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Bemaltes Fragment einer thebanischen Frau

Bemaltes Fragment einer thebanischen Frau


Mary Stevenson Cassatt wurde am 22. Mai 1844 in Allegheny City, Pennsylvania, geboren. Cassatt war die Tochter eines wohlhabenden Immobilien- und Investmentmaklers und ihre Erziehung spiegelte ihre Familie und ihr hohes soziales Ansehen wider. Ihre Schulbildung bereitete sie darauf vor, eine richtige Ehefrau und Mutter zu sein und umfasste Kurse wie Hauswirtschaft, Sticken, Musik, Skizzieren und Malen. In den 1850er Jahren brachten die Cassatts ihre Kinder ins Ausland, um für mehrere Jahre in Europa zu leben.

Obwohl Frauen ihrer Zeit davon abgehalten wurden, eine Karriere anzustreben, schrieb sich Cassatt im Alter von 16 Jahren an der Philadelphia&aposs Pennsylvania Academy of the Fine Arts ein. Cassatt war auch frustriert über das langsame Tempo des Lehrplans und das unzureichende Kursangebot. Sie beschloss, das Programm zu verlassen und nach Europa zu ziehen, wo sie die Werke der Alten Meister aus erster Hand studieren konnte.

Trotz der starken Einwände ihrer Familie (ihr Vater erklärte, er würde seine Tochter lieber tot sehen, als als "Bohemianerin" im Ausland zu leben), ging Cassatt 1866 nach Paris. Sie begann ihr Studium mit privatem Kunstunterricht im Louvre, wo sie Meisterwerke studierte und kopierte . Sie studierte und malte in relativer Dunkelheit, bis 1868 eines ihrer Porträts auf dem renommierten Pariser Salon, einer jährlichen Ausstellung der französischen Regierung, ausgewählt wurde. Mit den missbilligenden Worten ihres Vaters, die in ihren Ohren widerhallten, reichte Cassatt das gut aufgenommene Gemälde unter dem Namen Mary Stevenson ein.


VINCENT VAN GOGH GEMÄLDE

Zwischen November 1881 und Juli 1890 malte Vincent van Gogh fast 900 Gemälde. Seit seinem Tod ist er einer der berühmtesten Maler der Welt. Van Goghs Gemälde haben die Köpfe und Herzen von Millionen von Kunstliebhabern erobert und Kunstliebhaber zu Neulingen in der Welt der Kunst gemacht. Die folgenden Auszüge stammen aus Briefen, die Van Gogh schrieb, um seine Entwicklung als Maler auszudrücken. Es gibt auch Links zu Seiten, die einige der berühmtesten Gemälde von Vincent van Gogh, Starry Night, Sunflowers, Irises, Poppies, The Bedroom, Blossoming Almond Tree, The Mulberry Tree, The Night Café und The Potato Eaters, detailliert beschreiben.

Im Dezember 1881, im Alter von 28 Jahren, begann Vincent mit seinen ersten Gemälden an seinen Bruder Theo, dass er Maler werden wollte.

„Theo, ich bin so glücklich mit meinem Malkasten, und ich denke, dass ich ihn jetzt, nachdem ich mindestens ein Jahr fast ausschließlich gezeichnet habe, besser hinbekomme, als wenn ich sofort damit angefangen hätte… Denn Theo, mit dem Malen meine eigentliche Karriere! beginnt. Meinst du nicht, dass ich das richtig sehe?“

Van Gogh arbeitete in einem fieberhaften Tempo, was ihn Geld kostete, ihm psychischen und physischen Stress bereitete und ihm keine Zeit für andere Einnahmequellen ließ. Aber er war hartnäckig. In einem Brief vom März 1882 schrieb Van Gogh erneut an seinen Bruder Theo:

„Obwohl ich mich in finanziellen Schwierigkeiten befinde, habe ich dennoch das Gefühl, dass es nichts Solideres gibt als ein ‚Handwerk' im wahrsten Sinne des Wortes, mit den eigenen Händen zu arbeiten. Wenn Sie Maler werden, werden Sie überrascht sein, dass das Malen und alles, was damit zusammenhängt, körperlich ziemlich anstrengend ist. Abgesehen von der mentalen Anstrengung, dem harten Gedanken, erfordert es erhebliche körperliche Anstrengung, und das Tag für Tag.“

Im gleichen Brief an Theo aus dem Jahr 1882 schreibt Van Gogh:

„Es gibt zwei Arten, über Malerei nachzudenken, wie man es nicht macht und wie man es macht: wie man es macht – mit viel Zeichnung und wenig Farbe wie man es nicht macht – mit viel Farbe und wenig Zeichnung.“

Van Goghs berühmtestes Gemälde wird ebenso rezensiert wie Sternennacht über der Rhone und The Café Terrace auf dem Place du Forum, Arles, at Night.

Van Gogh glaubte fest daran, dass man, um ein großartiger Maler zu sein, zuerst das Zeichnen beherrschen musste, bevor man Farbe hinzufügte. Im Laufe der Jahre beherrschte Van Gogh das Zeichnen eindeutig und begann, mehr Farbe zu verwenden. Mit der Zeit wurde einer der bekanntesten Aspekte von Van Goghs Gemälden seine kühne Verwendung von Farbe. Dies zeigt sich sowohl in Van Goghs Landschaften als auch in seinen Stilllebenbildern

Ungefähr ein Jahr vor seinem Tod sagte Van Gogh voraus, dass es einen großen „Maler der Zukunft“ geben würde, der wie kein anderer den Umgang mit Farbe verstehen und die Zukunft der Malerei werden würde. Dies drückte er in einem Brief an seinen Bruder Theo im Mai 1888 aus.

„Was mich betrifft, ich werde weiterarbeiten, und hier und da wird sich etwas von meiner Arbeit von bleibendem Wert erweisen – aber wer wird für die Figurenmalerei das erreichen, was Claude Monet für die Landschaft erreicht hat? Allerdings müssen Sie, wie ich, das Gefühl haben, dass so jemand unterwegs ist – Rodin? - er benutzt keine Farbe - er wird es nicht sein. Aber der Maler der Zukunft wird ein Kolorist sein, wie es ihn noch nie gegeben hat.

Vincent van Goghs berühmte Stillleben-Sammlung wird hier detailliert beschrieben..

Aber ich bin mir sicher, dass ich richtig denke, dass es in einer späteren Generation kommen wird, und es liegt an uns, alles zu tun, um es ohne Fragen oder Beschwerden zu fördern.“

Van Gogh war zu seinen Lebzeiten nie als Maler berühmt und kämpfte um seinen Lebensunterhalt als Künstler. Van Gogh verkaufte zu Lebzeiten nur ein Gemälde The Red Vineyard. Dieses Gemälde wurde nur wenige Monate vor seinem Tod in Brüssel für 400 Francs verkauft.

Vincent van Gogh starb im Alter von 37 Jahren und beendete damit seine Karriere als Maler, begann aber sein Vermächtnis als der große Maler der Zukunft, der die Welt inspirierte.

Ungefähr eine Woche nach seinem Tod schrieb Van Goghs Bruder Theo an seine Schwester Elizabeth über Van Goghs Vermächtnis als großer Künstler:

„In dem letzten Brief, den er mir geschrieben hat und der etwa vier Tage vor seinem Tod datiert ist, heißt es: „Ich versuche es so gut wie einigen Malern, die ich sehr geliebt und bewundert habe.“ Die Leute sollten erkennen, dass er ein großartiger Künstler war, was oft mit einem großartigen Menschen zusammenfällt. Im Laufe der Zeit wird dies sicherlich zur Kenntnis genommen und viele werden seinen frühen Tod bereuen.“

Vincent van Gogh starb im Alter von 37 Jahren und beendete damit seine Karriere als Maler, begann aber sein Vermächtnis als der große Maler der Zukunft, der die Welt inspirierte. Es bleibt heute ein Rätsel, was Van Goghs letztes Gemälde vor seinem Tod war. Erfahren Sie mehr darüber, welche Gemälde unter seinen letzten Werken als vielleicht letztes Gemälde von Vincent van Gogh gelten.


Frida Kahlo&aposs Unfall

Am 17. September 1925 waren Kahlo und Alejandro Gómez Arias, ein Schulfreund, mit dem sie eine romantische Beziehung hatte, zusammen in einem Bus unterwegs, als das Fahrzeug mit einer Straßenbahn kollidierte. Als Folge der Kollision wurde Kahlo von einem Stahlhandlauf aufgespießt, der in ihre Hüfte ging und auf der anderen Seite wieder herauskam. Dadurch erlitt sie mehrere schwere Verletzungen, darunter Frakturen an Wirbelsäule und Becken.

Nach einem mehrwöchigen Aufenthalt im Rotkreuz-Krankenhaus in Mexiko-Stadt kehrte Kahlo nach Hause zurück, um sich weiter zu erholen. Während ihrer Genesung begann sie zu malen und fertigte im folgenden Jahr ihr erstes Selbstporträt an, das sie Gómez Arias schenkte.


Analyse von Les Demoiselles d'Avignon von Picasso

Picasso - oft in Klammern mit Marcel Duchamp (1887-1968) und Matisse (1869-1954) als einer der einflussreichsten Künstler der Moderne - war ein rastloser Erneuerer, dessen größte Leistung die gemeinsame Erfindung (zusammen mit Georges Braque) des "Kubismus" war - eine revolutionäre Art, die Realität in einem Gemälde darzustellen. Bei der Entwicklung dieser neuen "kubistischen" Sprache lehnte Picasso die traditionelle Malmethode ab, bei der die Illusion eines dreidimensionalen Bildes erzeugt wurde. Stattdessen betonte er die flache, zweidimensionale Natur des Bildes und verzichtete auf die Verwendung traditioneller Techniken - wie lineare Perspektive und Verkürzung sowie Chiaroscuro und Modellieren. Mit der "kubistischen" Malmethode zerlegten Picasso und andere kubistische Maler Menschen und Objekte in flache "Schnappschüsse" (Ansichten der Person / des Objekts), die sie dann in einer Reihe von transparenten / undurchsichtigen überlappenden Ebenen auslegten. Dies ermöglichte es, ein Objekt aus einer Vielzahl von Blickwinkeln (die vielleicht zu unterschiedlichen Zeiten auftraten) statt nur eines einzigen Blickpunkts (zu einem bestimmten Zeitpunkt) zu sehen.

Natürlich haben Picasso und Braque diesen neuen "Kubismus" nicht über Nacht erfunden. Es handelte sich um einen allmählichen Prozess des Experimentierens, der beide Künstler (zunächst unabhängig) in der Zeit von 1908 bis 1910 beschäftigte.

Aber Les Demoiselles d'Avignon (1907) gilt traditionell als Picassos Dreh- und Angelpunkt erster Schritt hin zum neuen kubistischen Stil, ein Schritt, der ihn zum Führer der Avantgarde-Kunst in Paris machte. Zur Vorbereitung fertigte Picasso Hunderte von Zeichnungen und andere vorbereitende Studien an, darunter die Kohlezeichnung Nu aux bras leves (1907), und Kopf einer schlafenden Frau (Studie für Akt mit Drapierung) (1907, Museum of Modern Art, New York). Es ist auch erwähnenswert, dass es am Ende seiner "Neger"-Periode gemalt wurde, als er stark von primitiven Schnitzereien beeinflusst war, insbesondere von der afrikanischen Skulptur, die zu dieser Zeit im Ethnographischen Museum in Paris ausgestellt war. Infolgedessen weist es einige beunruhigende anthropomorphe Merkmale und Bilder auf. (Anmerkung: Andere wichtige Einflüsse auf Picasso in Bezug auf dieses spezielle Gemälde waren die Werke von Cezanne (1839-1906) und Paul Gauguin (1848-1903). Für einen anderen Stil siehe auch: Neoklassische Figurenmalereien von Picasso (1906-30) .

Interpretation von Les Demoiselles d'Avignon

Die riesige Komposition (etwa 244 x 233 cm), die eine ganze Wand seines beengten Ateliers im Bateau-Lavoir-Gebäude in Montmartre ausgefüllt hätte, ist ein figurales Gemälde einer Szene in einem Bordell. (Hinweis: Der Titel "Les Demoiselles d'Avignon" war ein unbeschwerter Vorschlag des Dichters und Kunstkritikers Andre Salmon (1881-1969), der behauptete, eine Ähnlichkeit zwischen Picassos Figuren und den Prostituierten in der Carrer d'Avinyo - Avignon Street - in Barcelona zu sehen. Picasso selbst bezeichnete es als "mein Bordell".) Das Gemälde präsentiert uns ein unbequemes Mosaik aus eckigen und sich überlagernden Fragmenten von fünf weiblichen Akten, von denen mindestens zwei den Betrachter provozierend anstarren. Seine "kubistischen Züge" verbinden sich kraftvoll mit seinen gewalttätigen Formen und animalischen Masken, um den Betrachter sowohl zu schockieren als auch herauszufordern.

Das Bild ist wie eine filmische Nahaufnahme. Die fünf Frauen – jede über zwei Meter groß – sind erschreckend präsent und drücken sich an die Bildoberfläche. Die Farbe ihres Fleisches lässt sie eher nackt als bloß nackt erscheinen. Auffallend ist auch die Gruppierung der Figuren: Es scheint keine Verbindung zwischen ihnen zu geben, was die Dramatik des Bildes ebenso steigert wie seine Unsicherheit. Vor allem die beiden zentralen Frauen sind besonders provokant: Sie starren den Betrachter ausdruckslos an, während sie ihre Arme heben, um ihre Brüste zu zeigen. Diese Frauen - die alle aggressiv ihre Nacktheit zur Schau stellen - sind echte Prostituierte, die keine Probleme mit dem haben, was sie zu bieten haben. Der Kopf einer Figur (oben rechts) ist mit einer primitiven Maske bedeckt, während eine zweite, hockende Figur (unten rechts) ebenfalls maskiert ist, obwohl ihr Gesicht aus mehreren Ansichten besteht, wie ein schlecht angeordnetes Puzzle.

Zu seinen "kubistischen" Merkmalen gehört Picassos Verwendung flacher, zersplitterter Bilder zusammen mit Hell-Dunkel-Mustern (im Gegensatz zu abgerundeten Volumen), um ein Gefühl von Raum und Form zu erzeugen. Die gespreizte Figur (unten rechts) besteht aus einer Collage unterschiedlicher Sichtweisen ihrer selbst, während die anderen in einer abgeflachten geometrischen Form mit nur minimaler Dreidimensionalität dargestellt sind. Die scharfen, fast scherbenartigen Bildkomponenten des Gemäldes verleihen ihm ein verstörendes Gefühl von Gewalt und sexueller Kraft.

Der Hauptpunkt von Les Demoiselles d'Avignon war, die normalen Annahmen des Betrachters in Frage zu stellen. Die gigantischen aufdringlichen Akte, die Perspektivlosigkeit, die Unverbundenheit der Gruppe, das Nebeneinander von normalen Gesichtern mit maskierten Gesichtern, die Tatsache, dass alle fünf in der Zeit angehalten scheinen: All dies trug zum kaleidoskopischen Chaos und zum Sinn für Bildhaftigkeit bei Anarchie. Sogar das kleine Fruchttableau (unten Mitte), das erste Anzeichen für Picassos Interesse an der Stilllebenmalerei, scheint aus einem umgedrehten Schalenfragment zu fallen. Das Bild war ein revolutionärer Akt gegen die Tyrannei der Renaissancekunst, deren herrschende Prinzipien von Perspektive, Schattierung, Farbe und Komposition vernichtet werden mussten, um neue Formen der Realitätsdarstellung einzuleiten. Die Arbeit ebnete den Weg für die Explosion der abstrakten Kunst - beginnend mit Picassos eigenem analytischem Kubismus (um 1909-12) und dem synthetischen Kubismus (1912-14) - und gipfelte in strengeren abstrakten Kunstbewegungen wie dem russischen Suprematismus (um 1913 - 18) und Dutch De Stijl (1917-31).

Les Demoiselles d'Avignon war das Endergebnis einer Periode, in der sich Picasso stark auf die Analyse und Vereinfachung der Form konzentrierte. Gelangweilt und frustriert von der konventionellen Kunsttheorie als Nachahmung der Natur - eine Aufgabe, die der Impressionismus effektiv meisterte - griff er nach einer Art "intellektuellen Expressionismus", der es Malern ermöglichte, eine neue Realität basierend auf der zweidimensionalen Bildebene darzustellen. Warum Picasso ein so schockierend explizites Thema für seinen neuen Stil der modernen Kunst gewählt hat, bleibt unklar. Es ist jedoch bekannt, dass er an die "erlösende" Kraft der Kunst glaubte, negative Elemente zu "zitieren", also dachte er vielleicht, dass ein solches Werk helfen könnte, Prostitution und sexuelle Krankheiten zu bekämpfen.

Das Werk hatte während der etwa fünfmonatigen Tragzeit erhebliche Veränderungen erfahren. Zu Beginn gab es sieben Figuren: fünf Frauen plus (links) ein stehender Mann, der den Vorhang zurückzieht, sowie (in der Mitte sitzend) ein Matrose. Picasso löschte dann den stehenden Mann und ersetzte ihn durch eine der Frauen. Kurz darauf entfernte er den Matrosen. Er verstärkte auch das Gefühl der Aggression im Bild und fügte die beiden Masken hinzu.

Zunächst nur einer Handvoll Freunde gezeigt - darunter Georges Braque, der Kritiker Felix Feneon (1861-1944), Andre Derain (1880-1954), Guillaume Apollinaire (1880-1918), Picassos Händler Daniel Kahnweiler (1884-1979), der Der russische Sammler Sergei Shchukin (1854-1936) und Matisse (1869-1954) - das Gemälde wurde so stark kritisiert, dass Picasso beschloss, es fast ein Jahrzehnt lang nicht auszustellen. 1916 wurde das Gemälde im ausgestellt Salon d'Antin, bei einer Ausstellung mit dem Titel "Moderne Kunst in Frankreich". Picasso nannte es "Le Bordel d'Avignon", aber Andre Salmon, der Organisator der Show, gab ihm den harmloseren Namen.Les Demoiselles d'Avignon“ (die jungen Damen von Avignon). Danach blieb das Gemälde bis 1924 bei seinem Schöpfer, als es für 25.000 Francs an den Designer Jacques Doucet (1853�) verkauft wurde. Dieser künstlich niedrige Preis - Doucet erzielte einige Monate nach dem Kauf einen Wert von 250 000 Francs - wurde vereinbart, nachdem Doucet angeblich versprochen hatte, das Bild dem Louvre zu vermachen. In jedem Fall, Les Demoiselles d'Avignon wurde erst 1938 wieder in der Öffentlichkeit zu sehen, als es vom Museum of Modern Art, New York, erworben wurde.

Erklärung anderer Gemälde von Picasso

• La Vie (Leben) (1903)
Picassos ergreifende Hommage an seinen Freund Carlos Casagemas.

• Junge mit Pfeife (Garcon & agrave la Pipe) (1905)
Rose Period Portrait, das 2004 für 104 Millionen US-Dollar verkauft wurde.

• Portrait von Gertrude Stein (1906)
Frühe Malerei des Pariser Kunstsammlers.

• Sitzende Frau (Picasso) (1920) Musee Picasso, Paris.
Eine wunderbar moderne Version einer antiken Standardpose.

• Großer Badegast (1921) Musee de l'Orangerie, Paris.
Direkt inspiriert von der hochklassischen athenischen Skulptur aus dem Parthenon.

• Zwei Frauen laufen am Strand (Das Rennen) (1922) Musee Picasso, Paris.
Neoklassizistisches Bild mit dionysischen mythologischen Figuren.

• Frau in Weiß (1923)
Aus der neoklassizistischen Periode Picassos.

• Weinende Frau (1937)
Verallgemeinerte Nachverfolgung von Guernica zum Thema Leiden im Krieg.


Hauptarbeiten

Seitdem sie von ihrem Vater ausgebildet wurde, gibt es einige Diskussionen darüber, wer bestimmte frühere Werke von Gentileschi tatsächlich gemalt hat. Das Werk „Madonna und Kind“ ist ein solches Werk, das manchmal Artemisia und manchmal ihrem Vater zugeschrieben wird eine Frau, die von zwei Ältesten gequält wird, die sie fälschlicherweise des Ehebruchs bezichtigen, nachdem sie sie zurückgewiesen hat.

Einige von Gentileschi&aposs erhaltenen Gemälden konzentrieren sich auf eine weibliche Protagonistin. Die Geschichte von Judith tauchte in ihrer Kunst mehrmals auf. Um 1611 vollendete  Gentileschi "Judith Slaying Holofernes", die Judith bei der Rettung des jüdischen Volkes durch die Tötung des assyrischen Generals Holofernes zeigt ihn runter. Bald nach Fertigstellung dieser Arbeit (um 1613) malte Gentileschi "Judith und ihre Magd", die das Paar nach dem Tod von Holofernes zeigt, wobei die Magd einen Korb mit seinem abgetrennten Kopf hält.

Im Jahr 1625 griff Gentileschi Judiths Geschichte erneut auf in dem Gemälde "Judith und ihre Magd und mit dem Kopf des Holofernes". seinen abgetrennten Kopf. Auch andere bekannte Persönlichkeiten aus Geschichte und Mythologie griff Gentileschi mit Werken wie "Minerva" (1615) und "Cleopatra" (1621-22) auf.


Anne Carson

Anne Carson ist Dichterin, Essayistin, Professorin für Klassik und Übersetzerin. &ldquoIn der kleinen Welt der Leute, die mit der zeitgenössischen Poesie Schritt halten&rdquo schrieb Daphne Merkin in der Buchbesprechung der New York Times, Carson &ldquohat einen großen Bogen gemacht und sowohl Neid als auch Bewunderung hervorgerufen.&ldquo Carson hat im Laufe ihrer &bdquonicht klassifizierbaren&ldquo Verlagskarriere sowohl kritische Auszeichnungen als auch eine breite Leserschaft erhalten. Neben ihren vielen hoch angesehenen Übersetzungen klassischer Schriftsteller wie Sappho und Euripides und ihrer Triptychon-Wiedergabe von Eine Oresteia (2009) veröffentlichte sie Gedichte, Essays, Libretti, Prosakritiken und Versromane, die oft genreübergreifend sind. Bekannt für ihre überragende Gelehrsamkeit&mdashMerkin nannte sie &ldquo eine der großen Pasticheuren&rdquo&mdash ihre Poesie kann auch herzzerreißend sein und sie schreibt regelmäßig über Liebe, Begierde, sexuelle Sehnsucht und Verzweiflung. Immer eine ehrgeizige Dichterin, unabhängig von ihrem Thema oder Genre, schrieb Merkin über Carson&rsquos Die Schönheit des Mannes, &ldquoIch glaube nicht, dass es ein Buch gibt, seit Robert Lowell&rsquos Lebensstudien das die Kunst der Poesie genauso radikal vorangebracht hat, wie Anne Carson es gerade tut.&rdquo Carsons jüngste Kollektionen umfassen Nox (2010), Rotes Dokument> (2013) und Schweben (2016). Ihre Ehrungen und Auszeichnungen sind vielfältig, darunter Stipendien der Guggenheim Foundation, der MacArthur Foundation und der American Academy in Berlin. Außerdem erhielt sie den Lannan Literary Award, den Pushcart Prize und den Griffin Poetry Prize.

Carson wurde 1950 in Toronto, Ontario, geboren. Eine High-School-Begegnung mit einem Lateinlehrer, der sich bereit erklärte, ihr Altgriechisch in der Mittagspause zu unterrichten, führte zu ihrer leidenschaftlichen Hinwendung zur klassischen und hellenischen Literatur, Einflüssen, die ihre Arbeit bis heute prägen. Carson besuchte die University of Toronto, brach sie jedoch zweimal ab, bevor sie ihren BA, MA und PhD in Classics erhielt. Carson hat an vielen Universitäten in den USA und Kanada gelehrt, darunter McGill und die University of Michigan. Ihre Verlagskarriere begann mit Eros der Bittersüße: Ein Essay (1986), was auch Carsons Stil begründete, ihre Schriften nach der klassischen griechischen Literatur zu mustern. Solche Werke wie Glas, Ironie und Gott (1992), Plainwater: Essays und Poesie (1995) und Männer in der Freizeit (2001) haben dazu beigetragen, den Ruf des Autors als einzigartig unter zeitgenössischen Dichtern zu festigen. Aber vielleicht die am häufigsten aufgenommenen Beispiele für ihre besondere Spezialität sind Carsons Versromane, Autobiographie von Rot: Ein Roman in Versen (1998) und Die Schönheit des Ehemanns: Ein fiktiver Essay in 29 Tangos (2001).

Autobiographie von Red (1998) orientiert sich an der Legende von Herkules&mdashHerakles in der traditionellen Schreibweise aus der Erzählung von Steischoros&mdash, deren zehnte Arbeit darin bestand, das rotgeflügelte Monster Geryon zu töten. Carson interpretiert die Geschichte in der Neuzeit neu und trifft einige wichtige Entscheidungen. &bdquoIn Steischoros tötet Herakles Geryon und stiehlt sein rotes Vieh&ldquo erklärte Adam Kirsch in Neue Republik. &bdquoIn Carson bricht Herakles Geryons Herz und stiehlt ihm seine Unschuld.&ldquo Die beiden Charaktere werden als Teenager vorgestellt, Geryon (immer noch rot und mit Flügeln) ein behüteter, sensibler Highschool-Junge und Herakles ein sexy, rebellischer Raufbold. Die beiden beginnen eine Affäre, die endet, als &ldquoHerakles nicht mit der herzzerreißenden Gesamtheit von Geryons Anbetung mithalten kann&rdquo wie Chicago Rezension Mitwirkender Mark Halliday beschrieb es. Jahre später treffen sich die beiden Charaktere in Buenos Aires, wo Geryon mit Herakles und seinem neuen Freund Ankash in eine destruktive Ménage a trois gerät. Das Buch löste in mehreren Zeitschriften heftige Reaktionen aus. Halliday fand, das Buch sei &ldquowillkürlich skurril und entzückend eigenartig&ldquo Nation Der Kritiker Bruce Hainley bezeichnete Carson als "Philosoph des Herzschmerzes" und sagte, ihr episches Gedicht sei für ein brillantes Buch über das Verlangen, den antiken griechischen Dichter Steischoros, Vulkane und die freudige Brutalität des Sehens und der Blindheit gemacht worden." wie Poetik fragte sich Kirsch, ob Carson tatsächlich den im Untertitel des Buches versprochenen Vers produziert hatte. &bdquoDie Schrift ist eindeutig prosaisch&ldquo, behauptete er, „abgewechselt in langen und kurzen Zeilen, ohne Strenge von Takt und Rhythmus, die Trennung zwischen einer langen und einer kurzen Linie ist nur typografisch oder bestenfalls syntaktisch.&ldquo

Carsons Fabel wurde jedoch von den Preiskomitees gelobt Autobiographie von Red &bdquokein Sieger,&ldquo laut Zeit International Reporterin Katherine Govier. &ldquoKurzfristig veröffentlicht. . . es wurde hauptsächlich von Schriftstellern hier und da gesprochen. Als das Buch den QSPELL-Poesiepreis von Quebec gewann, wurde die Diskussion groß. Von da an wurde der Band für den National Book Critics Circle nominiert. Solche Mundpropaganda erinnert an die Rezeption eines anderen Carson-Buches, ihres frühen Bandes Eros der Bittersüße (1986). Laut John D&rsquoAgata in der Boston-Rezension, das Buch „zuerst verblüffte die Klassiker-Gemeinde als Werk griechischer Gelehrsamkeit, dann verblüffte es die Sachbuch-Gemeinde als inspirierte Rückkehr zu den lyrisch basierten Essays, die einst von Seneca, Montaigne und Emerson produziert und dann, und erst dann, bis tief in die 1990er Jahre, neu aufgelegt wurden als &ldquoLiteratur und für ein völlig neues Publikum neu gestaltet, verblüffte es schließlich die Dichter.&rdquo D&rsquoAgata sieht Carsons frühere Arbeit als Essayistin überall in ihrer Poesie, zusammen mit ihrer tiefen Vertiefung in die klassischen Sprachen. Carsons Werk, behauptet D&rsquoAgata, bittet einen zu überlegen, wie prosaisch, rhetorisch oder argumentativ ein Gedicht sein kann, bevor es zu etwas ganz anderem wird, bevor es zur Prosa, zum Essay zurückkehrt?&rdquo

Männer in der Freizeit, ein Buch mit kürzeren Gedichten, die &ldquoepitaphs, Liebesgedichte, Vers-Essays, Gedenkprosa, &lsquoDrehbücher&rsquo für angebliche Fernsehdramen und Gedichte, die an Gemälde gerichtet sind, enthalten” Verlage wöchentlich Schriftsteller Stephen Burt, wurde mit großem Beifall aufgenommen. Überprüfung der Sammlung für Salon, Kate Moses beschrieb es als eine Meditation über die Zeit und bemerkte auch, dass es &bdquo all das Picknick umfasst, das sich die Zeit hinter sich ausbreitet: Leben und Sex und Liebe und Tod.&ldquo Es wurde mit dem Griffin Poetry Prize ausgezeichnet und war ein Finalist für den Generalgouverneur’ Literary Award und den National Book Critics Circle Award. 2001 veröffentlichte Carson auch Die Schönheit des Mannes: Ein fiktiver Essay in 29 Tangos, ein Versroman, dessen Thema "die Eigensinnigkeit der Lust und die Unzufriedenheit des Herzens bei einer Trennung der Ehe" ist, wie Daphne Merkin schrieb. Es erhielt auch großes Lob und wurde mit dem T.S. Eliot-Preis. Im Jahr 2000 wurde Carson ein &ldquogenius&rdquo-Stipendium der MacArthur Foundation verliehen

Seit ihrem Erfolg im Jahr 2001 hat Carson einen Band mit &ldquoPoesie, Essays und Oper&rdquo . veröffentlicht Dekreation (2005). Das Buch besteht aus kurzen Texten, einem Drehbuch, Oratorium und langen Prosateilen, die Literaturkritik mit philosophischer Untersuchung verbinden, und nimmt als Titel und Anstoß eine Idee der Philosophin Simone Weil. Wie Carson erklärt, ist Weils Begriff der „Dekreation&rdquo „das Verderben der Kreatur in uns„diese Kreatur, die in sich selbst eingeschlossen und von ihr selbst definiert ist.&rdquo Wie Deryn Rees-Jones in der Unabhängig, &bdquoin der Dekreation würden wir in unserer Auslöschung des Selbst eine metaphysische Fülle finden, im Einklang mit dem Universum.&rdquo Dekreation erhielt großes Lob von allen Seiten und Fiona Sampson, die das Buch für die Wächter behauptete, dass es &ldquo eine der eigentümlichsten Intelligenzen am Werk der zeitgenössischen Literatur umreißt&ldquo und trotz seines genreübergreifenden Inhalts „vor allem&ldquorhellipinimitable Poesie ist.&rdquo

Carson ist nach wie vor ein wichtiger und spannender Übersetzer klassischer Schriftsteller. Trauerunterricht: Vier Stücke von Euripides (2006) und Eine Oresteia (2009) lösten beide eine kritische Debatte aus. Als schockierender Dramatiker seiner Zeit erlangte Euripides seinen höchsten Ruhm während des Peloponnesischen Krieges. Trauerunterricht präsentiert vier seiner weniger bekannten Tragödien und bietet &ldquo eine Art Einführung in die inneren Gefahren blinder Hingabe an die Ideologie&rdquo schrieb Hilton Als in der New-Yorker. EIN Publisher&rsquos Weekly Der Rezensent stellte fest, dass &ldquoCarson nicht weniger als brillant ist&mdashunwankelnd scharf in der Diktion, kühn und umsichtig darin, sich Freiheiten zu nehmen.&rdquo Carson&rsquos nächste Übersetzung, Eine Orestie, ist eine Zusammenstellung von Stücken über das Schicksal des Hauses Atreus und beinhaltet Agamemnon von Aeshcylus, Elektra von Sophokles und Orest von Euripides. Der Band erhielt etwas gemischte Kritiken für genau die Freiheiten, die Brad Leithauser in der Buchbesprechung der New York Times fand Carsons Wahl der Diktion unregelmässig und oft erschreckend zeitgenössisch und &bdquoes fand&hellipin Carsons Übersetzungen ein Gefühl eines zusammengesetzten Ganzen. Es gibt Momente, in denen ihre Diktion so tief sinkt, dass ich mich nicht erinnern konnte, dass ich es mit Männern zu tun hatte, die in ihrer Pracht gottgleich waren.&rdquo Emily Wilson, in der Nation, fand heraus, dass Carson als Gelehrte sich der Unterschiede zwischen den drei Tragikern sehr wohl bewusst ist, es ihr jedoch nicht ganz gelingt, sie richtig voneinander zu unterscheiden,&ldquo Orestia hin zur viel komplexeren, mehrdeutigen Welt von Euripides&rsquo Orest,&rdquo was die Arbeit umso wichtiger und &ldquor passend zum aktuellen politischen Klima macht. &bdquo

Im Gespräch mit der Dichterkritikerin Stephanie Burt gab Carson zu, dass sie sich im Grunde als visuelle und nicht als verbale Künstlerin betrachtet: &bdquoIch habe überhaupt sehr viel geschrieben, bis ich schätze, dass ich zwanzig bin, weil ich gezeichnet habe. Ich habe nur Bilder gemalt und manchmal in meiner Jugend darauf geschrieben, aber hauptsächlich interessierte ich mich für das Zeichnen. Ich habe mich nie für einen Schriftsteller gehalten!&rdquo Selbst nach mehreren gefeierten Bänden &bdquoich weiß nicht, dass ich es noch tue. Ich weiß, dass ich Dinge machen muss. Und es ist eine bequeme Form, die wir in unserer Kultur haben, das Buch, in dem man Sachen machen kann, aber es wird immer weniger befriedigend. Und ich hatte nie das Gefühl, dass es jede meiner Ideen erschöpft


Marwar Art: Of Maharajas & Miniaturen

Marwar ist das trockene Wüstenland am Rande der Thar-Wüste und hat seinen Namen sogar von dem rauen Gelände und dem schwierigen Leben in der Region. Die Rathores von Marwar, bekannt für ihre Tapferkeit und ihren Mut, kamen aus Kannauj nach Marwar, von wo aus sie früher Ost- und Zentralindien kontrolliert hatten.

Sie schlugen im 13. Jahrhundert in Marwar Wurzeln und machten Pali und Mandore zu ihren Hauptstädten. Im Jahr 1459 gründete einer der Rathore-Herrscher, Rao Jodha, die Stadt Jodhpur in der Nähe von Mandore, und viele kleinere Königreiche wurden von seinen Nachkommen in der Nähe der Marwar-Hauptstadt Jodhpur errichtet.

Die Kunst von Rajasthani ist sowohl produktiv als auch vielfältig, und ihre Entwicklung hing weitgehend von der Schirmherrschaft der Herrscher der vielen Königreiche und Staaten ab, die die Region bevölkerten. Basierend auf der Geographie wird es in vier große Kategorien eingeteilt – Mewar, Marwar, Haroti und Dhundar.

Hier werden wir die Marwar-Untergruppe der Rajasthani-Kunst erkunden, zu der die Miniaturen von Jodhpur, Nagaur, Bikaner, Kishangarh und Sirohi gehören. Die frühesten Gemälde aus dieser Region waren eine illustrierte Ragmala Set gemalt in Pali von Virji. Diese Gemälde sind in reiner Volkssprache gehalten, bevor Mogul-Elemente erscheinen.

Jodhpur und Nagaur

Jodhpur war der Hauptsitz der Marwar Rathores, Heimat ihrer Hauptfestung Mehrangarh und ihrer Höfe. Die Jodhpur Maharajas waren bedeutende Kunstmäzene und wir finden bedeutende Kunstwerke aus ihren Ateliers im Laufe der mehr als 600 Jahre, in denen sie die Marwar-Region regierten. Der Hof von Jodhpur war einer der produktivsten in der Herstellung von Miniaturen.

Die erste wirklich produktive Periode für Jodhpur-Miniaturen kam während der Zeit von Maharaja Jaswant Singh in der Mitte des 17. Jahrhunderts. In früheren Perioden waren die Miniaturen von Jodhpur viel einheimischer, aber zu seiner Zeit hatten viele Mogul-Konventionen Einzug gehalten, und Jaswant Singh hatte viel Zeit in Kabul verbracht, um Marwars Kunst einen persischen Touch zu verleihen. Er förderte auch eine Reihe von Künstlern an seinem Hof, was auch zu vielen Porträts des Maharaja führte.

Sein Nachfolger, Ajit Singh, wurde von Veer Durgadas aufgezogen, der für Ajit Singh einen Teil von Marwar von den Moguln erobert hatte. Diese Ereignisse wurden in Gemälden und Gedichten gefeiert. Reiterporträts waren am Hofe beliebt.

Bakhat Singh, ein Sohn von Ajit Singh, erhielt Nagaur im frühen 18. Jahrhundert, und während seiner Zeit kam die Malerei in Marwar zur Geltung und entwickelte ihre eigenen Idiome.

Neben diesen Hofszenen, Festen, Legenden und Erzählungen, religiösen Texten und Epen wurden am Hof ​​von Marwar illustriert und viele solcher Alben und Folianten sind in Museen auf der ganzen Welt ausgestellt.

Bikaner wurde 1489 von Bika Rathore, dem Sohn von Rao Jodha, der Jodhpur gegründet hatte, gegründet. Die Herrscher von Bikaner standen den Moguln seit Akbars Zeiten nahe und genossen hohe Positionen an seinem Hof.

The patronage of art in Bikaner started with Raja Rai Singh in 1573 and further expanded under Raja Karan Singh and his son Maharaja Anup Singh, from 1631.

Under Karan Singh, Ali Raza, who had migrated from the Mughal court, created some exceptional paintings, mixing the local Bikaner style with Mughal idioms and thus creating a new approach.

Anup Singh stayed in Hyderabad for a substantial period of time after the siege of Golconda in 1687. During this time, he established a library in Bikaner, which became a repository of medieval manuscripts and paintings. During this period, his chief painter was Ruknuddin, who mixed indigenous Rajasthani styles with Deccani and Mughal conventions. He painted many significant texts like the Ramayana, Rasikapriya und Durga Sapt Sati.

Besides Ali Raza and Ruknuddin, Ustad Nuruddin, Murad, Ustad Abdulla Qayamji, Shah Muhammed, Ustad Hasim and Bahaudin were patronised by the Bikaner court. Mostly Muslim, these artists painted Hindu themes exceptionally well. Bikaner’s miniatures, with their softness, delicate lines, subdued colour palate, exceptional composition and stylistic sophistication, is very close to Mughal art.

The small state of Kishangarh is primarily known for its miniatures, arguably some of the best known and aesthetically gratifying ones from Rajasthan. The state of Kishangarh was founded by Kishan Singh, son of the Maharaja of Jodhpur, in 1609. The Kishangarh school of art primarily evolved during the reign of Raj Singh and his son Sawant Singh, at the end of the 17th century. Both were talented artists and writers, and their atelier was home to artists like Bhawani Das, Surat Ram and Nihal Chand.

During Sawant Singh’s time, the art of Kishangarh reached great heights of aesthetic refinement. The artist Nihalchand, who was active during their rule, painted some of the most exquisite and noted paintings of the Kishangarh School.

The rulers of this kingdom were devotees of Krishna, with Raj Singh being a follower of Vallabhacharya Pushtimarg. Krishna lila and texts associated with Krishna like Gita-Govinda were thus a major part of Kishangarh art. One finds many regular themes in Kishangarh art, like the depiction of classic medieval texts, durbar scenes, festivities and religious epics.

One theme which sets Kishangarh apart is the depiction of Bani-Thani, an attendant of Raj Singh’s wife who caught Sawant Singh’s fancy and became his companion. He wrote about her in the poem Bihari Jas Chandrika, which became the basis of Nihal Chand’s famous painting. Sawant Singh and Bani Thani were depicted in many of the Krishna lila miniatures as Radha and Krishna. It is these paintings that make Kishangarh art incomparable.

Miniatures from Kishangarh are known for the blend of poetry and art, exceptional compositions, brilliant colour schemes, dynamic lines, panoramic landscapes and individualistic faces with pointed noses and chins, deeply curved eyes, and serpentine locks of hair, which became the ideal for all Rajasthani miniatures subsequently, especially for women.

Sirohi was a small kingdom near the present-day Rajasthan-Gujarat border. The state was founded by Runmal of the Deora clan in 1347. It maintained a degree of independence from both the Mughals and the Marathas for much of its existence it was also once a centre of Jainism. This is why one can see great similarities between miniatures from Sirohi and that of Gujarat.

The rulers of Sirohi were able administrators along with being patrons of art. Sirohi was known for the manufacture of double-edged swords from the mid-15th century till the mid-20th century. In the art of Sirohi, one finds little representation of the rulers and their lives.

Miniatures from Sirohi reflect two major themes. One of these themes is the representation of Jain themes like the depiction of Tirthankaras, illustrations of Jain texts and other such artworks done under Jain patronage. The Gurosan community was devoted to this and were known for their illustrations of Jain texts, which were mostly done under the supervision of Jain monks.

Another major theme in miniatures from Sirohi is illustrations of relatively non-religious texts and legends like the Ragamala, Baramasa, Nayika-bhed, Krishna-lila as well as legends like Laila-Majnu and Rukmini-harana.

The figures in Sirohi paintings tend to have flat features, round features and heavy bodies. The paintings use basic colours, the structures are usually flat and nature is neither too vibrant nor too formal. Many of the paintings have a distinctive red border.

The art of Marwar is full of details, references, allusions influences and history, and one can easily loose oneself in its diversity.


Painted Fragment of a Theban Woman - History

Images and Art

  • Abu Simbel
  • Abydos
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  • Schreiben
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  • The Virtual reconstruction of the Horemheb Tomb in Memphis
  • Funerary Stela
  • Relief from the Tomb of Mentuemhat
  • Reconstructed Predynastic Burial
  • Predynastic Jar
  • Model of a Butcher Shop
  • Book of the Dead
  • Bett
  • Mud Brick Stamped with Cartouche of Ramses II
  • Statue of the God Horus
  • Trial Piece
  • Bust of a Man
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  • Colossal Statue of Tutankhamun
  • Mummy Mask
  • Coffin of Ipi-Ha-Ishutef
  • Butcher Slaughtering a Calf
  • The Mummy and Coffin of Meresamun
  • The Pyramids: Design and Construction
  • The Temple of Deir el Bahari (XVIII Dyn)
  • Abu Simbel - Nubia
  • The Alabaster Sphinx - Saqqara
  • Beit al-Wali - Nubia
  • Caesareum - Alexandria
  • The Catacombs of Kom es-Shouqafa - Alexandria
  • The Causeway - Saqqara
  • The Colossi of Memnon - Luxor
  • The Colossus of Ramesses - Saqqara
  • Crocodilopolis - Fayoum
  • Dionysias - Fayoum
  • The Early Kingdom Mastabas - Saqqara
  • Edfu - Nubia
  • Elephantine Island - Aswan
  • The Enclosure Wall - Saqqara
  • Geziret Fara'un - Sinai
  • The Great Pyramid of Cheops - Giza
  • The Great Sphinx - Giza
  • Kalabsha Temple - Nubia
  • Karanis - Fayoum
  • Karnak - Luxor
  • Kiosk of Qertassi - Nubia
  • The Maidum Pyramid - Dhashur
  • The Oracle of Amun - Siwa
  • The Palace of Amenhotep - Luxor
  • The Persian Shafts - Saqqara
  • Philae (Now on Agilika Island) - Nubia
  • The Pyramid Complex of Djoser - Saqqara
  • The Pyramid Complex of Menkaure - Giza
  • Pyramid of Amenemhat III (the Labyrinth) - Fayoum
  • The Pyramid of Chephren - Giza
  • The Pyramid of Meidum - Meidum
  • The Pyramid of Sekhemkhet - Saqqara
  • The Pyramid of Teti - Saqqara
  • The Pyramid of Unas - Saqqara
  • The Pyramids of Abu Sir - Abu Sir
  • The Pyramids of Dhashur - Dhashur
  • The Ramesseum - Luxor
  • The Serapeum - Saqqara
  • South Saqqara - Saqqara
  • The Step Pyramid of Djoser - Saqqara
  • Sun Temple of Abu Ghurab - Saqqara
  • Temple Dedicated to Sobek - Fayoum
  • The Temple of Abydos - Abydos
  • Temple of Deir el Bahari - Luxor
  • The Temple of Dendera - Dendera
  • Temple of Dush - Kharga
  • Temple of Hibis - Kharga
  • The Temple of Luxor - Luxor
  • Temple of Ramesses III - Luxor
  • The Temple of Taposiris Magna - Alexandria
  • Three Minor Pyramids - Giza
  • The Tomb of Ankh-mahor - Saqqara
  • The Tomb of Kagemni - Saqqara
  • The Tomb of Mereruka - Saqqara
  • The Tomb of Princess Idut - Saqqara
  • The Tomb of Ptah-hotep - Saqqara
  • The Tomb of Queen Nebet - Saqqara
  • The Tomb of Ti - Saqqara
  • The Tombs of the Nobles - Aswan
  • The Tombs of the Nobles - Luxor
  • Unfinished Obelisk - Aswan
  • The Valley of the Kings - Luxor

Tomb of the Sons of Ramses II (recently discovered in the Valley of the Kings)
More on the Tomb of the Sons of Ramses II (no images)
The Window of Appearance: The Temple Palace of Rameses III at Medinet Habu 1175 BC, with a Quicktime movie of the The Rising of Rameses III ("Symbolism in Architecture", Mohammed Motlib)
Centre for Computer-Aided Egyptological Research (CCER), with two Quicktime VR objects, one of a statue of the goddess Selket from the Tomb of Tutankhamun and the other of a statue of the royal scribe Nebmertouef
Summaries of notable Egyptian Gods (Shawn C. Knight)


Important Art by Jenny Saville

Branded (1992)

In this monumental nude self-portrait ample breasts and dimpled folds of flesh loom large on the canvas. Viewed from below, the weighty figure dominates the frame. On the fleshy torso, Saville has inscribed the words of French feminist theorist Luce Irigaray: "delicate," "supportive," "irrational," "decorative," and "petite," all written backwards. Using this as a means of countering preconceived notions about the representation of women, Saville has literally branded these words on the painted flesh. Characteristic of the artist's early work with the female nude, Gebrandmarkt presents a direct and unidealized image of the female body.

Regarding this early work, Saville has said: "I'm not painting disgusting, big women. I'm painting women who've been made to think they're big and disgusting." In this and other early paintings, Saville subverts traditional notions of female beauty and femininity that have long dominated Western art. Im Falle des Gebrandmarkt this challenging of convention takes place through the artist's use of her own body. Art Historian Marsha Meskimmon has argued that "Saville's work interrogates our perception of the female body in challenging ways. To use the self in this way is to come full circle in the questioning of fixed identity and the body." An important early work, Gebrandmarkt was included in Saville's acclaimed 1992 Glasgow School of Art graduation exhibition, which propelled her to fame as one of the Young British Artists. Gebrandmarkt is often cited as a painting which made figurative painting popular in contemporary art. The work challenges the typical female nude (which is small, delicate, and 'beautiful') by making a huge painting with thick paint, which looks down on the viewer and flows out of the edges of the picture plane.

Plan (1993)

Saville's striking self-portrait, Planen, makes use of extreme foreshortening to present an uncompromising image of the female nude. Working from photographs rather than life, she presents a snapshot, a fleeting glimpse of a figure that struggles to be contained within the frame. The brushwork is both delicate and aggressive, often building up thick impasto on the painting's surface. She is nonetheless able to capture every vein, every dimple, every splotchy bit of flesh, and every strand of hair. Looking directly at the viewer over the marked terrain of her body, Saville calls our attention to complicated issues surrounding women's bodies, plastic surgery, and the "cult of exercise." The lines drawn on the flesh resemble the lines on a topographical map. They also reference the lines drawn by plastic surgeons on the skin of their patients in preparation for body altering surgeries. Saville has said: "The lines on her body are the marks they make before you have liposuction done to you. They draw these things that look like targets. I like this idea of mapping the body, not necessarily areas to be cut away, but like geographical contours on a map. I didn't draw on to the body. I wanted the idea of cutting into the paint. Like you would cut into the body. It evokes the idea of surgery. It has lots of connotations." Regarding these inscribed lines, some scholars have suggested: "In this mapping of the body as an area of problematic terrain a relationship is set up between perceptions of the natural and the planned. The question of who is exercising control over this 'plan' remains troubling and implicates the viewer of the image."

Planen was painted in 1993 and later exhibited by Charles Saatchi in Young British Artists III at the Saatchi Gallery in 1994. It was also included several years later in Sensation, the groundbreaking and controversial 1997 exhibition of Young British Artists at the Royal Academy of Art. An important early work by Saville, Planen is emblematic of her concern for depicting women as subjects rather than objects and is another painting in which the artist is both the subject and the painter, something that had previously been almost unheard of, especially in paintings of nudes. In her attempt to draw on the history of the female nude, while also showing women as they see themselves, Saville has given her figures a weighty presence that combines empathy, apprehension, vulnerability, and awe.

Passage (2004-05)

In Passage, a striking, confident nude woman is shown in a near recumbent position with outstretched legs that extend out beyond the picture frame. Thickly painted, though seemingly unfinished, Passage continues Saville's interest in sensuously painted, fleshy bodies that defy traditional representations of the reclining nude. The flesh is depicted with powerful and aggressive, though sumptuously handled brushwork that reveals the influence of a painter like Willem de Kooning, who was similarly drawn to representations of the body and flesh. The figure, a transgender woman with a 'natural' penis and surgically enhanced breasts, reclines provocatively, looking seductively at the viewer. In Passage, the position of the figure and the handling of the brushwork direct our gaze from the legs over the torso and breasts, to the head, creating a landscape of the body, a sort of "gender landscape," to use Saville's terminology.

Passage was painted when Saville was living and working in Palermo, Sicily. During this time, she began photographing transvestites and transgender people in Rome, which she then used as source material. Saville was interested in these bodies as hybrids that are both natural and artificial. Obwohl Passage was painted from photographs, it is not a portrait in the traditional sense. She has said that she tried "to find bodies that manifest in their flesh something of our contemporary age. I'm drawn to bodies that emanate a sort of state of in-betweeness: a hermaphrodite, a transvestite, a carcass, a half-alive/half-dead head." At a time when LGBTQIA issues are coming to the fore, Passage reveals the body as a social construct and sympathetically represents an untypical, transgender woman's body. The figure floats, according to Linda Nochlin, in "that postmodern realm of gender nirvana, brilliantly theorized by Judith Butler as a zone of shifting sexual identities and the rejection of essential difference between male and female."