem außerirdischen Design gebaut wurden. Es gibt andere Theorien, die darauf hindeuten, dass die Pharaonen Ägyptens Zugang zu Elektrizität hatten und dass die Pyramiden in Wirklichkeit riesige Kraftwerke waren. Zahlreiche Ideen wie diese wurden im 20. Jahrhundert verbreitet und führten zu umfangreichen Studien über die "Pyramidenenergie". Der französische Okkultist Antoine Bovis entwickelte in den 1930er Jahren eine solche Theorie. Populäre Geschichten besagen, dass er die Große Pyramide von Ägypten besuchte und feststellte, dass die Kadaver von Tieren, die in der Pyramide gestorben waren, keine Anzeichen von Verfall zeigten. Bovis selbst widerlegte später den Mythos und sagte, er sei noch nie in Ägypten gewesen, obwohl er bei Experimenten mit selbstgebauten Papppyramiden überzeugende Ergebnisse beobachtet hatte.

Im Jahr 1949 begann der tschechische Unternehmer Karel Drbal, inspiriert von den Schriften von Bovis, mit der Vermarktung seines Rasiergeräts “Pharaoh’s versprach, dass sie für immer scharf bleiben würden. Drbals Arbeit wurde später von den Autoren Sheila Ostrander und Lynn Schroeder in ihrem Buch   . präsentiertPsychische Entdeckungen hinter dem Eisernen Vorhang.

Innenansicht der Pyramide von Alexander Golod (via Atlas Obscura)

Wie man sich vorstellen kann, hat die “Pyramid Power”-Theorie mehr als ihren gerechten Anteil an Kritikern. Dennoch wurde es eine Zeitlang zu einem beliebten Forschungsweg bei denen, die nach erneuerbaren Energiequellen suchen. Der ukrainische Rüstungskonzern Alexander Golod beschloss, diese Theorien im großen Stil auf die Probe zu stellen und eine 50-Fuß-Fiberglaspyramide etwa eine Stunde außerhalb von Moskau zu bauen.

Eine offizielle Website berichtet über eine Reihe beeindruckender Ergebnisse, die durch Studien mit Alexander Golods Design der “Golden Section Pyramids” erzielt wurden

Laut der Website: Die Exposition in der Pyramide stärkte das Immunsystem der Organismen, sie erhöhte die Eigenschaften der getesteten Medikamente (während die damit verbundenen Nebenwirkungen verringert wurden), radioaktive Quellen, die der Pyramidenenergie ausgesetzt waren, wurden weniger gefährlich, während die verschiedenen exponierten Bakterien und Viren verloren gingen viel von ihrer pathogenen Stärke. Pflanzensamen, die in der Pyramide platziert wurden, erzielten eine Ertragssteigerung von 30-100%, während die russischen Militärradare eine prominente “Energiesäule” über der Struktur entdeckten —, die “erwartungsgemäß repariert wurde die Ozonschicht in Russland.” Eine verwandte Studie setzte kristalline Strukturen der Pyramidenenergie aus, bevor sie um Gefängnisse herum platziert wurde. Das berichtete Ergebnis war ein drastischer Rückgang von gewalttätigem und kriminellem Verhalten innerhalb der Institutionen.

Alexander Golod’s Goldener Schnitt Pyramide (Foto von Kolya Pynti)

Die Ergebnisse zu den Pyramiden von  Alexander Golod’ wurden zwar von der Russischen Akademie der Wissenschaften unterstützt, aber aufgrund begrenzter oder unbefriedigender Beweise haben sie noch keine starke Unterstützung durch die internationale wissenschaftliche Gemeinschaft gefunden. Es kann also noch eine Weile dauern, bis Krankenhäuser und Gefängnisse im Westen die Form riesiger Pyramiden annehmen.

DIE LOUVRE-PYRAMIDE
Paris, Frankreich

Eine bekanntere Pyramide ist in der Glasstruktur vor dem Louvre in Paris zu sehen.Diese ikonische Struktur besteht aus einer großen Glas- und Metallpyramide, umgeben von drei kleineren Pyramiden, die zwischen ihnen den Mittelpunkt des “Cour Napoléon bilden.”

Innenhof des Louvre-Museums mit der Pyramide (Foto von Alvesgaspar, via Wikimedia)

Das größte dieser Bauwerke, das 1989 fertiggestellt wurde, wird allgemein als Louvre-Pyramide (oder “Pyramide du Louvre”) bezeichnet und dient heute als Haupteingang des Museums und ist eines der bemerkenswertesten Wahrzeichen der Stadt.

Der chinesisch-amerikanische Architekt des Gebäudes, I. M. Pei, behauptete, dass das Design von einem Spalier inspiriert wurde, das er im angrenzenden Jardin des Tuilleries gesehen hatte, und dass die Louvre-Pyramide in keiner Weise mit den Denkmälern des alten Ägyptens verwandt war. Bei näherer Betrachtung ist die Louvre-Pyramide jedoch eine hervorragende Annäherung an die Konturen der Großen Pyramide von Gizeh – gradgenau.

Die Louvre-Pyramide löste in den 1980er Jahren nach der Veröffentlichung einer offiziellen Broschüre Kontroversen aus. Zweimal auf den Seiten der Broschüre wurde behauptet, der Bau sei aus 666 einzelnen Glasscheiben gebildet. Diese Zahl wurde später von zahlreichen Zeitungen zitiert und wurde zu einem weit verbreiteten Missverständnis.

Im Inneren der Louvre-Pyramide (Foto von Vinceesq, via Wikimedia)

Wie wir bereits gesehen haben, wurde die Pyramidenform oft mit dem Okkulten in Verbindung gebracht. Stellen Sie sich also die Aufregung unter Verschwörungstheoretikern vor, als sie erfahren, dass die Glasscheiben in der Louvre-Pyramide insgesamt 666 betragen: die biblische “Zahl des Tieres.& #8221

Die Pyramide wurde 1984 vom damaligen französischen Präsidenten François Mitterrand in Auftrag gegeben. Der Anführer soll zumindest ein Sympathisant der Freimaurer gewesen sein, was zu breiten Spekulationen über die Motive hinter seiner Pariser Pyramide führte. Schließlich hat die Stadt eine lange Geschichte der Zusammenarbeit mit den Freimaurern und viele argumentieren immer noch, dass das Handwerk eine Schlüsselrolle in der Französischen Revolution spielte.

In einem Buch von 1998 mit dem Titel François Mitterrand, Grand Architecte de l’Univers (François Mitterrand, großer Architekt des Universums), stellte Dominique Stezepfandt fest, dass “die Pyramide einer Macht gewidmet ist, die im Buch der Offenbarung als das Tier beschrieben wird. […] Die gesamte Struktur basiert auf der Zahl 6.”

Der Louvre und seine Pyramide bei Nacht  (Foto von Benh Lieu Song, via Wikimedia)

Abgesehen von den Offenbarungen ist die Vorstellung, dass die Louvre-Pyramide 666 Scheiben aufweist, tatsächlich falsch. Eine offizielle Erklärung des Louvre-Museums beziffert sie auf 673, und dieselbe Zahl kann mit einfacher Mathematik erreicht werden.

Die “Number of the Beast”-Theorie tauchte 2003 kurz wieder auf, als Dan Brown die Louvre-Pyramide in seinem Bestseller vorstellte Der da vinci code. Sein Protagonist Robert Langdon kommentiert, dass die Pyramide “auf die ausdrückliche Forderung von Präsident Mitterrand’ Er hat einfach seine Hausaufgaben nicht gemacht — ist jedermanns Vermutung. 

DAS RYUGYONG-HOTEL
Pjöngjang, Nordkorea

Von internationalen Medien als “Phantompyramide,” das “Hotel of Doom” und sogar das “schlechteste Gebäude in der Geschichte der Menschheit” Pyongyang’s Ryugyong Hotel has . bezeichnet berüchtigt für seine langen Jahre des Verfalls, und obwohl es sich nicht um eine Pyramide handelt, hat sich diese pyramidenförmige Struktur dennoch auf unsere Liste gesetzt.

Der Name “Ryugyong” bedeutet ins Englische “Capital of Willows”, ein alter koreanischer Name, der verwendet wird, um die Stadt Pjöngjang selbst zu bezeichnen. Nach seiner Fertigstellung sollte der großzügige Komplex eine Fülle von Unterkünften, Geschäften und Büros enthalten, die von fünf aufeinanderfolgenden Etagen mit sich drehenden Restaurants gekrönt wurden.

Es sollte das höchste Hotel der Welt sein und mit insgesamt 105 Stockwerken auf einer Höhe von 330 Metern das Projekt rechtzeitig zur geplanten Eröffnung 1989 fertiggestellt haben, wäre es gelungen. Bis 2009, mit der Fertigstellung des Rose Towers in Dubai, würde es kein anderes Hotel geben, das diese Höhe erreichen würde.

Der Ryugyong im Bau im Jahr 2007 (Foto von pricey/Flickr-Benutzer) 

Der Bau des Ryugyong Hotels begann 1987 im Herzen der nordkoreanischen Hauptstadt. Die Einsiedler-Nation ist berühmt für ihre konkurrenzfähigen architektonischen Aussagen – Pjöngjang war zu dieser Zeit bereits die Heimat des höchsten freistehenden Steinturms der Welt (dem Juche-Turm) sowie des höchsten Triumphbogens der Welt. Mit dem Ryugyong stießen sie jedoch auf einen Stolperstein.

Der Bau wurde 1992 eingestellt, wahrscheinlich beeinflusst durch den Fall der Sowjetunion im Vorjahr, dass Nordkorea enge wirtschaftliche Beziehungen zur UdSSR hatte, und der Zusammenbruch der UdSSR hatte finanzielle Auswirkungen auf viele seiner Verbündeten.

Die nächsten 16 Jahre sollte der Ryugyong als nacktes Betonskelett über die Stadt wachen. Das gescheiterte Projekt wurde zu einer nationalen Verlegenheit, sein Abbild wurde von Briefmarken verschrottet und aus Fotos mit Airbrush entfernt, als die Leute ihr Bestes taten, um den massigen, unvollendeten Riesen nicht zu bemerken.

Das Ryugyong Hotel aus nächster Nähe  (Foto von Simon Cockerell)

Erst 2008 wurde das Projekt wiedereröffnet und es liegt eine subtile Poesie darin, dass ein ägyptisches Telekommunikationsunternehmen – die Orascom Group – den Pachtvertrag für diese riesige Pyramide kaufte. Jetzt ist das Äußere des Ryugyong’s endlich in poliertem Glas ausgeführt, und mit einer großen Eröffnung des Komplexes ist in den nächsten Jahren zu rechnen.

Während der Zugang zum Inneren des Ryugyong — natürlich — stark eingeschränkt ist, gibt es eine Handvoll Westler, die einen Blick in das unfertige Hotel werfen durften. Die folgenden Fotos stammen mit freundlicher Genehmigung von Simon Cockerell von der Koryo Tours-Gruppe, die selbst regelmäßige Besucher der DVRK sind. Die Bilder zeigen das kolossale Ausmaß des Projekts sowie die spektakulären Ausblicke auf Pjöngjang, die das Ryugyong’s 100. bietet. 160stöckige Penthouse-Suiten.

In einem Flügel des Ryugyong Hotels   (Foto von  Simon Cockerell)

Blick aus den Fenstern des Ryugyong  (Foto von Simon Cockerell)

Die Stadt Pjöngjang, vom Ryugyong Hotel aus gesehen   (Foto von  Simon Cockerell)

NIMA-SAND-MUSEUM
Nima, Japan

Während wir gerade beim Thema Pyramiden aus dem Fernen Osten sind, ist das japanische ’er  Nima Sand Museum  in einer Reihe einzigartiger Glas- und Stahlkonstruktionen untergebracht, die unserer Liste nicht eine, sondern sechs weitere moderne Pyramiden hinzufügen.

Die Nima-Pyramiden (Foto von montkd)

Mit einer Grundfläche von 17 Metern und einer Höhe von 21 Metern ist die Hauptpyramide von Nima eine beeindruckende Vision am Horizont eines einst verschlafenen Fischerdorfes. Der für das Museum verantwortliche Architekt, der in Nima geborene Shin Takamatsu, erklärte die Höhe der großen Pyramide und behauptete, er wolle sie vom Grab seiner Mutter im Dorf aus sehen.

Das Museum wurde im März 1991 eröffnet und feiert die bizarren Eigenschaften des Sandes, der am nahe gelegenen Strand von Kotogahama gefunden wurde. Er enthält reiche Spuren von fein gemahlenem Quarz, der beim Betreten einen liedhaften Klang erzeugen soll.

Dies ist kein unbekanntes Phänomen — ähnliche Effekte wurden auch anderswo auf der Welt beobachtet, wie zum Beispiel die Dünen der Badain Jaran Wüste in China, ein Strand in Doha, Katar, und die singenden Sanddünen des Altyn Emel Nationalparks in Kasachstan .

In der japanischen Strandstadt Nima wird der Effekt jedoch in einer Reihe von Kunstinstallationen im Museum umgesetzt. Das Nima Sand Museum ist passend in einer Reihe von sechs Glaspyramiden untergebracht und zeigt eine Reihe von Glaskunstwerken wie Sonnenuhren, Uhren und Sanduhren – letztere hier besser bekannt als “Sandgläser.”

Es gibt auch Mineralien- und Fossilienexemplare sowie eine Reihe von interaktiven Ausstellungen und Workshops. Besucher sind eingeladen, die Geheimnisse der Herstellung von Sandkunst zu erlernen oder in einem Ateliergebäude neben dem Museum selbst Glas herzustellen.

Das vielleicht berühmteste aller Exponate im Nima Sand Museum ist jedoch die Sanduhr, die sich in der Spitze der höchsten Pyramide befindet. Das Glas misst von einem Ende zum anderen 5,2 Meter und einen Durchmesser von einem Meter, was ihm einen Platz im Guinness-Buch der Rekorde als größte Sanduhr der Welt einbrachte. Der darin enthaltene Sand wiegt ungefähr eine Tonne. 

Die Sanduhr in der Spitze der größten Pyramide (Foto von sleepytako/Flickr-Benutzer)

Das Glas wurde so gefertigt, dass es den Verlauf eines Jahres genau misst, und das Museum veranstaltet eine jährliche Feier rund um das Drehen der Sanduhr. Jedes Jahr zu Silvester dreht ein Team von 108 Männern und Frauen das Glas, ausgewählt nach ihren chinesischen Tierkreiszeichen. Die Zählung beginnt um Mitternacht von neuem, begleitet von der Abfeuerung von 1.000 Feuerwerkskörpern über dem Wasser.

DAS LUXOR-HOTEL
Las Vegas, Nevada, USA

Die letzte Pyramide auf unserer Liste führt uns zurück in die Vereinigten Staaten und zum berühmten Luxor Hotel and Casino in Las Vegas, Nevada. Dieses kolossale Gebäude wurde der Form der Großen Pyramide von Gizeh nachempfunden und ist mit einer Höhe von 365 Fuß heute das dritthöchste pyramidenförmige Bauwerk der Welt (hinter den Pyramiden von Gizeh und Khafre in Ägypten).

Der Luxor vom Flughafen aus gesehen (Foto von Jenny Lee Silver, via WikiMedia)  

Das Luxor Hotel wurde 1993 am Ende eines 18-monatigen, 375 Millionen Dollar teuren Bauprojekts der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Das in 30 Stockwerke unterteilte Gebäude wird von MGM Resorts betrieben und verfügt über 4.400 Zimmer, vier Swimmingpools, eine Hochzeitskapelle, Restaurants, Geschäfte, Nachtclubs und ein 120.000 Quadratmeter großes Casino.

Neben dem Pyramidengebäude selbst verfügt das Luxor Hotel and Casino über eine Nachbildung der Großen Sphinx von Gizeh – 100 Fuß hoch – sowie einen 140 Fuß hohen Obelisken im ägyptischen Stil. In der Spitze der Pyramide befindet sich der vermutlich stärkste Lichtstrahl der Welt: der Luxor Sky Beam.

Der Sky Beam ist seit Oktober 1993 in Betrieb und verwendet eine Reihe von 39 Xenon-Lampen, die mit Spiegeln angeordnet sind, um einen schmalen, intensiven Strahl zu erzeugen, der zum Himmel zeigt. In einer klaren Nacht ist der Strahl bis in Los Angeles sichtbar – eine Entfernung von 275 Meilen. Im Laufe der Jahre hat das Licht ein ganz neues Ökosystem geschaffen, das anscheinend unzählige Eulen, Fledermäuse, Motten und fliegende Untertassen anzieht.

Seit der Eröffnung des Luxor wurde ein stetiger Strom von UFO-Sichtungen am Himmel über der Pyramide gemeldet. In diesen Videos hat zum Beispiel ein in London ansässiger UFO-Enthusiast eine große Anzahl von Flugobjekten über der Pyramide aufgenommen, die in den Lichtstrahl ein- und ausweichen. Ähnliche Phänomene wurden seit der Eröffnung des Luxor gemeldet.

Während viele die Sichtungen als Vögel oder Fledermäuse erklärt haben, die sich von den Tausenden von Motten ernähren, die vom Himmelsstrahl angezogen werden, stimmt Jamie Marfleet von UFO Sightings Daily nicht zu.

Die Luxor’s Sphinx und Sky Beam  (Foto von Liam Richardson)

“Sie sind rund und bewegen sich schnell in das Leuchtfeuer hinein und wieder heraus,”, schrieb er auf seiner Website und argumentierte weiter, dass die “Kugeln keine Fledermäuse oder Vögel sind, weil sie keine Flügel haben und niemals flattern.& #8221

Als alternative Erklärung fügte er hinzu: „Die Spitze der ägyptischen Pyramiden soll in der Lage sein, Energie in einen Strahl zu kanalisieren und ihn irgendwo in die Ferne zu schießen […] vielleicht erwarten die Kugeln dasselbe von dieser. ”

ANDERE MODERNE PYRAMIDEN

Während dieser Leitfaden einige der berühmtesten — und umstrittensten — modernen Pyramiden der Welt behandelt, gibt es noch viel mehr da draußen. Schauen Sie sich als Epilog diese anderen Beispiele moderner Pyramidenarchitektur an: 

Walter Pyramid, Kalifornien, USA (Foto von Summum, via WikiMedia)

Kasaner Pyramide, Russland (Foto von Gradmir, über WikiMedia)

The Muttart Conservatories in Edmonton, Kanada (Foto von WinterforceMedia, über WikiMedia)

Die Summum-Pyramide, Salt Lake City, Utah, USA (über Atlas Obscura)

Das Einkaufszentrum Sunway Pyramid, Malaysia (Foto von Cmglee, über WikiMedia)


Pseudoarchäologie und der Rassismus hinter alten Aliens

Ein weiblicher ägyptischer Kopf mit einem länglichen Schädel ist wahrscheinlich eine Darstellung des Kindes von Amenophis IV. / Echnaton (1351-1334 v. Chr.) und ist eine Fälschung, die in der 18. Bild über die Creative Commons des Walters Art Museum).

An der antiken Stätte Hatnub, einem Steinbruch in der ostägyptischen Wüste unweit von Faiyum, haben Archäologen kürzlich ein Schlittenrampensystem entdeckt, mit dem Alabasterblöcke transportiert werden. Pfostenlöcher und eine Rampe mit Treppen auf beiden Seiten weisen darauf hin, dass die Vorrichtung es ägyptischen Baumeistern ermöglichte, schwere Blöcke steile Hänge hinauf und hinunter zu bewegen. Inschriften haben Archäologen des Institut français d’archéologie orientale und der University of Liverpool nun geholfen, diese bahnbrechende Technologie zumindest auf die Regierungszeit von Khufu zu datieren, der von 2589 bis 2566 v. Chr. regierte. Khufu ist als Pharao bekannt, der wahrscheinlich den Bau der Großen Pyramide von Gizeh in Auftrag gegeben hat. Die Entdeckung und Rekonstruktion der Rampe ermöglicht es uns, alte Bautechniken besser zu verstehen. Es zerschlägt auch die lang gehegte Randtheorie, dass die Blöcke so schwer und die Entfernungen, die sie zurücklegen müssten, so lang waren, dass Außerirdische die Pyramiden gebaut haben müssen.

Woher kommt eigentlich die Theorie, dass Außerirdische die Pyramiden bauen? Seit dem späten 19. Jahrhundert haben sich Science-Fiction-Autoren Marsianer und andere außerirdische Lebensformen vorgestellt, die große irdische Ingenieurleistungen vollbringen. Frühere außerirdische Theorien um Atlantis könnten Fantasien über das Bauen von Außerirdischen geweckt haben. Die substanziellsten Beweise für nicht-irdische Kreaturen kamen nach dem Erfolg von H.G. Wells.

Die Pyramiden von Gizeh (Ägypten) stehen oft im Mittelpunkt außerirdischer Theorien (Bild via Wikimedia von Ricardo Liberato).

Aus der Inbrunst rund um Wells's . Kapital schlagen Der Krieg der Welten, Der Astronom und Science-Fiction-Autor Garrett P. Serviss verfasste eine Quasi-Fortsetzung mit dem Titel Edisons Eroberung des Mars im Jahr 1898. Serviss postulierte, dass „Riesen des Mars“ große Blöcke bewegt und die Große Pyramide gebaut hatten. Er bemerkte sogar, dass die Sphinx marsianische Züge hatte. Edisons Eroberung war Teil einer Reihe von Science-Fiction-Werken, die Ende des 19. Thomas Edison war ein beliebter Held in diesen Science-Fiction-Fantasien, die viel später gemeinsam als Edisonades bezeichnet wurden.

Cover von Serviss’ Edison’s Conquest of Mars (1898) Illustration von G. Y. Kauffman (Bild über Wikimedia)

Die Popularisierung der Theorie der außerirdischen Architekten als wissenschaftlich begründet statt nur aus fiktionalen Grübeleien kann auf die 1968 erschienene Veröffentlichung des Buches durch den Schweizer Autor Erich von Däniken zurückgeführt werden Streitwagen der Götter? Ungelöste Geheimnisse der Vergangenheit. Ursprünglich auf Deutsch veröffentlicht und anschließend ins Englische übersetzt, war es eines der ersten im Volksmund verkauften Bücher, das darauf hinwies, dass außerirdische Lebensformen und nicht Menschen Strukturen errichteten, die mit unseren alten Zivilisationen verbunden waren. Bereits 1966 hatten Carl Sagan und Iosif S. Shklovskii in ihrem Buch spekuliert, dass es zu Kontakten mit Außerirdischen gekommen sein könnte Intelligentes Leben im Universum, aber von Däniken hat diese Theorie auf eine neue Ebene gehoben.

Dieses Jahr markiert den 50. Jahrestag der Veröffentlichung dieses Buches mit bis heute über 65 Millionen verkauften Büchern. Während seine Ideen für die meisten lächerlich sein mögen, ist die Schaffung von Zweifeln ein verderbliches und rhetorisches Mittel. Das Hinterfragen von Menschenbauprojekten in Streitwagen der Götter? bleibt ein Fundament für viele im Bereich der Pseudoarchäologie. Weit davon entfernt, harmlos zu sein, untergraben diese außerirdischen Theorien die Handlungsfähigkeit, Archäologie und den Intellekt nichteuropäischer Kulturen in Afrika und Südamerika sowie der Ureinwohner in Nordamerika, indem sie ihre Errungenschaften auslöschen.

Cover der übersetzten Ausgabe von Chariots of the Gods (Bild von Christo Drummkopf via Flickr), erstmals 1970 in den USA veröffentlicht

Eine starke Kombination aus Boulevardzeitung und Fernsehen trug dazu bei, dass von Dänikens Buch in den Vereinigten Staaten zu einem Bestseller wurde. Der Historiker der Pseudowissenschaft John Colavito hat bemerkt, dass das Buch zwar ein Bestseller in Europa wurde, es aber das Nationaler Erkundigers unterstreicht von Dänikens Werk durch eine in der Boulevardzeitung veröffentlichte Serie, die es 1970 den Lesern in den USA vorstellte. Drei Jahre später strahlte NBC eine Adaption des Buches mit dem neuen Titel aus Auf der Suche nach alten Astronauten (mit einer Besetzung aller weißen Männer), die Pseudotheorien der Archäologie und Wissenschaft für den breiten öffentlichen Gebrauch übersetzt und visualisiert.

Es ist bemerkenswert, dass sich viele (wenn auch nicht alle) außerirdische Theorien auf archäologische Strukturen an Stätten in Ägypten, Afrika, Südamerika und Nordamerika konzentrieren – eine Tatsache, die einige Akademiker dazu veranlasst hat, den Glauben an alte außerirdische Ingenieure als Pirschpferd für Rassismus zu betrachten . In einem Artikel für das Online-Journal The Conversation mit dem ziemlich offenen Titel „Racism is Behind Outlandish Theories about Africa’s Ancient Architecture“ ging Julien Benoit, ein Postdoktorand in Wirbeltierpaläontologie an der University of the Witwatersrand (Südafrika) auf den anhaltenden Schaden dieser ein Theorien:

Erstens versuchen diese Leute, ihre Theorien zu beweisen, indem sie die Welt bereisen und antike Artefakte entweihen. Zweitens verewigen und verbreiten sie die rassistische Vorstellung, dass nur Europäer – weiße Menschen – jemals zu solchen architektonischen Meisterleistungen fähig waren und sein werden.

Glaube kann tatsächlich zum Handeln führen. 2014 verunstalteten deutsche Pseudowissenschaftler und „Hobbyisten“ bei ihrer fehlgeleiteten Suche, um ihre außerirdischen Theorien zu beweisen, eine Khufu-Kartusche in der Großen Pyramide. Die Pyramiden von Gizeh und die Stätte Great Simbabwe werden von Pseudoarchäologen häufig als von außerirdischen Wesen erbaute Bauwerke zitiert, zusammen mit den Moai-Köpfen auf der winzigen Osterinsel vor der Küste Chiles.

Marsianer bauen die Sphinx als Porträt ihres eigenen Anführers in einer Illustration aus Edisons Eroberung des Mars von Serviss (Bild via Hathitrust)

Stonehenge, in der englischen Landschaft von Wiltshire, ist eines der wenigen Bauwerke, die von europäischen Vorfahren gebaut wurden und in diese Kategorie eingeordnet wurden Bauwerke, die angeblich von Außerirdischen gebaut wurden, obwohl im Originaldruck von Streitwagen der Götter? von Däniken spricht nicht mehr über die Stätte, als zu sagen, dass ihre massiven Steinblöcke aus Wales und Marlborough stammten. Auffällig ist das Missverhältnis von Spekulationen um außereuropäische gegenüber europäischen Strukturen. Wie der Mittelalterhistoriker Chris Reidel feststellte,

Genau das tut die antike Aliens-Theorie: Sie diskreditiert die Ursprünge von Zivilisationen und fast ausschließlich von nicht-weißen Zivilisationen. Die Leute mögen vermuten, dass Stonehenge von Außerirdischen gebaut wurde – aber deuten die [y] darauf hin, dass das Forum Romanum oder der Parthenon waren? Nein.

Wir müssen hinterfragen, was in diesen Fällen auf dem Spiel steht. Während für die Briten keine Gefahr besteht, dass ihr allgemeiner Intellekt oder ihre Fähigkeiten als Kultur in Frage gestellt werden, sind viele außereuropäische Kulturen historisch anfälliger für solche Fragen.

Wenn wir uns von Dänikens Werk ansehen, kann es kaum Zweifel geben, dass seine rassischen Überzeugungen seine außerirdischen Theorien beeinflusst haben. Nach einer kurzen Haftstrafe wegen Betrugs und dem Schreiben oder Aneignen des Materials für eine Reihe anderer Bücher, die seine alte Astronautentheorie entwickelten, veröffentlichte von Däniken Zeichen der Götter? im Jahr 1979. Hier werden viele seiner rassischen Ansichten am kühnsten zum Ausdruck gebracht. Der britische Archäologie-Offizier Keith Fitzpatrick-Matthews weist in seinem Bad Archaeology-Blog nur auf einige der vielen rassistischen Fragen und Äußerungen des Autors hin: „War die schwarze Rasse gescheitert und haben die Außerirdischen den genetischen Code durch Genchirurgie und dann Programmierung verändert? eine weiße oder eine gelbe Rasse?“ Er druckte auch Überzeugungen über die angeborenen Talente bestimmter Rassen: "Fast alle Neger sind musikalisch, sie haben Rhythmus im Blut." Auch von Däniken verwendet im Vergleich zu den „Kaukasiern“ konsequent den Begriff „negroide Rasse“.

Was bedeutet es, einer nicht-westlichen Zivilisation ihre Errungenschaften zu verweigern? Wie Everristo Benyera, Dozent am Department of Political Sciences an der University of South Africa, feststellte, ziehen es diese „westlichen Leugner“ vor, den alten Ägyptern oder dem Shona-Volk der Bantu-Zivilisation Handlungsfähigkeit und Fähigkeiten zu entziehen, anstatt ihre Intellektuellen anzuerkennen Eigentum an diesen Strukturen. In einem Kapitel über „Kolonialismus, der Diebstahl der Geschichte und das Streben nach Gerechtigkeit für Afrika“ bemerkte Dr. Benyera:

Westliche Leugner würden das Groß-Simbabwe lieber Außerirdischen zuschreiben, die nicht existieren, als sie dem Shona-Volk und den Afrikanern zuschreiben, die existieren und sie gebaut haben. Die Verweigerung des Shona-Volkes seines geistigen Eigentums, unter anderem der Ruinen von Great Simbabwe, Khami, ist Diebstahl der Geschichte.

Und während viele Theorien über antike Außerirdische für einen abwegigen und letztlich harmlosen Glauben oder Meme halten mögen, weist Benyera darauf hin, dass es ein bestehendes Spektrum westlicher Leugnung gibt, deren Bewohner versuchen, große Errungenschaften insbesondere afrikanischer Zivilisationen rückgängig zu machen und neu zuzuweisen.

Das Great Zimbabwe National Monument ist ein UNESCO-Weltkulturerbe und stammt aus der Zeit zwischen 1100 und 1450 n. Chr. Legenden sagen, dass es die Hauptstadt der Königin von Saba war. Es ist ein beeindruckendes Zeugnis der Bantu-Zivilisation der Shona (Bild von Simonchihanga über Wikimedia).

Für Benyera liegt ein Beispiel westlicher Verleugnung in den Schriften des Historikers Niall Ferguson. Benyera merkt an, dass Ferguson in seinem Buch die kolonialen Gaben der parlamentarischen Demokratie und der englischen Sprache an die von ihnen kolonisierten Länder hervorhebt Empire: Wie Großbritannien die moderne Welt erschuf. Wie von Däniken wurden Fergusons Ansichten durch Fernsehsendungen verbreitet. Eine sechsteilige Serie, auch genannt Empire: Wie Großbritannien die moderne Welt erschuf auf Kanal 4 ausgestrahlt, angeblich um die Veröffentlichung des Buches zu hypen. Zu argumentieren, dass Außerirdische vielen afrikanischen Zivilisationen großartige Strukturen gebracht haben, macht Errungenschaften zunichte, aber auch zu argumentieren, dass Kolonisten Geschenke (anstatt auferlegte Verpflichtungen) an die Nationen brachten, die sie kolonisierten.

Die als Geschenk der Zivilisation kodierte Kolonisation bleibt eine fest verankerte Verteidigung des Kolonialismus.

In den letzten Jahren haben Wissenschaftler auch außerhalb Afrikas zunehmend außerirdische Theorien als kulturelle Auslöschungen bezeichnet. Vor einem Jahr schrieb Christopher Heaney, Professor für lateinamerikanische Geschichte an der Pennsylvania State University, einen Artikel über den Rassismus hinter der Vorstellung, dass präkolumbianische Körper Beweise für außerirdisches Leben seien. Andere haben versucht, die rassistischen Theorien über einheimische Hügelbaukulturen zu zerstreuen.

In Kommentaren zu Hyperallergic bemerkte Morag Kersel, ein Archäologe an der DePaul University, die Verbindung zwischen alten Außerirdischen und der Idee, dass eine alte und überlegene Rasse ursprünglich Hügel wie die in Cahokia im südlichen Illinois gebaut hatte. Der Mythos unterstützte rassistische Politik und hat bleibenden Schaden angerichtet.

Es ist eine Erweiterung des Mythos des Hügelbauers aus dem 19. Jahrhundert. Auf keinen Fall konnten die nordamerikanischen Hügel und Artefakte von Menschen der First Nations hergestellt worden sein, es musste eine „außerirdische“ (nicht lokale) Rasse sein. Anstatt ein weißes Vorherrschaftsmodell aufzustellen, das möglicherweise nicht so populär war, führt von Däniken das „Alien“ weiter zu den „Aliens“ aus dem Weltraum.

Kersel merkte an, dass die Verwendung von Pseudowissenschaften, die die Errungenschaften der Kulturen der amerikanischen Ureinwohner widerrufen, ein trauriger Teil der amerikanischen Geschichte ist. Der Journalist Alexander Zaitchik wies in einem Artikel für das Southern Poverty Law Center darauf hin, dass im Amerika des 19. Es wurde von Andrew Jackson und anderen verwendet, um den Intellekt und die Fähigkeiten der Ureinwohner zu untergraben, als wir sie aus ihrem Heimatland vertrieben haben.

Die Geoglyphe „Astronaut“ in der Nazca-Wüste in Peru wurde von Erich von Däniken und anderen Außerirdischen zugeschrieben (Bild über Wikimedia).

Viele von Dänikens Theorien finden sich heute noch in Fernsehsendungen wie Alte Außerirdische auf dem Geschichtskanal. Seit 2009 zeigt die Show eine Mischung aus überwiegend weißen männlichen Verschwörungstheoretikern, die schädliche Fragen zur Legitimität menschlicher Beteiligung an archäologischen Strukturen stellen. Seit kurzem haben sie zumindest damit begonnen, echte Ägypter wie Ramy Romany zu integrieren. Trotz seiner Geschichte rassistischer Ansichten scheint Von Däniken immer noch ein bezahlter Produzent in der Show zu sein Alte Außerirdische.

Die meisten Ägyptologen sehen Shows wie Alte Außerirdische als ein Programm, das aus dem Bizarren Kapital schlägt, anstatt sich zu bemühen, durch und durch rassistisch zu sein. In ihren Kommentaren zu Hyperallergic bemerkte Salima Ikram, angesehene Universitätsprofessorin und Leiterin der Abteilung Ägyptologie an der American University in Kairo, dass selbst Ägypter, die den History Channel sehen, das Programm eher phantastisch als sachlich finden: Außergewöhnliches und Bizarres und wollen nichts zu Reales, da sie sich nach dem Fantastischen sehnen – schauen Sie sich die Arten von Filmen an, die gedreht werden und ihre Popularität.“ Für die meisten, die diese Programme sehen, geht es in der Tat um Eskapismus durch Verschwörungstheorien – und Internet-Meme.

Für andere mag die Anziehungskraft auf Bücher und das Fernsehen, die alte außerirdische Verschwörungen anpreisen, etwas rassistischer motiviert sein. In Kommentaren zu Hyperallergic, Robert Cargill, Assistenzprofessor für Religionswissenschaft und Klassik an der University of Iowa, der auch als akademisches Gegengewicht zu einer Reihe von Episoden von Alte Außerirdische, diskutierte die Rolle des Programms bei der Unterstützung rassistischer Ideen alter Fähigkeiten:

Es gibt eine zugrunde liegende ethnische Voreingenommenheit gegenüber Farbigen, die viele weiße Menschen nicht einmal erkennen, wenn die großartigen Errungenschaften der Antike Außerirdischen und nicht ihren rechtmäßigen Schöpfern zugeschrieben werden – den Vorfahren der modernen Ägypter, Iraker, Guatemalteken, Peruaner, usw. Das soll nicht heißen, dass der Glaube an die antike Alien-Theorie einen zu Rassisten macht. Wenn Sie jedoch die Errungenschaften der Vorläufer der dunkelhäutigen Völker Außerirdischen zuschreiben, weil Sie glauben, dass sie es unmöglich selbst geschafft haben, könnten die farbigen Menschen, die von diesen alten Innovatoren abstammen, als Rassisten wahrgenommen werden.

Wie Cargill und viele andere aufrichtige Akademiker jetzt deutlich machen, wird die Notwendigkeit für Wissenschaftler, Archäologen und Akademiker im Allgemeinen immer offensichtlicher, mit der Öffentlichkeit über die ethnischen Vorurteile der Pseudowissenschaft zu sprechen. Bereits 2015 diskutierte die Bioarchäologin Kristina Killgrove die Notwendigkeit, dass Archäologen pseudowissenschaftliche Mythen durch Öffentlichkeitsarbeit zerstreuen. Die öffentlich zugängliche Wissenschaft in den Geistes- und MINT-Bereichen kann als starke Widerlegung pseudowissenschaftlicher Erzählungen dienen, die im Fernsehen und online ausgestrahlt werden.

Im Juli wird die 50-jährige Jubiläumsausgabe von Streitwagen der Götter? wurde zusammen mit einem neuen Vorwort und danach vom Autor veröffentlicht. Bemerkenswert ist jedoch, dass die Satzzeichen, die den Buchtitel ursprünglich als Frage darstellten, jetzt entfernt wurden. Der Titel ist eher eine Aussage als eine Frage, aber es liegt an Archäologen, Historikern und der Öffentlichkeit, die heimtückischen Argumente, die er enthält, weiter zu hinterfragen.


Alte Mysterien der Klanglevitation

Die Mysterien und zahlreichen Möglichkeiten des Klangs faszinieren die Menschheit seit Jahrtausenden. Einstein dachte, nichts sei schneller als die Lichtgeschwindigkeit. Aber im Jahr 2007 entdeckte ein Team von US-Physikern, dass „superluminale akustische Schallwellen“ unter bestimmten Bedingungen Licht in Geschwindigkeit und Geschwindigkeit übertreffen können. Mit dieser Erkenntnis wurde das Potenzial der klangbasierten Technologie noch deutlicher.

Im Jahr 2014 nutzte ein japanisches Wissenschaftlerteam der Universität Tokio Schall, um Objekte, die so groß wie eine kleine Schraube waren, in der Luft schweben zu lassen und sie nicht nur auf und ab, sondern auch hin und her und von einer Seite zur anderen zu bewegen. Sie verwendeten eine Anordnung von vier Audiolautsprechern, die unhörbare Hochfrequenz-Schallwellen erzeugten, die sich in einem begrenzten Raum kreuzen. Die Überkreuzung dieser sich kreuzenden Wellen erzeugt &8220stehende&8221 Wellen. Einige stehende Wellen werden in konstanter Position gehalten und dienen als Aufhängungskraft, während andere Wellen verwendet werden, um ein schwimmendes Objekt in den stehenden Wellen zu stützen (siehe VIDEO unten).

Leider konnte die Wissenschaft immer noch nicht herausfinden, wie man größere schwerere Objekte schweben lässt. Die Geschichte deutet jedoch darauf hin, dass die alten Ägypter dieses Geheimnis möglicherweise bereits beim Bau der Pyramiden und anderer megalithischer Monumente gelüftet haben. Verfügten sie über eine fortschrittliche Form der Schalllevitation, um tausend Tonnen schwere Steine ​​zu bewegen?

Ich habe in dem Buch einen interessanten Bericht über die Klanglevitation gefunden Die verlorene Technik des schwedischen Bauingenieurs Henry Kjellson. Kjellson erzählt von den Erfahrungen, die sein Freund, ein Dr. Jarl, während seines Aufenthalts in einem tibetischen Kloster in den 1930er-Jahren machte.

“ In der Mitte der Wiese, etwa 250 Meter von der Klippe entfernt, befand sich eine polierte Felsplatte mit einer schüsselartigen Vertiefung in der Mitte. Die Schale hatte einen Durchmesser von einem Meter und eine Tiefe von 15 Zentimetern. Ein Steinblock wurde von Yak-Ochsen in diese Höhle manövriert. Der Block war einen Meter breit und eineinhalb Meter lang. Dann wurden 19 Musikinstrumente in einem 90-Grad-Bogen in einem Abstand von 63 Metern von der Steinplatte aufgestellt. Der Radius von 63 Metern wurde genau ausgemessen. Die Musikinstrumente bestanden aus 13 Trommeln und 6 Trompeten (Ragdons).

Acht Trommeln hatten einen Querschnitt von einem Meter und eine Länge von eineinhalb Metern. Vier Trommeln waren mittelgroß mit einem Querschnitt von 0,7 Meter und einer Länge von einem Meter. Die einzige kleine Trommel hatte einen Querschnitt von 0,2 Metern und eine Länge von 0,3 Metern. Alle Trompeten waren gleich groß. Sie hatten eine Länge von 3,12 Metern und eine Öffnung von 0,3 Metern. Die großen Trommeln und alle Trompeten waren auf Halterungen befestigt, die mit Stäben in Richtung der Steinplatte verstellt werden konnten.

Die großen Trommeln bestanden aus 1 mm dickem Eisenblech und hatten ein Gewicht von 150 kg. Sie wurden in fünf Abschnitten gebaut. Alle Trommeln waren an einem Ende offen, während das andere Ende einen Metallboden hatte, auf den die Mönche mit großen Lederknüppeln schlugen. Hinter jedem Instrument stand eine Reihe von Mönchen.

Als der Stein in Position war, gab der Mönch hinter der kleinen Trommel ein Zeichen, das Konzert zu beginnen. Die kleine Trommel hatte einen sehr scharfen Klang und war sogar zu hören, wenn die anderen Instrumente einen schrecklichen Lärm machten. Alle Mönche sangen und sangen ein Gebet und steigerten langsam das Tempo dieses unglaublichen Geräusches. Während der ersten vier Minuten passierte nichts, dann, als die Geschwindigkeit des Trommelns und der Lärm zunahmen, begann der große Steinblock zu schaukeln und zu schwanken, und plötzlich hob er mit zunehmender Geschwindigkeit in Richtung der Plattform in die Luft ab vor dem Höhlenloch 250 Meter hoch. Nach drei Minuten Aufstieg landete es auf der Plattform.

Ständig brachten sie neue Blöcke auf die Wiese, und die Mönche transportierten mit dieser Methode 5 bis 6 Blöcke pro Stunde auf einer etwa 500 Meter langen und 250 Meter hohen Parabelflugbahn. Von Zeit zu Zeit spaltete sich ein Stein, und die Mönche entfernten die gespaltenen Steine.”

Dieses Konto ist ziemlich unglaublich. Es erinnert mich an die biblischen Geschichten von “Trompeten”, die die Mauern von Jericho einstürzen lassen. Nikola Tesla sprach auch über Experimente, die er mit akustischen Schallwellen gemacht hatte, die im Gebäude seines New Yorker Labors ein Erdbeben auslösten. Er erzählte, wie die Balken im Gebäude zu zittern begannen, als ob ihre Molekularstruktur beeinträchtigt würde. Kein Zweifel, der Sound ist sehr kraftvoll. Aber hat es die Fähigkeit, die Schwerkraft zu neutralisieren?

Was meine Aufmerksamkeit in dem tibetischen Bericht erregte, war die Erwähnung der Verwendung einer großen Steinschale (unterstrichen). Ähnliche Steinbecken (eigentlich Quarz) wurden um die Pyramiden Ägyptens verstreut gefunden und ich erinnere mich, dass ich eines auf meiner letzten Reise dorthin im Dezember 2014 gesehen habe. Während ihr Zweck den heutigen Ägyptologen ein Rätsel bleibt, ist die Theorie, dass sie für Blutabnahme bei rituellen Opfern. Dies ist eine schwache Hypothese, da auf keinem der Steinbecken Spuren von Blut gefunden wurden. Diese Erklärung wird weiter dadurch widerlegt, dass jedes Becken drei Löcher hat, die sich in der Nähe des oberen Beckenrandes befinden, nicht am Boden. Diese Löcher waren nicht dafür gedacht, Blut von Tieren herauszulassen, die in den riesigen Becken platziert wurden. Wenn ja, wäre unten ein offensichtliches Abflussloch. Was oder wie wurden diese kuriosen Quarzbecken verwendet? Der Hinweis ist, dass sie aus Quarz bestehen, der eine piezoelektrische Ladung erzeugt, insbesondere wenn Druck oder Schall ausgeübt wird.

Autor und Forscher Dr. Alex Putney erklärt seine Einstellung zu den Schalen auf human-resonance.org:

“Die riesigen Quarzbecken haben auf jeder der vier Seiten des Quadrats ein Bohrloch Sockel der Instrumente, während die vergleichbaren Kalkstein-Exemplare nur auf einer Seite der quadratischen Blöcke drei maschinell gebohrte Löcher aufweisen. Die Durchmesser der Schalen scheinen einheitlich zu sein, was darauf hindeutet, dass sie Teil einer großen Anordnung waren, die einst die Pyramiden umgab, bevor sie von den ägyptischen Behörden in Gruppen für die heutige öffentliche Ausstellung gesammelt wurden.

Die identischen Abmessungen und Krümmungen der vielen Steinbecken mit perfekt wiedergegebenen geometrischen Formen lassen den Eindruck entstehen, als wären sie im Formenbau seriell gefertigt und nicht massiv abgebaut und geschnitzt. Zahlreiche Beweise für diese Tatsache wurden fast 30 Jahre lang von einem Großteil der akademischen Gemeinschaft ignoriert, obwohl sie in wissenschaftlichen Zeitschriften veröffentlicht wurden. Die Geopolymerforschung von Dr. Jacob Davidovits dokumentiert die geringere Dichte der Kalksteinblöcke der Großen Pyramide und zeigt, dass sie synthetisch gegossen wurden, wobei eine betonähnliche Aufschlämmung verwendet wurde, die sich ganz anders als alle natürlich sedimentierten Kalksteine ​​​​zusammensetzte. Die massiven Kalksteinblöcke der Pyramide enthalten eine exotische Beimischung aus Opal-CT, Hydroxy-Apatit und Silico-Aluminaten, die die natürliche Fähigkeit des Kalksteins verbessern, die gesamte atmosphärische Schallenergie in einen elektrischen Strom innerhalb der Kristalle umzuwandeln und ein starkes elektromagnetisches Feld um sich herum zu induzieren die Pyramidenstrukturen und in ihren Gängen und Kammern.

Der modulare Charakter der Blöcke deutet darauf hin, dass sie um die Pyramiden verteilt waren, da Teil der ursprünglichen ummauerten Anlage, die einst jede der drei Pyramiden auf dem Gizeh-Plateau umgab.

Die spezifische und ausschließliche Verwendung von piezoelektrischen Calcit- und Quarzkristallen für den Bau der Pyramiden selbst und der großen Becken, die sie einst in großer Zahl umgaben, hängt mit ihrer durchlässigen Fähigkeit zusammen, akustische Wellen zu bündeln und zu verstärken. Mechanische Biegung tritt in den Quarz- und Calcitkristallen als eine gleichmäßige strukturelle Verformung auf, die stehende Wellen innerhalb des Kristallgitters der Steine ​​​​erzeugt und schließlich ein starkes elektromagnetisches Feld aufbaut, das akustische Levitation ermöglicht.”

Ein ähnliches Geheimnis umgibt den Bau des berüchtigten Korallenschlosses in Florida in den USA. Das Korallenschloss ist ein Steingebäude, das von einem Mann ohne Hilfe gebaut wurde. Der lettische Amerikaner Edward Leedskalnin sagte, er habe die Techniken entdeckt, mit denen die Ägypter die Pyramiden gebaut haben.

Er benutzte auch ein schüsselartiges Gerät (siehe Bild) mit magnetischen Speichen. Er hat nie preisgegeben, was das runde Gerät war, noch seine Baugeheimnisse. Er brauchte 28 Jahre, um das Schloss von 1923 bis 1951 zu bauen, und er weigerte sich, ihn während seiner Arbeit zu sehen. Er baute die Burg komplett in Eigenregie, indem er mehr als 1.000 Tonnen Fels schnitzte. Er war dafür bekannt, nachts zu arbeiten, doch Nachbarn berichteten, sie hätten nie Baulärm gehört. Wenn er Schalllevitationsmethoden anwendete, waren die verwendeten Schallwellen für den Menschen nicht hörbar.

Der arabische Historiker Abul Hasan Ali Al-Masudi hat über die alten Ägypter geschrieben, die einen Metallstab benutzten, um auf Steine ​​zu schlagen, wodurch der Stein zum Schweben gebracht wurde. Die Steine ​​bewegten sich entlang eines umzäunten Wegs, der auf beiden Seiten des Weges mit Metallstangen gesäumt war. Die Metallstangen erzeugten Vibrationsfrequenzen, um den Steinen eine Laufbahn zu bieten. Ich habe keine Ahnung, wie Al-Masudi zu diesem Schluss gekommen ist oder ob es wahr ist oder nicht, aber die Verwendung des "Metallstabs" ist interessant.

Die altägyptischen Hieroglyphen zeigen oft einen Metallstab namens a War Zepter. Nur die Götter, Pharaonen und Priester durften solch ein heiliges Instrument tragen. Es symbolisierte “Macht und Herrschaft.” Der Boden sieht verdächtig aus wie eine Stimmgabel, die einige magnetische Eigenschaften gehabt haben könnte. Der Kopf des Zepters ähnelt einem Pteranodon, dem größten "fliegenden" Reptil, das jemals existiert hat. War es zu Ehren der fliegenden Götter, die große Gegenstände leicht in die Höhe tragen konnten? Dies würde erklären, warum nur die wenigen Mächtigen es tragen konnten.Es könnte verwendet worden sein, um eine Erdresonanz zu erzeugen, die irgendwie den Gravitationskräften trotzte. Die gesamte Wissenschaft der Gravitation und Antigravitation muss noch vollständig verstanden werden. Und ich bin sicher, dass die Antiker dieses Wissen in bewachten Händen hielten.

Die Zeit entschlüsselt alle Geheimnisse. Ich denke, wir kommen der Wiederentdeckung der Antworten auf diese verlorene Wissenschaft immer näher. Stellen Sie sich die Möglichkeiten vor, wenn auch wir große Steine ​​kurzzeitig aus der Schwerkraft befreien können. Ja, wir könnten buchstäblich Berge versetzen.

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Dr. Kathy Forti ist klinische Psychologin, Erfinderin des Trinfinity8 Technik und Autor des Buches, Fraktale Gottes: Die Nahtoderfahrung eines Psychologen und Reisen ins Mystische


Antike griechische Keramik

Die Keramik des antiken Griechenlands von c. 1000 bis c. 400 v. Chr. bietet nicht nur einige der markantesten Vasenformen der Antike, sondern auch einige der ältesten und vielfältigsten Darstellungen der kulturellen Überzeugungen und Praktiken der alten Griechen. Darüber hinaus ist die Keramik mit ihrer Haltbarkeit (auch wenn sie zerbrochen ist) und ihrer Attraktivität für Schatzsucher einer der großen archäologischen Überlebenden und daher ein wichtiges Werkzeug für Archäologen und Historiker bei der Bestimmung der Chronologie des antiken Griechenlands. Unabhängig von ihrem künstlerischen und historischen Wert war die überwiegende Mehrheit der griechischen Vasen, obwohl sie heute verstaubte Museumsstücke sind, eigentlich für den täglichen Gebrauch bestimmt und, um Arthur Lane zu paraphrasieren, sollte man sich vielleicht daran erinnern, dass sie auf einem Steinpflaster stehen und mit Wasser durchnässt sind , hätten sie einst in der mediterranen Sonne geglänzt.

Materialien & Produktion

Der Ton (keramos) zur Herstellung von Keramik (kerameikos) war in ganz Griechenland leicht erhältlich, obwohl der feinste attische Ton mit seinem hohen Eisengehalt war, der beim Brennen eine orangerote Farbe mit einem leichten Glanz und dem blassbraunen Korinthen ergab. Ton wurde in der Regel in Absetzbecken aufbereitet und veredelt, so dass je nach Gefäßtyp unterschiedliche Materialkonsistenzen erzielt werden konnten.

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Griechische Keramik wurde ausnahmslos auf der Töpferscheibe hergestellt und normalerweise in getrennten horizontalen Abschnitten hergestellt: dem Fuß, dem Unter- und Oberkörper, dem Hals und schließlich den Griffen, wenn nötig. Diese Abschnitte wurden dann nach dem Trocknen mit einem Ton-„Schlicker“ zusammengefügt und man kann in vielen Fällen die Abdrücke des Töpfers sehen, die auf der Innenseite des Gefäßes eingeprägt sind. Das Stück wurde dann wieder auf das Rad gelegt, um die Verbindungsmarken zu glätten und die endgültige Formgebung hinzuzufügen. Daher waren alle Vasen Unikate und die geringen Maßabweichungen zeigen, dass die Verwendung einfacher Werkzeuge und nicht ausgeschnittener Schablonen die Regel war.

Als nächstes wurde der Topf dekoriert. Dieser Vorgang hing vom damals en vogue Dekorationsstil ab, aber beliebte Methoden waren das Bemalen der Vase ganz oder teilweise mit einer dünnen schwarzen Klebefarbe, die mit einem Pinsel aufgetragen wurde, deren Spuren in vielen Fällen sichtbar bleiben. Diese schwarze Farbe war eine Mischung aus Alkalikali oder Soda, Ton mit Siliziumgehalt und schwarzem Eisenoxid von Eisen. Die Farbe wurde mit einem Fixiermittel aus Urin oder Essig auf den Topf geklebt, das in der Hitze des Ofens verbrannte und die Farbe an den Ton band. Eine andere, seltener verwendete Technik bestand darin, das Gefäß mit einer weißen Tonfarbe zu bedecken. Alternativ wurden nur Linien oder Figuren in Schwarz mit einer dickeren Version der oben erwähnten schwarzen Farbe hinzugefügt und mit einem steifen Pinsel oder einer Feder aufgetragen, wodurch ein leichter Reliefeffekt erzielt wurde. Kleinere Details wurden oft mit einer verdünnten schwarzen Farbe hinzugefügt, die eine gelbbraune Farbe, einen weißen Pfeifenton und ein dunkles Ocker- und Manganrot ergab. Die letzten beiden Farben neigten dazu, mit der Zeit abzublättern.

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Der fertige Topf war dann bereit, in den Ofen gestellt und bei einer Temperatur von etwa 960 °C gebrannt zu werden, was relativ niedrig ist und die „Weichheit“ der griechischen Keramik (im Vergleich zu beispielsweise chinesischem Porzellan) erklärt. Die Töpfe wurden mehrmals (im gleichen Ofen) gebrannt, um das gewünschte Finish und die gewünschte Farbgebung zu erreichen. Zuerst wurde der Topf in einem oxidierenden Feuer gebrannt, wobei eine gute Belüftung des Ofens dafür sorgte, dass das Orange/Rot des Tons zum Vorschein kam. Dann wurde der Topf in einem sauerstoffarmen Ofen (Reduktionsverfahren) durch Zugabe von Wasser oder feuchtem Holz in den Ofen erneut gebrannt. Dies sorgte dafür, dass die lackierten Farben, insbesondere das Schwarz, nachdunkelten. Ein dritter Brand, wiederum mit guter Belüftung, rötete den Ton des Topfes wieder, während die bemalten Stellen, die jetzt durch eine dünne Lasche geschützt waren, ihre ursprüngliche Farbe behielten. Dieser komplizierte Vorgang erforderte vom Töpfer offensichtlich ein ausgezeichnetes Timing, um die Vase nicht durch unangemessene Verfärbungen zu verderben.

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Töpfer & Maler

Maler und Töpfer (kerameus) waren in der Regel, wenn auch nicht immer, separate Spezialisten. Es bestanden jedoch dauerhafte Partnerschaften, etwa zwischen dem Töpfer Ergotimos und dem Maler Kleitas. Viele einzelne Töpfer und seltener Maler wurden mit Sicherheit durch ihre Signaturen identifiziert (am häufigsten als „. made this“), obwohl die Mehrheit der griechischen Vasen nicht signiert sind. Professor J. D. Beazley, der im 20. Jahrhundert n. Chr. arbeitete, identifizierte jedoch mehr als 500 unsignierte Künstler, die sich durch ihren besonderen Stil unterscheiden. Beazleys systematische und umfassende Katalogisierung der griechischen Keramik hat auch das Studium ihrer Entwicklung in Techniken, Designs und Dekoration ermöglicht.

Maler arbeiteten oft in kollektiven Werkstätten, im Allgemeinen unter der Aufsicht eines "Meister" Töpfers (was darauf hindeutet, dass Form für die Griechen tatsächlich wichtiger war als Dekoration). Obwohl Künstler frei von zentralisierter politischer Kontrolle oder Beschränkungen waren, wurden sie zweifellos von der Marktnachfrage nach bestimmten Stilen, Themen und Moden getrieben. Viele Töpfer und Künstler waren in ihrem Schaffen produktiv und in einigen Fällen können über 200 Vasen einem einzigen Künstler zugeschrieben werden. Die Mehrheit der Töpfer hätte nicht mehr verdient als jeder andere Handarbeiter und eine gute Vase kostete wahrscheinlich nur einen Tageslohn. Sicherlich wären jedoch einige Künstler sehr gefragt gewesen und ihre Waren wurden nicht nur lokal, sondern weit und breit im gesamten Mittelmeerraum verkauft. Die Töpfer selbst zogen manchmal in andere Städte, insbesondere in Kolonien, und nahmen oft ihren regionalen Stil mit. Es gab auch eine gewisse Rivalität zwischen den Künstlern, wie ein unterzeichneter Kommentar auf einer Vase anzeigte, „besser als Euphronias es jemals hätte tun können“.

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Formen

Obwohl uns die griechische Keramik ein breites Formenspektrum von Tassen über Teller bis hin zu massiven Amphoren bietet, blieben viele der Formen über Jahrhunderte relativ konstant. Dies liegt vor allem daran, dass griechische Töpfer Waren für den praktischen Gebrauch herstellten - Wein, Wasser, Öl und Parfüm - und sobald sich die optimale praktische Form entwickelt hatte, wurde sie kopiert und beibehalten. Trotz dieser Einschränkung in der Form konnten die griechischen Töpfer und Maler ihre Vielseitigkeit in der Dekoration der Vase ausdrücken.

Die gebräuchlichsten Keramikformen waren Amphoren zur Lagerung von Wein, groß Krater zum Mischen von Wein mit Wasser, Krüge (oinochoai) zum Einschenken von Wein, kylixes oder Stielbecher mit waagerechten Henkeln zum Trinken (besonders praktisch, wenn Sie beim Abendessen auf einer Liege einen Becher vom Boden heben), Hydra mit drei Griffen zum Halten von Wasser, skyphoi oder tiefe Schalen und lekythoi Gefäße zum Aufbewahren von Ölen und Parfums. Gerade weil diese Gegenstände für den praktischen Gebrauch bestimmt waren, sind Griffe (sofern vorhanden) in der Regel robuste Angelegenheit, dennoch gelang es dem Töpfer durch sorgfältig durchdachte Formen oft, diese Ergänzungen in die Gesamtharmonie des Gefäßes zu integrieren und wurde dabei mit subtilen . Hilfestellungen unterstützt dekorative Ergänzungen des Malers.

Dekorative Stile: Proto-geometrische Keramik

Die griechische Keramik, insbesondere in Bezug auf die Dekoration, hat sich im Laufe der Jahrhunderte entwickelt und kann in vier große Gruppen eingeteilt werden:

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Diese Gruppen oder Stile gingen jedoch nicht schlagartig von einem zum anderen über, sondern liefen teilweise jahrzehntelang zeitgenössisch. Außerdem kamen einige Stadtstaaten und Regionen entweder nur langsam an neue Stile heran oder bevorzugten einfach die Dekoration im "alten" Stil, lange nachdem sie anderswo nicht mehr produziert wurden. Darüber hinaus waren einige Städte und Regionen in ihrer Dekoration durchweg etwas exzentrisch (insbesondere Lakonien-Sparta, Zypern, Kreta und Böotien) und zogen es vor, ihren eigenen künstlerischen Weg zu gehen, anstatt die Stile der dominanteren Zentren wie Athen und zu imitieren Korinth.

Der erste unverwechselbare griechische Keramikstil erschien erstmals um 1000 v. Chr. oder vielleicht sogar noch früher. In der Technik erinnernd an die früheren griechischen Zivilisationen des minoischen Kretas und des mykenischen Festlandes, verwendete die frühe griechische Keramikdekoration einfache Formen, die sparsam verwendet wurden. Protogeometrische Keramik unterscheidet sich jedoch in ihrer Form von minoischen und mykenischen. Der Schwerpunkt der Vase wird nach unten verschoben (wodurch ein stabileres Gefäß entsteht), wobei die Füße und der Hals mehr artikuliert werden.

Die beliebtesten proto-geometrischen Designs waren präzise gemalte Kreise (mit mehreren an einem Zirkel befestigten Pinseln gemalt), Halbkreise und horizontale Linien in Schwarz und mit großen Flächen der Vase ausschließlich in Schwarz gemalt. Ein neues Motiv auf den Gefäßböden waren die aufrechten dreieckigen Spitzen, die Jahrhunderte überdauerten und zu einem festen Bestandteil der späteren schwarzfigurigen Keramikgestaltung wurden.

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Geometrische Keramik

Ab etwa 900 v. Chr. tauchte der volle geometrische Stil auf und begünstigte den rechteckigen Raum auf dem Hauptkörper der Vase zwischen den Griffen. Kühne lineare Designs (vielleicht beeinflusst von zeitgenössischen Korb- und Webstilen) erschienen in diesem Raum mit vertikalen Liniendekorationen auf beiden Seiten. Es war in dieser Zeit, dass das Maeander-Design zum ersten Mal auftauchte (vielleicht inspiriert von der Praxis, Blätter um den Rand von Metallschalen zu wickeln), das für immer mit Griechenland in Verbindung gebracht werden sollte und bis heute auf allem, vom Teller bis zum Strandtuch, stark ist. Der untere Teil der geometrischen Gefäße wurde oft schwarz bemalt und durch horizontale Linien vom Rest der Vase getrennt. Eine interessante geometrische Form entstand, die runde Dose mit flachem Deckel, auf der ein bis vier Pferde als Griff dienten.

Ab dem 8. Jahrhundert v. Chr. umfasste die geometrische Keramikdekoration stilisierte menschliche Figuren, Vögel und Tiere, wobei fast die gesamte Oberfläche der Vase mit kräftigen Linien und Formen in Braun und Schwarz bedeckt war. Gegen Ende der Periode im 7. Jahrhundert v. Chr. wurde in Korinth der sogenannte orientalisierende Stil populär. Mit ihren östlichen Handelsverbindungen eignete sich die Stadt die stilisierten Pflanzen (z. B. Lotus, Palme und Lebensbaum), Tierfriese (z. Der Rest Ostgriechenlands folgte diesem Beispiel und bevorzugte oft Rot auf weißem Slip-Hintergrund. Auch Athen folgte dem neuen Trend und verbreitete sich, indem zum Beispiel die Kykladen auch Töpferwaren in diesem neuen, freieren Stil herstellten, oft auf sehr großen Vasen und mit größerer Dekoration.

Am Ende des 7. Jahrhunderts v. Chr. erreichte die protokorinthische Keramik neue Höhen in Technik und Qualität. Die schwarzen stilisierten Figuren wurden immer präziser graviert und erhielten immer mehr Detail, Anmut und Kraft. Der gefeierte schwarzfigurige Keramikstil war geboren.

Schwarzfigurige Keramik

Obwohl zuerst in Korinth hergestellt, dann mit schönen Beispielen aus Lakonien und Süditalien (von euböischen Siedlern), waren es die Töpfer und Maler von Attika, die sich im schwarzfigurigen Stil vor allen anderen auszeichneten, und sie würden weitermachen dominieren den griechischen Markt für die nächsten 150 Jahre. Nicht alle Figuren wurden schwarz bemalt, da bestimmte Farbkonventionen übernommen wurden, wie Weiß für weibliches Fleisch und Purpurrot für Kleidung und Accessoires. Charakteristisch für den Stil ist ein größeres Interesse an feinen Details wie Muskeln und Haaren, die mit einem scharfen Instrument in die Figuren eingebracht wurden. Es sind jedoch die Körperhaltungen der Figuren, die auch die schwarzfigurige Keramik als Höhepunkt der griechischen Vasenmalerei auszeichnen. Den schönsten Figuren wird Anmut und Gelassenheit verliehen und oft in den Momenten vor der eigentlichen Bewegung oder dem Ausruhen nach Anstrengung illustriert.

Die berühmte Vase von Exekias, in der Ajax und Achilles während des Trojanischen Krieges ein Brettspiel spielten, ist ein hervorragendes Beispiel für die Würde und Energie, die schwarzfigurige Malerei erreichen konnte. Zudem erzählten schwarzfigurige Vasen oft erstmals eine Erzählung. Das vielleicht berühmteste Beispiel ist die Francois Vase, eine große Volute Krater von Ergotimos angefertigt und von Kleitas (570-565 v. Typische andere Gefäße des schwarzfigurigen Stils sind Amphoren, lekythoi, kylixes, schlichte Tassen, Pyxide (kleine Deckelschachteln) und Schalen.

Rotfigurige Keramik

Die schwarzfigurige Technik wurde um 530 v. Die beiden Stile waren für einige Zeit parallel und es gibt sogar "zweisprachige" Beispiele für Vasen mit beiden Stilen, aber die rotfigurige mit ihrem Vorteil des Pinsels gegenüber dem Stichel könnte versuchen, die menschliche Figur realistischer darzustellen, und schließlich wurde sie der bevorzugte Stil der griechischen Keramikdekoration. Vielleicht beeinflusst durch zeitgenössische Wandmalereitechniken, anatomische Details, verschiedene Gesichtsausdrücke, mehr Details in der Kleidung (insbesondere der Falten, nach der neuen Mode des Feuerzeugs) chiton Kleidung, die auch zeitgenössische Bildhauer faszinierte), verstärkte Versuche der Perspektivdarstellung, die Überlagerung von Figuren und die Darstellung des Alltags wie Bildungs- und Sportszenen sind charakteristisch für diesen Stil.

Die Formen rotfiguriger Gefäße entsprechen im Allgemeinen denen des schwarzfigurigen Stils. Eine Ausnahme ist die kylix die flacher wird und mit einem kürzeren Fuß fast zu einem dritten Griff wird. Außerdem ist die gemalte Erzählung durch Drehen des Bechers in der Hand zu lesen. Andere kleinere Modifikationen sind die Hydra, die in der Figur etwas fülliger wird und die schlankere Halsamphore. Lekythoi aus dieser Zeit hatten meist einen weißen Hintergrund, ebenso (seltener) Tassen und Schachteln.

Neue Medien

Im vierten Jahrhundert v. Chr., vielleicht beim Versuch, die Neuerungen in der Perspektive zeitgenössischer Fresken zu kopieren, würde der rotfigurige Stil seine Grenzen offenbaren und Vasen zu überfüllten Szenen mit seltsamen schwebenden Perspektiven verkommen. Bezeichnenderweise wäre die Keramikmalerei nicht mehr untrennbar mit der von ihr verzierten Form verbunden und würde damit als eigenständige Kunstform aufhören zu existieren. Folglich würden sich künstlerische Aufmerksamkeit und Exzellenz von den Beschränkungen der Keramik auf andere offenere Medien wie die Wandmalerei wenden.

Abschluss

Zusammenfassend können wir also sagen, dass uns die griechische Keramik nicht nur einige der markantesten, einflussreichsten und schönsten Formen und Designs der Antike gegeben hat, sondern uns auch einen Einblick in das Leben, die Praktiken und den Glauben eines Volkes gegeben hat längst vergangen sind und von denen wir sehr oft keine zeitgenössischen schriftlichen Aufzeichnungen haben. Diese Alltagsgegenstände ermöglichen es uns, im Gegensatz zu den anderen archäologischen Überlebenden in Literatur, Skulptur und Architektur, den gewöhnlichen Menschen der Antike ein wenig näher zu sein, denen, die sich keine schöne Kunst oder kostbaren Schmuck leisten konnten, sich aber dem Besitz eines fein gemachten Objekt wie eine griechische Vase.


Ägyptische Kunst (3100 v. Chr. - 395 n. Chr.)


Säulenhalle, Karnak-Tempel,
Luxor. (Begonnen im 16. Jahrhundert v. Chr.)
Das Foto zeigt deutlich die
gewaltige Ausmaße von monumentalen
Ägyptische Architektur, die
lässt alles, was aufgerichtet wird, zwergenhaft werden
Zeit in Europa.


Szene aus dem Buch der Toten
(Theben-Dynastie um 1000 v. Chr.)

Die ägyptische Kultur, ein wichtiger Beitrag zur spätneolithischen Kunst, ist wahrscheinlich die bekannteste Form der antiken Kunst im Mittelmeerraum vor dem Aufkommen der griechischen Zivilisation (ca. 600 v. Chr.). Alte ägyptische Architektur, zum Beispiel, ist weltberühmt für das Außergewöhnliche Ägyptische Pyramiden, während andere einzigartige Merkmale der Kunst des alten Ägyptens die auf Bildern und Symbolen basierende Schreibschrift (Hieroglyphen) und seinen akribischen hieratischen Stil der Malerei und Steinbildhauerei. Die ägyptische Zivilisation wurde durch die Geographie des Landes sowie die politischen, sozialen und religiösen Bräuche der Zeit geprägt. Geschützt durch seine Wüstengrenzen und getragen von den Gewässern der Nil, Das ägyptische Kunsthandwerk entwickelte sich über viele Jahrhunderte weitgehend ungehindert (durch äußere Invasionen oder innere Unruhen). Die Pharao (ursprünglich „Palast“) wurde als göttlicher Herrscher verehrt (angeblich die Inkarnation des Gottes Horus), behielt aber typischerweise eine feste Kontrolle durch eine strenge bürokratische Hierarchie, deren Mitglieder oft nach Verdienst ernannt wurden.

Für einen zeitgenössischen Vergleich siehe: Mesopotamische Kunst (ca. 4500-539 v. Chr.) und Mesopotamische Skulptur (ca. 3000-500 v. Chr.). Für orientalische Malerei, Keramik und Skulptur siehe: Chinesische Kunst. Siehe auch: Neolithische Kunst in China (ab 7500) und auch: Traditionelle chinesische Kunst.

Die ägyptische Kunst hatte eine zweifache Funktion. Zuerst zu verherrlicht die götter - einschließlich des Pharaos - und erleichtern den Übergang des Menschen ins Jenseits. Zweitens, die Werte des Tages zu behaupten, zu propagieren und zu bewahren. Aufgrund der allgemeinen Stabilität des ägyptischen Lebens und der Kultur zeichneten sich alle Künste – einschließlich der Architektur und Bildhauerei sowie der Malerei, der Metall- und Goldschmiedekunst – durch ein äußerst konservatives Festhalten an traditionellen Regeln aus, die Ordnung und Form gegenüber Kreativität und künstlerischem Ausdruck bevorzugten. Dekorative Kunst umfasste die ersten Beispiele der Nail Art.


Fayum Mumienporträt (Louvre)
Von ca. 100-200 CE, nach den Regeln
der Malerei waren entspannt unter dem
Einfluss der griechischen Kunst.

KUNST DES ISLAM
Für einen kurzen Überblick über die muslimische Kunst
siehe: Islamische Kunst.

Zeitleiste des alten Ägypten

1. Dynastie (2920-2770 v. Chr.)

Pharaonen
Horus Aha
DJ (Itit)
Djet (Wadj)
Höhle (Udimu)
Anendjib
Semerchet
Qa'a

2. Dynastie (2770-2650 v. Chr.)

Pharaonen
Hetepsekhemwy
Reneb
Ninetjer
Peribsen
Khasekhemwy

3. Dynastie (2650-2575 v. Chr.)

Pharaonen
Sanachte
Netjerykhet (Djoser)
Sachemchet (Djoser Teti)
Khaba
Huni

Zeitleiste des alten Ägypten

Die ägyptische Kultur hat sich über dreitausend Jahre entwickelt, ein Zeitraum, der normalerweise wie folgt unterteilt ist:

Die Frühdynastische Zeit Die Altes Königreich (2680­2258 v. Chr.) Die Mittleres Königreich (2134-1786 v. Chr.) Die Neues Königreich (1570­1075 v. Chr.), einschließlich der umstrittenen Amarna-Zeit von König Amenhotep (Echnaton) (1350­1320 v. Chr.). Danach kam ein Zwischenzeit bis zum Ptolemäische Ära (323-30 v. Chr.) und die Zeit der römischen Herrschaft (30 v. Chr. - 395 n. Chr.).

Die altägyptische Zivilisation wird durch die Pyramiden symbolisiert, von denen die meisten während der Zeit des Alten und Mittleren Reiches gebaut wurden, als die Macht des Pharaos absolut war. Auch heute noch wird die volle Bedeutung dieser Grabdenkmäler und Gräber von Archäologen und Ägyptologen nur unzureichend verstanden. Die Große Pyramide von Gizeh (um 2565 v. Chr.) zeugt von der sozialen Organisation und dem architektonischen Einfallsreichtum der altägyptischen Kultur und bleibt das einzige überlebende Mitglied der Sieben Weltwunder der Antike, wie sie vom griechischen Dichter Antipater von Sidon zusammengestellt wurden.

Ägyptische Künstler und Handwerker

Ägyptische Bildhauer und Maler waren keine Künstler im modernen Sinne eines kreativen Individuums. Die altägyptische Kunst war vielmehr das Werk bezahlter Handwerker, die ausgebildet wurden und dann im Team arbeiteten. Der führende Meister war zwar sehr vielseitig und in der Lage, in vielen Kunstzweigen zu arbeiten, aber sein Anteil an der Herstellung einer Statue oder der Dekoration eines Grabmals war anonym. Er würde seine Assistenten bei der Arbeit anleiten und bei der Ausbildung von Novizen helfen, aber sein persönlicher Beitrag kann nicht bewertet werden. Künstler aller Stufen ihres Handwerks arbeiteten zusammen. Die anfängliche Umrissskizze oder Zeichnung würde von einem oder mehreren ausgeführt, denen dann andere folgten, die die Zwischen- und Endstufen schnitzten. Maler würden auf die gleiche Weise folgen. Wo Szenen unvollendet geblieben sind, kann man die Korrekturen sehen, die von weniger erfahrenen Handwerkern an der Arbeit weniger erfahrener Hände vorgenommen wurden. Viele Meister erreichten Positionen von Einfluss und gesellschaftlicher Bedeutung, wie wir sie von ihren eigenen Grabdenkmälern kennen. Imhotep, der Architekt, der die Stufenpyramide für König Zoser (2660-2590 v. Es wurde jedoch angenommen, dass der Kredit für jedes Kunstwerk dem Auftraggeber zusteht, der es in Auftrag gegeben hatte.

4. Dynastie (2575-2467 v. Chr.)

Pharaonen
Snefru
Cheops (Cheops)
Djedefre
Khafre
Menkaure
Shepseskaf

5. Dynastie (2465-2323 v. Chr.)

Pharaonen
Userkaf
Sahur
Neferirkare Kakai
Shepseskare Ini
Neferefre
Niuserre Izi
Menkauhor
Djedkare Izezi
Unas

6. Dynastie (2323-2152 v. Chr.)

Pharaonen
Teti
Pepy ich
Merenre Nemtyemzaf
Pepy II

1. ZWISCHENZEITRAUM
(7.-11. Dynastien)
(2150-1986 v. Chr.)

Pharaonen
Netrikare
Menkar
Neferkare II
Neferkare III
Djedkare II
Neferkare IV
Merenhor
Menkamin I
Nikar
Neferkare V
Neferkahor
Neferkare VI
Neferkamin II
Ibi ich
Neferkaure
Neferkauhor
Neferirkare II
Neferkare
Kheti
Merihathor
Merikare

11. Dynastie (1986-1937 v. Chr.)

Pharaonen
Inyotef ich
Inyotef II
Inyotef III
Mentuhotep I
Mentuhotep II
Mentuhotep III
Mentuhotep IV

12. Dynastie (1937-1759 v. Chr.)

Pharaonen
Amenemhet I
Senusret I
Amenemhet II
Senusret II
Senusret III
Amenemhet III
Amenemhet IV
Neferusobek

2. ZWISCHENZEITRAUM
(13.-17. Dynastien)
(1759-1539 v. Chr.)

Pharaonen
Wegaf
Amenemhat-senebef
Sekhemre-khutawi
Amenemhat V
Sehetepibre I
Iufni
Amenemhat VI
Semenkare
Sehetepibre II
Sewadjkare
Nedjemibre
Sobekhotep I
Reniseneb
Hor ich
Amenemhat VII
Sobekhotep II
Khendjer
Imira-Mesha
Antef IV
Seth
Sobekhotep III
Neferhotep I
Sihathor
Sobekhotep IV
Sobekhotep V
Iaib
Ja
Ini ich
Sewadjtu
Ined
Hori
Sobekhotep VI
Deduen I
Ibi II
Hor II
Senebmiu
Sekhanre I
Merkheperre
Merikare

Die ägyptische Zivilisation war hochreligiös. So beinhalten die meisten ägyptischen Kunstwerke die Darstellung vieler Götter und Göttinnen - von denen der Pharao einer war. Darüber hinaus führte der ägyptische Respekt vor Ordnung und konservativen Werten zur Aufstellung komplexer Regeln für die Darstellung von Göttern und Menschen durch Künstler. In der Figurenmalerei zum Beispiel wurden die Größen der Figuren rein anhand des sozialen Status der Person berechnet und nicht nach den üblichen künstlerischen Regeln der linearen Perspektive. Die gleiche Formel für die Bemalung der menschlichen Figur wurde über Hunderte, wenn nicht Tausende von Jahren verwendet. Kopf und Beine immer in Profilaugen und Oberkörper von vorne gesehen. Für ägyptische Skulpturen und Statuen besagten die Regeln, dass männliche Statuen im Sitzen dunkler sein sollten als weibliche, die Hände des Subjekts sollten auf Knien liegen. Auch Götter wurden entsprechend ihrer Stellung in der Götterhierarchie und immer in der gleichen Gestalt dargestellt. Horus (der Himmelsgott) wurde beispielsweise immer mit einem Falkenkopf dargestellt, Anubis (der Gott der Bestattungsriten) wurde immer mit einem Schakalkopf dargestellt.

Auch die Verwendung von Farbe in ägyptischen Gemälden wurde geregelt und symbolisch verwendet. Ägyptische Künstler verwendeten in ihren Gemälden sechs Farben: Rot, Grün, Blau, Gelb, Weiß und Schwarz. Rot, die Farbe der Macht, symbolisierte Leben und Sieg, aber auch Wut und Feuer. Grün symbolisierte neues Leben, Wachstum und Fruchtbarkeit, während Blau Schöpfung und Wiedergeburt symbolisierte und Gelb das Ewige symbolisierte, wie die Qualitäten der Sonne und des Goldes. Gelb war die Farbe von Ra und allen Pharaonen, weshalb die Sarkophage und Begräbnismasken aus Gold bestanden, um den ewigen und ewigen Pharao zu symbolisieren, der jetzt ein Gott war. Weiß war die Farbe der Reinheit und symbolisierte alles Heilige und wurde typischerweise in religiösen Gegenständen und Werkzeugen verwendet, die von den Priestern verwendet wurden. Schwarz war die Farbe des Todes und repräsentierte die Unterwelt und die Nacht.

Einzelheiten zu den von Malern im alten Ägypten verwendeten Farbpigmenten finden Sie unter: Ägyptische Farbpalette.

Ägyptische Kunst und das Leben nach dem Tod

Fast alle erhaltenen Gemälde des alten Ägypten wurden in Gräbern der Pharaonen oder hoher Regierungsbeamter entdeckt und zeigen Szenen aus dem Leben nach dem Tod. Diese Bilder, die als Bestattungskunst bekannt sind, zeigten die Erzählung des Lebens nach dem Tod sowie Dinge wie Diener, Boote und Lebensmittel, die den Verstorbenen auf ihrer Reise durch das Leben nach dem Tod helfen. Diese Gemälde wurden auf Papyrus, auf Tafeln (mit Enkaustikfarbe) oder an Wänden in Form von Freskenmalereien (mit Tempera) ausgeführt. Darüber hinaus wurden Modelle (zB von Booten, Getreidespeichern, Metzgereien und Küchen) in das Grabmal aufgenommen, um das zukünftige Wohl des Verstorbenen zu gewährleisten.

Da der Geist den Körper bewohnte, war auch dessen Schutz vor Verfall entscheidend. Die Verwendung von eng gewickelten Bandagen zur Mumifizierung der Leiche und das Entfernen und Verpacken innerer Organe in Keramikkanopen und anderen opulenten Sarkophagen wurde unter der herrschenden Elite weit verbreitet. All diese Vorkehrungen trugen dazu bei, eine landesweite Industrie ägyptischer Künstler und Handwerker zu unterstützen, die an der Herstellung der erforderlichen Kunstwerke (Gemälde, Skulpturen, Töpferwaren, Keramik, Schmuck und Metallarbeiten) arbeiteten.

Die ägyptische Skulptur hatte eine hohe Symbolkraft und war für den größten Teil der ägyptischen Geschichte nicht naturalistisch oder realistisch. Skulpturen und Statuen wurden aus Ton, Holz, Metall, Elfenbein und Stein hergestellt – von denen Stein der dauerhafteste und am häufigsten vorkommende war. Viele ägyptische Skulpturen wurden in lebendigen Farben bemalt.

HINWEIS: Neben Pyramidenarchitektur, Steinskulpturen, Goldschmiedearbeiten und den Porträts der Fayum-Mumien sind ägyptische Handwerker insbesondere auch für ihre antike Keramik bekannt Ägyptische Fayence, eine nicht auf Ton basierende Keramikkunst, die sich ab 1500 v. Chr. In Ägypten entwickelte, obwohl sie in Mesopotamien begann. Die älteste erhaltene Fayence-Werkstatt mit modernen ausgekleideten Ziegelöfen wurde in Abydos in der Mitte des Nils gefunden. Ägyptische Fayence ist eine nicht auf Ton basierende Keramik aus pulverisiertem Quarz oder Sand, die mit einer glasigen Beschichtung bedeckt ist, die oft mit Kupferpigmenten hergestellt wird, um einen transparenten blauen oder blaugrünen Glanz zu verleihen. Siehe Keramik-Zeitleiste.

Die Herrschaft des Königs Amenophis (Echnaton) (1350­1320 v. Chr.)

Pharao Amenhotep IV (Ehemann von Königin Nofretete) löste eine Art Kulturrevolution in Ägypten. In den Kult des Amon (Amen) hineingeboren, einer Linie, die eine Vielzahl von Göttern verehrte, änderte er seinen Namen in Echnaton und führte, gestärkt durch seine Kontrolle über die Armee, nur die Verehrung von Aten, einem Sonnengott, ein. Die ägyptische Hauptstadt und der Königshof wurden nach Amarna in Mittelägypten verlegt. All dies führte zu einem radikalen Bruch mit der Tradition, insbesondere in den Künsten wie Malerei und Bildhauerei. Sie wurden naturalistischer und dynamischer als die statische, regelgebundene Kunst früherer Epochen. Insbesondere der Amarna-Kunststil zeichnete sich durch einen Sinn für Bewegung und Aktivität aus. Porträts ägyptischer Adliger wurden nicht mehr idealisiert, einige wurden sogar karikiert. Die Anwesenheit von Aten wurde in vielen Bildern durch eine goldene Scheibe dargestellt, die von oben herableuchtet.

Nach dem Tod von Echnaton wurde der nächste Pharao - das Kind Tutanchaten - überredet, nach Memphis zurückzukehren und seinen Namen in Tutanchamun zu ändern, wodurch er zu Amon zurückkehrte. Infolgedessen kehrten ägyptische Maler und Bildhauer weitgehend zu den alten Traditionen zurück, die ab 323 v. Chr. bis in die hellenistische Zeit andauerten.

HINWEIS: Um frühere Werke sumerischer Kunst aus dem Nahen Osten (ca. 3.000 v. Chr.) zu vergleichen, lesen Sie bitte die Ramme in einem Dickicht (um 2500 v. Chr., British Museum, London), Kniender Stier mit Gefäß (3.000 v. Chr., Metropolitan Museum, New York) und Die Guennol-Löwin (3000 v. Chr., Privatsammlung). Für zeitgenössische Skulpturen siehe zum Beispiel den geflügelten Stier und Löwen mit menschlichem Kopf (859 v. Chr.) aus Ashurnasirpals Palast in Nimrud und die Alabasterreliefs der Löwenjagd mit Ashurnasirpal II. 612 v. Chr.).

Hellenistische Ära (ca. 323-27 v. Chr.)

Der Einfluss der griechischen hellenistischen Kunst auf ägyptische Künstler, ein Prozess, der während der Ptolemäerzeit beschleunigt wurde, förderte die naturalistische Darstellung von Individuen in Gemälden und Skulpturen, ähnlich dem von Echnaton initiierten Prozess. Porträts wurden realistisch und die Farbregeln wurden gelockert. Dieser Trend wurde durch den praktischen römischen Kunststil weiter gefördert.

Das bekannteste Beispiel hellenistisch-ägyptischer Malerei während der klassischen Antike ist die Serie von Fayum Mumienporträts, vor allem um das Faiyum-Becken westlich des Nils in der Nähe von Kairo entdeckt. Fayum-Porträts waren eine Art naturalistische Porträtmalerei, die stark von der griechischen Kunst beeinflusst war, insbesondere der hellenistischen griechischen Malerei (323-27 v. Chr.). Durch die außergewöhnlich trockenen Bedingungen erhalten, stellen diese Gemälde den größten Einzelbestand an Originalkunst dar, der aus der Antike überlebt hat.

Sammlungen ägyptischer Kunstwerke zu sehen im Ägyptischen Museum, Kairo im British Museum, London im Louvre Museum, Paris im Agyptischen Museum, Berlin im Metropolitan Museum of Art, New York.

Pharaonen
Nehesi
Khatire
Nebfaure
Sehabre
Meridjefare
Sewadjkare
Heribre
Sankhibre
Kanefertemre
Neferibre
Ankhkare

Pharaonen
Salitis
Bnon
Apachnan (Khian)
Apophis (Auserre Apepi)
Khamudi

Pharaonen
Anat-Her
Benutzer-Anat
Semqen
Zaket
War ein
Qar
Pepi III
Bebankh
Nebmaatre
Nikare II
Aahotepre
Aaneterire
Nubankhre
Nubuserre
Khauserre
Khamur
Jacob-Baal
Yakbam
Yoam

Pharaonen
Antef V
Rahotep
Sobekemzaf I
Djehuti
Mentuhotep VII
Nebirau I
Nebirau II
Sperma
Suserenre
Sobekemzaf II
Antef VI
Antef VII
Tao ich
Tao II
Kamose

18. Dynastie (1539-1295 v. Chr.)

Pharaonen
Ahmose
Amenophis I
Thutmosis ich
Thutmosis II
Hatschepsut
Thutmosis III
Amenophis II
Thutmosis IV
Amenophis III
Amenophis IV. / Echnaton
Smenkhkare
Tutanchamun
Ay (Kheperkheperure)
Horemhab

Hinweis: Die Herrscher Ägyptens waren es nicht
von ihren eigenen Leuten Pharaonen genannt.
Dieses Wort wurde nur von den
Griechen und Hebräer. Jedoch,
heute ist es der akzeptierte Begriff für
für alle alten Könige von Ägypten.

19. Dynastie (1295-1186 v. Chr.)

Pharaonen
Ramses I
Seti I
Ramses II
Merenptah
Amenmesse
Seti II
Siptah
Tausert

20. Dynastie (1186-1069 v. Chr.)

Pharaonen
Setakht
Ramses III
Ramses IV
Ramses V
Ramses VI
Ramses VII
Ramses VIII
Ramses IX
Ramses X
Ramses XI

Ägyptische Malerei und Skulptur: Ein kurzer Überblick

Die frühesten Ritzfiguren und Reliefszenen stammen aus prähistorischer Zeit, als Schieferkosmetiktafeln und Kämme aus Holz, Knochen und Elfenbein in den Gräbern ihrer Besitzer beigesetzt wurden. Diese wurden in die einfachen, effektiven Umrisse von Arten geschnitzt, die den Menschen im Niltal vertraut sind - Antilopen, Steinböcke, Fische und Vögel. Aufwendigere Elfenbeinkämme und die Elfenbeingriffe von Feuersteinmessern, die wahrscheinlich einen zeremoniellen Zweck hatten, wurden im Relief geschnitzt, wobei sich die Szene von ihrem Hintergrund abhob.

Am Ende der prähistorischen Zeit Ägyptische Skulptur war unverkennbar, obwohl es bis zu diesem Zeitpunkt keine großen Baudenkmäler gegeben hatte, an denen das Können der Bildhauer gezeigt werden konnte. Aus den spärlichen Zeugnissen einiger Schnitzereien auf Knochen- und Elfenbeinfragmenten wissen wir, dass die Götter in Schreinen aus Schilfbündeln verehrt wurden. Die Häuptlinge des prähistorischen Ägyptens lebten wahrscheinlich in ähnlichen Strukturen, ähnlich denen, die man noch in den Sümpfen Südarabiens findet.

Die Arbeit der Bildhauer wurde in der Herstellung von zeremoniellen Keulenköpfen und Paletten gezeigt, die zum Gedenken an Siege und andere wichtige Ereignisse geschnitzt und den Göttern geweiht wurden. Sie zeigen, dass der unverwechselbare skulpturale Stil, der in allen späteren Epochen der ägyptischen Geschichte aufgegriffen wurde, bereits entstanden war und die Konvention, die menschliche Figur teils im Profil, teils in Frontalansicht zu zeigen, gut etabliert war. Die Bedeutung vieler Details kann noch nicht vollständig erklärt werden, aber Darstellungen des Königs als mächtiger Löwe oder starker Stier werden in dynastischer Zeit oft wiederholt.

Frühe königliche Reliefs, die den König zeigen, wie er seine Feinde schlägt oder in ritueller Pose vorwärts schreitet, sind etwas gestelzt, aber in der 3. Dynastie waren die Techniken bereits sehr fortgeschritten. Die meisten erhaltenen Beispiele sind aus Stein, aber die Holztafeln, die im Grab von Hesire in Sakkara (2660-2590 v. Chr.) Diese stehenden und sitzenden Figuren, die nach den Konventionen der ägyptischen Männlichkeitsideale geschnitzt wurden, betonten auf unterschiedliche Weise die verschiedenen Elemente der menschlichen Form. Kopf, Brust und Beine sind im Profil dargestellt, aber das sichtbare Auge und die Schultern sind wie von vorne gesehen dargestellt, während Taille und Hüfte in Dreiviertelansicht dargestellt sind. Diese künstliche Pose sieht jedoch nicht unangenehm aus, da die natürlichen Proportionen erhalten bleiben. Die Exzellenz der Technik, die sich in der feinen Modellierung der Gesichts- und Körpermuskulatur zeigt, verleiht dem, was sonst starr und streng erscheint, eine Anmut. Stolz und selbstbewusst blickt Hesire, der den Stab und das Zepter seines Ranges sowie die Palette und das Federmäppchen als Symbol seines Amtes als königlicher Schreiber trägt, in die Ewigkeit. Die Sorgfalt des Handwerkers hört nicht bei der Figur seines Gönners auf, denn auch die Hieroglyphen der Inschrift mit Namen und Titeln des Verstorbenen sind mit Feinheit und Sicherheit geschnitzt und stellen feine Miniaturdarstellungen der Tiere, Vögel, und Gegenstände, die in der altägyptischen Schrift verwendet werden. Die als Hieroglyphen verwendeten Tiere und Vögel werden im wahren Profil gezeigt.

Die großen Friedhöfe von Gizeh und Sakkara, auf denen die Adligen und Hofbeamten in der Nähe ihrer Könige begraben wurden, bieten viele Beispiele für das Können der Handwerker der 4., 5. und 6. Dynastie, das in späteren Zeiten selten erreicht wurde. Der Mittelpunkt dieser frühen Gräber war eine Steinplatte mit einer Darstellung des Verstorbenen, der vor einem Opfertisch saß. Letztere wurden normalerweise über der falschen Tür angebracht, durch die der Geist des Toten, genannt Ka, weiterhin das Grab betreten und verlassen konnte. Die Idee dahinter war, dass die magische Darstellung von Opfergaben auf den Stelen, aktiviert durch die richtigen religiösen Formeln, für den Rest der Ewigkeit existieren würde, zusammen mit dem Ka des Menschen, dem sie gemacht wurden.

In Einzelszenen oder wandfüllenden Werken von der Decke bis zum Boden hatte jede Figur ihren Platz und durfte ihren Platz nicht überschreiten. Eine der bemerkenswertesten Leistungen ägyptischer Handwerker war die natürliche und ausgewogene Ausfüllung des verfügbaren Raumes, so dass Szenen voller Leben nie beengt oder überfüllt wirken.

Die horizontalen Sequenzen oder Register von Szenen, die zu beiden Seiten der Grabstelen und falschen Türen in den Gräbern der 5. und 6. Dynastie angeordnet sind, sind voller lebendiger und natürlicher Details. Hier wurde das Alltagsleben von Bauern und Adligen für die Ewigkeit vom Handwerker eingefangen - die Aktion von Hirte und Fischer mittendrin eingefroren, damit der Besitzer des Grabmals immer vom täglichen Treiben seines Guts umgeben war. Die Themen sollten typisch für normale Ereignisse sein, eher vertraute Szenen als besondere Anlässe.

Ägyptische Handwerker verwendeten keine Perspektive, um Tiefe und Distanz zu suggerieren, aber sie etablierten eine Konvention, nach der mehrere Register mit jeweils eigener Grundlinie verwendet werden konnten, um eine Menschenmenge darzustellen. Die im untersten Register waren dem Betrachter am nächsten, die im höchsten am weitesten entfernt. Im Alten Reich gibt es eine Reihe dieser Szenen: Viele Opferträger bringen zum Beispiel einem verstorbenen Adligen an seiner Begräbnistafel die Produkte ihrer Güter, oder es werden Männertrupps gezeigt, die eine große Statue schleppen. Statuen, die in Reliefs dargestellt sind, wie die Hieroglyphen, werden in echt dargestellt
Profil, im Gegensatz zu den Figuren der Männer, die sie schleppen. Die vielleicht bekanntesten Szenen, die Nähe und Distanz zeigen, sind jedoch die gemalten Bankettszenen des Neuen Reiches, wo die zahlreichen Gäste in feinster Kleidung in dichter Reihe vor ihren Gastgebern sitzen.

Die Register könnten auch verwendet werden, um verschiedene Stadien einer sich entwickelnden Handlungssequenz darzustellen, ähnlich wie die Rahmen eines Comic-Strips. Im Alten Reich folgen die wichtigen Ereignisse des Landwirtschaftsjahres über die Mauern vieler Gräber hinweg: Pflügen, Säen, Ernten und Dreschen des Getreides werden getreu dargestellt. Die Hirten werden bei der Arbeit auf den Weiden gezeigt, die sich um das von den alten Ägyptern so geschätzte Vieh kümmern, während andere Szenen das Fangen von Wasservögeln in den Nilsümpfen und das Fischen im Fluss selbst zeigen.Andere häusliche Tätigkeiten wie Backen und Brauen, die ebenfalls für die ewige Existenz des verstorbenen Adligen wichtig sind, werden dargestellt. Andere Szenen zeigen Tischler, Töpfer und Juweliere bei der Arbeit.

In diesen Alltagsszenen konnte der Bildhauer seine Initiative ergreifen und sich ein Stück weit von Konventionen lösen. Der Tote und seine Familie mussten wie beschrieben in rituellen Posen präsentiert werden - überlebensgroß, streng proportioniert und immer ruhig und etwas distanziert.

Die Landarbeiter auf den Gutshöfen hingegen ließen sich bei ihren täglichen Bitten entspannter zeigen und fangen etwas von der Lebendigkeit und Energie ein, die die alten Ägypter geprägt haben muss. Während die Opferträger, die die Grabbeigaben der Stände an ihren Herrn symbolisieren, in förmlicher und herrschaftlicher Prozession auf ihn zurücken, wirken die Bauern bei der Arbeit auf den Feldern robust und kraftvoll. Sie lehnen sich an den Pflug und schlagen die Esel, hüten das Vieh und tragen kleine Kälber auf den Schultern, um die Gefahr von Krokodilen zu vermeiden, die in den Sümpfen lauern.

Die natürlichen Details, mit denen seltsame Ecken in diesen Grabszenen gefüllt werden, zeigen, wie viel Freude die altägyptischen Handwerker daran hatten, ihre Umgebung zu beobachten. Vögel, Insekten und Pflanzenklumpen wurden alle verwendet, um das Bild auszugleichen und zu vervollständigen. Die Ergebnisse scharfer Beobachtung zeigen sich in den Details, die die Vogel- und Fischarten unterscheiden, die sich im Schilf und seichten Wasser der Sümpfe drängen.

21. Dynastie (1070-945 v. Chr.)

Pharaonen
Smedes
Herihor
Amenemnisu
Piankh
Psusennes I
Pinedjem I
Amenope
Masaherta
Osochor
Menkheperre
Siam
Smendes II
Psusennes II
Pinedjem II
Psusennes III

22. Dynastie (945-712 v. Chr.)

Pharaonen
Shoshenq I
Osorkon I
Takelot
Shoshenq II
Osorkon II
Takelot II
Shoshenq III
Pami
Shoshenq IV
Osorkon IV

23. Dynastie (828-725 v. Chr.)

Pharaonen
Pedubaste I
Osorkon IV
Peftjauwybast

24. Dynastie (725-715 v. Chr.)

Pharaonen
Shepsesre Tefnakht I
Wahkare Bakenranef

25. Dynastie (712-657 v. Chr.)

Pharaonen
Piye
Shebaka
Shebitku
Taharqa
Tantamani

26. Dynastie (664-525 v. Chr.)

Pharaonen
Psammetichus I
Nekau II
Psammetichus II
Apries
Amasis
Psammetichus III

27. Dynastie (525-404 v. Chr.)

Pharaonen
Cambyses 525-522
Darius I. 521-486
Xerxes I 486-466
Artaxerxes I 465-424
Darius II 424-404

28. Dynastie (404-399 v. Chr.)

29. Dynastie (399-380 v. Chr.)

Pharaonen
Nepherite I
Psammuthis
Hakoris
Nepheriten II

30. Dynastie (380-343 v. Chr.)
Die letzten in Ägypten geborenen Herrscher

Pharaonen
Nectanebo I
Teos
Nectanebo II

31. Dynastie (343-332 v. Chr.)

Pharaonen
Ochus (Artaxerxes III)
Esel
Darius III. Codomannus

Von den Reliefs, die die königlichen Tempel der frühen 5. Dynastie schmückten, ist nur wenig überliefert, aber vom Grabtempel des ersten Königs Userkaf um 2460 v. Chr. stammt ein Fragment einer Jagdszene in den Sümpfen (Ägyptisches Museum, Kairo). . Die Luft über den anmutigen Köpfen des Papyrus-Schilfs ist von Vögeln belebt, und die zarte Schnitzerei macht sie auch ohne Farbzusatz leicht zu unterscheiden. Ein Wiedehopf, Ibis, Eisvogel und Reiher sind unverkennbar, und ein großer Schmetterling, der darüber schwebt, gibt den letzten Schliff.

Die Tradition des fein detaillierten Flachreliefs, die Figuren, die sich leicht vom Hintergrund abheben, setzte sich durch die 6. Von diesen sind nur wenige Fragmente erhalten, aber die Hieroglyphen, die in die kleine Kapelle von Sesostris I. eingemeißelt sind, die jetzt in Karnak rekonstruiert wurde, zeigen die sichere und zarte Berührung von Meisterhandwerkern. Im späten Alten Reich wurde das Flachrelief mit anderen Techniken wie dem Einschnitt kombiniert, bei dem gerade bei nichtköniglichen Denkmälern Linien einfach in den Stein geschnitten wurden, und das Ergebnis ist oft künstlerisch sehr ansprechend. Die Grabstele aus Kalkstein von Neankhteti, ca. 2.250 v. Chr., ist ein schönes Beispiel (Merseyside County Museums, Liverpool). Der größte Teil der Stele, die Figur und die darüber liegende horizontale Inschrift, sind flachreliefig, aber eine eingeschnittene vertikale Hieroglyphentafel wiederholt seinen Namen mit einem anderen Titel und dem Symbol für Schreiber, der Palette und der Feder, die für den Anfang benötigt werden beider Linien, wird nur einmal verwendet, und zwar an dem Punkt, an dem sich die Linien schneiden. Das Ergebnis ist ein perfekt ausbalanciertes Design und eine willkommene Variation der im Alten Reich geschnitzten Stelenarten.

Eine weitere Entwicklung zeigt die Stele von Hotep, die während des Reichs der Mitte, 2000-1800 v. Chr., geschnitzt wurde (Merseyside County Museums, Liverpool). Die Figuren von drei stehenden Beamten und die Hieroglyphenzeichen sind knackig in den harten roten Granit eingeschnitten. Ursprünglich waren die Zeichen und Figuren mit blauem Pigment gefüllt, um einen scharfen Kontrast zur polierten roten Oberfläche des Steins zu bilden.

Im Reich der Mitte kam die Verwendung von Senkreliefs in Mode und wurde in der 18. und frühen 19. Dynastie mit großem Erfolg eingesetzt. Der Hintergrund wurde nicht wie im Flachrelief weggeschnitten, um die Figuren über dem Niveau der restlichen Oberfläche stehen zu lassen. Stattdessen wurde das Reliefmuster in die geglättete Oberfläche des Steins geschnitten. Im starken ägyptischen Sonnenlicht würde sich das geschnitzte Detail gut abheben, aber das versenkte Relief war besser vor Witterungseinflüssen geschützt und daher haltbarer.

Die Malerei im alten Ägypten folgte einem ähnlichen Muster wie die Entwicklung von Szenen in geschnitzten Reliefs, und die beiden Techniken wurden oft kombiniert. Die ersten Beispiele der Malerei finden sich in der prähistorischen Zeit in den Mustern und Szenen auf Keramik. Wir sind für unsere Beweise sehr abhängig von dem, was überlebt hat, und Fragmente sind aufgrund der Zerbrechlichkeit des Mediums notwendigerweise wenige. Teile von zwei Szenen mit Figuren und Booten sind bekannt, eine auf Leinen und eine an einer Grabwand. An den Wänden der königlichen Gräber der 1. Diese Muster treten in der gesamten ägyptischen Geschichte auf vielfältige Weise immer wieder auf. Einige der schönsten sind an den Seiten der rechteckigen Holzsärge zu sehen, die in den Gräbern der Adligen des Mittleren Reiches in Beni Hasan und anderswo, ca. 2.000-1800 v. Chr., gefunden wurden.

Ägyptische Grabmalerei

Die frühesten gegenständlichen Gemälde im unverwechselbaren traditionellen ägyptischen Stil stammen aus der 3. und 4. Dynastie. Die berühmtesten sind wahrscheinlich die Fragmente aus dem Grab von Itet in Medum, um 2,725 v. Die Gänse verschiedener Arten stehen ziemlich steif zwischen stilisierten Vegetationsbüscheln, aber die Markierungen sind sorgfältig ausgewählt und die Farben sind natürlich und subtil.

Im ganzen Alten Reich wurde Farbe verwendet, um Kalksteinreliefs zu dekorieren und zu veredeln, aber während der 6. Dynastie begannen gemalte Szenen aus wirtschaftlichen Gründen die Reliefs in privaten Gräbern zu ersetzen. Es war billiger, Szenen direkt auf Grabwände zu malen, obwohl ihre Magie genauso wirksam war.

In der Ersten Zwischenzeit und im Reich der Mitte wurden die rechteckigen Holzsärge der Adligen oft mit aufwendiger Sorgfalt bemalt und zu echten Häusern für die Totengeister gemacht. Ihre Außenseiten trugen Inschriften mit den Namen und Titeln ihrer Besitzer und beschworen den Schutz verschiedener Götter. Die restlichen Flächen waren mit bunt bemalten Paneelen bedeckt, die mit gewebten Matten behangene Häuserwände nachahmten und Fenster und Türen in komplizierten geometrischen Mustern einbauten. Große Aufmerksamkeit wurde der "falschen Tür" am Kopfende des Sarges gewidmet, durch die der Ka nach Belieben ein- und ausgehen konnte. Diese Tafel enthielt immer die beiden heiligen Augen des Falken-Himmelsgottes Horus, die es den Toten ermöglichen würden, in die lebende Welt zu schauen.

Die Innenflächen der Särge wurden manchmal mit Opfergaben an die Toten bemalt, um sicherzustellen, dass diese im Jenseits weiterleben. Ein mit Brot, Fleisch und Gemüse gestapelter Opfertisch war das zentrale Element. Wichtig war auch eine Liste ritueller Opfergaben, und persönliche Besitztümer wie Waffen, Amtsstäbe, Töpfer- und Steingefäße sowie Kleidungsstücke wurden detailliert gezeigt. Kopfbedeckungen wurden am Kopfende bemalt und Ersatzsandalen an den Füßen.

Diese Särge wurden in die kleinen Felsenkammern oberägyptischer Gräber gestellt, wo der Stein oft zu rau oder brüchig ist, um eine gute Oberfläche zum Malen zu bieten. Fragmente gemalter Wandmalereien sind jedoch erhalten geblieben, und einige Gräber zeigen lebendige Szenen der Jagd in der Wüste oder der landwirtschaftlichen Arbeit. Die scharfe Beobachtung brachte auch ungewöhnliche Motive hervor, wie Männer ringen oder Jungen, die Spiele spielten, die wie eine Reihe von Standbildern aus einem bewegenden Film nacheinander gezeigt wurden. Andere sind mit herausragendem Können bemalt. Ein Teil einer Sumpfszene in einem Grab in Beni Hasan, um 1800 v. Chr., zeigt eine Gruppe von Vögeln in einer Akazie. Die wedelartigen Blätter des Baumes sind zart bemalt, und die Vögel, drei Würger, ein Wiedehopf und ein Gartenrotschwanz sind leicht zu erkennen.

Die Grabmalerei kam jedoch während des Neuen Reiches wirklich zur Geltung, insbesondere in den Gräbern der großen Nekropole von Theben. Hier war der Kalkstein im Allgemeinen zu schlecht und zu flockig für Reliefschnitzereien, aber die Oberfläche konnte verputzt werden, um dem Maler einen Grund zu geben. Wie immer wurden die traditionellen Konventionen eingehalten, insbesondere in den formalen Szenen, in denen der Tote größer erscheint als seine Familie und Gefährten. Wie die Männer, die die Reliefs des Alten Reiches schnitzten, konnten die Maler jedoch ihre Fantasie für die kleinen Details nutzen, die die größeren Szenen ausfüllten. Vögel und Tiere in den Sümpfen, meist im Profil dargestellt, haben ihre Markierungen sorgfältig schraffiert, was einen Eindruck von echtem Fell und Federn vermittelt und ihre Aktionen sind manchmal sehr realistisch. Im Grab von Nebamun, um 1.400 v.

Fragmente eines Banketts aus demselben Grab erwecken den Eindruck, dass der Maler nicht nur über herausragendes Können, sondern auch eine besondere Freude am Experimentieren mit ungewöhnlichen Details verfügte. Die edlen Gäste sitzen in formellen Reihen, aber die Diener und Animateure waren nicht so wichtig und mussten sich nicht in gleicher Weise anpassen. Gruppen von Musikerinnen knien anmutig auf dem Boden, die Fußsohlen dem Betrachter zugewandt, während zwei in einer Gruppe fast ganzflächig dargestellt werden, was sehr selten vorkommt. Die Leichtigkeit und Fröhlichkeit der Musik wird durch ihre geneigten Köpfe und die scheinbare Bewegung der winzigen Zöpfe ihres kunstvoll geflochtenen Haares vermittelt. Lebhafte Bewegung setzt sich mit dem im Profil gezeigten jungen Tänzerpaar fort, dessen klatschende Hände und fliegende Füße mit viel Feingefühl dargestellt werden. Eine weitere Besonderheit sind die Beschattung der Fußsohlen der Musiker und die Plisseegewänder.

Malerei schmückte nicht nur die Wände der Gräber des Neuen Reiches, sondern verlieh den Häusern und Palästen der Lebenden große Schönheit. Fresken aus Schilf, Wasser, Vögeln und Tieren schmückten die Wände, Decken und Böden der Paläste von Amarna und anderswo, aber nach der 19. Dynastie nahm die Qualität dieser Malerei stetig ab. In kleinerem Maßstab war das Malen auf Papyrus, Möbeln und Holzsärgen bis in die letzten Perioden der ägyptischen Geschichte geschickt, obwohl es auch viele minderwertige Massenarbeiten gab.

C. Künstlerische Techniken der Reliefschnitzerei und Malerei

Bevor Reliefs geschnitzt oder bemalt werden konnten, musste der Untergrund – egal ob Stein oder Holz – vorbereitet werden. Bei guter Oberfläche reichte oft das Glätten, aber eventuelle Fehlstellen mussten mit Gips abgedeckt werden. Während des Neuen Reiches wurden ganze Wände verputzt und manchmal wurden Reliefs von exquisiten Details in den Putz selbst geschnitzt. Normalerweise wurde Lehmputz verwendet, der mit einer dünnen Schicht feinen Gipses bedeckt war.

Der nächste Schritt war der Entwurf, und die Szenen wurden, oft in Rot, mit einem Pinsel oder einem Reed-Stift eines Schreibers skizziert. Diese Phase war besonders wichtig, wenn eine komplizierte Szene mit vielen Figuren geplant war oder eine ganze Wand mit horizontal angeordneten Szenen bedeckt werden sollte. Einige Handwerker waren selbstbewusst genug, um freihändig arbeiten zu können, aber häufiger wurden sich schneidende horizontale und vertikale Linien als Richtlinie verwendet. Diese könnten liniert oder hergestellt werden, indem man die Enden einer in Pigment getauchten Schnur festhält und sie über die Oberfläche zwirbelt. Schon früh in der ägyptischen Geschichte wurden die Proportionen des Rasters festgelegt, um sicherzustellen, dass menschliche Figuren nach dem festgelegten Kanon gezeichnet wurden. Da die Dekoration in einigen Gräbern nie fertiggestellt wurde, sind die Gitterlinien und Skizzen sowie Korrekturen von Meisterhand deutlich zu sehen.

Der nächste Schritt bei der Herstellung eines Reliefs bestand darin, die korrekten Umrisse zu meißeln und die umgebende Ebene zu reduzieren, bis die Szene aus einer Reihe flacher Formen bestand, die sich in niedrigem Relief vor dem Hintergrund standen. Dann konnten die letzten Details geschnitzt und die Oberfläche zum Bemalen geglättet werden. Eventuelle Korrekturen und Veränderungen an der Schnitzerei konnten vor dem Auftragen unter einer Putzschicht verborgen werden.

Der Maler arbeitete direkt nach einem Entwurf auf einer ebenen Fläche und begann mit dem Hintergrund. Dieser wurde mit einer Farbe, grau, weiß oder gelb, mit einem Pinsel aus einem geraden Zweig oder Schilf mit herausgerissenen Fasern ausgefüllt. Als nächstes wurden die größeren Bereiche der menschlichen Figuren bemalt, die Hautfarbe aufgetragen und die Leinengewänder bemalt. Präzise Details, wie die Zeichnung von Tieren und Vögeln oder die Blütenblätter eines Zierkragens, wurden mit einem feineren Pinsel oder einem Stift veredelt. Die Pigmente wurden aus Naturstoffen wie rotem und gelbem Ocker, Malachitpulver, Ruß und Gips hergestellt. Aus etwa sechs Grundfarben konnten viele Zwischentöne gemischt werden.

Das Medium war Wasser, dem manchmal Gummi zugesetzt wurde, und die Farbe wurde in Bereichen mit flacher Farbe aufgetragen. Während des Neuen Reiches wurden zarte Effekte erzielt, indem man mit winzigen Pinsel- oder Federstrichen Tierfelle oder die flauschigen Köpfe von Papyrusrohr heraushob. Schattierung wurde bis Mitte der 18. Dynastie selten verwendet, als sie insbesondere in Massenszenen verwendet wurde, um die feine Plissierung von Leinenkleidung zu suggerieren.

Architektur: Pyramidengräber und Tempel

Ägyptische Architektur ist weltberühmt für sein einzigartiges unterirdisches Grabdesign, das durch die ägyptischen Pyramiden von Gizeh veranschaulicht wird, zusammen mit seinen Grabkunstwerken (Mumienmalereien, Skulpturen, Keramik und Edelmetallarbeiten) und der Sphinx. Alle großen monumentalen Pyramiden wurden in der Ära von errichtet Frühe ägyptische Architektur, wobei nur eine Handvoll kleinerer in der Ära von In . gebaut wurden Ägyptische Architektur des Mittleren Reiches. Danach kam das goldene Zeitalter der Ägyptische Architektur des Neuen Königreichs, mit seinen riesigen Tempelanlagen in Karnak und Luxor, nach denen die längere Zeit von Spätägyptische Architektur war ein deutlicher Anti-Höhepunkt.

• Weitere Informationen zu Kunst und Design in frühen Zivilisationen finden Sie unter: Visual Arts Encyclopedia.


ALTES ÄGYPTISCHES GEMÄLDE

Wenn Sie sich altägyptische Gemälde ansehen, erscheinen sie im Vergleich zu griechischen oder römischen Gemälden und Kunst sehr formal. Während die Ägypter über 3.000 Jahre regierten, änderten sich ihre Kunst und Malerei nicht sehr.

Die Gräber der Pharaonen waren mit farbenfrohen Darstellungen des Verstorbenen bedeckt, der ein glückliches Leben führte, mit viel zu essen und zu trinken und immer perfektem Wetter. Die Pharaonen wurden sogar mit all ihren Sklaven um sie herum gezeigt, damit sie ihnen im Jenseits dienen und sich um sie kümmern konnten.

Die ägyptische Malerei wurde auf verschiedene Weise verwendet, einschließlich der Malerei direkt auf der Oberfläche. Eine andere Methode bestand darin, ein „Relief“ zu erstellen, bei dem es sich um ein erhabenes Bild über dem Hintergrund handelt, und dann die Details des Bildes sorgfältig zu malen.

Es gibt eine zweite Art von Relief, die herausgearbeitet wurde und als "versenktes Relief" bezeichnet wird, und die Bilder wurden mit einem erhabenen Hintergrund gemalt, der sie umgibt. Obwohl die meisten der ägyptischen Statuen, die wir heute sehen, keine Farbe zeigen, wurden sie ursprünglich mit hellen Farben bemalt, die wir heute für knallig halten könnten. Sie glauben, dass sogar die Sphinx einst bunt bemalt war.

ALTE ÄGYPTISCHE GEMÄLDE

Die Farbe, die die Ägypter verwendeten, wurde mit Mineralien gefärbt oder gefärbt, die in ihrer Gegend natürlich vorkommen und einige importierten. Die bevorzugten Farben, die in der Malerei verwendet wurden, waren: Rot, Blau, Grün, Gold und Schwarz, aber auch Weiß, Rosa und Grau.

Die Farben und alle Gegenstände, die in Gräbern gefunden wurden, sind durch die kühle trockene Umgebung erhalten geblieben und deshalb können wir sie heute in so hellen Tönen sehen. Künstler zermahlen die Mineralien zu feinem Staub und vermischten sie dann mit einer Art „Kleber“ aus Tieren oder Pflanzen.

Wichtig war die richtige Mischung, denn die Farbe musste nicht nur an den Wänden haften, sondern sollte ewig halten.

Farben wurden im alten Ägypten sehr ernst genommen und die Farben und Töne, die sie für jedes Gemälde wählten, wurden sorgfältig ausgewählt. Es gab Unterschiede in der Hautfarbe zwischen Männern und Frauen.

Männer hatten ein dunkleres Rotbraun, um ihr Leben im Freien widerzuspiegeln, und Frauen hatten eine hellere, fast gelbbraune Farbe, um zu zeigen, dass sie hauptsächlich drinnen oder an einem geschützten Ort lebten.

Jede Farbe, die die alten Ägypter verwendeten, war auch ein Symbol, viele davon verwenden wir noch heute.

  • Blau repräsentierten den Himmel, das Wasser, die Himmel, die uralte Flut und sowohl Wiedergeburt als auch Schöpfung.
  • rot war die Farbe von Feuer, Wut, Leben, Chaos, Sieg und Feindschaft.
  • Gelb repräsentiert ewig, unvergänglich, unzerstörbar
  • Grün war die Farbe der Vegetation, des Wachstums, der Freude, der Fruchtbarkeit, des neuen Lebens und der Regeneration
  • Weiß ist die Farbe der Reinheit, Kraft, Reinheit, Einfachheit

Ägyptische Künstler mischten die Farben, um Details in den Gemälden zu zeigen, die dem wirklichen Leben näher kamen. Viele der Farben hatten eine Reihe von verschiedenen Schattierungen, je nachdem, wofür sie verwendet werden sollten.

Einige der ägyptischen Götter wurden auch mit bestimmten Farben dargestellt. Hapi, der Flussgott, wurde immer in Blau gemalt, um das Wasser darzustellen. Jeder der Götter hatte seine eigene spezifische Farbe und dazu gehörte jede Kleidung sowie ihre Haut.

Sogar der Gott Anubis ließ seinen Schakalkopf schwarz bemalen, weil er der Gott der Toten war. Das Königshaus wurde oft sowohl mit Blau als auch mit Gold bemalt, die Symbole für Stärke und Macht waren.


Dr. Heather Lynn

Dr. Heather Lynn ist Autorin, Historikerin und abtrünnige Archäologin auf der Suche nach der Wahrheit hinter alten Mysterien. Heather hat auf ihrer persönlichen Suche nach der Wahrheit über die menschliche Herkunft die Weiten des Unbekannten erkundet.Sie löste sich von der Mainstream-Akademie, nachdem sie erkannt hatte, dass vieles, was wir über unsere Geschichte wissen, ausschließlich auf dem Konsens der Elite, oft politisch motivierter Einzelpersonen und Institutionen beruht. Jetzt ist Heather auf der Mission, unsere verborgene Geschichte aufzudecken und die akzeptierte Erzählung in unseren Geschichtsbüchern in Frage zu stellen.

Während ihres Studiums entdeckte sie, wie tief die akademische Korruption gehen kann. Nach ihrem Associate Degree in Archäologie studierte sie Anthropologie und Geschichte und erwarb ihren MA in Geschichte. In ihrer Dissertation untersuchte sie die Schnittmenge von Klassenungleichheit, Konsumkultur, Propaganda und öffentlicher Bildung im Europa der Frühen Neuzeit. Anschließend promovierte sie in Pädagogik an der University of New England. Ihre Dissertation wirft Fragen zum pädagogischen Wert digitaler Technologien in Museen auf. Als lebenslange Lernende nimmt sie regelmäßig an Fortbildungskursen teil und hat Zertifikate in Humanosteoarchäologie der Universität Leiden und Archäoastronomie des Politecnico di Milano.

Nach langer Seelensuche lehnte sie eine traditionelle Position in der Wissenschaft ab, um einen spirituelleren Weg einzuschlagen, eine ordinierte Pfarrerin zu werden und einen Doktortitel in vergleichender Religionswissenschaft zu erwerben. Heather ist Mitglied in professionellen Organisationen, darunter: der American Historical Association, der Society for Historical Archaeology (SHA), der Association of Ancient Historians und dem World Archaeological Congress. Obwohl Heather Lynn eine Gelehrte ist, ist es ihre aufgeschlossene Herangehensweise, die sie zu einer wahren Abtrünnigen macht. Ihre Forschung umfasst verborgene Geschichte, antike Mysterien, Mythologie, Folklore, Okkultismus, Symbolik, Paläokontakt und Bewusstsein.

Neben regelmäßigen Auftritten in Podcasts und Radioprogrammen wie Coast to Coast AM war Heather Lynn historische Beraterin für Fernsehprogramme, darunter History's Ancient Aliens. Ihre eigene Show, Digging Deeper, ist jetzt auf YouTube, iTunes, TuneIn, Stitcher und Spotify verfügbar.

In ihrer Freizeit spielt sie Waldhorn in einem lokalen Sinfonieorchester, dessen Auftritte Geld sammeln, um einkommensschwachen Gemeinden Kunst und kulturelle Bildung zu ermöglichen. Sie liebt Tennis, klassische Musik und eine gute Tasse Tee.

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Dämonen, Dschinn, Besessenheit, düstere Artefakte und grausame archäologische Entdeckungen geistern durch die Seiten des neuen Buches von Dr. Heather Lynn. Evil Archaeology untersucht die archäologischen Aufzeichnungen nach Artefakten und Beweisen für böse Wesen und enthüllt, wie Dämonen aus der Antike unter uns wohnen können. Es befasst sich auch mit der Geschichte und Überlieferung hinter echten Relikten, von denen angenommen wird, dass sie heimgesucht werden, und enthält historische Berichte über dämonische Besessenheit, die so weit zurückreichen, wie König Salomo Dämonen anrief, um ihm beim Bau seines berühmten Tempels zu helfen.

Gibt es wirklich eine prähistorische Fruchtbarkeitsgöttin, von der bekannt ist, dass sie den Familien von jedem, der sie besitzt, den Tod bringt? Gibt es echte Vampirfriedhöfe? Können die archäologischen Aufzeichnungen die Existenz von Dämonen und böswilligen Wesen beweisen?

Einige verlockende Fragen, die Evil Archaeology beantwortet, sind:

&bullWas ist der Ursprung von Dämonen?
&bullWelche Rolle spielten sumerische Dämonen bei der Entwicklung der Zivilisation?
&bullSind Flüche echt?
&bullKönnen materielle Gegenstände Böses enthalten? Was ist mit Orten?
&bullWas können wir laut historischen Aufzeichnungen tun, um uns zu schützen?
&bullWar Jesus ein Exorzist?


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