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Bonnie Raitt

Bonnie Raitt

Bonnie Raitt (Offizielle Website): "Die neunfache Grammy-Gewinnerin wurde in eine musikalische Familie geboren und ist die Tochter des gefeierten Broadway-Sängers John Raitt (Carousel, Oklahoma!, The Pyjama Game) und der versierten Pianistin/Sängerin Marge Goddard. Sie ist aufgewachsen." in Los Angeles in einem Klima des Respekts für die Künste, die Traditionen der Quäker und ein Engagement für soziales Engagement. Eine Stella-Gitarre, die ihr zu Weihnachten geschenkt wurde, brachte Bonnie im Alter von acht Jahren auf ihre kreative Reise. Während sie aufwuchs, aber leidenschaftlich Von Anfang an dachte sie, dass Musik eine größere Rolle spielen würde als eines ihrer vielen wachsenden Interessen. In den späten 60er Jahren zog sie in Los Angeles rastlos in den Osten nach Cambridge, Massachusetts. Als Harvard/Radcliffe-Studentin mit den Hauptfächern Sozialbeziehungen und Afrikanistik besuchte sie Kurse und tauchte in das turbulente kulturelle und politische Geschehen der Stadt ein: "Ich konnte es kaum erwarten, dorthin zurückzukehren, wo es Folkies, Antikriegs- und Bürgerrechtsbewegungen gab." Sie sagt. "In den späten 60ern gab es in Cambridge so viele großartige Musik- und politische Szenen." Außerdem fügt sie lachend hinzu: "Das Verhältnis von Männern zu Mädchen in Harvard war vier zu eins, also spielten all diese Dinge in meinem Kopf ab."

Bonnie Raitt (Inoffizielle Website): "Bonnie Raitt - eine der von der Kritik am meisten bewunderten, aber kommerziell ignorierten weißen R&B-Sängerinnen in der Geschichte der populären Musik, Bonnie Raitt erreichte erst mit ihrem zehnten Album, fast 20 Jahre nach ihrem Aufnahmedebüt. Bonnie Raitt (geboren 1949), die Tochter des Broadway-Stars John Raitt (von Carousel and The Pyjama Game), wurde zuerst vom Blues gefesselt und begann im Alter von 12 Jahren Gitarre zu lernen 1969 begann sie, auf dem US-Folk- und Blues-Circuit zu spielen, und erregte Aufsehen, weil sie – fast einzigartig bei einer weißen Frau – eine glaubwürdige Engpassgitarre spielte.Sie freundete sich mit vielen der überlebenden Blueslegenden an, darunter Howlin' Wolf, Mississippi Fred McDowell und insbesondere Sippie Wallace, mit der sie später Aufnahmen machte."

Wikipedia: "Im Herbst 1970, als Fred McDowell im Gaslight Cafe in New York eröffnete, sah sie ein Reporter des Newsweek Magazine und begann, von ihrer Leistung zu erzählen Sie nahm schließlich ein Angebot von Warner Bros. an, die bald 1971 ihr gleichnamiges Debütalbum Bonnie Raitt veröffentlichten ; zu dieser Zeit hatten nur sehr wenige Frauen in der populären Musik einen guten Ruf als Gitarristen. Obwohl Raitt von denen, die sie auftraten, bewundert und von ihren Kollegen respektiert wurde, erhielt Raitt wenig öffentliche Anerkennung für ihre Arbeit. Ihre kritische Statur wuchs weiter, verzeichnete jedoch Rekordverkäufe Ihr zweites Album, Give It Up, wurde 1972 mit allgemeinem Beifall veröffentlicht und obwohl viele Kritiker es immer noch als ihr bestes Werk ansehen, änderte es nichts an ihrem kommerziellen Schicksal o wurde von der Kritik gelobt, aber diese Hinweise wurden von den Verkäufen nicht eingehalten. Raitt erhielt zunehmend mehr Presseberichterstattung, darunter eine Titelgeschichte für das Rolling Stone Magazine von 1975, aber mit den Streetlights von 1974 wurden die Kritiken für ihre Arbeit immer gemischter. Inzwischen experimentierte Raitt bereits mit verschiedenen Produzenten und verschiedenen Stilen, und sie begann, einen Mainstream-Sound zu übernehmen, der sich bis 1975 bei Home Plate fortsetzte."

Bonnie Raitt (Offizielle Website): „Nachdem sie 1989 eine Allianz mit Capitol Records geschlossen hatte, erreichte Bonnie ein neues Maß an Popularität und Kritikerlob. Sie gewann 1990 vier Grammy Awards – drei für ihr Nick of Time-Album und einen für ihr Duett mit John Lee Hooker auf seinem bahnbrechenden Album The Healer. Innerhalb weniger Wochen schoss Nick of Time auf Platz eins (es ist jetzt mit fünffachem Platin ausgezeichnet). Luck of the Draw (1991, siebenfach Platin) brachte noch mehr Erfolg und veröffentlichte zwei Hitsingles - "Something to Talk About" und "I Can't Make You Love Me" - die Charts nach oben und fügte ihrem Regal drei weitere Grammys hinzu. Die 1994 mit Doppelplatin ausgezeichnete Longing in Their Hearts enthielt die Hit-Single " Love Sneakin' Up On You" und wurde mit einem Grammy für das beste Pop-Album ausgezeichnet. 1995 folgten die Live-Doppel-CD und der Film Road Tested (jetzt auf DVD erhältlich)."

Wikipedia: "Nach mehr als zwanzig Jahren des Singens und Aufnehmens populärer Musik hat Bonnie Raitt mit ihrem 10. Album einen immensen Erfolg erzielt. 1989 veröffentlicht, stieg Nick of Time an die Spitze der US-Charts und gewann drei Grammy Awards , erhielt sie einen vierten Grammy Award für ihr Duett "In the Mood" mit John Lee Hooker auf seinem Album The Healer. Sie folgte diesem Erfolg mit drei weiteren Grammy Awards für ihr 1991er Album Luck of the Draw, das die Hit-Single "I Can't Make You Love Me", oft als eine der besten Balladen aller Zeiten angesehen. "I Can't Make You Love Me" ist notorisch schwer zu singen, wie viele, die es versucht haben, festgestellt haben Drei Jahre später, 1994, fügte sie mit ihrem Album Longing in Their Hearts zwei weitere Grammys hinzu. Beide Alben wurden mehrfach mit Platin ausgezeichnet. Raitts Zusammenarbeit mit Was wurde 1995 mit der Live-Veröffentlichung Road Tested einvernehmlich beendet Nach soliden Bewertungen verkaufte es sich gut genug, um zertifiziert zu werden ed Gold."


Bonnie Raitt Net Worth 2021: Alter, Größe, Gewicht, Ehemann, Kinder, Bio-Wiki

Bonnie ist eine US-amerikanische Sängerin, deren Musikkarriere in den 1970er Jahren begann. Sie veröffentlichte mehrere Alben, die Rock-, Country-, Blues- und Folk-Elemente enthielten. Ihre Songs wurden relativ gut aufgenommen, liefen jedoch in diesen Tagen kommerziell nicht gut. Ihre Pause kam 1989, als sie ihr zehntes Album veröffentlichte Nick der Zeit.

Ihr elftes und zwölftes Album, das sie 1991 bzw. 1994 veröffentlichte, waren ebenfalls große Hits und brachten Einnahmen in Millionenhöhe ein. Seitdem hat Bonnie eine Reihe von Alben und Singles veröffentlicht, die große Hits waren und die Billboard-Charts auffüllen. In ihrer Musikkarriere hat sie unter anderem 10 Grammy Awards gewonnen. Gesanglich ist sie eine der begabtesten Musikerinnen der Welt.

Vielleicht kennen Sie Bonnie Raitt sehr gut, aber wissen Sie, wie alt und groß sie ist und wie hoch ihr Vermögen im Jahr 2021 ist? Wenn Sie es nicht wissen, haben wir diesen Artikel über Details von Bonnie Raitts Kurzbiografie-Wiki, Karriere, Berufsleben, Privatleben, heutiges Vermögen, Alter, Größe, Gewicht und weitere Fakten vorbereitet. Nun, wenn Sie bereit sind, fangen wir an.


Bonnie Raitt

Bonnie Raitt (* 8. November 1949) ist eine US-amerikanische Blues- und R&B-Sängerin, Songwriterin und Gitarristin. Sie wurde in Burbank, Kalifornien, als Tochter des Broadway-Musikstars John Raitt geboren.

Raitt begann schon in jungen Jahren Gitarre zu spielen, was nicht viele ihrer Highschool-Freundinnen taten. "Ich hatte in der Schule und im Camp ein bisschen gespielt", erinnerte sie sich später in einem Interview im Juli 2002. „Meine Eltern schleppten mich hinaus, um für meine Familie aufzutreten, wie alle Eltern es tun, aber es war ein Hobby – mehr nicht. Die Wahrheit ist, ich hatte nie vor, damit meinen Lebensunterhalt zu verdienen. Ich bin in einer Quäkerfamilie aufgewachsen und für mich war es eher eine politische als eine religiöse Berufung, Quäker zu sein."

1967 setzte Raitt ihren Weg auf diesem Weg fort, als sie als Neuling am Radcliffe College in Harvard mit dem Hauptfach Afrikastudien eintrat. „Mein Plan war, nach Tansania zu reisen, wo Präsident Julius Nyerere eine Regierung auf der Grundlage von Demokratie und Sozialismus bildet“, erinnert sich Raitt. „Ich wollte helfen, den Schaden, den der westliche Kolonialismus den einheimischen Kulturen auf der ganzen Welt zugefügt hat, rückgängig zu machen. Cambridge war eine Brutstätte dieser Denkweise, und ich war begeistert."

Eines Tages wurde Raitt von einem Freund darüber informiert, dass der Blues-Promoter Dick Waterman ein Interview bei WHRB, dem College-Radiosender von Harvard, gab. Waterman war eine wichtige Figur des Blues-Revivals der 1960er Jahre und lebte auch in Cambridge. Raitt besuchte Waterman, und die beiden wurden bald Freunde, "sehr zum Leidwesen meiner Eltern, die nicht damit gerechnet hatten, dass ihre Erstsemester-Tochter mit 65-jährigen Bluesmännern herumläuft", erinnerte sich Raitt. "Ich war erstaunt über seine Leidenschaft für die Musik und die Integrität, mit der er die Musiker geführt hat."

Während Raitts zweitem Jahr zog Waterman nach Philadelphia, und eine Reihe von lokalen Musikern, die er zu seinen Freunden zählte, gingen mit ihm. Raitt war ein starker Teil dieser Gemeinschaft geworden und erinnerte sich daran, dass "diese Leute waren meine Freunde, meine Mentoren geworden, und obwohl ich die Absicht hatte, meinen Abschluss zu machen, beschloss ich, das Semester zu nehmen und nach Philadelphia zu ziehen"Es war eine Gelegenheit für den jungen Weißen Mädchen bekommen es einfach nicht, und wie sich herausstellt, eine Gelegenheit, die alles verändert hat."

Raitt ging schließlich wieder zur Schule, aber ihre Zeit in Philadelphia hatte sie ermutigt, Musik als Karriere zu verfolgen. Als Waterman sie kontaktierte und sie zu einer Tour mit den Rolling Stones einlud, machte sie einen zweiten Besuch beim Zulassungsbüro in Radcliffe und sagte ihnen: „Ich werde mich beurlauben lassen, aber das dauert nur ein Jahr. " Raitt erinnerte sich später: "Stell dir vor, du wärst 1970 20 Jahre alt – wärst du nicht mit den Rolling Stones auf Tour gegangen?"

Inzwischen spielte Raitt sowohl Folk- als auch Rhythm-and-Blues-Clubs in der Gegend von Boston und trat neben etablierten Blues-Legenden wie Howlin' Wolf, Sippie Wallace und Mississippi Fred McDowell auf, die sie alle durch Waterman kennengelernt hatte. Im Herbst 1970, als sie für Fred McDowell im Gaslight Cafe in New York auftrat, sah sie ein Reporter des Newsweek Magazine und begann, von ihrer Leistung zu berichten. Pfadfinder großer Plattenfirmen besuchten bald ihre Shows, um ihr beim Spielen zuzusehen. Sie nahm schließlich ein Angebot von Warner Bros. an, die 1971 ihr gleichnamiges Debüt veröffentlichten. Das Album wurde von der Musikpresse herzlich aufgenommen, von denen viele ihre Fähigkeiten als Interpretin und als Engpassgitarristin damals lobten, sehr wenige Frauen in der populären Musik hatte einen guten Ruf als Gitarristen.

Während sie von denen, die sie auftraten, bewundert und von ihren Kollegen respektiert wurde, erhielt Raitt wenig öffentliche Anerkennung für ihre Arbeit. Ihre kritische Statur wuchs weiter, aber die Rekordverkäufe blieben bescheiden. Ihr zweites Album, Give It Up, wurde 1972 mit allgemeinem Beifall veröffentlicht, und obwohl viele Kritiker es immer noch als ihr bestes Werk ansehen, änderte es nichts an ihrem kommerziellen Vermögen. 1973 wurde Takin' My Time auch von der Kritik gelobt, aber diese Hinweise wurden von den Verkäufen nicht übertroffen.

Raitt erhielt zunehmend mehr Presseberichterstattung, darunter eine Titelgeschichte für das Rolling Stone Magazine von 1975, aber mit den Streetlights von 1974 wurden die Kritiken für ihre Arbeit immer gemischter. Inzwischen experimentierte Raitt bereits mit verschiedenen Produzenten und verschiedenen Stilen, und sie begann, einen Mainstream-Sound zu übernehmen, der sich bis 1975er Home Plate fortsetzte.

1976 hatte Raitt einen bemerkenswerten Auftritt auf Warren Zevons selbstbetiteltem Album mit Warren Zevons Freund Jackson Browne und Fleetwood Macs Lindsey Buckingham und Stevie Nicks.

1977 brachte Sweet Forgiveness Raitt ihren ersten kommerziellen Durchbruch, als sie eine Hit-Single in ihrem Cover von Del Shannons „Runaway“ hervorbrachte wurde von vielen Kritikern verunglimpft, aber sein kommerzieller Erfolg führte zu einem Bieterkrieg zwischen Warner Bros. und Columbia Records. „Da war damals dieser große Columbia-Warner-Krieg“, erinnerte sich Raitt 1990 in einem Interview. "James Taylor hatte gerade Warner Bros. verlassen und ein großes Album für Columbia gemacht"Und dann unterzeichnete Warners Paul Simon von Columbia, und sie wollten nicht, dass ich eine Hit-Platte für Columbia habe — egal was! Also habe ich meinen Vertrag neu verhandelt, und sie entsprachen im Wesentlichen dem Angebot von Columbia. Ehrlich gesagt war der Deal eine wirklich große Sache."

Warner Bros. hatte höhere Erwartungen an Raitts nächstes Album, The Glow von 1979, aber es wurde mit schlechten Kritiken und bescheidenen Verkäufen veröffentlicht. Einen kommerziellen Erfolg hatte Raitt 1979, als sie half, die fünf MUSE-Konzerte (Musicians United for Safe Energy) im Madison Square Garden zu organisieren. Die Shows brachten ein Gold-Album mit drei Schallplatten sowie einen Warner Bros.-Spielfilm, No Nukes, hervor. In den Shows waren die Mitbegründer Jackson Browne, Graham Nash, John Hall und Raitt sowie Bruce Springsteen, Tom Petty and the Heartbreakers, The Doobie Brothers, James Taylor, Gil Scott-Heron und zahlreiche andere zu sehen.

Für ihre nächste Platte, Green Light von 1982, versuchte Raitt bewusst, den Sound ihrer früheren Platten zu überdenken, aber zu ihrer Überraschung verglichen viele ihrer Kollegen und Pressevertreter ihren neuen Sound mit der aufkeimenden New-Wave-Bewegung . Das Album erhielt ihre stärksten Kritiken seit Jahren, aber ihre Verkäufe verbesserten sich nicht und dies hätte schwerwiegende Auswirkungen auf ihre Beziehung zu Warner Bros.

1983, als Raitt die Arbeit an ihrem Nachfolgealbum mit dem Titel Tongue & Groove beendete, räumte Warner Bros. das Haus auf und strich eine Reihe bedeutender Künstler aus ihrer Liste. Van Morrison und Arlo Guthrie waren zwei der bekanntesten Fälle, und am Tag nach dem Mastering von Tongue & Groove wurde Raitt mitgeteilt, dass auch sie fallen gelassen werden sollte. Das Album wurde auf unbestimmte Zeit auf Eis gelegt und Raitt blieb ohne Label zurück. Raitt hatte inzwischen auch mit Alkohol- und Drogenmissbrauch zu kämpfen.

Trotz ihrer persönlichen und beruflichen Probleme tourte Raitt weiter und beteiligte sich am politischen Aktivismus. 1985 sang sie und trat in dem Video von "Sun City" auf, der Anti-Apartheid-Platte, die von Steven Van Zandt geschrieben und produziert wurde. Zusammen mit ihrer Teilnahme an Konzerten von Farm Aid und Amnesty International reiste Raitt 1987 im Rahmen des ersten gemeinsamen sowjetisch-amerikanischen Friedenskonzerts nach Moskau, das später im Showtime-Fernsehen gezeigt wurde. Ebenfalls 1987 organisierte Raitt in Los Angeles eine Benefizveranstaltung für Countdown ➇ to Stop Contra Aid, an der sie, Don Henley, Herbie Hancock, Holly Near und andere teilnahmen.

Zwei Jahre nachdem sie von ihrem Label gestrichen wurde, informierte Warner Bros. Raitt über ihre Pläne Tongue & Groove zu veröffentlichen. "Ich sagte, es sei nicht wirklich fair", erinnerte sich Raitt. "Ich glaube, zu diesem Zeitpunkt fühlten sie sich irgendwie schlecht. Ich meine, ich war mit meinen Ersparnissen unterwegs, um meinen Namen aufrecht zu erhalten, und meine Fähigkeit zum Zeichnen wurde immer weniger. Also einigten sie sich darauf, mich hineingehen zu lassen und die Hälfte davon neu zu schneiden, und das war, als es als Nine Lives herauskam.

Ende 1987 trat sie der k.d. lang und Jennifer Warnes als weibliche Background-Vocals für Roy Orbisons Fernsehspecial Roy Orbison and Friends, A Black and White Night. Inzwischen war Raitt sauber und nüchtern, nachdem sie ihren Drogenmissbrauch beendet hatte – was sie Stevie Ray Vaughan in einem Konzert der Minnesota State Fair in der Nacht nach Vaughans Tod im Jahr 1990 zuschreiben würde. Nach dieser hochgelobten Sendung begann sie mit der Arbeit an neuem Material. Während dieser Zeit erwog Raitt, bei Princes eigenem Label Paisley Park zu unterschreiben, aber die Verhandlungen scheiterten letztendlich. Stattdessen begann sie unter der Produktionsleitung von Don Was bei Capitol Records einen bluesigen Mix aus Pop und Rock aufzunehmen.

Raitt hatte Was durch Hal Wilner kennengelernt, der Stay Awake zusammenstellte, ein Tribute-Album an Disney-Musik für A&M. Was und Wilner wollten beide, dass Raitt die Hauptrolle in einem zeitgenössischen Arrangement für Erwachsene singt, das Was für "Baby Mine", das Wiegenlied von Dumbo, geschaffen hat. Raitt war mit den Sessions sehr zufrieden und bat Don, ihr nächstes Album zu produzieren.

Nach mehr als zwanzig Jahren des Singens und Aufnehmens von populärer Musik erzielte Bonnie Raitt mit ihrem 10. Album einen immensen Erfolg. 1989 veröffentlicht, stieg Nick of Time an die Spitze der US-Charts und gewann drei Grammy Awards. Gleichzeitig erhielt sie für ihr Duett "In the Mood" mit John Lee Hooker auf seinem Album "The Healer" einen vierten Grammy Award.

Sie knüpfte an diesen Erfolg mit drei weiteren Grammy Awards für ihr Album Luck of the Draw von 1991 an, und 1994 fügte sie mit ihrem Album Longing in Their Hearts zwei weitere Grammy hinzu. Beide Alben waren Multi-Platin-Erfolge. Raitts Zusammenarbeit mit Was würde mit dem 1995 erschienenen Live-Release Road Tested einvernehmlich zu Ende gehen. Nach soliden Bewertungen veröffentlicht, verkaufte es sich gut genug, um mit Gold zertifiziert zu werden.

Für ihr nächstes Studioalbum engagierte Raitt Mitchell Froom und Tchad Blake als ihre Produzenten. "Ich habe es geliebt, mit Don Was zusammenzuarbeiten, aber ich wollte mir und meinen Fans eine Chance geben und etwas anderes machen", sagte Raitt. Ihre Arbeit mit Froom und Blake wurde 1998 auf Fundamental veröffentlicht.

Im März 2000 wurde Raitt in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

Silver Lining wurde 2002 veröffentlicht, während Souls Alike im September 2005 veröffentlicht wurde.


Bonnie Raitt, Country-Superstar

(Nicht der einzige, ich kann dich nicht dazu bringen, mich zu lieben, dich zu verlieben, etwas zu besprechen)

Es war Bonnie Raitts elftes Album, Glück der Auslosung, das machte sie zu einem bekannten Namen. Die Single „Something to Talk About“ war eine ansteckend schlaue Pop-Ballade, die von Raitts typischem Gitarrenstyling verankert war und mit blechernen Texten über die kapriziöse Natur der Gerüchteküche geschmückt war. „I Can’t Make You Love Me“ folgte diesem Beispiel und etablierte sie als eine Kraft in Popmusik-Balladen. Zwischen diesen beiden Singles wurde Raitt von der Königin der Cover zu der, die gecovert wird. „I Can’t Make You Love Me“ wurde von Künstlern gecovert, von der britischen Sängerin Adele bis zum R&B-Kraftpaket Tank. „Not The Only One“, eine amouröse Ballade, die an lange Landstraßenfahrten erinnert, ist die perfekte Mischung aus erwachsenem zeitgenössischem Pop und Bluesgitarre. Es spiegelt perfekt wider, wie Raitt ihren Sound im Laufe der Jahre weiterentwickelt hat.

„Love Sneakin ‘Up On You“ unterstreicht ihre Fähigkeiten als Songwriterin, Produzentin, Sängerin und Gitarristin.Es beschreibt die zarten Nuancen der Sehnsucht mit Wendungen wie “Fever wird zu kaltem, kaltem Schweiß/Denken Sie an Dinge, die wir noch nicht getan haben.“ Die Texte sind eine apropos Parallele zu Raitts Karriere – ein vorausschauender Blick auf den Horizont und gleichzeitig eine beständig Flamme in der Gegenwart. Durch diese beiden Bemühungen hat Bonnie Raitt jahrzehntelang im Musikgeschäft beharrt, Klassiker geschaffen, die zeitgenössisch klingen und die Art und Weise, wie wir die Grenzen von Genres einschätzen, neu definieren.

Glaubst du, wir haben einen der besten Bonnie Raitt-Songs verpasst? Lassen Sie es uns im Kommentarbereich unten wissen.


“I Can’t Make You Love Me”: Eine mündliche Geschichte zum 25. Jubiläum

In dem Jahr, in dem Bonnie Raitt 40 wurde, wurde sie ein Popstar.

Gemessen an den Karrieren der meisten Menschen hatte Raitt bereits ein ziemlich erfülltes Leben geführt. Es gab eine Reihe von Platten in ihrer Diskographie, die Warner Bros. fallen gelassen hatte. Sie war nüchtern geworden. Sie hatte bereits eine Geschichte. Nachdem sie seit den frühen 󈨊ern Musik aufführte und veröffentlichte, hatte sie sich nach und nach hingebungsvolle Fans und kritisches Lob angesammelt, obwohl sie auf Mainstream-Ebene wenig kommerziellen Erfolg hatte. Es ist seltsam, daran zu denken, für diejenigen von uns, die mit Raitt als einem der legendären Namen aufgewachsen sind, einem der großen etablierten Künstler der Babyboomer-Generation. Doch zu einem bestimmten Zeitpunkt hatte sie keine Lieder, die im Popradio gespielt wurden. Sie hatte keine Lieder, die man in jeder Situation hört, wenn man durch seinen Alltag wandert. Sie hatte nicht die Allgegenwart, die mit Superstar einhergeht. Das änderte sich 1989, als sie veröffentlicht wurde Nick der Zeit.

Nick der Zeit Dies war das erste Mal, dass Raitt mit dem Produzenten Don Was und dem Toningenieur Ed Cherney an einer ihrer Platten zusammenarbeitete, eine Partnerschaft, die jahrelang andauern sollte. Sie und Was hatten sich zum ersten Mal in 󈨜 verbunden, als die beiden an einem Song namens “Baby Mine” von . arbeiteten Dumbo, für eine Zusammenstellung namens Bleib wach: Verschiedene Interpretationen von Musik aus Vintage-Disney-Filmen. Trotz der von Natur aus seltsamen Natur dieser Zusammenarbeit haben die beiden wirklich Klick gemacht. "Ich fühlte mich, als ob ich sie mein ganzes Leben lang gekannt hätte", erinnert sich Was. “Ich fühlte mich einfach richtig mit ihr verbunden.” Raitt wollte eine bestimmte Art von Produzent — einen Musiker’s Produzent, die Art, die sagt “Das’ist die Einstellung!”, aber tut’er nicht einem Künstler eine bestimmte stilistische Vision aufzwingen, wenn er bereits weiß, was er will — Wurde ein idealer Partner in Crime gemacht. Sie beschlossen, gemeinsam an ihrem nächsten Album zu arbeiten.

Wenn ich sie jetzt davon sprechen höre, den Prozess der Herstellung Nick der Zeit klingt fast wie ein junger, rauflustiger Künstler, der versucht, die Tür in die Branche aufzubrechen. Raitt hatte einige Demos und keinen Plattenvertrag. Sie arbeiteten weiter an Demos im Keller von Was’ und hätten nie gedacht, dass sie das Album erschaffen würden, das Raitt einen verspäteten kommerziellen Durchbruch bescheren würde. Sie wollten nur das Geld zurückverdienen, das sie dafür ausgegeben haben, damit sie danach eine weitere Platte machen können. Er erinnert sich an einen Moment, als Raitt’s A&R-Mann, Tim Devine, nach ihm kam, um mit ihm zu sprechen Nick der Zeit wurde abgeschlossen. “Er kam ins Studio und sagte so etwas wie: ‘Besser einen Smoking, du gehst zu den Grammys!’ Ich wollte ihn schlagen,” Er erinnert sich lachend. “Ich dachte, ‘OK, Mann, sag einfach, es ist gut. Sag einfach, du hast es gegraben. Aber vergiss die Übertreibung.'”

Am Ende war es überhaupt nicht hyperbolisch — die Platte verkaufte sich bereits weit über ihre Erwartungen hinaus und dann, knapp ein Jahr später Nick der Zeit herauskam, wurde es 1990 bei den Grammys als Album des Jahres ausgezeichnet. “Wenn das passiert, ist es einfach das Größte,” Cherney. “Es kam aus dem Nichts. Wir wussten, dass wir eine gute Platte gemacht haben, aber diese Art von Auszeichnungen kamen für uns aus dem Nichts.”

Als es an der Zeit war, diesem Erfolg zu folgen, arbeitete Raitt noch einmal mit Was und Cherney für das Album zusammen, das 1991’er werden sollte Glück der Auslosung. Trotz Raitts plötzlicher Mainstream-Durchschlagskraft beschreibt keiner von ihnen die Zeit als besonders unter Druck geraten. Es war nicht unbedingt wichtig, den bisher größten Rekord in Raitts Karriere fortzusetzen. Sie machten einfach noch mehr Musik zusammen und suchten nach dem richtigen Material. “Wenn Sie die richtigen Leute haben, die wirklich miteinander harmonieren, müssen Sie nicht viel sagen,” Raitt. “Es geht darum, die Kunst des anderen zu respektieren. Es geht aus dem Weg und lässt einen Moment passieren. Es dreht sich alles um einen großartigen Song, und das ist es, was wir haben.”

Glück der Auslosung am Ende sogar die Höhen übertroffen, die von erreicht wurden Nick der Zeit. Ein Teil davon war der Lead-Single “Something To Talk About” zu verdanken. Aber es gab auch noch einen anderen, der kein großer Radiohit hätte werden sollen, aber trotzdem einer wurde. Das war “I Can’t Make You Love Me, das am 22.10.1991 als Single veröffentlicht wurde.

Hier ist die Sache an “I Can’t Make You Love Me”, die sich von Raitts anderen Hits unterscheidet: Es geht über ihren eigenen Erfolg mit dieser Single hinaus und Glück der Auslosung. Es geht über seine ständige und anhaltende Präsenz auf Adult Contemporary- und Soft-Rock-Sendern hinaus. Es geht über seine genauen Umstände und Ära hinaus. Es ist so geschrieben, dass man es auf ein Instrument und eine Stimme reduzieren kann und es funktioniert immer noch, was wiederum bedeutet, dass man es in fast jedes Genre anpassen kann und es immer noch funktioniert. In der Form alter Pop-Standards ist es formbar, universell und beständig, deshalb — und weil es ein Song ist, der bei einer Menge Leute anklang (und weiterhin anklang), unabhängig von ihrer Altersgruppe oder musikalische Vorlieben. Mehr als allgegenwärtig ist dies die Art von Zeug, das sich in die Atmosphäre einfügt und in unserem kollektiven Popbewusstsein verweilt, bis andere es ergreifen und ihm einen eigenen Dreh geben. Wenn seine Lebensdauer im letzten Vierteljahrhundert ein Hinweis ist, wird es dort bleiben, junge Hörer beeinflussen und neue Künstler inspirieren, noch lange nachdem die Geschichte von Raitts Version weiter in unserem Gedächtnis verblasst ist.

Also haben wir uns anlässlich seines Jubiläums entschlossen, diese Geschichte zu erzählen, zu den Ursprüngen eines populären Songs eines großen Künstlers zurückzukehren, eines Songs, der als überraschender Pop-Hit begann und zu einem Standard wurde. Über mehrere Wochen sprachen wir mit Raitt, Was, Cherney, den Songwritern Mike Reid und Allen Shamblin, Bruce Hornsby (der den entscheidenden Klavierpart bei “I Can’t Make You Love Me” spielte). Wir haben mit einigen Leuten auf der (sehr) langen Liste berühmter Künstler gesprochen, die das Lied gecovert haben. Hier ist die Geschichte, wie “I Can’t Make You Love Me” entstand und wie es zu dem wurde, was es heute ist.

“I Can’t Make You Love Me” ist das Produkt einer Zusammenarbeit zwischen den Songwritern Mike Reid und Allen Shamblin. Beide Männer lebten in Nashville und schrieben Songs für Country-Künstler (obwohl Reid zu dieser Zeit auch Musik unter seinem eigenen Namen veröffentlichte) und beide hatten bisher Erfolg und erzielten bedeutende Hits in den Country-Charts. Nach einem einjährigen Treffen in Austin City Limits spornte die gegenseitige Bewunderung für die Arbeit des anderen eine Partnerschaft zwischen den beiden an. Zu der Zeit, als sie “I Can’t Make You Love Me” schrieben, arbeiteten Reid und Shamblin ungefähr ein Jahr lang zusammen und schrieben fast wöchentlich. Jeder erinnert sich etwas anders an die Entstehung von “I Can’t Make You Love Me”, aber hier sind sich alle einig: Es wurzelt in einer lokalen Nashville-Geschichte, die Reid in der Zeitung sah, und es war ursprünglich viel , ganz anderes Lied.

MIKE REID (SONGWRITER): Ich glaube nicht, dass Geister Songtitel oder Sachen in die Ohren der Autoren flüstern. Ich kaufe das einfach nicht. Aber ich glaube, dass es Dinge gibt. Ich bin mir nicht sicher, ob die Ideen so sehr in uns leben wie die Ideen in der Welt, die Welt ist voller Ideen. Verlangsamen wir uns genug, um sie zu sehen und auszudrücken? Diese Idee kam aus einem Zeitungsartikel und ich glaube, es war in der Welt und ich habe zufällig genug darauf geachtet, es einem Kumpel, Allen Shamblin, erwähnt, und los ging es, weißt du?

ALLEN SHAMBLIN (SONGWRITER): Die Zeitungsgeschichte. Mike und ich sind uns in der Zeitung einig, wir haben nur eine etwas andere Erinnerung an das, was in der Geschichte gesagt wurde, die den Song auslöste. Für mich ist es egal, weißt du was ich sage? Mike und ich lachen darüber. Es kommt nicht darauf an, wer was geschrieben oder woran gedacht hat, sondern was geschrieben wurde, und wir sind beide cool bei all dem. Ich glaube, er erinnert sich an einen Typen, der auf ein Auto geschossen hat.

REID: Ich erinnere mich, dass es ein Artikel über den schwarzen Schafsbruder eines höheren Kommunalpolitikers war, der in Mondschein getrunken wurde und ein Auto zerschoss, egal ob es das Auto seiner Frau oder seiner Freundin war. Und so gab es einen tatsächlichen Satz in dem Artikel. Er sagte zu dem Richter: “Ich habe gelernt, dass wenn eine Frau dich nicht liebt, du sie nicht dazu bringen kannst,’Du kannst sie nicht dazu bringen, dich zu lieben.” Daraus entstand die Idee.

SCHAMLIN: Soweit ich mich daran erinnere, was in der Geschichte gesagt wurde, lebte ein Typ unter einer Brücke, irgendwo in der Nähe der Innenstadt von Nashville, und in der Geschichte sagte er, seine Frau sei gekommen, um ihn unter der Brücke abzuholen und ihn hinunter zu bringen das Gericht, um sich scheiden zu lassen. Und er sagte: “Wir haben uns umarmt und geweint und dann haben wir uns scheiden lassen.”

REID: Da wir, Zitat, „professionelle Songwriter“ waren, die dachten, wir wüssten, was wir tun, haben wir diesen Song als Uptempo-Bluegrass-Song geschrieben. [lacht]

SCHAMLIN: Es war sehr Bluegrass, Uptempo, eine Art hüpfende Melodie.

REID: Ricky Skaggs hatte damals Hits und ich dachte: “Das klingt nach einer Idee von Ricky Skaggs.” Also fingen wir an und bekamen diese zwei Zeilen: “Ich kann dich nicht dazu bringen, mich zu lieben, wenn du es nicht tust/ Du kannst dein Herz nicht fühlen lassen, was es nicht fühlen wird.” Es ist interessant, denn egal was wir gemacht haben, wir konnten es nicht weiter bringen. Also hörten wir auf und gingen zu einem anderen Song über. Aber wir würden immer wieder darauf zurückkommen.

SCHAMLIN: Ich erinnere mich, dass wir im März daran gearbeitet haben und ich eines Tages zu Mikes Haus kam. Sein Schreibzimmer war in seinem Keller und er sagte: “Komm nach oben, ich möchte dir etwas vorspielen.” Oben hatte er diesen wunderschönen Flügel und er fing an, nur die Melodie von “I Can’t Make You . zu spielen Love Me” auf seinem Klavier. Ich fing an, Schüttelfrost zu bekommen, wenn ich nur die Musik hörte. Er hat mir nicht gesagt, worum es geht oder so und dann kreiste er herum und fing an, den Refrain zu singen, den wir bereits über die neue Melodie geschrieben hatten. Ich wurde gerade erschlagen.

Weil wir, Zitat, ‘professionelle Songwriter waren, die dachten, wir wüssten, was wir tun, haben wir diesen Song als Uptempo-Bluegrass-Song geschrieben.

REID: Ich hatte einen alten Klavierlehrer, der ein echter Fan von Improvisation war. Der Unterricht endete immer mit etwas Improvisation. Also habe ich jeden Tag gespielt und improvisiert und zufällig hatte ich das Tonbandgerät an und aus, als die ganze erste Strophe kam. Hat übrigens nichts mit der Idee zu tun. Ich bin kein sehr schneller Schriftsteller. Ich bin sehr langsam. Aber manchmal bekommt man Stücke von Dingen. Und das Ganze kam heraus, und ich war irgendwie in dieser Zone, mir nicht im Weg, als die Zeile “Don’t bevormunden” kam. Und ich dachte sofort: “Oh, das kann man in einem Lied nicht sagen.” Und in dem Moment, als ich dachte, “Das kann man nicht sagen,” kam ich aus dieser Zone und war wieder da in mein eigenes dummes Songwriting-Selbst. Also das ist so viel wie ich hatte. An die Uptempo-Version hatte ich noch gar nicht gedacht. Aber irgendwann an diesem Tag begann ich, diesen Satz mit diesem Vers zu verbinden. Und an diesem Punkt dachte ich, “Hmm”, denn als dieser Vers herauskam, kam auch viel von dieser Melodie heraus. Also rief ich Allen an und sagte: “Allen, was machst du? Komm rüber!” und er kam rüber und wir sagten: “Ja, das scheint zu funktionieren. So seltsam das auch ist, es scheint zu funktionieren.”

SCHAMLIN: Nachdem wir den Song fertig hatten, hat Mike ihn wochenlang, wenn nicht monatelang nicht vorgeführt, und ich wusste, — zumindest hatte ich das Gefühl, dass es der beste Song war, an dem ich je in meinem Leben mitgewirkt habe, und Ich glaube, Mike hat das auch sehr empfunden. Ich sagte immer wieder: “Mike, hast du schon eine Demo davon gemacht?” und er sagte: “Nein, ich bin emotional nicht gewachsen.” Er sagte: “Wenn ich mich hinsetze, Ich muss wirklich emotional dazu bereit sein.” Und dann, eines Tages, rief er an und sagte: “Ich habe es.” Also habe ich sofort alles fallen lassen und bin zu ihm nach Hause gefahren und habe mir das angehört. Ich war ausgeknockt. Das ist es, was er Bonnie geschickt hat, nur ein Klavier und Gesang.

Streamen Sie Mike Reids Demo zum Song, die zum ersten Mal veröffentlicht wurde…

Nachdem sie in den späten 󈨊ern einige Shows für sie eröffnet und einen Song dazu beigetragen hat Nick der Zeit, Reid hatte sich mit Raitt angefreundet. Als er endlich die Demo zu “I Can’t Make You Love Me” bekam, schickte er eine Kassette und eine handschriftliche Notiz an ihre Postfachadresse.

REID: Ich erinnere mich, als wir den Tag beendeten, sagte ich speziell zu Allen: “Allen, es gibt nur drei Orte, an die ich mit diesem Song gehen kann. Bette Midler, Linda Ronstadt oder Bonnie Raitt.”

SCHAMLIN: Mein Verleger fragte mich: “Für wen hörst du das alles?” Auf halbem Weg zum Songtext hatten [Mike und ich] ein langes Gespräch über Bonnie. Ich sagte: “Wir denken an Bonnie Raitt oder … wir wissen es nicht.” Ich glaube, ich habe vielleicht sogar Rod Stewart gesagt. Ich dachte definitiv, dass jemand außerhalb von Nashville auftaucht. Aber wirklich, Bonnie stand im Mittelpunkt.

REID: Ich habe eine Weile gebraucht, um das Ding zu demonstrieren. Ich habe es gerade versucht und konnte die Emotion in dem Ding nicht finden. Ich habe gute sechs Wochen gebraucht.

BONNIE RAITT (SÄNGERIN): Ich habe durch die Musiker-Community gehört, was für ein großartiger Sänger und Songwriter [Mike] war, also hatte ich sein Soloalbum und von dort bekam ich den ersten Song [“Too Soon To Tell,” von Nick der Zeit]. Und wir wurden Freunde danach Nick der Zeit und er und Allen schickten mir zuerst [“I Can’t Make You Love Me”] und ich war bei seiner eigenen Demo einfach KO, weil ich ein Fan von seiner Art bin, wie er singt.

REID: Ich arbeitete in einem dunklen Keller und hatte dort unten eine Telefonleitung. Ich arbeite da unten, und meine Frau steckt den Kopf hinein und sagt: “Hey, du wirst einen Anruf bekommen, lass ihn nicht überprüfen. Heben Sie ab.” Das Telefon klingelte und es war Bonnie. Wir haben lange geredet, nur über das Leben. Meine Erinnerung ist, dass sie nicht sofort war “Ja, ja, ja, das werde ich aufnehmen.” Sie hatte einen Platz für eine Ballade auf dieser Platte und es gab einen anderen Song, den sie liebte und ich kenne den Song und es ist ein wirklich großartiges Lied. Also sagte sie: ‚Würde es Ihnen etwas ausmachen, mich festzuhalten?‘ Und ich sagte: ‚Nein, natürlich nicht.‘ Das bedeutet, dass Sie es niemandem zeigen werden.

SCHAMLIN: Ein paar Wochen später kam ich zu [Hayes Street Music, meinem Verleger] und alle waren aufgeregt und ich sagte: “Was ist los?” Damals hatten wir Voicemail. Es war ein Anruf von Bonnie. Sie hatte am Abend zuvor spät angerufen und gesagt: “Ich habe gehört ‘I Can’t Make You Love Me.’ Bitte sagen Sie Mike und Allen, dass ich das Lied liebe und ich glaube, dass ich es aufnehmen möchte.” Ich habe die Aufzeichnung dieser Voicemail tatsächlich immer noch in meinem Keller in einer Kiste [lacht]. Ja, es ist eines der aufregendsten Dinge, die mir passiert sind.

RAITT: Ich wusste, dass es ein wirklich besonderer Song war und der speziellste, den ich aufnehmen konnte.

DON WAR (CO-PRODUZENT): Bonnie hat es bekommen und für mich gespielt, und du wusstest es einfach, verstehst du? Es war wunderschön. Wenn Sie die Demo von Mike gehört haben, ist dies der Grundstein für unseren Umgang damit. Er hatte diese Art von keltischen Stimmen, die er auf dem Klavier macht, die nur — dich zum Weinen bringen, vergiss den lyrischen Inhalt [lacht].

RAITT: “I Can’t Make You Love Me” war für mich so klar, die Übereinstimmung zwischen meiner Art zu singen und meiner Herangehensweise an diese Musik — Mike und Allen und ich waren vollkommen synchron. Er hätte es also an eine beliebige Anzahl von Leuten senden können, aber ich bin wirklich dankbar, dass wegen meiner Verbindung zu ihm — und weil ich so ein Fan von seiner Art zu singen und zu schreiben bin, und von Allen. #8217s zu — Ich war wirklich dankbar, dass er es mir zuerst geschickt hat.

REID: Wie oft in deinem Songwriting-Leben lässt du den absolut perfekten Künstler den Song aufnehmen?

Raitt hatte sich erneut mit Was und dem Ingenieur Ed Cherney zusammengetan für Glück der Auslosung. Sie arbeiteten an “I Can’t Make You Love Me” in den damaligen Ocean Way Recordings, sind aber seitdem zu ihrem ursprünglichen Namen United Recording Studios zurückgekehrt. Es ist ein Studio voller Geschichte: Coltrane, Madonna, Sinatra, Michael Jackson. Die Liste geht weiter. Für Raitt war die Crew klein, als sie an “I Can’t Make You Love Me” — arbeitete, was, Cherney, ihr Bassist James “Hutch” Hutchinson, Tony Braunagel am Schlagzeug und Bruce Hornsby als Gastspiel am Klavier.

WAR: Es war in Studio B, wo Sinatra “It Was A Very Good Year” und viele seiner großartigen Songs schnitt. Sein Büro Reprise Records war oben. Es sieht im Wesentlichen noch so aus wie in den sechziger Jahren.

BRUCE HORNSBY (PIANIST): Ich habe im selben Raum auf einer Bob-Dylan-Platte gespielt und auch auf einer Bob-Seger-Platte.

WAR: Es ist eines der großartigsten Zimmer aller Zeiten, aber es war ein chaotischer Nachmittag. Lenny Kravitz war im vorderen Zimmer. Jemand versuchte es so zu machen, ein anderer “We Are The World” in Studio A vorne.

RAITT: Ich wusste, dass ich während des Singens niemanden im Raum haben wollte.Ich kann nicht auftreten, wenn die Leute da stehen und mich beobachten. Wenn wir also Tracks schneiden, sind es nur die Ingenieure und ich, es ist keine Party.

WAR: Da waren all diese Leute, all diese Künstler, die herumrannten, den Flur bevölkerten, und Leute, die Bonnie kannten, gingen hinunter.

RAITT: Später fand ich heraus, dass es andere Leute gab, die hereinkommen wollten, aber [war] sie zum Schweigen gebracht. Ich wäre nicht in der Lage gewesen, einen Track zu machen, während die Leute zuschauten. Es ist einfach zu persönlich.

WAR: Mit Bonnie machten wir Demos von allem, was sie entweder am Klavier oder an der Gitarre zeigte. Wir hatten das Prinzip, dass, wenn sie den Song nicht mit einem Instrument zum Laufen bringen konnte, eine Band mit einem großartigen Arrangement nichts ändern würde. Also haben wir nur Songs gemacht, bei denen wir Demos für ein Instrument geschnitten haben, die uns umgehauen haben. Im Fall von “I Can’t Make You Love Me” wollte sie das nicht, weil es etwas gab, das sie in ihrem eigenen Leben anzapfen würde, über das wir nie gesprochen haben. Sie wollte es nur einmal tun und der Wahrheit auf den Grund gehen, und sie wusste, dass das mit jeder weiteren Einstellung abnehmen würde.

Abgesehen von Raitts Gesangsdarbietung ist Bruce Hornsbys Klavierpart das berühmteste und ikonischste Element des Songs. Raitt rief Hornsby an und bat ihn, darauf zu spielen, was er sofort zustimmte.

RAITT: Ich könnte mir keinen großartigeren als Bruce Hornsby vorstellen, um darauf zu spielen, weil ich genauso ein Fan von ihm bin wie von jedem anderen. Ich meine, die Leute haben mich gefragt “Wenn du einen Musiker hättest, könntest du es auf einer einsamen Insel aufnehmen…” Das wäre definitiv Bruce Hornsby. Es ist einfach etwas an ’ und — zu erwähnen seine großartige Persönlichkeit, wie funky er ist und wie unglaublich seine Fähigkeiten sind — ich wie kein anderer. Es gab keine Frage in meinem Kopf.

HORNSBY: Bonnie rief mich an und bat mich, darauf zu spielen, und das einzige Demo, das in meiner Erinnerung existierte, war das Demo des Songwriters von Mike Reid. Es war also ganz einfach. Sie rief mich an und bat mich, dabei zu sein. Mike hat die Kassette rübergeschickt.

Ich meine, die Leute haben mich gefragt ‘Wenn du einen Musiker hättest, könntest du es auf einer einsamen Insel aufnehmen…’ Es wäre definitiv Bruce Hornsby.

ED CHERNEY (INGENIEUR): Die Sache mit der Demo … Ich wusste, dass wir es nicht so schneiden würden. Aber da war dieser Piano-Lick. Ich wusste, dass wir darauf aufbauen würden.

HORNSBY: Es gibt eine kleine Lounge, die spät in der Nacht vor der Sitzung dunkel war. Ich erinnere mich, dass ich dort mit dem Klavier saß und niemand im Raum war, also lernte ich das Lied und änderte es ein wenig.

CHERNEY: Ich weiß nicht, wie viel ich darüber sagen kann, wie viel Mühe es war, Bruce dazu zu bringen, den gottverdammten Lick zu spielen. Ich glaube nicht, dass wir ihn dazu bringen könnten, sich die Demo anzuhören.

WAR: Es war eine Art Streitpunkt für Bruce. Er liebte das Lied, aber er wollte das Demo nicht hören. Er wollte seinen eigenen Weg finden. Er wollte diese Wegweiser der Songwriter nicht. Was meistens ein narrensicherer Plan ist. Aber in diesem Fall war das, was Mike Reid am Klavier gemacht hatte, so …, es war einfach perfekt, Mann. Wir gingen es ein paar Mal durch und sagten: “Schauen Sie, keine Respektlosigkeit, aber Sie müssen sich die Demo wirklich anhören.” Und als er es hörte, wusste er natürlich genau, was los war. Bruce fügte etwas Unglaubliches hinzu. Er hat es auf ein neues Niveau gehoben, aber er baute auf dem Fundament der [Reid’s] Voicings und Akkorde auf.

HORNSBY: Ich habe die Akkorde geändert, um meiner Ästhetik oder meinem Stil zu entsprechen, denke ich. Ich habe meine Stimme dem Mix hinzugefügt. Die Art und Weise, wie ich mich durch die Akkorde bewege und Harmonie spiele … Es geht mehr darum, Stimmen unter die Melodie zu bewegen, Stimmen, die andere Töne und andere Noten in der linken Hand bedeuten. Die linke Hand bewegt sich im Einklang mit der Melodie der rechten Hand. Auf der Platte ist es sofort deutlich zu hören.

CHERNEY: Als wir ihn schließlich dazu brachten, es sich anzuhören, kam es zusammen. Nachdem er sich die Demo angehört hatte, kam sie, soweit ich mich erinnere, in einem Take zusammen. Es war ein bisschen wie Zähne ziehen für eine Weile. Manchmal muss man im Studio mutig sein, und es passte einfach nicht zusammen. Aber alle haben es irgendwie gleichzeitig verstanden.

HORNSBY: Ich erinnere mich, dass ich es live aufgenommen habe, mit Bass und Schlagzeug, auf dem elektrischen Keyboard, das die Platte beginnt. Also habe ich den Basis-Track aufgenommen und dann das Piano überspielt. Es war eine sehr schnelle Sitzung.

CHERNEY: Was Bruce im Vamp spielt, ist einfach zeitlos. Es hat mir den Atem geraubt. Als er die Rolle bekam, war es ein Seufzer der Erleichterung und das Ganze fügte sich einfach zusammen. Es ging so schnell.

RAITT: Ich war begeistert, dass er seinen eigenen Dreh gemacht hat. Ich wusste, dass er es spielen würde, selbst wenn wir es fast genau wie die Demo spielen würden, aber Sie haben nicht jemanden wie Bruce, der auf etwas spielt und erwartet, dass er jemanden kopiert, wissen Sie?

REID: Hornsby hat das Ding wie verrückt unterschrieben und ich bin ihm unendlich dankbar. Die Intro-Phrase war von mir, sicherlich kam das mit dem Schreiben des Songs. Die Melodie ist die Melodie. Aber Bruce hat das Intro wirklich aufgenommen und artikuliert, was ich geschrieben habe. Er hat es durch den Hornsby-Filter gemacht, der es wirklich auf ein anderes Level gebracht hat.

SCHAMLIN: Ich dachte, [Bruces Teil] wäre transzendent. Es war spirituell.

Als Hornsbys Teil zusammenkam, folgten die Sessions. “I Can’t Make You Love Me” ist im Wesentlichen ein Klavier- und Gesangssong, ähnlich wie Reids Originaldemo. Wenn die Leute davon sprechen – besonders Menschen, die an der Entstehung des Songs beteiligt waren – sprechen sie in Ehrfurcht über Raitt als Sängerin und insbesondere über ihre Darbietung dieses Songs. Wie die Geschichte erzählt, nahm sie es in einem Take auf.

HORNSBY: Wie so viele Dinge, die am Ende zeitlos oder ikonisch sind, ging es ziemlich schnell. Ich war nicht lange dort. Wir machten ein paar Takes mit dem Trio, Bonnie sang und ich ein oder zwei am Klavier.

WAR: Es ist ein Take. Ich glaube, es gab ein paar Zeilen, in denen sie zu weinen begann, also waren das die einzigen Dinge, die wir zurückgehen und schlagen mussten. Alles andere war live, wie es passiert ist.

RAITT: Es ist ein ziemlich niederschmetterndes Lied, mehr als einmal zu singen [lacht]. Ich meine, vielleicht können andere Leute mehr als einmal Balladen singen. Ich wartete wirklich darauf zu wissen, dass ich mit Bruce da drin sein würde, und wir gaben ein paar Stiche und es gab Dinge, die auch nicht funktionierten. Am Ende haben wir Tony Braunagel mitgebracht, der in meiner Live-Band gespielt hat. Er kam herein und hatte das Lied noch nie zuvor gehört, und er spielte ein paar Besen und hielt den Takt. Ich wollte nur Bruce vorsingen können, wenn er dieses schöne Lied spielt. Ich hatte keine Regel, dass es ein Take sein sollte, es ist nur so, dass wir so viel darauf gesteckt haben, diesen Moment zu etwas ganz Besonderem zu machen, dass es keinen Grund gab, es noch einmal zu tun. Außerdem brauchte ich eine Minute, um mich davon zu erholen, wie traurig es war.

CHERNEY: Ich habe verdammt noch mal geweint. Ich sage Ihnen, ich war im Kontrollraum. Don Was war im Kontrollraum, und ich glaube, ihr Manager, Ron Stone, war im Kontrollraum. Ich glaube, es waren nur wir drei. Und das erste Mal, als wir es runterliefen und sie es live so sang … mein Herz ging mir bis zum Hals und meine Augen füllten sich mit Tränen. Es war so überzeugend, es war so real. Ich wollte nicht, dass Don und Ron sehen, dass ich so ein Idiot bin und so weinen.

WAR: Ich werde das nie vergessen, weil ich, du weißt schon, die Wahrheit ist, dass ich daran ersticke, daran zu denken. Es war auf so vielen Ebenen so emotional, aber es hat mit etwas zu tun, das in ihrem Tonfall sehr schwer zu beschreiben ist. Ich meine, das Lied könnte wirklich schnell mürrisch werden, oder? Aber es gibt eine Stärke in Kombination mit einer Verletzlichkeit. Es ist immer noch eine Süße in ihrer Stimme. So denke ich auch an Bonnie.

CHERNEY: Ich konnte ihre Seele spüren, als sie es sang. Es war nur einer dieser Momente, in denen das Studio verschwindet und die ganze Welt verschwindet und alles, was da ist, ist die Emotion dieses Dings. Für mich ist das, was großartige Musik und großartige Kunst ausmacht. Es zieht Sie einfach in den Moment und das Gefühl und die Emotion davon. Ich hatte das Gefühl, ihr Herz zu fühlen.

WAR: Ihre Darbietung war so lebendig, dass ich mich nicht trennen konnte. Für mich war das keine Leistung. Ich wurde wirklich erstickt, weil ich nicht wollte, dass Bonnie so leidet. Es war wie im richtigen Leben. Es war, als würde ich sehen, wie der Person, die ich liebte, etwas passierte. Es ist wirklich seltsam, nicht wahr? Es ist, als ob man einen Schauspieler nicht von einer Rolle trennen kann, in der er spielt.

CHERNEY: Es geht unter und ich wimmere wie ein kleines Baby und ich wollte nicht, dass Don mich so sieht, aber ich erinnere mich, dass die Aufnahme fertig war und wir so bewegt waren, dass wir alle drei in verschiedene Richtungen gingen um unsere Fassung zu gewinnen, denn ich denke, diese beiden Typen waren auf die gleiche Weise betroffen, aber wir wollten uns nicht gegenseitig sehen, dass wir so weich waren oder … vielleicht ein bisschen peinlich berührt waren. Ich weiß, dass ich es war. Ich musste irgendwie in den Flur gehen, ich glaube, ich ging für ein paar Minuten nach draußen, um meine Fassung zurückzugewinnen.

RAITT: Als ich mit dem Singen fertig war, wusste ich, dass ich dachte, wir hätten es. Sie wissen es, wenn Sie es haben, besonders wenn es sich um eine Zusammenarbeit handelt. Wie das, was mit Bruce vor sich ging, wo seine Leistung war. Es spielt nicht nur das Lied — ich singe auch, wir spielen uns gegenseitig aus.

WAR: Es war kein Zufall. Es ist nicht so, als ob Sie über etwas gestolpert wären. Sie wusste, wie man das Lied bewohnt und es zu ihrem macht. Es war nicht dem Zufall überlassen, aber es war monumental. Ich wusste nur, dass ich eine der großartigsten Gesangsdarbietungen aller Zeiten hörte. Ich wusste es hauptsächlich, weil ich es nicht konnte ’ meine Reaktion war: “Zeig mir den Typen, der dir das angetan hat und ich werde ihn versauen.” Ich wollte sie beschützen.

REID: Als ich es bekam, stieg ich in meinen Truck und ging runter [um Allen zu sehen] und wir haben es reingestellt und waren überrascht. Wir waren begeistert, dass es Bonnie war und ich wusste es Nick der Zeit war ihr Breakout-Album. Ich wusste, was es bedeutet, diese Frau etwas singen zu lassen, verstehst du? Ich weiß nicht, dass es sie mehr gibt. Über verschiedene Generationen hinweg gibt es Künstler, die Sie als Schriftsteller bestätigt haben. Ich bin mir sicher, dass in den fünfziger Jahren, wenn Sie einen Schnitt von Frank Sinatra oder Tony Bennett bekamen, es war: “My God!” Bonnie ist eine Künstlerin mit dieser Kraft. Als Bonnie Raitt beschloss, etwas zu singen, egal ob es eine einzelne Veröffentlichung war oder nicht, fühlte man sich einfach mehr wie eine Schriftstellerin.

Nachdem sie die grundlegenden Aufnahmen gemacht hatten, machten sie sich daran, dem Song Overdubs und Verzierungen hinzuzufügen. (Einer von denen, die auf dem Track geblieben sind, war ein Hammond B-3 Orgelpart mit freundlicher Genehmigung von Tom Petty & The Heartbreakers’Benmont Tench.) Als sie versuchten, den Song fertigzustellen, wussten sie, dass jetzt etwas nicht stimmte. Schließlich erkannten sie, dass sie die Spur vieler der Overdubs entfernen mussten, die sie darauf gelegt hatten.

REID: Allen und ich waren überrascht, weil die Aufzeichnungen so spärlich waren. Ich — in meinem hurenhaften, kommerziellen Teil von mir — dachte, es wäre “Wind Beneath My Wings” … eine große, riesige Produktion.

CHERNEY: So wie wir es an diesem Nachmittag gemischt hatten, waren die Instrumente auf dem Boden. Wir haben ein bisschen Percussion drauf, wir haben ein paar Background-Vocals mit den Jungs von Was Not Was gemacht. Ich erinnere mich, als ich es abgemischt habe, war ich allein in den Conway Studios in Studio City. Ich hatte versucht, es zu mischen und ich hatte versucht, alle Elemente, die wir aufgenommen hatten, beizubehalten, und dachte: "Wir wollen all diese Dinge." Aber es fühlte sich nie so emotional an wie bei diesem [ersten] Mal. Es war einer dieser Regenstürme in LA. In dieser Nacht regnete es in Strömen. Ich habe die Mischung an diesem Abend genagelt, ich wusste, dass ich sie hatte. Ich hatte damit gerungen, weil ich immer wieder versuchte, alle Elemente zu nutzen und schließlich einfach alles loszuwerden und zu diesem ursprünglichen Ding zurückzukehren. Ich glaube, es war ungefähr vier Uhr morgens, es regnete, und ich war allein. Es war nur eine dieser Nächte. Ich erinnere mich, dass ich gerade ausgelaugt wurde. Ich wusste, dass ich es bekam, weil ich wieder zu dieser Traurigkeit kam. [lacht]

REID: [Es war] zweifellos mächtiger. Schau, es gibt keinen Weg daran vorbei, dass es ein Lied der Intimität ist. Dies ist ein intimes Lied, und um noch etwas anderes damit zu tun … Don sagte mir, — ich weiß nicht, ob er sich erinnern würde, das zu mir gesagt zu haben —, dass sie viel mehr darüber hatten aufnehmen und als sie es abgemischt haben, dachten sie: “Mein Gott, was ist passiert?̵ unten.”

CHERNEY: Wir haben angefangen, darauf zu produzieren. Ich brauchte eine Minute, um herauszufinden, wie ich all das Zeug loswerden konnte. Es hatte diese Emotion nicht mehr. Ich fing an, die Arbeit zu hören, die wir machten, anstatt den Moment, in dem jemand diese Seele trug.

REID: An diesem Punkt lehrte [Was] mich eine großartige Sache: Er sagte: “Weißt du, bei einem Künstler wie Bonnie muss man sich bei allem, was man auf der Platte macht, bei allem, was man als Produzent macht, fragen: ‘Ist es? Dies wird dem Hörer ermöglichen, eine intimere Beziehung zu diesem Künstler zu haben, oder wird dadurch etwas Unnötiges zwischen den Hörer und den Künstler gebracht?'” Das ist eine so kluge Beobachtung. Und es gab nichts zwischen dem Hörer und ihr auf dieser Platte.

CHERNEY: All das andere unvorhergesehene Zeug kam ihm in die Quere. Ich versuchte, zu diesem Gefühl zurückzukehren, dieses totale Mitgefühl für sie und diese tiefe Traurigkeit, dieses tiefe Gefühl dieses Verlustes.

SCHAMLIN: Ich war ausgeknockt. Von ihrem vorherigen Album hatte ich erwartet, dass es mehr produziert wird, weißt du? Ich weiß nicht, wie ich es sagen soll. Bonnie servierte das Lied.

REID: Es ist ein natürlicher Impuls zu denken, dass mehr mehr ist. Und es braucht echte Eier, wie diese Leute hatten, um zu erkennen, dass mehr weniger sein kann.

Trotz Raitts überraschendem kommerziellem Erfolg in letzter Zeit und sogar mit anderen Hit-Singles in letzter Zeit, war “I Can’t Make You Love Me” nicht genau ein Song, der geschaffen wurde, um die Pop-Charts von 1991 zu erobern es wurde ein weiterer bedeutender Pop-Hit in ihrer Karriere und erreichte die Top 20 der Plakat Heiße 100.

RAITT: Ich mache keine Platten, um zu sehen, ob sie im Radio gespielt werden. Es gibt ein Format, das mich immer spielt, das sie im Laufe der Jahre zehn verschiedene Namen nannten, aber es ist, wo Delbert McClinton oder John Hiatt oder John Prine oder Emmylou Harris … heißen, wir heißen jetzt Americana, die letzte 15 Jahre. Roots-Musiker, es gibt einen ganzen Haufen von uns, der auf dem gespielt wurde, was man “Album-orientierter Rock nennen würde.” FM-Radio begann in den Siebzigern, Gruppen wie meine zu spielen, und sie spielen nicht nur Singles, also ich hatte vorher immer eine parallele Karriere Nick der Zeit Schlag.

WAR: Ich wusste, dass [“I Can’t Make You Love Me”] kraftvoll war, aber ich wusste auch, dass es 1991 jeder Konvention eines Pop-Albums trotzte. Obwohl wir Erfahrung damit hatten Nick der Zeit, unser Ziel war es, das Geld zurückzubekommen und zu einem nächsten Album zu kommen. Also sieben oder acht Millionen davon zu verkaufen – das war so anders als die populäre Musik von damals. Es zollte der Mode keinerlei Respekt. Das war also ziemlich schockierend, aber es gab damals einfach keine Platten wie “I Can’t Make You Love Me” im Radio.

RAITT: Der Grammy-Gewinn hat [Nick der Zeit] in die Pop-Charts, also machte es einen großen Unterschied, obwohl die Platte schon vor den Grammys eine Million verkauft hatte. Glück der Auslosung war das Nachfolgealbum und wir hatten unseren ersten Hit mit “Something To Talk About” und die zweite Single war “I Can’t Make You Love Me.” Also hatten wir schon ein schönes Crossover-Bett ins Mainstream-Radio, und es hatte keinen Einfluss darauf, wie wir die Songs schneiden. Ich schneide meine Musik nach dem, was sich für mich gut anfühlt und klingt, und es gab immer einen Radiosender, der sie spielt.

CHERNEY: Ich kann mich nicht erinnern, dass wir jemals gedacht haben, dass wir versuchen, einen Hit zu machen oder etwas für das Radio zu machen. Ich erinnere mich nur daran, dass ich versucht habe, es musikalisch großartig zu machen und mich um nichts anderes wirklich zu kümmern. Ich denke, das ist der Grund, warum die Platten, die wir zusammen gemacht haben, so gut gelaufen sind. Wir haben uns nicht geschmeichelt.

RAITT: Es war nur eine Überraschung für ein paar Jahre dort, wir wurden tatsächlich im Popradio gespielt. Keiner von uns ahnte, dass es ein so großer Hit werden würde.

WAR: Es ist eine dieser Performances, die so kraftvoll ist, dass sie die Definition dessen, was die populäre Musik dieser Zeit ist, verändert. Sie spielten es auf Pop-Radiosendern.

SCHAMLIN: Ich würde lügen, wenn ich sagen würde, dass ich überrascht war, dass [“I Can’t Make You Love Me” ein Hit wurde], weil ich die Wirkung des Songs auf die Leute gesehen habe und ich mich gefühlt habe, als ob Mike und ich geschenkt worden wären ein Geschenk, das Lied, das einen Urplatz in den Herzen der Menschen berührte. Es war universell. Ich war so überwältigt, ein Teil des Songs zu sein, als wir ihn fertig hatten, und ihn dann von Bonnie aufnehmen zu lassen. Wenn es genau hier aufgehört hätte, wäre ich heute glücklich gewesen, denn es war geboren. Bonnie hat es zur Welt gebracht. Sie hat es in die Welt gebracht und ihm auf die bestmögliche Weise Leben eingehaucht. Alles danach war also nur ein großer Segen. Ich bin einfach nur dankbar für alles.

In den Jahren seit dem Erfolg von Glück der Auslosung und “I Can’t Make You Love Me” hat der Song eine andere Statur angenommen. Es wird zu einer Art Standard, der ständig von Stars wie George Michael, Prince und Boyz II Men und jüngeren Künstlern wie Adele, Katy Perry, Bon Iver, SOAK und Allen Stone abgedeckt wird. Es hat eine andere Art von Unsterblichkeit angenommen, als nur ein großer Song von einem mittlerweile legendären Künstler zu sein. Es ist einer dieser Momente, in denen ein Track Teil des populären Lexikons wird: von einer bestimmten Gruppe von Menschen in die Welt gesetzt und von Natur aus immer von ihnen definiert, aber auch irgendwie viel größer als das, was sie vor fünfundzwanzig Jahren getan haben.

HORNSBY: Ich [spiele es bei] meinen Solokonzerten und hier ist der Grund.Meine Solokonzerte sind musikalisch, harmonisch abenteuerliche Ausflüge und ich füge meinem armen, ahnungslosen Publikum regelmäßig so viel Dissonanz zu, dass ich versuche, das mit Liedern auszugleichen, die sie so kennen, da ich damit verwandt bin, da ich Teil der Platte bin.

ALLEN STEIN (PERFORMER): Es ist schwierig, genau aufzuschlüsseln, was einen zu einem Song hinzieht. Es kann eine so genaue Wissenschaft über die Schwere bestimmter Musikstücke geben. Zeit, Ort, Akkordfolge, Sänger, Töne. Alles kann unter ein Mikroskop gestellt werden. Jedes Mal, wenn ich Bonnie dieses Lied singen höre, fühlt es sich richtig an.

EINWEICHEN (PERFORMER): Für mich ist es das ultimative Liebeslied, weil es so viel beschreibt und jeder mitfühlen kann. Die ganze Bedeutung hinter dem Song ist wunderschön, aber nur die Melodien darin und die Struktur des Songs – es ist der unglaublichste Refrain aller Zeiten.

KATY PERRY (PERFORMER): Ich spiele selten Coverversionen, weil ich beim Singen gerne meine persönlichen Lebensgeschichten teile. “I Can’t Make You Love Me” ist eine Ausnahme, weil es in mir und jedem, der es hört, einen so persönlichen Nerv trifft.

EINWEICHEN: Als wir aufgenommen haben, war es für mich das Wichtigste, es einfach so zu singen, als wäre es mein Lied. Es ist das Klischeehafteste, aber fühlen Sie es, während Sie es spielen. Ich habe mich in diese Schuhe hineinversetzt.

STEIN: Ich wollte nur ein Lied singen, das ich wirklich liebte. Wenn Bonnie im Publikum gewesen wäre, ja, ich hätte mich selbst geschissen.

EINWEICHEN: Jedes großartige Lied kann auf einem Instrument gespielt werden. Die Übertragung auf die Gitarre war einfach. Ich glaube, ich wollte die Seele des Songs bekommen. Die Aufnahme ist einfach nur Gesang und Gitarre, weil wir sie nicht mit anderen Instrumenten oder einer anderen Melodie überladen wollten. Es brauchte es nicht. Ich wollte einfach so ehrlich und offen wie möglich sein. Manchmal habe ich fast Angst, es am Ende von Shows zu spielen. Wenn ich es spiele, denke ich daran, wie die Texte in meinem Leben passiert sind, Situationen wie diese sind um mich herum passiert. Es zu spielen und sich in diese Position zu versetzen, kann wirklich emotional anstrengend und auch ziemlich beängstigend sein, um so ehrlich zu den Leuten zu sein.

STEIN: In diesem Lied ist viel Platz. Viel Raum für die Stimme, um zu glänzen. Das sind immer lustige Lieder zum Singen. Wenn Sie Platz und Platz haben, um mit Ihrer Stimme zu tanzen.

HORNSBY: Bonnie ist eine dieser Sängerinnen, die man als „Telefonbuch-Sängerin“ bezeichnen könnte. Wenn ich es singe, ist der Hauptgedanke, der mir durch den Kopf geht, “Komm, mach es besser!”

EINWEICHEN: Als ich ein bisschen jünger war, stolperte ich über das Bon Iver-Cover des Songs auf YouTube. Ich erinnere mich, es gehört zu haben und war erstaunt, wie einfach und unkompliziert das Lied war, aber wie unglaublich ein Lied es war. Nachdem ich seine Version gehört hatte, suchte ich Bonnie Raitt auf und ging auf all ihre Sachen ein. Es war meine erste Einführung in das Lied.

REID: Ich meine, ich weiß nicht einmal, was ich sagen soll, außer dass es eine unglaubliche Freude oder mehr als bedeutungsvoll ist, dass ein Kind dieses Lied anspricht, dass dieses Lied dazu neigt, ein Leben über Generationen hinweg zu führen.

STEIN: Die Version von Bon Iver gefällt mir sehr gut. Das Gefühl, das er hervorruft, ist etwas ganz Besonderes. Er nimmt sich Zeit. Präsentiert das Lied durch seine eigene Linse. Ich finde es toll, wenn ein Künstler etwas nehmen kann, etwas von sich selbst hinzufügen, aber auch nicht vom Original nehmen kann.

RAITT: [Justin Vernon’s] war eine totale Überraschung. Jemand hat es mir geschickt und er hat ein bisschen “Nick Of Time” an das Ende gesetzt. Wir wurden gleich danach Freunde. Ich rief ihn innerhalb von ein paar Tagen an, es war großartig. Wir haben gerade Prince verloren und ich fand seine Version sehr schön.

WAR: Prince hat eine Version davon geschnitten und du hörst es eine Weile an und er ist so ein großartiger Sänger und du kannst die Technik bestaunen, aber dann kommt er zum Vamp und sagt etwas wie “Komm her, Baby, ich bin" Ich werde dich ficken,” oder so ähnlich. Er hat keine Ahnung, worum es in dem Lied geht. Ich habe noch nie jemanden gehört, der es singen kann. Ich weiß nicht, ob ein Typ das Lied singen kann.

REID: Jemand hat mir erzählt, dass George Michael “I Can’t Make You Love Me” gesungen hat Nicht angeschlossen auf MTV. Nicht lange danach sitzen wir hier, meine Frau und ich, schalten die Kanäle um, suchen nach etwas und wir gehen hinüber MTV Unplugged und da ist George Michael! Und ich dachte: “Wow, das muss die Show sein, in der er das singen wird.” Und verdammt, wenn er als nächstes nicht singt, sagte er: “Nun, ich werde eine singen meiner absoluten Lieblingslieder. Es wurde von der wundersamen Bonnie Raitt aufgenommen. Und es wurde von … geschrieben, eigentlich weiß ich nicht, wer das geschrieben hat.” [lacht] Ich lachte und meine Frau wurde wütend, also musste ich nicht. Sie sagte: “Er sollte das wissen! Das sollte er wissen!” Ich sagte “Nein, nein, nein.” Zu wissen, dass das Lied in der Welt lebt und die Leute nicht wissen, wer es geschrieben hat, das kann ich gut. Damit komme ich gut zurecht. Mir ist es lieber, als dass die Leute einen Haufen Songs kennen, die du geschrieben hast, und niemand kann sich an sie erinnern. Wenn ich verschwinde und keiner eine Ahnung von meinem Namen hat, bin ich gut, wenn ich es irgendwo weiß, jemand singt dieses Lied.

RAITT: Ich habe [Michael’s] Version gehört. Ich habe nicht alle Versionen gehört, von denen ich weiß, dass es sie gibt, aber ich bin immer fasziniert. Ich muss sagen, dass es eine Live-Version gab, die Aretha Franklin gemacht hat. Ich war im Publikum und sie blieb stehen und sagte: “Ich möchte heute Abend ein besonderes Lied für jemanden im Publikum singen” und sie sang weiter “I Can’t Make You Love Me.” Sie& #8217 ist meine absolute Lieblingssängerin aller Zeiten, also weißt du es …

REID: Eine legendäre Jazz-Pop-Sängerin, Nancy Wilson, hat dieses Lied fantastisch und hinreißend interpretiert. Es gibt einen R&B-Sänger namens Tank, großartige Version. Laut [Shamblin] gab es über 550 Cover dieses Dings.

CHERNEY: Ich kenne viele großartige Sänger, die das wirklich als Maßstab für eine Ballade anführen. Ich glaube nicht, dass irgendjemand dem nahe kommt, was Bonnie getan hat.

SCHAMLIN: Ich möchte nicht, dass dies als abwertend für andere rüberkommt, denn ich bin wirklich dankbar, ich bin dankbar, aber es gibt tatsächlich Versionen wie Bon Iver ’s … jemand hat mir kürzlich gesagt, dass sie das dachten das Aufzeichnung. Sie sind jung, achtzehn Jahre alt. Das ist also die Version, mit der sie vertraut sind. Und ich sagte: “Nun, Sie müssen sich Bonnie Raitts Version anhören.” Es berührte die Leute auf eine Weise, wo sie es covern wollten. Die Brotkrumenspur geht also immer zurück zu Bonnie, wenn ich anfange, über Cover zu sprechen.

HORNSBY: Ich kann sehen, warum es abgedeckt ist. Es ist ein wirklich tolles Lied. Ich denke, dass die meisten Leute, die populäre Musik jeglichen Stils hören, — und das ist eine Verallgemeinerung —, aber die meisten Leute suchen nach einem großartigen Song, der gut gesungen wird. Dies ist ein großartiges Lied, das erstaunlicherweise von einem der großartigen Sänger gesungen wurde, so würde ich die anhaltende Popularität dieses Liedes beschreiben.

REID: Ich war in Restaurants, wo Leute es am Klavier geschlachtet haben und ich bin davon berührt. Ich liebe jeden, der versucht, es zu singen. Es ist mir egal, ob sie es gut machen oder nicht. [lacht] Es ist mir ein Rätsel, das Leben des Songs, diesen langen, langsamen Aufstieg auf den Berg zu haben, was bedeutet, dass ich denke, es wird es für Generationen geben. Für jeden Autor wäre es idiotisch, die Fähigkeit zu haben, so etwas zu planen. Ich bin für die Fahrt mit.

Wenn man über den Umfang und die Reichweite des Songs nachdenkt, als er 25 wird, sind viele derjenigen, die am Schreiben oder Aufnehmen beteiligt waren, immer noch halb sprachlos, wenn es darum geht, ihre Erfahrungen zusammenzufassen. Es kommt immer noch so rüber, wie keiner von ihnen jemals erwartet hatte, was sie umso dankbarer und fassungsloser macht, dass es passiert ist und dass der Song weiterhin bei Menschen über Generationen oder Genres hinweg Anklang findet.

PERRY: Ich kann nicht glauben, dass wir 25-jähriges Jubiläum feiern. Das ist zeitloses Songwriting, das nie aus der Mode kommt.

STEIN: Es ist unglaublich. Ich habe sie vor ein paar Monaten gesehen, wie sie dieses Lied aufführte und bis heute singt sie es mit Überzeugung. Bonnie singt dieses Lied seit mehreren Jahrzehnten und kann es immer noch mit Sinn und Gefühl singen. Das ist monumental, wenn der Autor und Sänger Jahre und Jahre nachdem er geschrieben und der Welt geschenkt wurde, an einen Song glauben und ihn präsentieren können.

WAR: Ihre Interpretation des Songs entwickelt sich wie eine Jazzmusikerin jeden Abend weiter. Ich habe sie gerade vor ein paar Monaten live singen hören und es war einfach unglaublich. Sie findet immer wieder Nuancen und ändert die Phrasierung ein wenig, und man sieht einen Unterschied.

HORNSBY: Wir haben das gerade vor einigen Wochen zusammen im Berkeley Theatre gespielt und es war wunderschön. Ich liebe es, es mit ihr zu machen und ich denke, sie hat das gleiche empfunden.

WAR: Es liegt eine Stärke in der Art, wie sie es auf der Platte singt. Wie sie sagt: “Ich kann damit umgehen.” Es ist nicht weinerlich. Es ist nicht traurig. Es ist nicht traurig. Es lässt Sie den Sänger bewundern. Man merkt, dass es weh tut, aber sie hat die Kraft, damit umzugehen. Es ist eine wirklich exotische Mischung. Ich glaube nicht, dass sie es jemals ganz so gesungen hat, aber ich würde es nicht einmal wagen, Performances zu vergleichen, weil ich von der neuesten Interpretation, die ich dieses Jahr gehört habe, so berührt war, die völlig frisch und ebenso emotional war.

HORNSBY: Nun, ich habe im Laufe der Jahre viele Platten aufgenommen und ich behaupte, dass dies möglicherweise die Platte ist, auf der ich für einen anderen Künstler gespielt habe, auf den ich am stolzesten bin. Und Bonnie und ich sind wie Bruder und Schwester, aber ich habe das Gefühl, dass sie seit 28 Jahren eine große Schwester von mir ist.

CHERNEY: Es ist ein bisschen so, als wäre es jemand anderem passiert. Es ist eine dieser Zeiten, in denen alles zusammenkommt ’ es ist einer der perfekt klingenden Songs, an denen ich je gearbeitet habe. Und das mache ich seit über 40 Jahren.

RAITT: In jedem Interview sagen sie: “Wie denkst du über die Wirkung, die der Song hatte?” Die Stimme, oder amerikanisches Idol … Carrie Underwood hat damit vorgesprochen. Ich denke, das ist entweder das, womit sie vorgesprochen hat, oder sie hat es in der Show gesungen. Es gibt viele junge Leute, die Anfang Zwanzig und Mitte Vierzig sind, die mich aufgrund dieses Liedes gefunden haben, und ich meine, was für ein großartiges Vermächtnis, dass so viele verschiedene Altersgruppen auftauchen und dir sagen, wie es geht das Lied hat dir viel bedeutet. Ich checke mein Gepäck am Flughafen ein und ein Typ sagt: “Hey! ‘I Can’t Make You Love Me’ ist der einzige Song, der mich zum Weinen bringt.”

WAR: Ich habe es nicht geschrieben und ich habe es nicht gesungen. Ich habe nicht einmal darauf gespielt. Aber auf Flughäfen kamen immer Fremde auf mich zu. Als würde ein Typ kommen und sagen “Meine Frau spielt das Lied immer und immer wieder, schaut aus dem Fenster und weint.” [lacht] Frauen kamen und sagten “Es läuft ziemlich schlecht in meinem Leben und ich wusste nicht, wie ich es kontextualisieren sollte, aber dieses Lied ergibt einen Sinn.” Das ging mindestens zehn Jahre so. Also total Fremde. Das ist wirklich Ihr Ziel, Menschen zu helfen, ihr eigenes Leben durch Musik zu verstehen. Bonnie hat es wahrscheinlich erlebt, indem sie es jeden Abend live vor Publikum aufführte.

RAITT: Die Anzahl der Leute, die mir Briefe geschrieben haben, in denen sie sagen, dass sie ihren Mann noch nie unter Tränen gesehen haben, bis sie ihn sahen, wie ich dieses Lied im Konzert singe, macht mich einfach sehr, sehr stolz und sehr dankbar.

CHERNEY: Bis heute, wenn ich es höre, bin ich immer noch umgezogen. Sie hatten vor ein paar Wochen die Audiotechnik-Show in Los Angeles und ich war eingeladen. JBL stellte einige seiner Lautsprecher vor und sie luden mich ein, hereinzukommen und ich spielte das. Der Atem kam aus allen gleichzeitig heraus. Ich war immer noch gerührt, und jeder im Raum war gerührt, und, Junge, diese Lautsprecher klangen auch verdammt gut. [lacht]

Die Anzahl der Leute, die mir Briefe geschrieben haben, die sagen, dass sie ihren Mann noch nie in Tränen gesehen haben, bis sie ihn sehen, wie ich dieses Lied im Konzert singe, macht mich einfach sehr, sehr stolz und sehr dankbar.

REID: Wissen Sie, es ist eine enorme, enorme Dankbarkeit. Es tut mir leid, ich trete ins hohe Alter ein, und weißt du, ich möchte das so klar wie möglich sagen: Es ist Dankbarkeit und es inspiriert, was ich aufrichtig hoffe, dass es eine authentische Demut ist.

SCHAMLIN: Mike und ich haben darüber gesprochen. Es fühlt sich an wie das Weltlied der Welt. Es kam durch uns und es ist wie ein Baby oder ein Kind zu bekommen, das aufwächst, um etwas wirklich Großartiges zu tun. Sie können nur stolz auf Ihr Kind sein und dankbar sein.

REID: Als Songwriter bin ich ständig auf meine Weise. Wenn ich aus dem Weg gehen kann, sind die Dinge, die gesagt werden wollen, die Ideen, die in der Welt sind, da. Wenn ich also höre, wie ein junges Kind dieses Lied singt, fühle ich nicht einmal: ’ #8217t wirklich herumlaufen und das Gefühl haben, als wären wir die Autoren dieses Songs. Es hatte einfach sein eigenes Leben.

CHERNEY: Ich fühle mich so geehrt und bin so stolz darauf, Teil der Platten zu sein, die wir gemacht haben, ich und Don und Bonnie. Es war eine wirklich besondere Zeit. Wir waren jünger, und wenn du das tust, denkst du, oh, das kannst du jederzeit tun. Aber nicht verstehen, dass dies ein wirklich besonderer Moment ist, der wahrscheinlich nie wieder in Ihrem Leben passieren wird.

WAR: Du hast es einfach gewusst, Mann. Sobald wir es geschnitten hatten, wussten wir, dass Sie Glück haben, sobald so etwas auftaucht — wenn es einmal im Jahrzehnt auftaucht. Wir wussten das das wäre schwer zu folgen. Ich glaube nicht, dass wir allzu entmutigt waren, weiterzumachen Nick der Zeit. Aber da war etwas an diesem Song, “I Can’t Make You Love Me.” Ich wusste, dass es eine Weile dauern würde, bis jemand etwas anderes schreiben würde, das so gut war.


Karriere und Berufsleben von Raitt

1971 veröffentlichte sie ihr erstes Studioalbum mit Tracks wie „Any Day Woman“, „Walking Blues“, „Since I Fell for You“, „Women Be Wise“ und so weiter. Ihr zweites Studioalbum hieß "Give It Up", das 1972 von Warner Bros. Records veröffentlicht wurde. Sie veröffentlichte in den nächsten drei Jahren jedes Jahr ein Album, dh Takin' My Time (1973), Streetlights (1974) und Home Plate ( 1975).

1977 veröffentlichte sie ihr sechstes Album namens Sweet Forgiveness, auf dem sie den Del Shannon-Hit „Runaway“ coverte. Ihr siebtes Album namens „The Glow“ wurde 1979 veröffentlicht. Es enthält Tracks wie „Bye Bye Baby“, „I Thank You“, „Your Good Thing (Is About to End)“, „The Boy Can't Help It“ , „Du wirst bekommen, was kommt“ und so weiter.

1982 veröffentlichte sie ihr achtes Album namens „Green Light“, das Tracks wie „Keep This Heart in Mind“, „Baby Come Back“, „Let’s Keep It Between Us“, „Green Lights“ und so weiter enthält. 1986 erschien ihr neuntes Studioalbum „Nine Lives“. Dieses Album konnte nicht wie erwartet erfolgreich werden und stieß auf geringe Verkaufszahlen und negative Kommentare.

Am 21. März 1989 veröffentlichte sie ihr zehntes Studioalbum namens "Nick of Time", das Tracks wie "Thing Called Love", "Too Soon to Tell", "I Ain't Gonna Let You Break My Heart Again" und so enthält An. 1991 veröffentlichte sie ihr elftes Album mit dem Titel Luck of the Draw, das Tracks wie „I Can’t Make You Love Me“ und „Something to Talk About“ enthält.

Zu ihren weiteren Studioalben zählen Longing in Their Hearts (1994), Fundamental (2998), Silver Lining (2002), Souls Alike (2005) und Slipstream (2012). Ihr neuestes Studioalbum hieß „Dig in Deep“ und enthält Tracks wie „Need You Tonight“, „All Alone with Something to Say“, „If You Need Somebody“, „The Ones We Couldn't Be“ und vieles mehr .


6. "Ich werde dich nicht gehen lassen"

Dieser langsam brennende Blues, der letztes Jahr auf ihrem Grammy-prämierten Album „Slipstream“ veröffentlicht wurde, wurde von Bonnie Bramlett (von Delaney & Bonnie) und Al Anderson von NRBQ geschrieben. Als Reminiszenz an ihr früheres Werk bietet dieses Stück Raitts bisher bestes Gitarrenspiel, ihre Stratocaster schlängelt sich um eine 12-taktige Bluesfigur, bei der Raitt zwischen beißendem Rhythmus und druckvollen Slide-Breaks wechselt. Raitts Stimme war noch nie besser, und ihre rauchige Darbietung beweist, dass einige Sänger mit zunehmendem Alter ihre Fähigkeit verlieren, Noten zu nageln, Raitt jedoch, wenn überhaupt, noch stärker klingt als in ihren früheren Werken. Erscheint auf „Slipstream“ (2012).


Der aktuelle Rücklauf: Bonnie Raitts Lake Minnetonka Beginning

Das Current-Logo über drei schwarzen Chevrons und das Wort "Rewind" in grauen Kappen. (MPR-Grafik)

Bonnie Raitt ist vor allem für ihre Hits "Something to Talk About" und "I Can't Make You Love Me" bekannt. Aber im Jahr 1971 war sie ein 21-jähriges Kind mit einer freundlichen Ader, Gitarrenhacken und ihrem ersten Plattenvertrag. In diesem Sommer nahm sie ihr Debütalbum am Lake Minnetonka mit einer bunt zusammengewürfelten Crew von Musikern aus Minneapolis auf und machte Musik und Aufregung in einer wilden Aufnahmeerfahrung, die sie "nicht" nennt Tierheim, aber [. ] einfach ein Knaller."

Der aktuelle Rücklauf wird teilweise durch den Arts and Culture Heritage Fund des Minnesota Legacy Amendment ermöglicht.

Transcript of Episode 5 — Bonnie Raitts Lake Minnetonka Anfänge

[„Ich bin nicht blau“ von Bonnie Raitt]

Bonnie Raitt: Enchanted Island—ja, ich erinnere mich daran, als wäre es gestern gewesen. Ich erinnere mich immer an Willie and the Bees.

Andrea Swenson: Das ist die Folk- und Blues-Ikone Bonnie Raitt, und das ist The Current Rewind, der Podcast, der unbesungene Musikgeschichten auf die Landkarte bringt. Ich bin Andrea Swensson, zurück bei Seite B unserer ersten Saison. In den nächsten Wochen entführen wir Sie in eine Industriestadt an den Great Lakes mit einer dunklen Seite und zurück in die 80er Jahre mit einer wilden Geschichte von Anti-Rock-Kreuzrittern. Aber heute zoomen wir auf die frühen Jahre von Bonnie Raitt.

["I Ain't Blue" Crescendos, dann verblasst. "Winging It" von Lazerbeak beginnt zu spielen]

Andrea Swenson: Nur wenige Künstler der letzten fünfzig Jahre Rock waren beliebter als die Sängerin und Gitarristin Bonnie Raitt. Sie schreibt und deckt eine Vielzahl von Stilen ab, von Folk über Blues bis hin zu Rock, und hat wie jeder andere den Roots-orientierten Sound von Americana definiert.Sie ist bekannt für die Hits "I Can't Make You Love Me" und "Something to Talk About". 1990 gewann ihr Album Nick of Time die Grammy Awards und machte sie zu einem bekannten Namen. Aber die Geschichte von Bonnie Raitts Plattenkarriere begann bereits 1971. Und sie begann in Minnesota.

Andrea Swenson: Für diese Episode von The Current Rewind haben wir mit einigen Musikern gesprochen, die auf Bonnie Raitts selbstbetiteltem Album von 1971 mitgespielt haben, sowie mit einigen Autoren und Raitts Bassist aus den Siebzigern.

Eine Person, mit der wir leider nicht sprechen konnten, war Bonnie selbst, deren Terminplan ihr keine Zeit zuließ. Wir haben uns also auf ein paar alte Interviews verlassen, eines mit Ann Powers von NPR im Jahr 2012 und eines mit Bill DeVille von The Current im Jahr 2013, um ihre Seite der Geschichte zu verstehen.

Obwohl es nicht das bekannteste ihrer Alben ist, war Bonnie Raitts selbstbetiteltes Debüt eine klare Absichtserklärung einer bald großen Künstlerin. Sie war erst einundzwanzig, aber ihre Songauswahl stammte aus den Quellen von Blues, Folk, Rock und R&B. Ihre Gesangs- und Bühnenpräsenz hatte seit Beginn ihrer Auftritte Aufmerksamkeit erregt. Im Sommer 1971 war Warner Bros. Records, die sich auf Singer-Songwriter wie sie spezialisiert hatte, bereit, sie in die Welt zu tragen.

Und so kam Bonnie Raitt in das Westjordanland von Minneapolis, auch bekannt als Cedar-Riverside, weil sie dort andere Musiker finden konnte, die es gewohnt waren, Genreregeln zu ignorieren und genau wie sie auf den Bauch zu gehen .

Bonnie Raitt wurde ins Showbiz hineingeboren, ihr Vater war der Broadway-Musical-Hauptdarsteller John Raitt, Star von "Oklahoma!" und andere Hits aus den 50er Jahren vom Great White Way. Aber wie sie Bill DeVille von The Current erzählte, suchte Raitt nach etwas anderem, als es an der Zeit war, ihr erstes Album zu machen.

Bonnie Raitt: Es ist Austin und New Orleans und Minneapolis-St. Paul, das sind die drei Städte, die die ganze Zeit in ihrer Musikszene multiethnisch waren. Deshalb wollte ich dort meine erste Platte machen.

Maurice Jacox: John Koerner und Dave Ray spielten auf dem Folk-Circuit an der Ostküste, und Bonnie spielte auch dort.

Andrea Swenson: Maurice Jacox war der Saxophonist von Willie and the Bees, der Band, die Bonnie Raitt auf ihrem ersten Album unterstützte.

Maurice Jacox: Und so bekam sie einen Vertrag mit Warner Bros., und der Vertrag war 40.000 Dollar wert. Sie fragte Leute, denen sie vertraute, —Koerner und Dave Ray—und sagte: „Ich habe diesen Vertrag , und wie sollte ich dabei vorgehen?"

Sie sagten beide: „Wir haben ein paar Freunde in Minneapolis, die Ihnen vielleicht in die Quere kommen könnten. Also flog Bonnie tatsächlich hierher und hing ungefähr eine Woche lang im Westjordanland herum und spielte Billard, trank Bier, trank Schnaps, spielte vier oder fünf Tage Flipper und redete viel.

Cyn Collins: Sie war dafür bekannt, mit Leuten an den verschiedenen Hotspots im Westjordanland rumzuhängen.

Andrea Swenson: Cyn Collins ist der Autor von "West Bank Boogie", einer Geschichte der Cedar-Riverside-Folk- und Blues-Szene.

Cyn Collins: Sie hing täglich in Palmer's Bar herum und löste mit Spider John Koerner Kreuzworträtsel der New York Times, während Flo die Bar betreute.

Andrea Swenson: Tatsächlich hängt bis heute ein handsigniertes Foto von Bonnie bei Palmer.

Cyn Collins: Willie Murphy würde sagen, dass sie regelmäßig an verschiedenen Orten im Westjordanland gesehen wurde – dem New Riverside Cafe, dem Firehouse, das heute das Mixed Blood Theatre ist, und sie trat im New Riverside Cafe and Firehouse und an anderen Orten auf.

Willie Murphy: Sie kam hierher und blieb bei mir zu Hause – wir schliefen tatsächlich zusammen im selben Bett und gingen jeden Morgen aus, um nach einem guten Ort für das Studio zu suchen, um die Platte zu machen.

Andrea Swenson: Das ist der verstorbene Willie Murphy, der 2014 mit mir sprach. Er produzierte Bonnies Debütalbum und war der notorisch willensstarke, schroffe, aber beliebte Anführer von Willie and the Bumblebees. Fans nannten sie oft die Bienen.

[„Honig von der Biene“ von Willie and the Bees]

Maurice Jacox: Danach sagte Bonnie nur: "Das ist die Band. Das sind die Jungs, mit denen ich arbeiten möchte."

Andrea Swenson: Zunächst wollte die Gruppe auf dem Land aufnehmen. Aber sie haben einen Haken.

Bonnie Raitt: Niemand würde uns eine Farm mieten, weil wir ein bunt gemischter Haufen aus zerlumpten Hippies und Blues-Typen waren. Dave Ray und Sylvia, seine damalige Frau, fanden diesen Typen, der ein Sommerlager zum Nachlesen hatte, und es war so isoliert, dass sie es einfach von uns übernehmen ließen. Es ging also nicht um Animal House, sondern um ein Sommercamp. Es war einfach ein Knaller.

Andrea Swenson: Das Westjordanland galt in den vierziger Jahren als "beschädigt" und war in den fünfziger Jahren Teil der Skid Row geworden, teilweise dank des in das Gebiet eindringenden Autobahnsystems, das es von der Innenstadt abschneidet. Diese relative Isolation und die Nähe zum Campus der University of Minnesota machten das Westjordanland perfekt für die aufkeimende Gegenkultur – zuerst Beatniks, dann begannen Hippies, in die Gegend zu ziehen. In den frühen siebziger Jahren eröffnete dort 1972 der Electric Fetus, ein Plattenladen und Headshop für ein Hippie-Publikum, der einen sogenannten "Naked Sale" veranstaltete. (Nicht fragen.)

Spinne John Körner: Ich glaube, ich habe 1963 oder 1964 meinen ersten Drink in Palmer's Bar getrunken, also ist es schon über fünf Jahrzehnte her, dass ich das Westjordanland beobachte.

Andrea Swenson: Der Blues- und Folksänger Spider John Koerner ist seither einer der sichtbarsten Musiker der Westbank.

Spinne John Körner: Als ich zum ersten Mal in der Westbank war, waren es Arbeiter. Es gab viele Bars. Es gab ungefähr ein halbes Dutzend die Avenue dort rauf und runter, und dort oben gab es einige schwarze Balken um Seven Corners herum. Es gab den Key Club und South of the Border, und man konnte dort hinuntergehen und einige der Top-Blues-Performer sehen, die durch Chicago kamen und so. Es war eine gute Mischung. Dann kam die Hippie-Ära. Wenn Sie Ihre Brieftasche auf der Bar gelassen haben, besteht eine 50/50-Chance, dass jemand sie Ihnen zurückbringt, anstatt von jemandem abgeholt zu werden.

Eugen Hoffmann: Wir waren keine Hippies.

Andrea Swenson: Der Saxophonist Eugene Hoffman hatte die University of Minnesota abgebrochen und begann Mitte der sechziger Jahre mit allen möglichen Musikern im Westjordanland zu spielen.

Eugen Hoffmann: Auch wenn Willie in einem seiner letzten Interviews sagte, er sei wirklich ein Hippie, wir waren alle zwischen den Beatniks und den Hippies. Die Nachbarschaft war weit gesprengt worden, weil es das Haight-Ashbury von Minnesota war. Viertens und Cedar—da war ein Platz über dem—Richter Drug Store. Dieser Richter-Apotheker war sehr nachsichtig mit den Hippies, und da kamen immer Leute rein. Sie handelten mit Drogen an der Ecke – mit allen möglichen Leuten. Das Westjordanland war um '66 schnell zu vielen Häusern von Universitätsstudenten geworden.

Andrea Swenson: "West Bank Boogie"-Autorin Cyn Collins erinnerte sich daran, wie vielseitig das Publikum sein kann.

Cyn Collins: Es war ein sehr bunt gemischtes Publikum. Die Leute würden sagen, dass man jeden Abend in der Triangle Bar Black Panthers, AIM-Aktivisten und Biker und Hippies an einem Ort haben würde. Natürlich würden Kämpfe ausbrechen. Es war eine wilde Szene. Sehr, sehr lebendig und beschäftigt und aktiv.

Andrea Swenson: Auch Maurice Jacox mischte sich in die Barszene ein.

Maurice Jacox: Früher, in den Sechzigern, gab es immer die Triangle Bar. Und oben auf Seven Corners gab es eine Bar namens Mixers, und all die Intellektuellen und Pseudointellektuellen und Aufrührer trafen sich in den Mixers und redeten und tranken und redeten und tranken und politisierten und planten und taten alles, was Radikale tun sollten, zurück an diesen Tagen.

Ich kannte Willie Murphy seit der High School und mochte ihn nicht besonders. Ein harter Mann, mit dem man arbeiten kann und ein harter Mann, den man kennt – ein sehr komplexer Mann. Er konnte unglaublich gedankenlos und überkritisch gegenüber allem und jedem sein und ein absoluter Kontrollfreak und musste alles, was er tat, laufen lassen. Es war Ihre Aufgabe, herauszufinden, dass er Sie liebte und dass Sie nicht da wären, wenn er Sie nicht persönlich dort haben wollte.

Ich zog 1967 nach San Francisco und kam hierher zurück. Und während ich in San Francisco weg war, tat sich Willie Murphy mit Spider John Koerner zusammen und sie hatten ihren Rekord. Laufen, Springen, Stillstehen, für Elektra Records. Es ist ein fantastisches, bahnbrechendes Album, und ich habe die Musik von John Koerner schon immer geliebt.

Die Leute hatten viel Spaß. Die meisten Leute waren ziemlich gut ausgebildet und verwandte Seelen, offen in ihrem Musikgeschmack und offen für verschiedene Ideen und verschiedene Musik. Deshalb war das Album von John Koerner und Willie Murphy so großartig. Laufen, Springen, Stehenbleiben hatte Elemente von Murphys Funk- und R&B-Hintergrund, und John Koerners Art von Country-Fußstampfern, und sie miteinander zu vermischen ist ziemlich erstaunlich.

Tatsächlich ist einer von John Koerners Songs einer meiner Lieblingssongs auf Bonnies Album "I Ain't Blue", das wir gemacht haben selbst.

["I Ain't Blue" von Spider John Koerner und Willie Murphy]

Andrea Swenson: Nach dem Erfolg von Laufen, Springen, Stillstehen, Willie Murphy wurde ein Job als Hausproduzent bei Elektra Records angeboten, aber er lehnte ab, um in Minneapolis zu bleiben. Er hatte angefangen, Jam-Sessions zu leiten, sowohl in Cedar-Riverside als auch in seinem Haus in der Nähe der 26th Street und der Nicollet Avenue, und 1970 berief er ein Treffen ein.

Eugen Hoffmann: Willie sah uns alle nur an und sagte: "Ich gründe hier eine Band. Wenn du damit Geld verdienen willst, kannst du genauso gut jetzt gehen, denn wir werden nur knallharte Tanzmusik und Originale spielen." und wie James Brown."

Maurice Jacox: Wir wollten nicht speziell eine gemischte Band sein. Er wandte sich einfach an die Leute, die er in einer Band haben wollte, und die Tatsache, dass es eine integrierte Band war, war ihm egal. Es gab eine Zeit in Minneapolis Mitte bis Ende der sechziger Jahre, in der keine schwarze Band in Minneapolis Arbeit bekommen konnte und kein Schwarzer in einer Band in der Innenstadt von Minneapolis sein konnte. Und dann begann sich das um '67 oder '68 herum zu ändern. Es gab eine Band namens Amazers, die einen schwarzen und einen weißen Schlagzeuger hatte, und sie bezeichneten ihn als Albino – den Schlagzeuger, der später bei Sly & the Family Stone und Robin Trower spielte – Bill Lordan war sein Name.

Murphy spielte in einigen dieser Bands und spielte Bass – der einzige Weiße in einer schwarzen Band. Und so kamen sie in einige dieser Clubs – zumindest hatten sie einen Weißen in der Band.

Andrea Swenson: Die Musiker machten es aus Liebe, denn das Geld war nicht besonders gut.

Eugen Hoffmann: Wir haben fast nichts gemacht. Ich habe meine alten Kalender hier und schaue sie mir gelegentlich an, wahrscheinlich weniger als 12 Dollar pro Nacht. Willie hat nie das Honorar eines Anführers genommen. Als wir all diese Bars eröffneten, bekamen wir 12 Dollar pro Nacht, weil sie uns über ein Fass hatten. Diese Barbesitzer würden sagen: "Wir sind es gewohnt, einen Dreier zu bezahlen."

Maurice Jacox: In den frühen Tagen konnte man eine sieben- oder achtköpfige Band für 200 Dollar spielen lassen. Zeitraum. Für die ganze Band. Und das ging jahrzehntelang so.

Andrea Swenson: Spider John Koerner und Willie Murphy erinnerten sich beide daran, dass sie im Osten spielten, als sie Bonnie Raitt zum ersten Mal trafen.

Spinne John Körner: Der Grund, warum sie mit Dave Rays Outfit und damit auch mit Willie in Kontakt kam, war vielleicht mein Vorschlag, denn ich glaube nicht, dass sie die Szene hier draußen besonders kannte, bevor sie mich kennenlernte.

Willie Murphy: Ich habe Bonnie Raitt—Koerner und mich kennengelernt, als wir in den 60ern zusammen gespielt haben. Wir haben viel in Boston gespielt, das war unsere zweite Heimat. Sie war also zur Schule gegangen oder ging zur Schule in Radcliffe, einer dieser großen Schulen. Sie war also ein Fan von uns, und sie war selbst eine aufstrebende Spielerin und Sängerin.

Andrea Swenson: Bonnie Raitt wurde in Burbank, Kalifornien, geboren, zog aber in den Osten, während ihr Vater sich durch eine Reihe von Hit-Musicals sang: "Oklahoma!", "Carousel", "Annie Get Your Gun" und "Kiss Me Kate". Die Familie Raitt praktizierte Quäker, und wie Eugene Hoffman aus erster Hand sah, ist sozialer Aktivismus ein fester Bestandteil von Bonnies Leben geblieben.

Eugen Hoffmann: Ich habe schnell gesehen, dass sie, egal wohin sie ging, immer wusste und immer noch tut, was in dieser Stadt oder diesem Viertel politisch vor sich geht. Sie würde die New York Times lesen, bevor sie überhaupt frühstückte. Ich bin sicher, das tut sie immer noch.

Andrea Swenson: Bonnie bekam ihre erste Gitarre im Alter von acht Jahren als Weihnachtsgeschenk. Mit zehn Jahren spielte sie die Slide-Gitarre ihres Großvaters und besaß eine rote Guild-Darmsaiten-Akustik. Während ihre Eltern auf Tournee waren, brachte das Dienstmädchen der Familie ihre Familie und ihre Platten vorbei und brachte Bonnie und ihre Brüder zur Musik von Jimmy Reed und Ike & Tina Turner. Mit vierzehn wurde sie Blues-Anhängerin und als Teenager beschäftigte sie sich mit Volksmusik. Auf der Americana Music Conference 2012 sagte Bonnie der Autorin Ann Powers, dass ihr vielseitiger Geschmack tief verwurzelt sei.

Bonnie Raitt: Es ist für mich selbstverständlich. Ein Teil davon ist in einer musikalischen Familie aufgewachsen, die eine breite Palette von Geschmäckern hatte. Wir wurden Mahalia Jackson und Louis Armstrong und Art Tatum sowie der gesamten Broadway-Welt meines Vaters ausgesetzt.

Es gab einen kulturellen Umbruch zwischen Beatmusik und Beatniks und der Gegenkultur, die sich abspielte. Ich bin ein Kind meiner Zeit, daher finde ich es nicht sonderlich überraschend, dass mir Lenny Welchs "Since I Fell For You" neben "Bluebird" von Buffalo Springfield neben Sippie Wallace gefallen hat. Ich liebte Volksmusik. Ich kam aus dem Sommercamp mit den Betreuern, die uns anführten und Joan Baez nachahmten. Natürlich wollte ich so sein wie die beiden. Ich habe mich gleichzeitig als kleines Kind in R&B und Rock'n'Roll verliebt. Ich konnte den Unterschied zwischen Little Richards Version und Pat Boones Version erkennen.

Andrea Swenson: Wir werden nach dieser Pause mehr von Bonnie Raitt über die Entstehung ihres ersten Albums erfahren.

[Musik blendet aus, dann aus]

Andrea Swenson: Bisher haben wir über die Musikszene im Westjordanland gesprochen, die Ende der 60er Jahre kultiviert wurde und die Inspiration und musikalisches Rückgrat für Bonnie Raitts Debütalbum darstellen sollte.

Während Willie Murphy in Minneapolis seine Stimme fand, studierte Bonnie Raitt am Radcliffe College in Massachusetts mit dem Hauptfach Afrikawissenschaften. Aber bald verbrachte sie Zeit in Philadelphia mit Dick Waterman, dem Manager einer Reihe von Bluesmen, deren Karrieren in den sechziger Jahren wiederbelebt wurden, wie Son House, Mississippi Fred McDowell und dem Duo Buddy Guy und Junior Wells.

Bald war Waterman, der 33 Jahre alt war, mit der achtzehnjährigen Raitt zusammen, und sie holte sich Spieltipps von seiner Liste. Sie begann als Vorgruppe aufzutreten. Und während sie von den Meistern lernte, wie die Kritikerin Jewly Hight bemerkte, bewies sie auch, dass sie in ihre Welt gehörte.

Judenhöhe: Vor einigen Jahren habe ich den Singer/Songwriter und Gitarristen Chris Smither interviewt, der sie in diesen frühen Jahren kannte. Er sagte, er sei eines Tages einfach umgehauen. Er hatte keine Ahnung, dass sie eine Gitarristin war, geschweige denn eine ernsthafte Gitarristin, und dann hörte er sie Bottleneck spielen und war wirklich beeindruckt und nahm sie sofort ernst.

Andrea Swenson: 1970 nahm Bonnie ein Semester Urlaub, um mit Waterman auf eine Tournee der Rolling Stones durch Europa zu gehen, die Buddy Guy und Junior Wells eröffneten. Das bedeutete, dass sie die Anmeldefrist für ihr nächstes Semester versäumte und Bonnies Eltern sie finanziell unterbrachen. Sie würde später sagen, wenn sie sich rechtzeitig zur Schule angemeldet hätte, wäre ihre gesamte musikalische Karriere möglicherweise nicht verlaufen.

Sofort kam Bonnies Repertoire zusammen – ihre erste Nacht auf der Bühne, im Second Fret in Philadelphia, spielte sie fast alles, was ihr Debütalbum machen würde. Zwei der Songs stammen von der schlauen, sexy Bluesfrau Sippie Wallace.

["Ich bin eine mächtige enge Frau" von Sippie Wallace]

["Mighty Tight Woman" von Bonnie Raitt]

Judenhöhe: Sie spielte ein paar Sippie Wallace-Songs auf diesem ersten Album und freundete sich schließlich mit Sippie Wallace an, nahm sie mit auf Tour und lenkte mehr Aufmerksamkeit auf ihre Arbeit. Sie war wirklich begeistert, eine Blues-Diva zu finden, die dieses Repertoire an Songs hatte, die sehr sexuell befreit und sehr offen, aber auch sehr ironisch und augenzwinkernd waren. Das hat ihre feministische Sensibilität und die Songs, die sie machen wollte, sehr angesprochen.

Andrea Swenson: Raitt hatte definitiv die Kontrolle, auch wenn ihre Bühnenpräsenz kompromisslos anzüglich war. Als der Singer-Songwriter Jackson Browne Bonnie zum ersten Mal sah, verglich er sie mit einer „Teenager-Mae West“.

Bald ging es ihr gut genug, um einen Bassisten einzustellen, der sich Freebo nannte. Zuvor hatte er mit den Rockern aus Philadelphia, der Edison Electric Band, gespielt, die ebenfalls von Dick Waterman geleitet wurden.

Gratis: Ich erinnere mich, dass ich ihre Solo-Akustik gesehen habe, und natürlich war sie wunderbar. Sie würde aufstehen – super süß, und sie hatte diese unglaubliche Stimme – wunderschöne Stimme. Etwa ein Jahr später rief sie mich an. Wir haben wahrscheinlich im Mai und Juni ein oder zwei Monate lang Gigs gespielt, bevor wir nach Minneapolis kamen und diese Platte machten.

Eugen Hoffmann: In den ersten zehn Jahren freundete ich mich mit Freebo an. Er kam mit Bonnie in die Stadt, und er hatte immer einen Beutel mit dem stärksten Gras an seinem Gürtel, und das machten er und ich immer mit ein paar anderen Leuten.

Andrea Swenson: Raitt erregte bald kritische Aufmerksamkeit. Im Februar 1971 wurde sie nach Los Angeles geflogen, um im Troubadour zu spielen, einem Branchentreff, in dem Linda Ronstadt, die Eagles und Joni Mitchell Stammgäste waren. Danach holte sie Angebote von fünf verschiedenen Plattenfirmen ein. Bonnie ging mit Warner Bros. Wie sie Dave Ray sagte, bedeutete der Vertrag, dass sie, Zitat, "ein Album mit krächzenden Ochsenfröschen aufnehmen konnte und sie es hätten nehmen müssen. Sie gaben ihr die vollständige künstlerische Kontrolle."

Bonnie Raitt: Als sie mir einen Plattenvertrag anboten, sagte ich: "Solange ich keine Hitsingles machen oder mein Aussehen ändern oder aufnehmen muss, was ich aufnehmen soll, kannst du mir nicht sagen, wann, mit wem, oder was ich aufnehmen soll. Und es ist mir egal, ein Star zu sein, wenn du damit einverstanden bist."

Anna Powers: Und sie sagten?

Bonnie Raitt: Und Warner Bros. sagte: „Weißt du was? Wir verdienen unseren Lebensunterhalt mit Deep Purple und Black Sabbath.Sie bezahlen für Randy Newman, Ry Cooder, dich und Little Feat." Weißt du was ich meine? [Publikum lacht, applaudiert]

Anna Powers:Das waren die Tage.

Bonnie Raitt: Und deshalb sagte ich: "Wenn du mir wirklich die Autoschlüssel geben willst, ist mir ein Vorschuss egal. Ich verdiene gutes Geld." Für die erste Platte gaben sie mir vierzig Riesen. Ich habe einen Volvo gekauft—whoo! Und der Rest ging zu Snaker Dave Rays Plattenlabel und verteilte sich unter den Musikern in Minneapolis, wo ich es gemacht habe.

Andrea Swenson: Dave und Sylvia Ray hatten ihre Ausrüstung nur wenige Monate vor Bonnie Raitts Ankunft in der Stadt gekauft. Anstelle von High-End-Aufnahmegeräten mit 16 Spuren, die 1971 die Norm waren, kauften die Rays einen einfachen Vierspur-Recorder.

Maurice Jacox: Jane Truax —Sylvias Tante leiht Dave das Geld, um das Crown-Aufnahmegerät zu kaufen, das wir benutzten. Mit dem Geld, das wir mit dem Album verdienten, bezahlte er Jane und gründete seine eigene Plattenfirma, die er Sweet Jane Records nannte, nach ihr benannt.

Andrea Swenson: Wo die Band aufgenommen wurde, ist eine eigene Geschichte. Das Album bezeichnet den Aufnahmeort als "Sweet Jane Ltd. Studios", aber der eigentliche Ort war eine Garage auf Enchanted Island, einem kleinen Stück Land im Lake Minnetonka – 25 Kilometer westlich von Minneapolis in der Stadt Minnetrista. Die Insel hat ihren Namen von ihrer Geschichte als heiliger Boden von Dakota. Heutzutage beherbergt es private Residenzen und einen Yachtclub.

Gratis: Es war rustikal, funky, viel Wald. Was zum Studio wurde, war wie eine Schlafhütte. Es gab keine Kojen. Es war wie ein leerer Raum, und wir haben ihn einfach mit Schallwänden und Mikrofonen geschaffen und hatten das Klavier drin – ein Klavier mit Sattel, Verstärker und Schlagzeug und haben daraus ein Studio gemacht.

Eugen Hoffmann: Jeder hat all seine Freunde mitgebracht. Es war jeden Abend ein großes Frei-für-Alles. Bonnie setzte sich in ihrem Zimmer auf, das auf dem Cover des Albums steht. Wir kamen jede Nacht raus. Es war eine lange Fahrt, die immer mehr Freunde brachte.

Maurice Jacox: Die Leute brachten mit, wen sie zu dieser Zeit sahen. Sie haben sie dort herausgebracht. Ich habe ein- oder zweimal jemanden herausgeholt, das stimmt. Es gab diese Hütten. Sie konnten eine eigene Hütte für die Nacht finden und viel gutes Essen, das in der Gemeinschaftsküche des Lodgehauses zubereitet wurde. Zwanzig Pfund Brathähnchen & #8212 viel Essen. Sie hatten große lange Tische. Es war ein großartiger Ort, um zu kommen und abzuhängen.

Bonnie brachte ihren Bruder Steve und Steves Frau Joyce mit, und Joyce kochte. Wir haben dort im Camp in den Hütten gewohnt, sind Wasserski gefahren und haben Volleyball gespielt und gut gegessen.

Willie Murphy: Ich glaube, wir waren wahrscheinlich mindestens einen Monat draußen. Es war, als würden die Leute morgens aufstehen und vom Dock fischen. Nach ein paar Wochen mehr oder weniger Herumlaufens—aber ich war gerade dabei, die Musik zusammen zu bekommen—Bonnie sagte: "Meinst du nicht, wir sollten mit den Aufnahmen beginnen?" Und das haben wir getan. Und das war es. Ich finde, es ist ein wirklich gutes Album.

Maurice Jacox: Wir haben die meisten Aufnahmen zwischen Mitternacht oder 1:00 Uhr morgens und 6:00 Uhr morgens gemacht, weil der See damals wirklich ruhig war. Und auch, die ganze Nacht wach zu bleiben und zu spielen, die Leute schliefen nachmittags bis zum Sommer, bevor sie sich für den Tag bewegten.

Wir nahmen in der Garage und außerhalb der Garage auf, und die Crown-Aufnahmegeräte, die Dave Ray gekauft hatte, waren oben. Wenn ein Mikrofon angepasst werden musste, musste Dave die Treppe hinunter und in die Garage kommen und das Mikrofon einstellen und wieder nach oben gehen und es sich anhören, manchmal ging er 30 Mal in einer Sitzung auf und ab. Es gab einige Male "'Finest Lovin' Man', nimm fünfzehn."

Eugen Hoffmann: Dave Ray ging in die Garage und baute dann auf einem Dachboden in der Garage einen Crown Four-Track zusammen, und dann spielten die Hupen auf dem Parkplatz, und da es ein Four-Track war, war es live. Es gab kein Overdubbing. Ein Flugzeug würde überfliegen und wir mussten aufhören zu spielen.

Andrea Swenson: Bonnie, Willie und die Bienen hinterließen bei den Bewohnern der Gegend einen starken Eindruck.

Bonnie Raitt: Ich habe viele Leute, die tatsächlich draußen am See leben, die backstage kommen und mich an verschiedenen Orten begrüßen. Neulich haben wir hier in San Diego County gespielt, und jemand kam und sagte: "Ich habe in der Straße gelebt, in der du dein erstes Album gemacht hast." Es ist also ein unauslöschlicher Teil meiner Geschichte.

Andrea Swenson: Wir sprachen mit der Westonka Historical Society—unseren Freunden aus der Andrews Sisters-Episode, die wir Anfang dieser Staffel geteilt haben—und sie gaben uns eine getippte Kopie dieser Geschichte von John Maxwell aus Minnetrista, die wir leicht bearbeitet haben. Hier ist, woran er sich erinnerte, als er neben Bonnie and the Bees lebte, gelesen von unserem Kollegen Jay Gabler:

Jay Gabler: „Es war der Sommer 1971 und Bonnie Raitt und viele Musiker waren in einer winzigen zweistöckigen weißen Garage neben uns in der 4000 Enchanted Lane versteckt. Es war ein verlassenes Sommer-Leselager, wenn ich mich erinnere unser Gras wöchentlich auf einem ziemlich lauten John Deere Aufsitzrasenmäher zu mähen, der dieser weißen Garage sehr nahe kommen würde.

Dann, eines Nachmittags im August, schlenderte ein rothaariges Mädchen zu meinem Vater und winkte ihn herunter, um sich zu unterhalten. Sie erklärte, dass sie und ihre Band versuchten, Musik auf Tonband aufzunehmen und dass seine Mähgeräusche immer wieder auf das Tonband kamen! Sie führten ein freundliches diplomatisches Gespräch und er erklärte sich bereit, an bestimmten Tagen oder Stunden der Woche (ich kann mich nicht mehr an die genauen Details erinnern) zu mähen, wenn sie sich erwidern würde, indem sie mitten in der Nacht keine sehr laute Musik produzierte, weil es sie störte unsere Familie und unser Schlaf. Er musste jeden Morgen um 3.30 Uhr zur Arbeit aufstehen und sie würden dort nebenan bis zum Morgengrauen jammen. Ich persönlich kann mich noch an die Schreie einer Mundharmonika erinnern, die nachts durch meine Schlafzimmerwände drang."

Andrea Swenson: Einer der Songs, zu denen die Band jammte, war "Big Road", ursprünglich aufgenommen im Jahr 1928 von dem Delta-Bluesmann Tommy Johnson, der später die gleichnamige Figur in dem Film O Brother, Where Art Thou? der Coen Brothers inspirierte. Für die Aufnahme von Johnsons "Big Road" spielte Freebo sein Originalinstrument, die Tuba.

["Big Road" von Bonnie Raitt]

Gratis: Es war ihr Vorschlag, darauf Tuba zu spielen, und irgendwie kann ich mich nicht erinnern, wer die Tuba hatte, aber ich lieh sie mir von jemandem und spielte Tuba auf jeder ihrer ersten sechs Platten.

Andrea Swenson: Die Arrangements anderer Songs waren ebenso experimentell.

Maurice Jacox: Bei diesem Song, "I Ain't Blue", dem Song von John Koerner, haben wir versucht, etwas für Percussion zu finden. Wir wollten kein Schlagzeug benutzen. Congas klang nicht gut. Bongos klang nicht gut. Clave klang nicht gut. Wir wollten nur dieses kleine entspannte Ding zur Gitarre und Bonnies Gesang.

Wir haben versucht, "I Ain't Blue" zu machen und einen Sound zu finden, der für Percussion geeignet wäre, und wir haben schließlich —da wir Badminton gespielt hatten, den Federball vom Badminton genommen, und einen 16 oz. Bierbecher, und die Leute machten [leise klatschen] so leise, und dann [ein leises Geräusch nachahmend] ließen sie den Federball um den Becher herumlaufen und hielten ihn an das Mikrofon, und das ist die Perkussion darauf.

[„Ich bin nicht blau“ von Bonnie Raitt]

Andrea Swenson: Bald gesellten sich zu Bonnie und den Bienen einige auswärtige Gäste. Eugene Hoffman erinnert sich daran, mit ein paar klassischen Chicagoer Bluesmen gespielt zu haben.

Eugen Hoffmann: Junior Wells kam mit seinem Chauffeur, Bob, der der große, schwergewichtige Typ auf der Rückseite des Albums war, ganz auf dem rechten Bild —big Cadillac—er saß da ​​draußen auf dem Dock, während wir die Platte machten und fischen nach kleine crappies und sunnies für einen ganzen Monat.

Ich saß auf der Veranda mit A.C. Reed—Jimmy Reeds Bruder. Er war wirklich nicht so bekannt, aber er war ein fester Bestandteil der Chicagoer —Sax-Spieler. Später brachte er einige seiner eigenen Platten heraus. Alle waren hin und weg, weil wir auf der Veranda saßen, als Marvin Gayes "What's Going On" herauskam. Das war eine Art Meilenstein.

Andrea Swenson:Trompeter Voyle Harris ging ein. Extraschritt für sein Solo auf "Women Be Wise".

Eugen Hoffmann: Wenn man sich die Rückseite der Platte anschaut, die ich heute gemacht habe, hat er diese Melodie aus irgendeinem unbekannten Grund nackt vor ihr gespielt. Ich weiß nicht, warum er das getan hat, aber es steht hier sogar geschrieben.

Andrea Swenson: Die Aufnahme des Albums dauerte vier Wochen.

Maurice Jacox: Wir blieben unter der Woche dort und kamen rein und machten unseren Auftritt. Wir spielten freitags und samstags in der Joint Bar, die vor dem Cabooze war. Wir spielten im Triangle, wo die Bläser die Bar entlanggingen und Kicks machten. Dafür waren wir berühmt. Als wir dort zum ersten Mal spielten, stand die halbe Band auf einer Decke über dem Billardtisch. Die andere Hälfte der Band stand auf dem Boden, und schließlich bauten sie eine Bühne, zu der man eine Leiter hinaufsteigen musste, mit einem Geländer drumherum.

Und so haben wir versucht, den Kerl mit unseren Freigetränken aus dem Geschäft zu treiben. Und so kamen wir für diese drei Wochen am Freitag und Samstag und spielten den Gig, und für diese Zeit war Bonnie einer unserer Gitarristen. Und als wir dann A.C. Reed und Junior Wells mitbrachten, um auf dem Album zu spielen, kamen sie an den Wochenenden mit uns in die Stadt und spielten.

Bonnie liebte es auch, unsere Sachen zu spielen – verdammt guter Gitarrist. Sie kannte ihre Musik und sie kannte auch viele R&B-Songs. Sie lief also nicht nur herum oder faulenzte. Sie war ein fester Bestandteil der Band.

Andrea Swenson: Nicht jeder liebte jedoch den harten Partystil von Willie and the Bees. Dick Waterman, Bonnies Manager, war einer von ihnen.

Maurice Jacox: Er wollte Bonnie so schnell wie möglich von uns wegbringen. Jesus Christus, er konnte die Dinge in Rauch aufgehen sehen. Er konnte sehen, welchen schlechten Einfluss wir auf sie hatten. Bonnie hat mit uns getrunken. Bonnie könnte etwas Schnaps runterschütten. Bonnie musste schließlich in Behandlung, wie fast alle Bees. Bonnie hatte viel Spaß mit uns, und das passte Dick Waterman nicht sonderlich gut.

Die meisten Mitglieder der Band missbrauchten ernsthaft Alkohol. Wir wurden als die betrunkenste Band Amerikas bezeichnet und jeder wusste es. Die Leute kamen zu den Bees-Gigs, um zu sehen, ob wir die Nacht auf unseren Füßen überstehen würden. Damals, um 1971, gab es ein Musikmagazin namens Connie's Insider, und sie hatten Karikaturen auf dem Titelblatt des Magazins, und eine Karikatur der Bienen lässt uns auf der Bühne stehen – wahrscheinlich irgendwo wie der Cabooze Bar oder der Joint Bar. 8212us stehen auf der Bühne in Flaschen und Gläsern und Bierdosen zu unseren Füßen. Das war ziemlich genau.

Andrea Swenson: Die Rückseite des Albums zeigt eine Gruppenaufnahme der gesamten Truppe von Musikern, Freunden und Kumpels – insgesamt achtzehn Personen, die in zwei losen Reihen vor den schicken Autos der Chicagoer Bluesmen sitzen und stehen, Stoßstange an Stoßstange geparkt.

Maurice Jacox: Sowohl AC Reed als auch Junior Wells kamen aus Chicago. Er fährt einen Cadillac, und A.C. Reed ist selbst gefahren, und Junior hatte einen Fahrer, Bob, und wer auch immer die Idee war, die Cadillacs so in ein V zu setzen, und jeder soll in das V der Cadillacs stellen. Er stellte den Schuss. Wir verbrachten den halben Nachmittag draußen, um die Aufnahme genau so zu machen, wie sie es wollten.

Gratis: Mit einem Haufen Musiker ist es wie das Hüten von Katzen, also ist es eine Frage, dass alle reden und manche Leute in die Kamera schauen, andere nicht. Sie können die Spontaneität dieses Fotos sehen und die Art, den Reifen und die Tuba und all diese verschiedenen Dinge abzunehmen. Ich schaue mir dieses Bild an und es versetzt mich sofort zurück in diesen Tag.

Zu diesem Zeitpunkt hatten wir die Platte mehr oder weniger fertig und alle waren wirklich glücklich. Es war eine Familie – man kann es auf der Platte hören, und alles geht auf Bonnie zurück, indem sie sagte: „Ich möchte eine Party haben. Ich möchte das schaffen. Ich habe 40.000 Dollar von Warner Bros Mache jede Platte, die ich will, wo immer ich will, und das ist es, was ich tun möchte."

Andrea Swenson: Es war jedoch nicht unbedingt das, was Warner Bros. von ihr wollte.

Gratis: Ich glaube nicht, dass es ihnen gefallen hat. Ich glaube, es hat ihnen gar nicht gefallen. Ich glaube, sie waren wirklich enttäuscht. Sie waren enttäuscht von der Klangqualität, den Mixes, dem Ganzen. Es ist buchstäblich eine Garagenband und es klingt sehr seltsam. Andere Leute hörten es sich an und sagten: "Oh mein Gott, das ist so schlecht aufgenommen. Warum haben sie es nicht so gemacht?"

Wenn Sie auf vier Spuren aufnehmen, gibt es all diese kleinen Spuren und alles wurde gleichzeitig aufgenommen, und wenn Sie keine Spur speichern, gibt es nichts, zu dem Sie springen können. Sie können also nicht über etwas aufnehmen, das bereits aufgenommen wurde, oder Sie löschen es. Wenn du also aufnimmst, besonders wenn es die ganze Band sein soll, hast du Schlagzeug, Bass, Akustikgitarre, E-Gitarre, Hörner, Klavier, Hauptstimme, Hintergrundstimme.

Jeder muss gleichzeitig organisiert sein, und dies ist wirklich das erste Mal, dass Dave das jemals getan hat, also wirklich, wenn man sich die Platte anhört, ist sie wunderschön in ihrer Unvollkommenheit und fängt im Wesentlichen ein, was Bonnie tun wollte.

Andrea Swenson: Was die Hörer des Albums beeindruckte, war, wie Raitt es getan hatte, als sie angefangen hatte, in Clubs zu spielen, wie übernatürlich reif sie als Künstlerin war. Bei der Überprüfung des Albums wies das Musikfachmagazin Cash Box auf "ihre gemeine Slide-Gitarre" hin und kam zu dem Schluss: "Dies ist kein einfaches, kategorisches Debüt. Es ist ein äußerst angenehmes, vielseitiges Spiegelbild ihrer selbst." The Village Voice empfahl ihr "einfache, erwachsene Interpretationen aus einem vielseitigen Repertoire auf Country-Blues-Basis, unterstützt von einem schönen rollenden Back-up."

Im Dezember dieses Jahres kehrte Raitt nach Minneapolis zurück, als Vorgruppe von Randy Newman im Guthrie Theatre. In einer Rezension der Show erwähnte The Minneapolis Star „die acht Begleiterinnen von Miss Raitt, die auf ihren Vorschlag hin ein- und ausgingen“. Es waren natürlich die Hummeln, begleitet von A. C. Reed am Saxophon.

Maurice Jacox: Wir gingen nach St. Cloud und spielten im Juli eine Outdoor-Show auf dem Sportplatz bei 90 Grad oder so. Es waren Bonnie, the Bees, Charlie Musselwhite, Big Mama Thornton und ein paar andere Leute in dieser Show.

Andrea Swenson: Die Bees saßen wieder mit Bonnie zusammen, als sie im Oktober 1973 im Marigold Ballroom, einem ehemaligen Bigband-Ballsaal in der Nicollet Avenue in der Innenstadt von Minneapolis, spielte. Es war ein "verkrampftes und verschwitztes Publikum von 1.700", berichtete der Star. Und Bonnie mochte das Cabooze, das sie im August 1974 spielte, noch mehr. Auch bei dieser Show öffneten die Bienen für sie.

Schließlich wurde Bonnie Raitt dank des Grammy-prämierten Erfolgs ihres 1989er Albums Nick of Time zu einer amerikanischen Ikone. Ihr Bruder Steve, der sie in die Twin Cities begleitet hatte, um ihr Debütalbum zu machen, gefiel der Ort so gut, dass er dort blieb, eine hochmoderne Soundsystem-Firma, Pro Line, gründete und als Toningenieur arbeitete für die Lamont Cranston Band und andere.

Maurice Jacox: Er und Dave Ray verbanden sich ziemlich ernsthaft, und als Dave Ray ein Stück Land in Cushing, MN, kaufte, waren Steve und Dave zu dieser Zeit Partner, und sie bauten ein Aufnahmestudio in Cushing, MN baute es buchstäblich, wie Gießen Platte im November.

Die Leute wussten nicht, dass sowohl Bonnie als auch Steve Wasserski-Meisterschaften waren, und Steve war so ein Motorkopf, dass ein Jeep, den er gebaut hatte, auf dem Cover des Hot Rod-Magazins stand. Er war Motorenbauer. Er hatte ein Skiboot mit 350 PS – ein Skiboot aus Sperrholz – unglaublich, 70 Meilen pro Stunde.

Andrea Swenson: Über ihren Bruder und ihre alten Kollegen hielt Bonnie auch lokale Verbindungen.

Maurice Jacox: Sie hat hier Immobilien gekauft. Bonnie kaufte Land am Bald Eagle Lake in White Bear Lake. Sie kaufte dort Land und ein Haus, das auf dem Grundstück stand. Sie hatte es vielleicht zwanzig Jahre lang. Das Erste, was sie taten, als sie das Haus bekamen, war, dass Steven einen Slalomkurs auf dem See machte, sein Skiboot herausbrachte und dann hatten wir ein zweistöckiges Hausboot namens Ship of Fools – wir hatten Grills und Dinge im Boot. Wir schleppten das Boot und ankerten es mitten im See und schleppten sein Skiboot zum Ship of Fools und wir machten Wasserskifahrten auf der Slalomstrecke.

Andrea Swenson: Nach einem langen Kampf gegen Hirntumor starb Steve Raitt 2009. Minneapolis verlor auch Willie Murphy im Januar 2019. Als Bonnie von Willies Tod hörte, schrieb sie bei seinem Gedenkkonzert eine Nachricht für die Menge. Unsere Produzentin Cecilia Johnson war bei dieser Show im Cabooze im Februar 2019 und sie sah zu, wie Moderator Bobby Vandell diese Nachricht für die Menge las.

Bobby Vandell: Ich habe Ihnen versprochen, Ihnen vorzulesen, was Bonnie Raitt geschrieben hat. Also lese ich es dir vor, das ist von Bonnie Raitt:

"Hallo aus Tulsa, hier auf Tour. Es tut mir leid, dass ich nicht bei dir sein konnte, um Willie persönlich zu feiern, aber im Geiste bin ich bei dir. Was für eine unglaubliche Aufstellung und wie perfekt du bist Ich bin direkt im Cabooze. Ich kann immer noch nicht glauben, dass er weg ist. Willie hat mein Leben in vielerlei Hinsicht verändert. Als ich 1971 mein erstes Album produzierte, brachte er mir bei, wie man Platten macht, mit einer Band arbeitet und vieles mehr vor allem, wie man dem absolut treu bleibt, was ich wusste, dass es nur für mich richtig klang. So lebte und spielte er sein ganzes Leben lang seine Musik.

Ich teilte ihm, zusammen mit John, Dave und Tony, auch die Abneigung, irgendeinen Teil von mir zu verbiegen, um den Normen dessen zu entsprechen, was das Musikgeschäft vielleicht verkaufen würde. Es ist derselbe wilde Außenseiter, der ihn außerhalb der Zwillingsstädte kriminell unterschätzt hat. Aber sein Einfluss und seine Wertschätzung durch diejenigen, die es wirklich wissen, werden sein bleibendes Vermächtnis sein. Er war ein musikalisches Genie, ein virtuoser Wegbereiter als Songwriter, Multi-Instrumentalist, Hornarrangeur und Produzent und wahrhaftig einer der knallharten Sänger, die wir jemals hören werden.

Einige meiner Lieblingserinnerungen werden immer an die Gigs von Willie and the Bees im Cabooze and the Joint sein, mit meinem Bruder Steve am Resonanzboden und mit einigen der besten Musiker. Viele von euch sind heute Abend da. Immer noch eine der besten und funkigsten Musikszenen in Amerika. Ich bin so dankbar, Willie gekannt zu haben. Mögen wir ihn weiterhin in der Musik, die wir spielen, feiern, in der Scheiße, die wir nicht nehmen, und in den Versprechen, die Musik so funky wie echt zu halten. Wir werden dich vermissen, Will. Hab heute eine tolle Party zu seinen Ehren und spiele eine für mich. Ich sende euch allen meine Liebe."

["Winging It" von Lazerbeak]

Andrea Swenson: Der aktuelle Rücklauf wird von Cecilia Johnson produziert. Michaelangelo Matos ist unser Autor, Marisa Gonzalez Morseth ist unsere wissenschaftliche Mitarbeiterin und Brett Baldwin ist unser Managing Producer. Unsere Titelmusik ist "Winging It" von Lazerbeak aus dem Album Luther. Johnny Vince Evans hat diese Episode gemeistert.

Danke an unsere Gäste: Eugene Hoffman, Maurice Jacox, Cyn Collins, Spider John Koerner, Jewly Hight und Freebo. Danke an Folk Alley und Bonnie Raitt für die Erlaubnis, archiviertes Interview-Audio zu verwenden, und danke an Willie Murphy für die ganze Musik. Auch Bluesmusiker Paul Metsa und das Team der Westonka Historical Society lieferten für diese Episode wertvolle Einblicke.

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Musiker Steve Raitt, Bruder der Sängerin Bonnie Raitt, gestorben

Es gab eine Zeit, in der man als Twin Cities-Sänger, der eine neue Band zusammenstellte, als erstes den Toningenieur Steve Raitt anrief.

"Er war der Soundman eines Sängers", sagte Patty Peterson, seit den 1970er Jahren eine prominente Sängerin der Twin Cities. "Er konnte Gesang wirklich wie Samt klingen lassen."

Vielleicht liegt das daran, dass Raitt, Sohn von Broadway-Star John Raitt und älterer Bruder von Rock and Roll Hall of Famer Bonnie Raitt, selbst ein ziemlich fairer Sänger war.

"Er sang ein oder zwei Lieder pro Nacht und die Leute fragten sich, warum er nicht mehr sang", sagte Peterson, der mit Raitt in der T.C. Störsender. "Er hatte nicht das Ego, um ein Star zu sein. Steve fühlte sich wohl, der Support-Typ zu sein."

Raitt, eine feste Größe in der Twin Cities-Musikszene der 1970er bis 1990er Jahre, starb am Samstag in Los Angeles an Hirntumor. Er war 61.

"Obwohl wir sehr traurig sind, dass er seinen tapferen achtjährigen Kampf verloren hat, sind wir erleichtert zu wissen, dass sein Kampf vorbei ist und er jetzt wirklich frei ist", sagte Bonnie Raitt in einer E-Mail am Sonntag. „Seit letztem Sommer kämpfte er mit Lähmungen auf der linken Seite und seit den Ferien mit Blindheit – alles aufgrund eines zweiten Tumors, der letzten Sommer diagnostiziert wurde.

"Ich stand Steve näher als jeder andere in meinem Leben, also kannst du dir vorstellen, wie ich mich fühle.

"Wir wurden mit Anrufen und Nachrichten überschüttet, seit wir die traurigen Nachrichten geteilt haben, und ich bin so unglaublich bewegt von dem Einfluss, den er auf so viele Leben hatte."

Nachdem Raitt 2001 von Ärzten der Mayo Clinic sechs Monate zu leben bekommen hatte, wechselte er von der westlichen zur östlichen Medizin, sagte Bobby Vandell, Schlagzeuger aus Minneapolis, einer seiner engsten Freunde, der einen Großteil der letzten drei Wochen mit ihm verbracht hatte. "Er machte eine makrobiotische Diät. Wie Bonnie immer sagte, dieser Typ hatte die Disziplin eines Yogameisters. Der Krebs ging in Remission. Er wurde ein wettbewerbsfähiger Wasserskifahrer und sah aus wie ein Bodybuilder."

Raitt, geboren in Van Nuys und aufgewachsen in Los Angeles, zog 1971 in die Twin Cities, als seine Schwester in einer Scheune am Lake Minnetonka mit Twin Cities Blues-Star Willie Murphy (Produzent) und Dave . ihr erstes Warner Bros.-Album aufnahm Ray (Ingenieur). Nachdem er sich in den größten See der Twin Cities verliebt hatte, blieb Raitt als Tonmann für Willie & the Bees, bevor er mit der Lamont Cranston Band, der Doug Maynard Band und dem T.C. Störsender, unter anderem.

Als Vandell die Cranstons hörte, wollte er den Toningenieur treffen, der diesen besonderen Sound mischte. "Die Art und Weise, wie er sich benahm, wie er sich kleidete, seine Körpersprache, seine Ausstrahlung war berauschend", erinnerte sich Vandell.

Raitt ist Mitbegründer von T.C. Jammer mit Vandell, Melanie Rosales und anderen. „Er fuhr den Bus, reparierte den Bus, mischte den Sound, organisierte die Straße, buchte die Band, sorgte dafür, dass alles sicher war und sang jede Nacht ein paar Songs“, sagte Vandell. "Er konnte alles reparieren. Einmal, als seine Eltern in Europa Urlaub machten, baute er den Familien-Jeep so um, dass es eine vierseitige Doppelseite im Hot Rod-Magazin war."

In den frühen 1990er Jahren half Raitt bei der Gründung von Proline Integrated Systems in Minneapolis und begann eine Karriere mit der Entwicklung modernster Home-Entertainment-Systeme. Unter seinen Kunden: Radheld Greg LeMonde und Basketball-Superstar Michael Jordan. Seine Entwürfe schafften es zweimal auf das Cover des Audio Visual Magazins.

Vor ungefähr drei Jahren zog Raitt zurück nach Kalifornien an einen privaten Wasserskisee in Sacramento. Vor anderthalb Wochen besuchten Peterson und ihre Brüder Ricky und Paul Raitt. "Wir hatten eine tolle Stunde, weil wir ihn dazu gebracht haben, mit uns zu singen", sagte Peterson.

Seine kleine Schwester fasste ihn zusammen: „Steve war ein großherziger, lebenslustiger, talentierter und kraftvoller Typ voller Leben, Humor und einem ganz besonderen Sinn für Stil. Er liebte Skifahren, Boote, Autos, Funk, R&B und Smooth Jazz. die Frau in seinem Leben... Er war ein geliebter Freund und Vater, ein großartiger Bruder und Sohn, ein hoffnungsloser Romantiker, ein funky Sänger und ein brillanter Tonmann."

Außer seiner Schwester Bonnie hinterlässt Raitt seine Partnerin Catherine, eine Tochter, Ruby, einen Sohn, Miles, einen Bruder, David, einen Enkel, Tyler, seinen Stiefvater, Jim, seine Stiefmutter Rosemary, und zwei Stiefschwestern, Dee und Sally.

Heute findet in Kalifornien ein privater Gottesdienst statt, und Vandell organisiert eine Ehrung in Minneapolis.


Bonnie Raitt

Bonnie Lynn Raitt ( / r eɪ t / [1] * 8. November 1949) ist ein US-amerikanischer Blues-Sänger, Gitarrist, Songwriter und Aktivist.

In den 1970er Jahren veröffentlichte Raitt eine Reihe von Roots-beeinflussten Alben, die Elemente aus Blues, Rock, Folk und Country enthielten. Sie war auch eine häufige Session-Spielerin und arbeitete mit anderen Künstlern zusammen, darunter Warren Zevon, Little Feat, Jackson Browne, The Pointer Sisters, John Prine und Leon Russell. 1989, nach mehreren Jahren des Beifalls von der Kritik, aber wenig kommerziellem Erfolg, hatte sie mit dem Album einen großen Hit Nick of Time. Die folgenden beiden Alben, Glück of der Auslosung (1991) und Sehnsucht in Ihre Herzen (1994), waren Multi-Millionen-Verkäufer und brachten mehrere Hit-Singles hervor, darunter "Something to Talk About", "Love Sneakin' Up On You" und die Ballade "I Can't Make". 8197You Love Me" (mit Bruce Hornsby am Klavier).

Raitt hat 10 Grammy Awards erhalten. Sie ist aufgeführt als Nummer 50 in Rollender Stein 's Liste der "100 Greatest Singers of All Time" [2] und Platz 89 auf der Liste der "100 Greatest Gitarrists of All Time" des Magazins. [3] Die australische Country-Musik-Künstlerin Graeme Connors hat gesagt: "Bonnie Raitt macht etwas mit einem Text, den niemand sonst kann, sie biegt ihn und dreht ihn direkt in dein Herz." [4]


Schau das Video: Bonnie Raitt - I Cant Make You Love Me (Oktober 2021).